Modernismo catalão foi um movimento cultural que ocorreu na Catalunha entre o final do século e o início do século XX, que se refletiu na arte (arquitetura, pintura, escultura e outras disciplinas artísticas), bem como na literatura, música e diversas manifestações culturais. Foi o culminar de um processo de renascimento cultural - o Renaixença - que significou tanto a revalorização da língua catalã como um período de esplendor em todos os campos da cultura - um dos poucos em que foi comparável a qualquer um dos principais centros artísticos da época no continente europeu -,[1] acompanhado por um período de bem-estar económico patrocinado pela ascensão da burguesia catalã e pelo seu grande desenvolvimento industrial, comercial e financeiro.
Este movimento não tem uma datação cronológica exata, embora o seu ponto de partida seja normalmente colocado na Exposição Universal de Barcelona "Exposição Universal de Barcelona (1888)") de 1888 e o seu final na Semana Trágica "Semana Trágica (Espanha)") de 1909. No entanto, vários autores situam o início e o fim alguns anos acima ou abaixo, dependendo de vários acontecimentos históricos, artísticos ou culturais. Em termos de abrangência geográfica, a principal referência é a Catalunha, embora existam obras do modernismo catalão fora do Principado, especialmente no que diz respeito à arquitetura, uma vez que vários arquitetos catalães também trabalharam no resto de Espanha e até no estrangeiro.
O Modernismo foi um movimento internacional que se desenvolveu por toda a Europa, com diferenças regionais consoante cada país, facto que é denotado pelos vários nomes que recebeu: Art Nouveau em França, Modern Style no Reino Unido, Jugendstil na Alemanha, Sezession na Áustria ou Liberty em Itália. No entanto, tal como nesses países foi um movimento predominantemente artístico, na Catalunha ocorreu em todas as áreas da cultura, facto que, somado ao peculiar selo estilístico que se desenvolveu nesta região, tem permitido falar de um modernismo "catalão" totalmente autónomo, diferenciado de outros modernismos europeus. Por outro lado, no resto de Espanha, o modernismo teve pouca implementação, com expoentes regionais também limitados ao seu âmbito territorial e não relacionados com o modernismo catalão, o que o torna um movimento singular e diferenciado.
Mais do que um estilo ou tendência, o modernismo catalão foi um movimento cultural que procurou modernizar e regenerar a cultura catalã. Foi um movimento inovador e original, que procurou através da arte – expressa em todas as suas facetas – construir uma cultura moderna com signo nacional, mas ligada às novas correntes europeias. Este movimento concebeu a arte como um fenómeno universal e defendeu a interdependência de todas as artes. O modernismo ligado ao renascimento cultural iniciado pela , mas com o desejo de modernizá-lo, de integrar a cultura catalã na vanguarda europeia. Inspirado em tendências como , defendeu a integração de todas as artes, desde a arquitectura e as artes plásticas ao design gráfico e às artes aplicadas e industriais, bem como ao design e design de interiores.
Modernismo Catalão
Introdução
Em geral
Modernismo catalão foi um movimento cultural que ocorreu na Catalunha entre o final do século e o início do século XX, que se refletiu na arte (arquitetura, pintura, escultura e outras disciplinas artísticas), bem como na literatura, música e diversas manifestações culturais. Foi o culminar de um processo de renascimento cultural - o Renaixença - que significou tanto a revalorização da língua catalã como um período de esplendor em todos os campos da cultura - um dos poucos em que foi comparável a qualquer um dos principais centros artísticos da época no continente europeu -,[1] acompanhado por um período de bem-estar económico patrocinado pela ascensão da burguesia catalã e pelo seu grande desenvolvimento industrial, comercial e financeiro.
Este movimento não tem uma datação cronológica exata, embora o seu ponto de partida seja normalmente colocado na Exposição Universal de Barcelona "Exposição Universal de Barcelona (1888)") de 1888 e o seu final na Semana Trágica "Semana Trágica (Espanha)") de 1909. No entanto, vários autores situam o início e o fim alguns anos acima ou abaixo, dependendo de vários acontecimentos históricos, artísticos ou culturais. Em termos de abrangência geográfica, a principal referência é a Catalunha, embora existam obras do modernismo catalão fora do Principado, especialmente no que diz respeito à arquitetura, uma vez que vários arquitetos catalães também trabalharam no resto de Espanha e até no estrangeiro.
O Modernismo foi um movimento internacional que se desenvolveu por toda a Europa, com diferenças regionais consoante cada país, facto que é denotado pelos vários nomes que recebeu: Art Nouveau em França, Modern Style no Reino Unido, Jugendstil na Alemanha, Sezession na Áustria ou Liberty em Itália. No entanto, tal como nesses países foi um movimento predominantemente artístico, na Catalunha ocorreu em todas as áreas da cultura, facto que, somado ao peculiar selo estilístico que se desenvolveu nesta região, tem permitido falar de um modernismo "catalão" totalmente autónomo, diferenciado de outros modernismos europeus. Por outro lado, no resto de Espanha, o modernismo teve pouca implementação, com expoentes regionais também limitados ao seu âmbito territorial e não relacionados com o modernismo catalão, o que o torna um movimento singular e diferenciado.
Renaixença
Arts and Crafts
O modernismo destacou-se especialmente na arquitetura, com uma série de nomes que se tornaram referências de relevância mundial, com destaque para Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner e Josep Puig i Cadafalch. A arquitetura modernista foi em grande parte herdeira das correntes anteriores, o historicismo e o ecletismo, com as quais coexistiu durante algum tempo. O seu ponto de partida pode ser colocado na Exposição Universal de 1888, embora existam vários antecedentes que costumam ser descritos como "pré-modernismo", enquanto o seu fim é na década de 1920, embora nessa altura já estivesse em declínio, especialmente desde o surgimento do Noucentisme na década anterior. O modernismo não contribuiu de facto com nada de novo para a riqueza estrutural da técnica construtiva e manifestou-se sobretudo no domínio da ornamentação, com um estilo decorativo de raízes românticas que reunia diversas influências de estilos anteriores, sobretudo da arquitectura gótica e oriental. Talvez as principais inovações tenham sido as introduzidas por Gaudí, que desenvolveu um estilo orgânico inspirado na natureza, baseado na geometria regulada.
A pintura modernista desenvolveu-se em ligação com as principais correntes atuais na Europa, especialmente o impressionismo e o simbolismo. Seus introdutores foram Ramón Casas e Santiago Rusiñol, ambos com breves estadias em Paris, onde puderam acompanhar os principais acontecimentos da época. Depois de uma primeira geração de pintores, uma série de jovens artistas formou uma segunda geração, geralmente descrita como "pós-modernismo"[nota 1] na qual há nomes como Joaquín Mir, Isidro Nonell, Hermenegildo Anglada Camarasa e Francisco Gimeno, bem como a presença de um jovem Pablo Picasso, que ingressou no ambiente modernista de Barcelona por volta do ano 1900, fato que marcaria uma mudança em sua carreira e sua filiação à vanguarda arte.
A escultura foi herdeira do Romantismo, embora posteriormente tenha recebido influência do simbolismo francês, especialmente da obra de Auguste Rodin. Destacam-se os nomes de Josep Llimona, Eusebi Arnau, Miguel Blay e Enric Clarasó, que foram precedidos por uma geração pré-modernista e também sucedidos por outra pós-modernista. Além da escultura autônoma, a escultura aplicada à arquitetura teve grande relevância, dado o caráter ornamental da arquitetura modernista; A escultura funerária e comemorativa também ganhou grande popularidade.
O modernismo também se destacou no campo do design, das artes gráficas e decorativas, gerando um grande número de obras de qualidade em áreas como cartazes, impressão, ourivesaria, cerâmica, carpintaria e marcenaria, forjaria, vidraria, mosaico e outras. O modernismo procurou reunir todas as artes e ofícios numa unidade que englobasse tudo, razão pela qual tratava com igual cuidado qualquer obra artística, desde a mais pequena e modesta até à maior. Por outro lado, dada a natureza ornamental deste estilo, as artes decorativas tiveram um grande boom e receberam a mesma valorização que as artes principais.
A literatura também viveu um momento de grande esplendor, marcado pela vontade de modernização e regeneração da cultura e da linguagem, separando-se da geração anterior - do signo naturalista “Naturalismo (literatura)”) - em busca de novas formas de expressão. Como nas demais artes, foi recebida influência europeia, especialmente o simbolismo e o parnasianismo, bem como o drama realista de Ibsen e, no campo da filosofia, a obra de Nietzsche. Os principais autores foram Víctor Català, Prudenci Bertrana e Joaquim Ruyra na narrativa; Joan Maragall na poesia; e Santiago Rusiñol, Ignasi Iglesias e Adrián Gual no teatro.
A música foi herdeira do Romantismo, bem como das novas correntes que surgiram na segunda metade do século em torno do nacionalismo musical. Uma das figuras mais influentes foi Richard Wagner, cujo trabalho foi muito apreciado na Catalunha, como denota a fundação em 1901 da Associação Wagneriana de Barcelona; Da mesma forma, a ópera italiana foi muito apreciada. Os compositores mais notáveis foram Felipe Pedrell, Isaac Albéniz, Enrique Granados, Enric Morera, Amadeo Vives e Lluís Millet. O modernismo também esteve presente nos gêneros ópera, zarzuela e dança.
Por fim, vale a pena mencionar que o modernismo também se manifestou na fotografia e no cinema, embora em menor medida e mais como um período dentro da sucessão histórica destas artes na Catalunha do que como um estilo definido.
Origem
Contexto histórico
O século teve um início turbulento em Espanha como um todo, devido à Guerra de Independência com a França resultante da invasão napoleónica. Em 1812, foi promulgada a primeira Constituição espanhola,[5] o que levou à modernização das estruturas do Estado, mas as expectativas foram rapidamente frustradas com o restabelecimento do absolutismo por Fernando VII. Assim, o século foi polarizado pela luta entre partidos conservadores e liberais, ao qual se somou o surgimento do carlismo devido à disputa sucessória entre a filha de Fernando VII (Isabel II) e seu irmão, Carlos María Isidro.[6].
Em 1868 uma revolução - apelidada de Gloriosa - deu início ao chamado Sexénio Democrático (1868-1874), que conduziu ao exílio de Isabel II e ao breve reinado de Amadeo de Saboya, até à proclamação da Primeira República, também de curta duração, já que um golpe de Estado em 1874 abriu caminho à restauração monárquica, na pessoa de Afonso XII,[7] um período de estabilidade política graças à alternância de conservadores - liderados por Cánovas del Castillo - e liberais - liderados por Sagasta.[8].
O final do século foi uma época turbulenta de grande agitação social: o catalanismo surgiu como um movimento de descontentamento com a política centralista desenvolvida em Madrid, o que se reflectiu na celebração em 1880 do Primeiro Congresso Catalão, na entrega em 1885 ao rei Afonso da luta entre empregadores e sindicatos. Entre o final e o início do século, proliferaram revoltas e ataques bombistas, como o perpetrado em 1893 contra o general Martínez Campos, o do Teatro Liceo no mesmo ano ou a procissão de Corpus Christi em 1896, que causou dura repressão - conhecida como os julgamentos de Montjuic.[10].
No domínio económico, a Revolução Industrial teve uma rápida implementação na Catalunha, sendo pioneira no território nacional na implementação de procedimentos de fabrico iniciados na Grã-Bretanha no século XIX. Em 1800 existiam cento e cinquenta fábricas têxteis em Barcelona, cuja indústria teve um crescimento contínuo até à crise de 1861, motivada pela escassez de algodão devido à Guerra Civil Americana. colônias - principalmente Cuba -, as dos chamados índios.[13] Entre 1876 e 1886 houve a chamada Corrida do Ouro "Corrida do Ouro (Catalunha)"), um período de prosperidade econômica que surgiu em um clima de especulação financeira "Especulação (economia)") através de sociedades de crédito.[14] Em 1886 foi fundada a Câmara de Comércio de Barcelona, que promovia os interesses dos empresários. e industriais catalães.[15].
Na virada do século, abriu-se um novo cenário político, marcado pela perda de colônias na América e na Ásia e pela ascensão da Liga Regionalista, liderada por políticos como Francisco Cambó, Enric Prat de la Riba e o arquiteto Josep Puig i Cadafalch. (Espanha)"), devido às sucessivas derrotas do exército espanhol em Marrocos, que obrigaram o governo a recrutar novos recrutas para enviar para a frente, que eram alimentados principalmente por pessoas humildes, já que as classes favorecidas podiam comprar a dispensa por uma modesta quantia de dinheiro. Este acontecimento desencadeou uma revolta popular em Barcelona, que canalizou a raiva e a frustração da classe trabalhadora pela sua situação marginal. A revolta foi reprimida pelo exército, com um saldo de dois mil e quinhentos detidos, que foram julgados militarmente.[18].
A nível social, importa referir que no período em que se desenvolveu o modernismo surgiram inúmeras associações, empresas e entidades de relevância para a sociedade catalã, como o Centro Excursionista de Catalunya (1891), o Orfeón Catalán (1891), o Fútbol Club Barcelona (1899) e o Fundo de Pensões para Velhice e Poupança da Catalunha e Ilhas Baleares ("la Caixa", 1904).[19].
Renascimento cultural
A prosperidade económica e a força social da Catalunha no século favoreceram o ressurgimento da cultura catalã, a chamada Renaixença ("Renascimento"). Este movimento cultural desenvolveu-se aproximadamente entre 1830 e 1880, e teve como ponto de partida a Ode à Pátria de Buenaventura Carlos Aribau (1833), poema escrito em catalão que voltou a prestigiar esta língua para a literatura culta. Catalão. A literatura foi incentivada com a criação dos Jogos Florais, concurso de poesia promovido pela Câmara Municipal de Barcelona que começou a ser realizado em 1859. Novas publicações como Calendari Català, Lo Gay Saber e La Renaixensa também difundiram o movimento. Autores como Aribau, Joaquim Rubió y Ors, Víctor Balaguer, Manuel Milá e Antonio de Bofarull lançaram as bases para o ressurgimento literário catalão.[21][nota 2].
A publicação e divulgação jornalística também aumentaram, com jornais em catalão (Lo Verdader Catalá, 1843; Diari Català, 1879; La Veu de Catalunya, 1899) e espanhol (El Telégrafo, 1858; El Correo Catalán, 1876; La Publicidad "La Publicidad (Barcelona)"), 1878; O Dilúvio "O Dilúvio (jornal)"), 1879; A Vanguarda, 1881; El Noticiero Universal, 1888; Las Noticias "Las Noticias (Barcelona)"), 1896). Continuou a ser publicado o Diario de Barcelona, que, sob a direção de Juan Mañé Flaquer, foi uma das principais referências em toda a Espanha. Em 1880 nasceu La Ilustració Catalana, a primeira revista gráfica em catalão.[23].
Feira Mundial de 1888
Em 1888 realizou-se um evento que teve um grande impacto económico, social, urbano, artístico e cultural para Barcelona e todo o modernismo catalão: a Exposição Universal de Barcelona "Exposição Universal de Barcelona (1888)"). Ocorreu entre 8 de abril e 9 de dezembro de 1888 e foi realizada no parque da Cidadela, terreno antes pertencente ao Exército e conquistado para a cidade em 1868. O incentivo dos eventos de feiras levou à melhoria da infraestrutura de toda a cidade, que deu um enorme salto em direção à modernização e ao desenvolvimento. Entre outras coisas, o evento coincidiu com o início da iluminação pública com iluminação. elétrica.[25].
O evento envolveu a remodelação do parque Ciudadela, projetado por José Fontseré, além do Salón de San Juan (atual calçadão de Lluís Companys), uma longa e larga avenida que serviu de entrada à Exposição, no início da qual estava localizado o Arco do Triunfo, projetado por José Vilaseca. A Plaza de Cataluña começou a ser urbanizada, processo que culminaria em 1929 graças a outra exposição, a Internacional das Indústrias Elétricas "Exposição Internacional de Barcelona (1929)"); A Riera d'en Malla foi coberta, dando origem à Rambla de Catalunya; A Avenida Paralela começou; e o Paseo de San Juan foi estendido em direção a Gracia e a Gran Vía de las Cortes Catalanas em direção ao oeste. O Monumento a Colombo "Monumento a Colombo (Barcelona)") também foi erguido, no final da Rambla, próximo ao Porto de Barcelona. A maior parte dos edifícios e pavilhões construídos para a Exposição desapareceram após a sua conclusão, embora o Castelo dos Três Dragões e o Museu Martorell - ambos partes integrantes do Museu de Ciências Naturais de Barcelona -, a Estufa e o Umbracle tenham sobrevivido, enquanto uma parte do parque foi posteriormente ocupada pelo Zoológico de Barcelona.
modernismo internacional
Modernismo "Modernismo (arte)") foi um movimento internacional que se desenvolveu em todo o mundo ocidental, especialmente na Europa, onde recebeu vários nomes dependendo do local de origem: Art Nouveau na França, Jugendstil na Alemanha, Sezession na Áustria, Liberty na Itália ou Modern Style no Reino Unido.[28][nota 3] A consolidação do modernismo em nível internacional ocorreu com a Exposição Universal de Paris. "Exposição Universal de Paris (1900)") de 1900[30] e durou até o início da Primeira Guerra Mundial.[28].
O termo “modernismo” surgiu com o significado de “gosto pelo moderno”, dada a intenção de criar uma nova arte, de acordo com a modernidade, com o projeto económico e social iniciado com a Revolução Industrial.[31] Seu principal motor social era a burguesia, que defendia um estilo mais moderno e elegante, mas sem perder as raízes do passado, e com certo substrato latente do Romantismo, perceptível em correntes como o simbolismo e o esteticismo – a doutrina da “arte”. para arte »—.[32].
O modernismo procurou romper com os estilos do passado - especialmente os académicos -, renovando a linguagem artística e unindo todas as artes num grupo homogéneo, com uma nova visão estética original e criativa, desligada da produção industrial para mais uma vez revalorizar os ofícios artísticos tradicionais,[31] em paralelo ao fenómeno Arts and Crafts.[33] Este novo estilo representou um elo evolutivo entre a arquitectura do século, enraizada em estilos históricos, e a do novo século, mais refinada e moderna, cujo maior expressão seria racionalismo "Racionalismo (arquitetura)"). Embora teoricamente opostos ao historicismo, foram inspirados em numerosos estilos do passado, especialmente na arte medieval, celta, oriental e rococó.
No domínio da arquitectura, observam-se duas correntes fundamentais: uma de raiz mais historicista e de carácter plástico, de linhas onduladas, com uma certa tendência para a emotividade, representada pela França e pela Bélgica - que incluiria Espanha -; e outra mais severa e racional, com formas geométricas e composição planimétrica, que evoluiria para o funcionalismo "Funcionalismo (arquitetura)"), desenvolvido principalmente na Áustria e no Reino Unido.[35] A primeira teve seu epicentro na Bélgica, graças à obra de Victor Horta, principal representante da Art Nouveau. Foi um dos primeiros arquitectos a utilizar o ferro como elemento decorativo e desenhou uma série de edifícios que combinavam a funcionalidade construtiva com uma linguagem lírica, como a Tassel House em Bruxelas (1893). Outro expoente foi Henry Van de Velde. Na França, vale destacar a obra de Hector Guimard, também arquiteto e decorador, autor do Castel Béranger (1894-1898) e das estações do Metrô de Paris (1899-1900).[36] Na segunda corrente, a linha inglesa foi herdeira do movimento Arts and Crafts, influência decisiva na obra de Charles Rennie Mackintosh (Glasgow School of Art, 1898-1909). Na Áustria existiu o movimento separatista, estilo funcional que influenciaria decisivamente o racionalismo alemão. Seus principais expoentes foram Otto Wagner, Joseph Maria Olbrich e Josef Hoffmann.[37].
Apesar do seu desejo unificador, a Art Nouveau ocorreu mais - no contexto internacional - na arquitectura e nas artes gráficas e aplicadas, não tanto nas artes plásticas, onde em todo o caso os seus expoentes mais genuínos seriam artistas como Gustav Klimt, Ferdinand Hodler, Alfons Mucha, Aubrey Beardsley, Jan Toorop, os Nabis "Nabis (artistas)") ou o grupo Pont-Aven.[38] Quanto à escultura, a sua principal referência seria a sua principal referência. Auguste Rodin, assim como Constantin Meunier. Pelo seu carácter ornamental, o modernismo representou uma grande revitalização das artes decorativas, com uma nova concepção mais centrada no acto criativo e na comparação com as restantes artes plásticas, a tal ponto que os seus criadores propuseram pela primeira vez a “unidade das artes”. O design modernista propunha geralmente a revalorização das propriedades intrínsecas de cada material, com formas orgânicas inspiradas na natureza,[39] onde predominam a curva e os arabescos, o uso de flores e formas de plantas, ondas do mar e animais com formas sinuosas como borboletas, cisnes, perus e libélulas.[40] Entre seus principais arquitetos, destacou-se Émile Gallé (ceramista e vidreiro), René Lalique. (ourives), Koloman Moser (designer), Louis Majorelle (marceneiro) e Louis Comfort Tiffany (joalheiro e vidreiro).
Nas restantes artes é difícil estabelecer paralelos, uma vez que a nível europeu não existe modernismo literário ou musical. Na literatura, as principais referências contemporâneas foram o parnasianismo e o simbolismo,[30] enquanto na música, o pós-romantismo, o nacionalismo musical e o impressionismo francês.[42].
Modernismo na Espanha
O modernismo em Espanha foi, segundo Pedro Navascués, a fase final do ecletismo, com várias nuances consoante a região, pelo que, em vez de modernismo, poder-se-ia falar de "modernismos", no plural.[43] No campo da arquitetura, sua principal marca seria em relação à ornamentação, pois a nível estrutural se observam poucas diferenças com o ecletismo anterior e até se aproveitam os avanços oferecidos pela engenharia no uso do ferro e do metal. aço.[44] O modernismo foi desenvolvido por escolas locais, entre as quais se destacaram, além da catalã, a madrilena, a valenciana, a murciana, a basca, a das Canárias e a de Melilla. Em Madrid, o modernismo foi influenciado principalmente pela Art Nouveau franco-belga, com expoentes como José Grases Riera e Eduardo Reynals. em Teruel.[46] No entanto, o modernismo espanhol, caracterizado por um certo selo centrífugo, desenvolveu-se mais na periferia e nos arquipélagos Baleares e Canárias.[47].
No norte, o modernismo desenvolveu-se principalmente em ambientes industriais e turísticos. Assim, teve uma presença importante na Corunha, com autores como Julio Galán Carvajal, Antonio López Hernández "Antonio López Hernández (arquiteto)"), Pedro Mariño e Rafael González Villar; assim como em Santiago de Compostela - com Jesús López de Rego -, Ferrol (Rodolfo Ucha) e Vigo (Jenaro de la Fuente Domínguez, José Franco Montes). Saracíbar e Ramón Cortázar Urruzola.[50].
Na Comunidade Valenciana desenvolveu-se um modernismo com uma certa influência catalã, já que muitos dos seus arquitectos foram formados na Escola de Arquitectura de Barcelona, embora com traços ecléticos e regionalistas. Vale destacar o trabalho de Francisco Mora Berenguer, Carlos Carbonell, Francisco Almenar, Manuel Peris Ferrando, Vicente Ferrer Pérez, Demetrio Ribes e Francisco Javier Goerlich. Além da cidade de Valência, tiveram expoentes notáveis em Novelda - com José Sala - e Alcoy, onde trabalharam Timoteo Briet Montaud e Vicente Pascual Pastor.[51] Em Múrcia, o principal núcleo modernista estava em Cartagena "Cartagena (Espanha)"), onde se destaca a obra de Víctor Beltrí.[52] Nas Ilhas Baleares seria oportuno destacar Gaspar Bennazar e Francisco Roca. Simó.[53].
Na Andaluzia encontramos alguns expoentes modernistas em Sevilha, na obra de arquitectos como Aníbal González e José Espiau; e, em menor escala, em Córdoba "Córdoba (Espanha)"), Almería, Málaga, Huelva, Cádiz e Jerez. Uma notável escola modernista surgiu em Melilla, liderada por Enrique Nieto, arquiteto catalão nomeado arquiteto municipal daquela cidade, onde desenvolveu uma obra que lembra em grande parte o modernismo da sua terra natal.[54] Nas Ilhas Canárias, o principal centro modernista foi Santa Cruz de Tenerife, onde trabalharam Antonio Pintor e Mariano Estanga.[55].
No campo da pintura não encontramos um estilo semelhante ao desenvolvido na Catalunha. Por um lado, o academicismo e a pintura naturalista sobrevivem, enquanto por outro lado, novas tendências da Europa estão sendo introduzidas, especialmente o impressionismo e o simbolismo, com expoentes como Aureliano de Beruete, Darío de Regoyos - que frequentou o círculo modernista de Barcelona de Els Quatre Gats e se estabeleceu em Barcelona em 1910 -, Ignacio Zuloaga e Julio Romero de Torres.[56] Em Valência, surgiu uma escola luminista cujo principal representante foi Joaquín Sorolla, embora também valha a pena destacar a obra de Ignacio Pinazo.[57].
Quanto à escultura, proliferou especialmente em relação aos monumentos funerários e comemorativos, bem como à escultura autônoma e aplicada à arquitetura. Vale destacar o valenciano Mariano Benlliure, prolífico escultor que demonstrou especial predileção pelas touradas e pelos temas animais. Miguel Ángel Trilles foi o autor de várias figuras do Monumento a Alfonso XII "Monumento a Alfonso XII (Madrid)"). Francisco Durrio e Nemesio Mogrobejo trabalharam em Bilbao.[59].
Na literatura, existia nesta época um movimento denominado modernismo, embora sem ligação com a literatura catalã contemporânea. Percebem-se duas linhas fundamentais: a primeira, em contraste com o realismo anterior, centra-se no esteticismo, na procura da beleza, bem como no raro, no exótico, no boémio, com uma componente inconformista, desafiando a realidade envolvente; A segunda, porém, dedica-se a estudar as causas do declínio, a aprofundar os problemas de Espanha, enraizando-se assim no realismo anterior, mas com vontade de renovação. Com o tempo, o primeiro seria chamado de modernismo propriamente dito, enquanto o segundo seria conhecido como a Geração de 98.[60] A linha modernista desenvolveu-se especialmente na poesia, onde se denota a influência do simbolismo e do parnasianismo francês, bem como de Edgar Allan Poe, Oscar Wilde e Walt Whitman, com representantes como Salvador Rueda, Francisco Villaespesa e Eduardo Marquina, bem como os trabalhos iniciais de Antonio e Manuel Machado, Ramón María del Valle-Inclán e Juan Ramón Jiménez.[61].
A música estava ligada ao nacionalismo musical, do qual foram expoentes vários músicos catalães, como Felipe Pedrell, Isaac Albéniz e Enrique Granados, junto com os quais vale destacar Manuel de Falla, Ruperto Chapí, Tomás Bretón, Joaquín Rodrigo e Joaquín Turina. Falla, um dos melhores compositores espanhóis modernos, combinou o nacionalismo musical - com alguma influência do norueguês Edvard Grieg - com o impressionismo, que encontrou durante uma estadia na França.
Características gerais
O modernismo não é um conceito unívoco. Os especialistas não concordam sobre qual é o elo comum dos chamados artistas modernistas: poderia ser um estilo, ou uma atitude, ou talvez uma época. O problema de atribuir a arte modernista a um estilo é o de reunir obras de artistas muito diferentes, por vezes até opostos, embora se perceba uma certa homogeneidade no desejo de renovação, no conceito de uma arte “moderna” que supera a tradição. É por isso que falamos de “atitude”, da vontade de superar as normas do passado e entrar na modernidade. Finalmente, há uma sensação de tempo, de transição entre dois séculos que deve implicar uma evolução da arte, sem romper com a arte do passado, mas criando algo novo, uma nova arte ao serviço de uma nova sociedade.[64].
O termo "modernismo" (em catalão: modernisme) vem da palavra "moderno", do latim modernus ("recentemente", em referência ao tempo presente e em contraste com o passado, o "velho").[65] A exigência do presente implica também o futuro por vir e está associada a conceitos como o “novo” ou o “jovem”, bem como, num sentido mais amplo e quase metafórico, “liberdade”. cultivo em nosso país de literatura, ciência e arte essencialmente modernistas [sublinhados no original], único meio que, em consciência, acredita poder nos fazer cuidar e nos deixar viver uma vida esplêndida "[67] Note-se que o termo modernismo em relação à arte catalã refere-se apenas à produção artística e ao ambiente cultural do Principado nestes anos e não pode ser extrapolado para outros períodos ou regiões. Assim, não deve ser confundido com outros "modernismos": o modernismo literário espanhol "Modernismo (literatura em espanhol)") que, embora quase contemporâneo, assenta em bases e princípios técnicos e estilísticos bem diferenciados do modernismo catalão; modernismo teológico, uma doutrina que defendia a integração da religião com a ciência e a filosofia modernas; ou o termo inglês modernismo "Modernismo (movimento filosófico e cultural)"), aludindo a uma tendência filosófica e cultural que defende o progresso da arte e da cultura de acordo com a nova era industrial.[68].
É difícil estabelecer datas precisas para enquadrar cronologicamente este movimento. Alguns especialistas situam o seu ponto de partida na Exposição Universal de Barcelona "Exposição Universal de Barcelona (1888)") de 1888,[69] outros no ano do início dos Festivais Modernistas patrocinados por Santiago Rusiñol em Sitges (1892).[70] Quanto ao seu final, a Semana Trágica "Semana Trágica (Espanha)") de 1909 costuma ser estabelecida como um ponto de inflexão, ou seja, o surgimento do Noucentisme - estilo herdado do modernismo - em 1911. Segundo Josep Francesc Ràfols, o modernismo catalão se situaria entre a exposição de Ramón Casas, Santiago Rusiñol e Enric Clarasó realizada em 1890 e a morte de Isidro Nonell em 1911, na área artística; da bomba do Liceo (1893) à Semana Trágica (1909) na esfera política; e entre a Exposição Universal de 1888 e a fundação do Instituto de Estudos Catalães em 1907, a nível social.[71] Ainda assim, alguns especialistas como Mireia Freixa falam de um “protomodernismo” que remonta a 1876 – coincidindo com a fundação da Escola de Arquitectura de Barcelona – ou de uma duração do modernismo até 1917, coexistindo com o primeiro Noucentisme, embora isto fosse mais evidente no campo da arquitectura, enquanto as artes plásticas e a literatura já teriam sido superadas em 1905.[72] Por outro lado, no domínio da arquitectura, Pedro Navascués fala de um “pré-modernismo” para obras anteriores a 1900, enquanto situa entre 1900 e 1914 o período mais decisivo da arquitectura modernista na Catalunha, que acabaria por durar até aos anos 1920.[73] Juan Bassegoda fala também de um pré-modernismo, ao mesmo tempo que situa a plenitude do modernismo entre 1893 e 1910, a que se seguiria um período de abandono progressivo do estilo - fala de um segundo e mesmo de um terceiro modernismo (ou fase "maneirista"). Por sua vez, Alexandre Cirici situa o nascimento do modernismo entre 1880 e 1885, anos em que foram construídos cinco edifícios emblemáticos: a casa Vicens de Antoni Gaudí, a Editorial Montaner y Simón de Lluís Domènech i Montaner, a Academia de Ciências de José Doménech Estapá, as Indústrias de Arte Francesc Vidal de José Vilaseca e o Museu Biblioteca Víctor Balaguer de Jeroni Granell i Mundet (em Villanueva i Geltrú).[75] Oriol Bohigas situa o fim da arquitetura modernista em 1926, data da morte de Gaudí.[76] Finalmente, George Collins situa-o entre 1870 e 1930, embora num quadro mais amplo do que chama de Movimento Catalão.[76] Porém, já em 1912, Lluís Masriera, no seu discurso de entrada na Real Academia de Belas Artes de São Jorge, dizia que “a arte moderna, que foi baptizada com o nome de Modernismo, está em pleno declínio ou, como se costuma dizer, saiu de moda.
O modernismo catalão foi um movimento heterogéneo, com vontade de inovação e de criação original, que procurou reunir todas as artes num instrumento ao serviço de uma sociedade nova, moderna e cosmopolita, ligada às novas correntes europeias.[70] A partir do renascimento cultural iniciado pela Renaixença, procuraram criar um estilo nacional, mas moderno, vanguardista, com espírito de progresso e otimismo positivista.[78] Assim, a reivindicação da sua própria identidade fará com que o modernismo catalão incorpore no seu património artístico estilos do passado como o gótico e o barroco, rejeitados, no entanto, pela Art Nouveau europeia no seu desejo de deixar o passado para trás. Em 1902, o crítico Raimon Casellas ainda defendia o gótico como principal referência da arquitetura catalã na revista *Hispania "Hispania (Barcelona)").[79].
Pode-se dizer que o elo comum dentro do modernismo catalão é o desejo regenerativo e a visão cosmopolita da arte e da cultura, mas além disso não há unidade estilística, mas dentro do movimento modernista percebem-se diversas linguagens, sem regulamentações, sem homogeneidade, simplesmente descrevendo como modernista o trabalho desenvolvido pelos artistas, músicos e escritores que trabalham na Catalunha durante a transição dos séculos -. Em qualquer caso, o ponto de partida é o desejo de regeneração, modernização e internacionalização da arte e da cultura catalã, em oposição a estilos anteriores como o naturalismo "Naturalismo (arte)") e a arte académica - ou como o costumbrismo e o anedótico no panorama artístico do resto de Espanha -, ao mesmo tempo que revaloriza o passado considerado mais esplêndido pela historiografia catalã, aquele correspondente à Idade Média. Portanto, em contraste com a Art Nouveau internacional, que rejeitou o historicismo, o modernismo catalão combina a modernidade com a evocação do passado, sempre em linhas neomedievalistas.[72] A criação de um estilo considerado nacional, que baseado na tradição adotou as formas modernas desenvolvidas na Europa, é captada nestas palavras de Josep Puig i Cadafalch expressas em 1902: «conseguimos juntos uma arte moderna, a partir da nossa arte tradicional, adornando-a com belos novos materiais, adaptando o espírito nacional às necessidades do dia.
O principal promotor deste movimento, especialmente no campo arquitectónico, foi a burguesia, um grupo de empresários, banqueiros, fabricantes, investidores e nobres de um novo tipo - bem como os indianos, os homens que enriqueceram na América e que transferiram a sua fortuna de volta para a Catalunha - que promoveram o novo estilo como uma marca distintiva. A maioria dos mecenas dos artistas modernistas provinha deste estrato social, apoiados pelo boom económico vivido naqueles anos. Entre estes burgueses, surgiu o costume de construir casas no novo Barcelona Eixample, que concorriam pelo seu design e ostentação, com os quais demonstravam a sua distinção. Surgiu assim um mecenato decisivo para as obras da cidade, como o exercido pelo conde Eusebio Güell a Gaudí, ou o empresário Antonio López y López (Marquês de Comillas), o livreiro José María Bocabella, o industrial Josep Batlló, o empresário Pedro Milá, o fabricante têxtil Avelino Trinxet Pujol, o barão Manuel de Quadras, o industrial têxtil Josep Freixa, o chocolateiro o industrial Antoni Amatller, o industrial farmacêutico Salvador Andreu, o editor Ramón de Montaner Vila, o empresário de vinhos Manuel Raventós (da cava Codorníu), o banqueiro Ruperto Garriga-Nogués, o médico Alberto Ele leu Morera e um longo etc.
Um dos maiores promotores e teóricos do modernismo catalão foi Santiago Rusiñol, promotor dos Festivais Modernistas que se realizavam anualmente em Sitges, frequentados por escritores e artistas com interesses culturais e estéticos semelhantes. foi realizada em agosto de 1892, por ocasião de uma exposição com obras de Rusiñol, Ramón Casas, Eliseo Meifrén, Joaquim de Miró, Arcadio Mas e Juan Roig y Soler. A segunda ocorreu em setembro do ano seguinte, com concerto de Enric Morera e estreia no Teatro Prado da ópera La intrusa, obra de Maurice Maeterlinck traduzida para o catalão por Pompeu Fabra. A terceira ocorreu em novembro de 1894, com diversos eventos, entre os quais se destacou uma procissão realizada entre a estação ferroviária de Sitges e o Cau Ferrat - casa de Rusiñol - com duas obras de El Greco adquiridas por Rusiñol em Paris: As Lágrimas de São Pedro "As Lágrimas de São Pedro (El Greco e sua oficina)") e Santa Madalena Penitente "Magdalena Penitente (El Greco, Sitges)"). Nesta ocasião, Rusiñol proferiu um discurso no qual defendia um “modernismo sem dogmas escolásticos ou doutrinários, nem regras nem exceções, nem regulamentos nem estatutos, nem mandatos imperativos”. A quarta ocorreu em fevereiro de 1897, com a estreia da ópera La fada de Enric Morera no Teatro Prado. A quinta e última ocorreu em 1899, com a apresentação de diversas peças de Ignasi Iglesias (Lladres e La Reina del Cor) e um texto do próprio Rusiñol, L'alegria que passa, além de um concerto para piano de Joaquín Nin.[84].
Por outro lado, o café-restaurante Els Quatre Gats pode ser considerado um dos centros nevrálgicos do modernismo, ponto de encontro de boa parte do grupo modernista, localizado na Casa Martí, edifício neogótico desenhado por Josep Puig i Cadafalch, na rua Montsió, no bairro gótico de Barcelona. Foi fundada em 1897 por Ramón Casas, Santiago Rusiñol, Miquel Utrillo e Pere Romeu – que dirigiam o negócio – e durou até 1903, ano em que fechou as portas. Aqui se formou um encontro, do qual participaram artistas e escritores como Isidro Nonell, Joaquín Mir, Ramón Pichot, Ricard Canals, Hermenegildo Anglada Camarasa, Jaime Sabartés, Ricardo Opisso, Joaquín Torres García, Pompeyo Gener, Joan Maragall, Amadeo Vives, Isaac Albéniz, Pablo Gargallo e Manolo Hugué, além de um jovem Pablo Picasso, radicado na cidade. Condal em 1895. Além desses encontros, no local foram realizados concertos, exposições, recitais de poesia, apresentações de marionetes e jogos de sombras. Por outro lado, foi publicada uma revista intitulada Els Quatre Gats, dirigida por Pere Romeu, que saiu entre fevereiro e maio de 1899, com um total de quinze números.[86].
Outro centro impulsionador do movimento foi o Círculo Artístico de San Lucas, fundado em 1893.[87] Ligado em grande parte ao catolicismo, seu maior teórico foi José Torras y Bages, bispo de Vic e figura representativa do catalanismo conservador, do qual também participou Antoni Gaudí, grande amigo de Torras. O Círculo opôs-se aos valores da burguesia, mas também à boémia, ao materialismo e ao esteticismo e, em vez disso, defendeu a espiritualidade e a tradição, o sindicalismo e o trabalho artesanal, com a influência dos Pré-Rafaelitas, dos Nazarenos "Nazarenos (arte)") e das Artes e Ofícios.[88].
Por outro lado, a revista L'Avenç foi a porta-voz do movimento, publicada entre 1881-1884 e 1889-1893. Fundada por Jaume Massó, seguiu uma linha moderna, progressista e catalã, com o desejo de homologar e uniformizar a língua catalã, da qual queriam despojar-se de elementos arcaizantes. Nesta revista forjou-se o nome “modernismo”, inicialmente aplicado à atitude renovadora da elite intelectual catalã e que, em breve, deixaria de ser uma palavra genérica para se tornar específica, que já designaria o novo estilo desenvolvido no Principado. Esta mudança, segundo Francesc Fontbona, ocorreria no momento em que o modernismo catalão se conectou com o simbolismo, o novo estilo europeu do final do século, em que a arte está imersa na espiritualidade, no esteticismo, no que poderia ser definido como uma “religião da arte”. O artista torna-se o sacerdote desta nova religião, que cultua a beleza e o requinte, em oposição ao materialismo da era industrial. Dentro da revista, um de seus maiores teóricos foi Raimon Casellas.[89] Outra revista que serviu como divulgadora da nova arte foi Pèl & Ploma, publicada entre 1899 e 1903, anos em que publicaram cerca de cem números. Foi financiado por Ramón Casas e seu principal editor foi Miquel Utrillo. Seguiu-se Forma, entre 1904 e 1908, também dirigido por Utrillo.[90] Além de Casellas e Utrillo, outros críticos de arte da era modernista foram: Alfredo Opisso, Manuel Rodríguez Codolá, Bonaventura Bassegoda i Amigó, Francesc Casanovas, Juan Brull, José María Jordá, Sebastià Junyent, Frederic Pujulà, Miguel Sarmiento e Eugenio d'Ors.[91].
Em termos de ensino, o maior centro impulsionador da arte modernista foi a Escuela de la Lonja, patrocinada pela Junta Comercial de Barcelona.[92] Quanto à exposição de obras, vale destacar a Sala Parés, fundada em 1840 por Joan Baptista Parés e que logo se tornou a galeria de arte mais ativa do Principado.[93] De fato, um dos pontos de partida do novo movimento, além da Exposição Universal de 1888, foi a exposição realizada. em 1890 na Sala Parés de Ramón Casas, Santiago Rusiñol e Enric Clarasó. Todos estes artistas passaram uma temporada em Paris e foram contagiados pela sua atmosfera boémia, bem como pelo trabalho de artistas como Gustave Moreau ou Pierre Puvis de Chavannes, bem como pelo pré-rafaeliteismo inglês ou mesmo pela xilogravura japonesa. A exposição representou uma forte reviravolta no cenário artístico catalão pela modernidade e expressividade das obras, que ofereciam uma visão matizada da realidade, subjetiva e estetizada, interpretada pelo artista segundo a sua interioridade com expressão de sentimento, uma visão muito distante do naturalismo vigente até então.[94].
Outro motor do novo estilo foram as exposições oficiais: em 1890, foi criada pela Câmara Municipal de Barcelona a Comissão para a Conservação dos Edifícios do Parque e a Criação e Promoção dos Museus Municipais, com o objetivo de preservar a infraestrutura criada para a Exposição Universal de 1888. Uma das iniciativas da referida comissão foi a realização de exposições artísticas com o objetivo de adquirir obras para os museus da cidade. Assim, em 1891 realizou-se a I Exposição Geral de Belas Artes, com secções de arquitectura, escultura, pintura, desenho e artes gráficas. Na Segunda Exposição (1894) foram acrescentadas seções de gravura, cenografia e pintura decorativa. Paralelamente, realizou-se em 1892 a Primeira Exposição Nacional das Indústrias Artísticas, com secções de metal, cerâmica e vidro, marcenaria e tecidos. Em 1896 os dois fundiram-se e realizou-se a Terceira Exposição de Belas Artes e Indústrias Artísticas, fórmula que se consolidou nos seguintes concursos: o IV em 1898, o V em 1907 - doravante denominado Exposição Internacional - e o VI em 1911.[95].
É digno de nota a importância que a ilha de Maiorca teve no modernismo catalão, especialmente para os pintores paisagistas. A ilha Balear combinou uma paisagem ainda pura com todas as comodidades do progresso em termos de alojamento e transporte. Para os catalães era um local habitual de descanso e fuga do mundo urbano. Assim, artistas como Santiago Rusiñol, Eliseo Meifrén, Joaquín Mir, Hermenegildo Anglada Camarasa, Alexandre de Riquer, Sebastià Junyer, Mariano Pidelaserra, Eveli Torent e Félix Mestres passaram longas estadias na ilha. Ao mesmo tempo, os meios de comunicação maiorquinos - como o jornal La Almudaina - ecoaram os desenvolvimentos artísticos do Principado, que também tiveram impacto nos artistas maiorquinos.[96].
O noucentismo substituiu o modernismo por volta de 1910, movimento classicista e mediterrâneo promovido pelo escritor Eugenio d'Ors, oposto a tudo que considerava os excessos ornamentais do modernismo, contra o que defendia a pureza das linhas clássicas, despojadas de subterfúgios, linhas simples e sóbrias. Alguns artistas modernistas, especialmente os mais jovens, aderiram ao novo movimento, como Isidro Nonell, Joaquín Mir, Ricard Canals, Pablo Gargallo ou Pablo Picasso; ou, entre os arquitetos, Enric Sagnier, Josep Maria Pericas, Arnau Calvet, Ignasi Mas, Josep Domènech i Mansana, bem como alguns discípulos de Gaudí, como Juan Rubió ou Cèsar Martinell.[97] Os noucentistas opuseram-se tão furiosamente aos modernistas que em alguns casos chegaram a destruir as suas obras, como as esculturas de Eusebi Arnau que decoravam o piso térreo da casa. Lleó Morera - obra de Lluís Domènech i Montaner -, removido na reforma dirigida por Raimundo Durán Reynals em 1943, que foram destruídos a golpes de martelo.[98] Na década de 1920 alguns arquitetos chegaram a solicitar a demolição do Palácio da Música Catalã.[99] Um bom exemplo são também as lojas modernistas: em sua época, lojas e casas foram criadas com igual profusão no novo estilo - tanto bares como restaurantes, bem como lojas, farmácias, padarias e todo o tipo de estabelecimentos - mas a maioria desapareceu com o tempo: na década de 1960 eram cerca de oitocentos - segundo estimativa do arquitecto David Mackay - até serem actualmente reduzidos a cerca de cinquenta. Entre os que desapareceram, alguns são tão emblemáticos como o Bar Torino, desenhado por Gaudí em conjunto com Pedro Falqués e Josep Puig i Cadafalch.[100].
A queda do modernismo durou várias décadas, até que na década de 1960 foi justificada por uma nova geração de arquitetos, críticos e especialistas, como Oriol Bohigas —autor em 1968 da obra Arquitetura Modernista—, que viu nele um movimento genuinamente catalão com virtudes inegáveis, tanto artísticas como teóricas.[101] Na verdade, anos e até décadas antes, algumas vozes já tinham surgido em defesa do modernismo. Catalão, talvez o primeiro de Salvador Dalí, autor em 1932 de um artigo na revista Minotaure intitulado De la Beauté térrifiant et edible de l'Arquitecture Nouveau Style. Em 1936, Nikolaus Pevsner citou brevemente Gaudí em sua obra Pioneiros do design moderno, de William Morris a Walter Gropius, em cuja segunda edição, já em 1957, lamentou não tê-lo tratado de forma mais extensa, pois o considerava "o arquiteto mais significativo da Art Nouveau". Posteriormente, obras como Modernismo e modernistas, de Josep Francesc Ràfols (1949); Arte modernista catalã, de Alexandre Cirici (1951); Art Nouveau, de Stephan Tschudi-Madsen (1956); Arquitetura, séculos e, de Henry-Russell Hitchcock (1958); Art Nouveau-Jugendstil, de Robert Schutzler (1962); O primeiro modernismo catalão e seus fundamentos ideológicos, de Eduardo Valentí (1973); Aspectos do modernismo, de Joan Lluís Marfany (1975); e A crise do modernismo artístico, de Francesc Fontbona (1975), para citar alguns – além dos já mencionados Bohigas – [102].
Na mesma medida, diversas exposições realizadas desde a década de 1960 revalorizaram o movimento, como Art Nouveau-Arte e Design na Virada do Século, realizada em 1960 no MoMA de Nova York; Artes suntuárias no modernismo de Barcelona, no Palacio de la Virreina em Barcelona (1964); e Modernismo na Espanha, no Casón del Buen Retiro em Madrid (1969).[103].
Arquitetura
Contenido
La arquitectura modernista se desarrolló en diversas fases: el primer modernismo, desarrollado en los años 1890, era todavía un estilo no especialmente definido, cuyo principal componente era un goticismo abarrocado desligado ya del historicismo, con pervivencia de ciertos rasgos clasicistas y medievalistas, practicado principalmente por Lluís Domènech i Montaner, Josep Puig i Cadafalch y Antoni Maria Gallissà.[104] En estos primeros años había un cierto sentimiento de indefinición, como se muestra en la obra Arquitectura moderna de Barcelona (1897), de Francesc Rogent, donde defiende la utilización del «estilo neogreco» para edificios públicos, «neogótico» para edificios particulares y «neorrománico» para iglesias.[105] Al mismo tiempo, se seguía practicando una arquitectura academicista ajena a las innovaciones modernistas, como se ve en la obra de arquitectos como Salvador Viñals, Cayetano Buigas, Joan Baptista Pons i Trabal o Francisco de Paula del Villar y Carmona.[106].
Con el cambio de siglo, el modernismo evolucionó hacia un cierto formalismo estilístico de influencia secesionista, practicado por una segunda generación de arquitectos como Josep Maria Jujol, Manuel Raspall, Josep Maria Pericas, Eduard Maria Balcells, Salvador Valeri, Alexandre Soler, Antoni de Falguera, Bernardí Martorell y otros.[107] Estos arquitectos planteaban la arquitectura como soporte de una exultante ornamentación, entrando en una fase manierista del modernismo.[108] Por otro lado, continuaron las tendencias neogóticas y del eclecticismo clasicista, practicadas principalmente por Enric Sagnier, José Doménech Estapá, Manuel Comas i Thos, Augusto Font Carreras o Joan Josep Hervàs.[109] Según Juan Bassegoda, esta fase manierista tuvo tres corrientes principales: la vinculada a la Escuela de Arquitectura de Barcelona, es decir, los discípulos de Domènech, Vilaseca, Font Carreras y Gallissà; los discípulos de Gaudí; y los influidos por la arquitectura europea, principalmente francesa, inglesa y austríaca. Pese a todo, no se trataría de líneas rígidas y alguno de ellos se podría encontrar en varias corrientes a la vez.[110].
El epicentro de la arquitectura modernista catalana se produjo en Barcelona y algunas ciudades del entorno, en menor medida en las otras provincias catalanas. Entre otras razones, conviene recordar la presencia en esta ciudad de la Escuela de Arquitectura, donde se formaron la mayoría de arquitectos modernistas.[111] Esta institución supuso la instauración en la Ciudad Condal de una «escuela» —en su sentido artístico— con unos parámetros comunes a toda una serie de arquitectos, que vino a sustituir a una generación anterior que debía contentarse con el título de maestro de obras o bien formarse en arquitectura en Madrid.[112] Por otro lado, un factor determinante del desarrollo del nuevo estilo fue el Ensanche de Barcelona, trazado por Ildefonso Cerdá en 1859, que favoreció enormemente la labor edilicia de la ciudad, al facilitar unos terrenos donde construir desde cero.[113] Pese a todo, así como los diversos modernismos regionales surgidos en España fueron esencialmente inconexos entre sí, en el seno del modernismo catalán es difícil encontrar un nexo común a todos los arquitectos, que mayormente desarrollaron un estilo propio y personal.[nota 4].
Las raíces del modernismo arquitectónico se encuentran en el Romanticismo, ya que, más allá de su estructura funcional, la relevancia otorgada al diseño y la ornamentación, el carácter suntuoso de su decoración y la consideración de obra de arte total se enmarcan en las corrientes románticas que surgieron a comienzos del siglo , alejadas del academicismo clasicista o del formalismo ecléctico.[114] Así, en el modernismo influyeron poderosamente movimientos como el neogótico —especialmente gracias a la aportación teórica de Viollet-le-Duc—, así como el exotismo, la inspiración en culturas lejanas, especialmente de Oriente, con preferencia en España, dado su pasado andalusí, del neomudéjar.[115].
Cabe señalar que la arquitectura modernista no comportó nada nuevo a nivel estructural, ninguna solución constructiva original, de hecho sus plantas y secciones son indistinguibles de cualquier edificio anterior. Su novedad revistió en el exterior, la fachada, así como en la decoración interior, en el uso de las artes aplicadas para elaborar un producto unitario, una obra de arte total. En ese terreno, su principal fuente de inspiración fue la naturaleza, aunque una naturaleza idealizada y magnificada.[116].
La arquitectura modernista catalana es difícilmente equiparable a la europea —ya sea francobelga o austríaca—, ya que no presenta rasgos estilísticos comunes y es esencialmente una aportación original. De ello eran conscientes los propios arquitectos, como se denota en estas palabras de Josep Puig i Cadafalch: «entre todos hemos construido un arte moderno, a partir de nuestro arte tradicional, adornándolo con bellas materias nuevas, adaptando el espíritu nacional a las necesidades del día».[117].
En 1997 se creó la Ruta del Modernismo en Barcelona, gracias a una iniciativa del Ayuntamiento de esta ciudad, que incluye los edificios más emblemáticos construidos en este estilo, en total unas 120 obras.[118] Para señalizar la ruta, se colocaron en el pavimento en varios puntos de la ciudad unas baldosas de color rojo con la flor de Barcelona, un diseño de baldosa de Josep Puig i Cadafalch para la casa Amatller que posteriormente fue utilizado en numerosas calles de la ciudad y se ha convertido en un símbolo de la Ciudad Condal.[119].
Pré-modernismo
Alguns arquitectos evoluíram do historicismo para o modernismo, com graus variados de assimilação do novo estilo, embora em termos gerais continuasse a ser evidente nas suas obras uma certa continuidade com as formas anteriores. Como se viu, o novo estilo teve a sua razão de ser na decoração, mas não trouxe nada de novo a nível estrutural, razão pela qual muitos arquitectos da geração anterior ao modernista puderam aventurar-se na nova estética sem abandonar excessivamente o seu método construtivo já consolidado ao longo dos anos. De facto, numerosos arquitectos seguiram uma trajectória mais pessoal do que estilística, razão pela qual é difícil atribuir o rótulo de modernista a este ou aquele arquitecto e, muitas vezes, isso é feito simplesmente porque coincidem no tempo. e lugar. Gaudí, por exemplo, começou com um certo historicismo para evoluir para um estilo particular e único, um estilo inspirado na natureza - portanto organicista - dificilmente comparável a qualquer outro arquiteto. Outro caso é o de José Doménech Estapá, um arquitecto de linha clássica e solene que foi até bastante belicoso contra o modernismo, mas cuja obra se insere neste período.[122].
Na época da gestação do modernismo, apreciaram-se várias correntes: uma liderada por José Vilaseca, com influência da arquitetura alemã, de linhas mais sóbrias e regulares, em cuja esteira se podiam colocar Lluís Domènech i Montaner, Josep Font i Gumà e Antoni Maria Gallissà; outro estrelado por Joan Martorell, enquadrado num neogótico com raízes violetas para as obras religiosas e num classicismo de influência francesa para as obras civis, que seguiriam Gaudí, Cristóbal Cascante e Camilo Oliveras; Casa Pia Batlló (1891-1896), casa Enric Batlló (1892-1896), casa Àngel Batlló (1893-1896), casas Cabot (1901-1905), casa Dolors Calm (1903) e casa Comas d'Argemir (1903-1904), em Barcelona. Foi o autor do Arco do Triunfo de Barcelona, construído para a Exposição Universal de 1888.[125] Joan Martorell foi um arquitecto historicista, com preferência pelo medievalismo, que no entanto introduziu a decoração modernista em algumas das suas obras. Entre as suas realizações destacam-se a igreja das Salesas "Igreja e convento das Salesas (Barcelona)") (1885), a Sociedade de Crédito Mercantil (1896-1900) e o palácio Güell em Pedralbes em Barcelona, bem como o palácio Sobrellano em Comillas (Cantábria) "Comillas (Cantabria)"). Foi mentor de Gaudí, a quem recomendou para o templo da Sagrada Família.[126] Augusto Font Carreras foi discípulo de Elías Rogent e desenvolveu um estilo eclético inspirado no neogótico e no neoárabe; Entre as suas obras destacam-se: o palácio Les Heures (1894-1898), a praça de touros Las Arenas (1902), a sede da Caixa Económica de Barcelona na Plaza de San Jaime (1903) e a igreja Casa de la Caridad (1912).[127].
Também vale a pena mencionar outros arquitetos que coincidiram em sua fase intermediária ou final com o surgimento do modernismo: José Doménech Estapá capturou em suas obras um pré-modernismo de natureza pessoal, eclética, funcional e grandiloquente.[128] Foi autor da Prisão Modelo de Barcelona (com Salvador Viñals, 1887-1904), do Palácio Montaner (atual Delegação do Governo na Catalunha, 1889-1893, concluída por Antoni Maria Gallissà e Lluís Domènech i Montaner), do edifício Catalana de Gas (1895-1896), do Asilo Santa Lucía (mais tarde Museu da Ciência, 1904-1909), o Observatório Fabra (1904-1906), o Hospital Clínico (1904), a igreja-convento de Nossa Senhora del Carmen (1909-1921) e a Estação Magoria (1912).[129] Pedro Falqués foi arquiteto municipal de Barcelona, pelo qual participou em inúmeras melhorias urbanas na cidade; Foi o autor do mercado Clot (1889), da fonte Canaletas (1892), da Câmara Municipal de Ensanche (1893), da Central de Electricidade Catalã (1896-1897), dos bancos-postes do Paseo de Gracia (1900), da casa Laribal (1902), da casa Bonaventura Ferrer (1905-1906) e do mercado Sants. (1913).[130] Antonio Rovira y Trías foi o arquitecto municipal de Barcelona, vencedor do concurso convocado pela Câmara Municipal para a nova expansão da cidade, embora finalmente o Ministério das Obras Públicas tenha imposto o projecto de Ildefonso Cerdá. Para a Exposição Universal de 1888 construiu o Museu Martorell. Foi autor de vários mercados municipais, como Hostafrancs (1888), onde mostrou um modernismo incipiente. Emilio Sala Cortés foi igualmente historicista com a introdução de alguns elementos ornamentais modernistas, especialmente nas múltiplas vilas de verão que construiu para a burguesia. Suas obras incluem: a casa Emilia Carles em Barcelona (1892), o palácio Tolrà em Castellar del Vallés (1890), a casa Rocafort em La Garriga (1910) e as Escolas Ribas em Rubí (1916). Foi também o autor do edifício nº 43 do Paseo de Gracia, que posteriormente foi reformado por Gaudí e convertido na Casa Batlló. Cayetano Buigas foi arquiteto-chefe da Exposição Universal de 1888, para a qual também projetou o Monumento a Colombo "Monumento a Colombo (Barcelona)"), com escultura de Rafael Atché. Enquadrou-se no ecletismo, com alguma influência modernista, como se viu nas Termas Catalán de Vichy, nas Caldas de Malavella (1898-1904). Em Sitges foi autor do Mercado Municipal (1889) e da casa Bonaventura Blai (1900).[133].
Lluís Domènech e Montaner
Lluís Domènech i Montaner criou uma mistura de racionalismo construtivo e decoração fabulosa com a influência da arquitetura hispano-islâmica.[134] Foi o criador do que chamou de “arquitetura nacional”,[nota 5] um estilo eclético baseado em novas técnicas e materiais, com um desejo moderno e internacional. Para isso, inspirou-se em arquitetos como Eugène Viollet-le-Duc, Karl Friedrich Schinkel e Gottfried Semper.[136] Na sua obra procurou a unidade construtiva e estética, com abordagens claras e ordenadas, através de um sistema racional que assumia a decoratividade como parte essencial da obra.[137] Foi professor na Escola de Arquitetura de Barcelona desde a sua fundação em 1875 e, de 1900 a 1920, seu diretor. Foi também presidente do Ateneo Barcelonés, jornalista - diretor do jornal El Poble Català -, heraldista e político, sendo presidente da Lliga de Catalunya e da União Catalã, além de deputado em Madrid em 1904.[135].
As suas obras mais relevantes foram o Hospital de la Santa Cruz y San Pablo (1902-1913, concluído pelo seu filho Pere Domènech i Roura) e o Palácio da Música Catalã (1905-1908), ambos declarados Património Mundial pela UNESCO em 1997. O primeiro é um vasto complexo hospitalar herdado do antigo Hospital de la Santa Cruz, que ocupa nove quarteirões de Ensanche, com um conjunto de quarenta e seis pavilhões. dispostos em paralelo e diagonal de acordo com a distribuição na sala para ter a orientação solar ideal. São pavilhões autónomos separados por espaços intersticiais, embora ligados por galerias subterrâneas, das quais se destacam o pavilhão da administração, a sala de assembleias, a biblioteca, a secretaria, a igreja e a sala de convalescentes.[138] Nesta obra, as artes aplicadas assumem especial relevância, como a escultura – com obras de Eusebi Arnau e Pablo Gargallo –, o mosaico, os azulejos e os vitrais.[139].
O Palácio da Música Catalã é um edifício articulado em torno do grande salão central, de formato oval e com capacidade para dois mil espectadores. No seu interior possui três corpos, a entrada, o auditório e o palco, com uma luxuosa decoração com revestimentos cerâmicos e uma grande claraboia central que cobre a sala, feita de vidro colorido, além de diversas esculturas de Eusebi Arnau e Pablo Gargallo. A fachada principal cobre o chanfro das ruas Amadeu Vives e Sant Pere més Alt, com grandes arcos de acesso e uma varanda que circunda toda a fachada, com colunas revestidas a cerâmica e encimadas por uma cúpula em mosaico, onde se destaca o conjunto escultórico de A Canção Popular, de Miguel Blay.[140].
Também merece destaque a casa Lleó Morera (1905), reforma de um edifício construído em 1864, cuja localização em chanfro determinou o destaque da esquina, onde fica a arquibancada principal e é rematada verticalmente por um pequeno templo; Cada piso tem um desenho diferente, onde se destaca o trabalho ornamental - com esculturas de Eusebi Arnau -, parcialmente mutilado numa remodelação do rés-do-chão realizada em 1943.[141] O interior foi profusamente decorado com esculturas de Eusebi Arnau, vitrais de Antoni Rigalt, mobiliário de Gaspar Homar e outros elementos.[142].
Antonio Gaudí
Um dos maiores representantes do modernismo catalão foi Antoni Gaudí, um arquitecto com um sentido inato de geometria e volume, bem como uma grande capacidade imaginativa que lhe permitiu projectar mentalmente a maior parte das suas obras antes de as transferir para plantas. Dotado de uma forte intuição e capacidade criativa, Gaudí concebeu os seus edifícios de uma forma global, tendo em conta tanto soluções estruturais como funcionais e decorativas, integrando também o trabalho artesanal, e introduziu novas técnicas no tratamento de materiais, como os seus famosos trencadís, feitos com peças de resíduos cerâmicos. Após inícios influenciados pela arte neogótica, bem como por certas tendências orientalizantes, Gaudí conduziu ao modernismo no seu período mais efervescente, embora tenha ido além do modernismo ortodoxo, criando um estilo pessoal baseado na observação da natureza, cujo fruto foi a utilização de formas geométricas reguladas, como o parabolóide hiperbólico, o hiperbolóide, a helicóide "Hélice (geometria)") e o conóide "Cone". (geometria)").[148].
Suas primeiras realizações, tanto durante o período de estudante como as primeiras executadas após a obtenção do diploma, destacam-se pela grande precisão dos detalhes, pelo uso de geometria superior e pela preponderância de considerações mecânicas no cálculo de estruturas. Desta época destacam-se os postes de iluminação da Plaza Real "Farolas de la Plaza Real (Barcelona)") (1878) e da Cooperativa Obrera Mataronense (1878-1882), bem como o início das obras daquela que seria a sua magnum opus, o Templo Expiatório da Sagrada Família (1883).[150].
Posteriormente passou por uma fase orientalista, com uma série de obras de marcado gosto oriental, inspiradas na arte do Próximo e Extremo Oriente, bem como na arte islâmica hispânica, principalmente mudéjar e nasrida. Utilizou com grande profusão a decoração em azulejos cerâmicos, bem como os arcos mitrais "Arco (construção)"), cartelas de tijolo aparente e remates em forma de templo ou cúpula. os pavilhões Güell (1884-1887), o palácio Güell (1886-1888) e o pavilhão da Companhia Transatlântica para a Exposição Universal de 1888. A casa do corretor Manuel Vicens foi a sua primeira obra importante, uma casa com três fachadas e um amplo jardim, com uma monumental fonte de tijolos e um muro de vedação com uma cerca de ferro fundido decorada com folhas de palmeira, uma das suas mais emblemáticas; A casa é rematada por chaminés e torres em forma de templos.[152] O Palácio Güell foi a primeira encomenda importante do seu patrono, Eusebio Güell, para quem desenhou uma casa de entrada monumental com magníficas portas com arcos parabólicos e grades de ferro forjado perfuradas; No interior destaca-se o hall, que tem três pisos de altura e constitui o núcleo central do edifício, com cobertura em cúpula dupla de perfil parabolóide no interior e perfil cónico no exterior.[153].
Atravessou então um período neogótico, em que se inspirou sobretudo na arte gótica medieval, que assumiu livremente, pessoalmente, tentando melhorar as suas soluções estruturais; Em suas obras elimina a necessidade de contrafortes com o uso de superfícies regradas e elimina cristas e aberturas excessivas. Garraf "Garraf (Sitges)") (1895-1897) e a torre Bellesguard (1900-1909). Este último foi construído sobre as ruínas de um antigo palácio de verão de D. Martinho I, o Humano, com um edifício de planta quadrada com os vértices orientados para os quatro pontos cardeais, encimado por uma torre cónica truncada coroada pela cruz de quatro braços.[155].
Josep Puig e Cadafalch
Josep Puig i Cadafalch adaptou o modernismo a certas influências do gótico nórdico e flamengo, bem como a elementos da arquitetura rural tradicional catalã, com forte presença de artes aplicadas e estuques. Discípulo de Domènech i Montaner, foi arquiteto, arqueólogo, historiador, professor e político. Foi presidente da Comunidade da Catalunha (1917-1924), cargo a partir do qual promoveu a criação de diversas escolas profissionais (Enfermagem, Comércio, Indústrias Têxteis), entidades científicas (Instituto de Estudos Catalães) e culturais (Museu Nacional de Arte da Catalunha, Biblioteca da Catalunha).[194].
Passou por várias etapas: na década de 1890, um certo germanismo extravagante, que Alexandre Cirici chamou de "era rosa" (casa Martí ou Els Quatre Gats, 1895-1896; casa Amatller, 1898-1900; casa Macaya, 1899-1901; palácio Barão de Quadras, 1899-1906; Terrades ou les casa Punxes, 1903-1905); nos anos 1900, um estilo mediterrâneo ou "era branca" (casa Trinxet, 1902-1904; Can Serra, sede do Conselho Provincial de Barcelona, 1903-1908; casa Sastre Marquès, 1905; casa Muntadas, 1910; casa Pere Company, 1911); e, a partir da década de 1910, um classicismo com influência secessionista que levaria ao Noucentisme, sua "era amarela" (casa Muley-Afid, 1911-1914; fábrica Casaramona, atual Caixa Fòrum, 1915-1939; casa Rosa Alemany, 1928-1930), com influência da Escola de Chicago "Chicago School (arquitetura)") (casa Pich i Pon, 1919-1921) e com uma tendência para um certo estilo barroco monumentalista (palácios de Alfonso XIII e Victoria Eugenia, 1923).[195].
Dentre essas conquistas vale destacar a casa Amatller e a casa Terrades. A primeira apresenta uma fachada de aspecto neogótico, com três partes distintas: um pedestal de pedra com duas portas do lado esquerdo, criando um efeito assimétrico; corpo central com paredes esgrafitadas e ornamentação de motivos florais, com galeria superior que lembra a da capela de São Jorge do Palácio da Generalitat; e acabamento escalonado em empena em cerâmica vermelha e dourada, com possível influência da arquitetura tradicional da Holanda. A casa Terrades ocupa um quarteirão inteiro de Ensanche, de traçado irregular: apresenta seis fachadas inspiradas na arquitetura gótica nórdica e no plateresco espanhol, encimadas por empenas, algumas truncadas por intradorsos cerâmicos com imagens de estilo pré-rafaelita, e ladeadas por seis torres circulares coroadas por pináculos cónicos terminando em agulha, que dão o apelido ao edifício; É construída em obra exposta, com ornamentação escultórica em pedra e cerâmica esmaltada, e elementos em ferro forjado.[197].
Em Mataró, sua cidade natal, foi autor da casa Parera (1894), da casa Beneficencia (1894), da casa Coll i Regàs (1898) e da casa Puig i Cadafalch (1897-1905).[198] Em Argentona, localidade próxima, foi o arquitecto da casa Garí (1898), um edifício a meio caminho entre uma quinta e um palácio, medievalista, com profusa decoração interior e exterior, como denota o alpendre de entrada. arcos.[186].
Outros arquitetos modernistas
Da infinidade de arquitetos modernistas – total ou parcialmente – devemos mencionar primeiro Enric Sagnier, um arquiteto de estilo eclético que forjou uma marca pessoal de linhas classicistas com grande sucesso entre a classe burguesa catalã. Autor prolífico, foi possivelmente o arquitecto com maior número de construções em Barcelona, com quase trezentos edifícios documentados. Podem-se distinguir três etapas em sua carreira: antes de 1900 trabalhou com um estilo eclético, monumental e grandioso; De 1900 a 1910 aproxima-se do modernismo, que é percebido num maior sentido decorativo da sua obra nesta época, com especial influência da arte rococó; e, desde 1910, manteve-se num estilo classicista de influência francesa, longe das modas do momento. Entre as suas obras destacam-se: o Palácio da Justiça de Barcelona (1887-1908, com José Domènech y Estapá), a casa Juncadella (1888-1889), a casa Pascual i Pons (1890-1891), a escola Jesús-María (1892-1897), a Alfândega do Porto de Barcelona (1896-1902, com Pere Garcia Fària), a casa Arnús ou El Pinar (1902-1904), a casa Garriga Nogués (1902-1904), o Templo Expiatório do Sagrado Coração (1902-1961), a casa Fargas (1904), a igreja de Nossa Senhora de Pompéia "Igreja de Nossa Senhora de Pompéia (Barcelona)") (1907-1910), a casa Ramon Mulleras (1910-1911), a casa do Doutor Genové (1911), a nova igreja de San Juan de Horta (1911-1917), o Edifício do Fundo de Pensões de Barcelona (1914-1917), a Basílica de San José Oriol (1915-1930) e o Conselho Curador de Ribas (1920-1930).[202].
Antoni Maria Gallissà, Joan Josep Hervàs, Salvador Viñals e Francisco de Paula del Villar y Carmona também se moveram nesta linha de reminiscência classicista. Gallissà foi um arquitecto intimamente ligado às artes decorativas, como se pode verificar na casa Llopis Bofill (1902), com fachada com esgrafito de motivos islâmicos e varandas em forma de tribunas de ferro e vidro. A principal obra de Hervàs foi a casa Pérez Samanillo, atual Círculo Equestre (1910-1911), uma casa unifamiliar com aspecto de château francês, que recebeu o prêmio da Câmara Municipal pela melhor obra de 1910.[204] Viñals praticou arquitetura classicista com ornamentação modernista, como evidenciado na casa Juncosa (1907-1909). Construiu diversas fábricas e teatros, como o Teatro das Novedades (1890, desaparecido) e colaborou com Doménech Estapá na Prisão Modelo (1888-1904). Foi também autor de várias vilas de verão em cidades costeiras, como a casa Oller em Sitges (1891).[205] Villar y Carmona foi arquiteto da diocese de Barcelona, cargo a partir do qual interveio no Mosteiro de Montserrat, onde construiu a fachada da igreja e a capela da Virgem.[206] Em Barcelona construiu a casa Riera (1892), a casa Gas Lebon. (1894-1896)[207] e a casa Climent Arola (1900-1902).
[208] Foi também responsável pela reconstrução da igreja de Santa Madrona (1915) e do Hospital de Incuráveis (1916). Foi também o autor da igreja paroquial de San Cipriano de Tiana "Tiana (Barcelona)") (1927).
Centros modernistas fora de Barcelona
A capital catalã foi a cidade que mais obras de arquitetura modernista teve – e talvez a mais emblemática – mas o movimento se espalhou por todo o Principado. Importantes arquitectos que trabalharam na capital também realizaram obras no exterior, como é o caso de Gaudí em Santa Coloma de Cervelló, Garraf "Garraf (Sitges)") ou La Pobla de Lillet; de Domènech i Montaner em Reus e Canet de Mar; de Puig i Cadafalch em Mataró e Argentona; por Josep Maria Jujol em Tarragona e San Juan Despí; ou Juan Rubió em Colonia Güell, Reus, Ripoll e Raimat. Como o trabalho destes autores já foi analisado, esta seção abordará o trabalho de outros arquitetos limitados a territórios específicos das quatro províncias catalãs.[283].
Esta província é a que mais obras modernistas tem no território catalão, dada a sua proximidade com a capital, que funcionou como foco de irradiação. Nas imediações de Barcelona você pode encontrar arquitetura modernista em cidades como Hospitalet de Llobregat e Badalona. Na primeira estão algumas fábricas modernistas, como a fábrica Tecla Sala, de Claudio Durán y Ventosa (1892), ou a fábrica Can Vilumara, de Andreu Audet (1906-1907), enquanto Ramón Puig Gairalt, arquitecto municipal da cidade, construiu vários chalés de tipo modernista no início da sua carreira - embora mais tarde se tenha inclinado para o Noucentisme - bem como a loja Botiga Nova. (1912), as casas baratas da Rambla Just Oliveras 77-79 (1914-1915) - que denotam a influência separatista - e a Delegacia de Polícia (1922). (1910) cruzamento de linhas horizontais.[286][287].
No entorno da capital, há um grande número de obras modernistas na faixa litorânea, nas regiões de Garraf, El Maresme e Bajo Llobregat. A principal cidade de Garraf é Villanueva i Geltrú, onde trabalhou Bonaventura Pollés, que foi arquiteto municipal da cidade, onde desenvolveu um estilo tendente ao monumentalismo, com uso profuso de ferro e vidro, em obras como a Villa Laguarda (1912) ou o chalé do Dr. Ribot (1910). Casa indiana. (1916-1921).[289] Outra localidade importante é Sitges, relevante centro modernista, já que ali se instalou Santiago Rusiñol, promotor dos Festivais Modernistas que se realizavam naquela cidade. Aqui trabalhou Josep Pujol i Brull, arquiteto eclético que passou por várias etapas, do modernismo ao noucentismo, autor da casa Pere Carreras (1906). Elías Rogent, pai da Escola de Arquitetura e autor da Universidade de Barcelona, foi o autor de Cau Ferrat, a residência Rusiñol.[292] No Bajo Llobregat devemos primeiro destacar a obra de Gaudí, Berenguer e Rubió na Colonia Güell em Santa Coloma de Cervelló, de Josep Maria Jujol em San Juan Despí, de Marceliano Coquillat em San Justo Desvern e de Gabriel Borrell em Sant Feliu de Llobregat, como visto anteriormente, devemos mencionar Josep Ros i Ros, que foi arquiteto municipal de Castellbisbal, Cervelló, Corbera de Llobregat, El Papiol, Gélida, Martorell, La Palma de Cervelló, Olesa de Montserrat, Pallejá, Piera, San Andrés de la Barca, San Sadurní de Noya e Torrellas de Noya. Llobregat,[293] localidades onde deixou inúmeras obras de cunho modernista, que se destacam pela profusão de elementos cerâmicos e de estuque, bem como pela decoração de bordas curvas ou retilíneas.[294] Foi também autor da casa Jacint Bosch em Terrassa (1912) e da fábrica Cal Sabater em Igualada (1912-1919).[293] Na mesma região vale a pena mencionar o Câmara Municipal de Viladecans, de Josep Azemar (1899); a Sociedade Geral da Água de Barcelona em Cornellá de Llobregat, de Josep Amargós (1905-1909); e o Centro Artesanal de El Prat de Llobregat, de Antoni Pascual Carretero (1919).[295]
Modernismo catalão fora da Catalunha
Alguns arquitetos modernistas catalães deixaram obras notáveis fora do Principado. Um dos principais focos foi Comillas "Comillas (Cantabria)"), na Cantábria, terra natal de Antonio López y López, primeiro Marquês de Comillas, sogro do empresário catalão e patrono de Gaudí, Eusebio Güell. López iniciou importantes obras de construção em sua cidade, para as quais contratou arquitetos catalães por recomendação de seu genro. A primeira encomenda, confiada a Joan Martorell, foi para um palácio e uma capela-panteão em Sobrellano (1878-1888), construído em estilo neogótico. Gaudí, que na época era assistente de Martorell, desenhou alguns móveis para a capela e escultores como Josep Llimona e os irmãos Agapito e Venancio Vallmitjana participaram da decoração. A encomenda seguinte, também de Martorell, foi para um Seminário (1883-1892), onde Lluís Domènech i Montaner participou na decoração. Este arquiteto foi posteriormente encarregado da construção do cemitério da cidade (1890) —onde se destaca a escultura O Anjo Exterminador "O Anjo Exterminador (Llimona)" de Josep Llimona— e um Monumento ao primeiro Marquês de Comillas (1890).[345] Mas o principal expoente do modernismo catalão em Comillas foi El Capricho "El Capricho (Gaudí)") de Gaudí (1883-1885), torre encomendada por Máximo Díaz de Quijano, cunhado de Antonio López. Juntamente com a casa Vicens, foi uma das primeiras obras relevantes de Gaudí, que confiou a direção das obras a Cristóbal Cascante, um colega estudante. De estilo oriental, apresenta planta alongada, com três níveis e torre cilíndrica em forma de minarete persa, totalmente revestida a cerâmica.[346].
Gaudí construiu outras duas obras importantes fora da Catalunha: o Palácio Episcopal de Astorga (1889-1915) e a casa Botines em León "León (Espanha)") (1891-1894). A primeira foi uma encomenda de um clérigo amigo de sua terra natal, Reus, Juan Bautista Grau Vallespinós, que ao ser nomeado bispo de Astorga encarregou Gaudí de construir um palácio para aquela cidade, em estilo neogótico. vale a pena mencionar finalmente outra intervenção de Gaudí fora das suas terras: a restauração da Catedral de Maiorca (1903-1914), encomendada pelo bispo daquela cidade, Pere Campins. Gaudí planejou uma série de ações estruturais e decorativas e modernização do edifício, confiando as obras a Juan Rubió, assistente de Gaudí.[349].
Graças ao seu trabalho na restauração da catedral maiorquina, Juan Rubió realizou vários projetos nas Ilhas Baleares: a fachada da igreja paroquial de San Bartolomé de Sóller (1904-1912), o mosteiro da Sagrada Família em Manacor (1906-1908), o rosário do santuário de Lluch (1909-1913, com Josep Reynés), a casa Casasayas em Palma de Maiorca (1910-1911), a igreja de Son Servera (1910), o Banco de Sóller (1910-1912), a casa de Miquel Benimelis em Palma (1912-1913), o monumento a Jaime III em Lluchmayor (1923) e a restauração da catedral de Santa María de Ciudadela (1939-1941).[350] Nesta parte da Espanha foi autor da farmácia Puig em Azoque (Saragoça, 1908),[350] da basílica do Sagrado Coração "Basílica do Sagrado Coração (Gijón)") em Gijón (1910-1925)[293] e da restauração da casa de Santo Inácio de Loyola em Azpeitia (Guipúzcoa, 1920-1921).[350].
Pintar
La pintura modernista recibió influencias muy variadas, especialmente las ligadas a corrientes europeas como el impresionismo, postimpresionismo y simbolismo. Esta influencia llegó especialmente gracias a las estancias en París de numerosos artistas, como Ramón Casas y Santiago Rusiñol. Considerada en aquel entonces la meca del arte, la capital francesa era el lugar donde viajaban artistas de todo el mundo para formarse y ponerse al día en las corrientes pictóricas.[365] También ejercieron una gran influencia movimientos como la Hermandad Prerrafaelita, el Arts and Crafts, los Nazarenos "Nazarenos (arte)") y los Nabis "Nabis (artistas)"), así como, en el campo de la cultura europea en general, la filosofía de Nietzsche, la música de Wagner y el teatro de Ibsen y Maeterlinck. Barcelona se convirtió en una metrópoli europea, más ligada al continente que el resto de España.[366] También ejerció un notable influjo la revalorización producida esos años de la obra de El Greco, al que admiraban artistas como Rusiñol, Mir y Gimeno, así como Regoyos y Zuloaga a nivel nacional. Del artista cretense se valoraba especialmente el colorido de sus obras y la estilización de sus figuras. Prueba de esta actitud fue la iniciativa de Rusiñol de erigir un Monumento a El Greco en Sitges, obra de Josep Reynés (1898).[365].
Por su posición cronológica, la pintura modernista fue heredera de los movimientos artísticos del siglo , al tiempo que preludiaba las nuevas vanguardias que llegarían con el siglo . Esta posición, entre el pasado y el futuro, llevó a Josep Maria Garrut a separar a los pintores modernistas entre «recreadores con proyección de pasado» y «creadores con premoniciones de futuro».[367] Así, la pintura modernista catalana es ambigua, contradictoria, en un difícil equilibrio entre la ruptura y la continuidad, entre la tradición y el progreso.[367].
En pintura, el modernismo fue un movimiento heterogéneo, que agrupó en su seno varias tendencias estilísticas: según una clasificación de Joan Ainaud de Lasarte (El Modernismo en España, 1969), el modernismo catalán podría dividirse entre modernismo simbolista, impresionista y postimpresionista.[368] En cambio, para Francesc Fontbona (La crisis del Modernismo artístico, 1975), se darían dos corrientes principales: la modernista y la posmodernista.[369] Pese a su diversidad, son perceptibles diversos rasgos comunes en la mayoría de artistas modernistas, como podrían ser el rechazo del arte académico, el culto por la belleza y una cierta actitud social, un afán regenerador de la sociedad de su momento.[370].
Uno de los puntos de partida de la pintura modernista fue la estancia en París de Ramón Casas y Santiago Rusiñol. Pertenecientes a familias acomodadas, viajaron a la capital mundial del arte en 1890, donde se adentraron en el ambiente bohemio de Montmartre. Aquí conocieron el impresionismo, del que recibieron la influencia, especialmente, de Manet y Degas, es decir, el impresionismo más de raíz académica y no tanto de inspiración individual.[371] De vuelta a Barcelona, Casas y Rusiñol capitanearon una renovación del ambiente pictórico catalán, que incluyó a diversos artistas que se movían en torno al Círculo Artístico de Barcelona. En contrapartida al espíritu bohemio y hedonista de estos pintores, surgió una corriente de signo más conservador, tanto en lo artístico —por su conservación de un cierto sello académico—, como en lo moral —por su vinculación al catolicismo—, centrada en el Círculo Artístico de San Lucas, una asociación liderada por el obispo de Vic, José Torras y Bages y, en el terreno artístico, por Josep Llimona.[372].
Pré-modernismo: a Escola Luminista de Sitges
A chamada Escola Luminista de Sitges,[373] que surgiu nesta cidade de Garraf e funcionou entre 1878 e 1892, é geralmente considerada "pré-modernismo". Seus membros mais proeminentes foram Arcadio Mas, Joaquim de Miró, Joan Batlle i Amell, Antoni Almirall e Juan Roig y Soler. Em certa medida opostos à Escola de Olot, cujos pintores tratavam a paisagem do interior da Catalunha com uma luz mais suave e filtrada, os artistas de Sitges optaram pela luz quente e vibrante do Mediterrâneo e pelos efeitos atmosféricos da costa de Garraf. Herdeiros em grande parte de Mariano Fortuny, os membros desta escola procuraram reflectir fielmente os efeitos luminosos da paisagem envolvente, em composições harmoniosas que combinavam o verismo e uma certa visão poética e idealizada da natureza, com um cromatismo subtil e uma pincelada fluida por vezes descrita como impressionista.
Estes artistas captaram com precisão e detalhe a paisagem, a vida e os costumes desta vila costeira, com realismo, mas com uma certa visão idealizada e poética das imagens que captaram, nas quais se destacam a beleza da luz e um cromatismo subtil de grande frescura visual.[375] Posteriormente, a maioria destes artistas evoluiu de diferentes maneiras: em sua produção posterior Roig y Soler teve a tendência de substituir a linha pela mancha, recarregando a composição material de suas obras, com uma fatura mais livre e dinâmica; Mas abordou o modernismo - era amigo íntimo de Rusiñol - e combinou paisagismo com cenas interiores, especialmente em igrejas iluminadas com velas de aspecto barroco; Miró, Batlle e Almirall continuaram em grande parte com o estilo Luminista, embora de uma forma mais pessoal e heterogênea.[376].
Casas e Rusiñol
Um dos principais representantes deste movimento foi Santiago Rusiñol, fundado em 1890 em Paris junto com Ramón Casas, onde ingressaram no movimento impressionista, com especial influência de Manet e Degas, ou seja, o impressionismo de base mais tradicional, com pinceladas longas e difusas em comparação com as pinceladas curtas e soltas do impressionismo mais vanguardista. notas sobre a pintura. natural, que posteriormente transferiram para suas obras. Juntos montaram um ateliê na rua Muntaner 38, em Barcelona, que ficou famoso por seus encontros, frequentados por jovens artistas; conhecido como Cau Ferrat, mais tarde esse nome seria o da casa Rusiñol em Sitges, centro das festas modernistas.[378][nota 6].
Rusiñol formou-se em pintura naturalista, próximo à Escola Olot. Sua fase mais plenamente modernista ocorreu na década de 1890. Nos primeiros anos desta década a sua influência impressionista foi mais evidente, com uma cor de tons frios com preponderância do cinza - como também Casas desenvolveria -, como denotado em obras como A cozinha ou o laboratório do Moulin de la Galette (1890) ou Erik Satie (1891), onde a influência de Whistler é evidente, especialmente nas figuras. estilo mais plenamente simbolista: abandonou o realismo e direcionou sua obra para um tom mais mítico e estetizante, quase evasivo, como denotam seus tetos decorativos para o Cau Ferrat de 1896 (Pintura, Poesia, Música). Para isso foram decisivas uma série de sucessivas viagens a Granada, onde desenvolveu um paisagismo mais naturalista, com preocupação pela composição e simetria, mas também pela estética e pelo cromatismo: Escadaria com fontes do Generalife (1900).[383].
Ramón Casas não se deixou totalmente seduzir pelo impressionismo que encontrou em Paris - embora denotasse a influência de Degas e Whistler - a sua obra é um pouco mais conservadora com a tradição pictórica, mas desenvolveu um plenirismo de tons frios, com preferência pelo cinza, como se observa em Plen air "Plein Air (Ramón Casas)") (1890). Nos anos seguintes combinou paisagismo e cenas da vida social com obras de determinado conteúdo político, que, no entanto, transcenderam a mera anedota pela sua natureza plástica e pelo tratamento da imagem, articulada com manchas de cor, com um cromatismo verístico que dilui o pathos das cenas em imagens reduzidas à captura de uma imagem no tempo, como denotado em O Garrote Vil (1894) e A Carga (1899).[384].
Sua técnica se destaca pela pincelada sintética e pelo traço um tanto borrado, com temática voltada preferencialmente para imagens de interiores e exteriores, além de cenas populares e demandas sociais.[385] Apesar de tudo, o modernismo de Casas é superficial, o seu estilo é bastante realista, como se pode verificar nos seus retratos femininos, de grande qualidade pictórica. Foi também um grande desenhista, destacando-se a sua galeria de retratos a carvão de figuras do seu tempo. Destacou-se também como artista de cartazes, onde demonstrou grande domínio da cor e da composição.[387].
Modernismo impressionista
Esta tendência baseou-se na influência do impressionismo francês, embora sempre mais atenuado e com um importante substrato de realismo da escola naturalista espanhola, em maior ou menor medida dependendo de cada artista. O tema preferido nesta corrente foi a paisagem, na qual são mostrados os herdeiros da Escola Olot, tendo Ramón Martí Alsina e Joaquín Vayreda como principais referências. Assim, no tratamento destas obras, a luz e a cor são mais relevantes do que a expressão de um sentimento ou a simbolização de algum conceito, como ocorre no modernismo simbolista. A técnica é uma pincelada livre, mais ou menos espessa dependendo do artista, enquanto a cor é intensa, mas sem atingir a violência que o pós-impressionismo francês desenvolvia naqueles anos.[388].
Casas e Rusiñol entrariam parcialmente nesta corrente, influenciados pelo impressionismo após a sua estadia em Paris, bem como outros artistas entre os quais devemos mencionar em primeiro lugar Eliseo Meifrén, o maior representante do paisagismo impressionista na Catalunha. Suas primeiras obras ainda são herdeiras do espírito romântico, com certa preciosidade vinda da pintura de gênero, evoluindo posteriormente para um impressionismo livre, que se destaca pela suavidade das cores e pelos efeitos atmosféricos. O seu tema preferido era a costa catalã - especialmente Cadaqués -, embora também pintasse paisagens da Europa e da América.[389].
Francisco Gimeno formou-se em Tortosa com Manuel Marqués e expandiu os estudos em Madrid com Carlos de Haes, embora tenha desenvolvido um estilo pessoal, baseado num desenho denso com linhas nervosas, uma pincelada também densa e algo áspera, e uma coloração dominada por tons avermelhados e açafrão, com a presença também de negros carvão, todos eles postos ao serviço de uma composição baseada em facetas de luz. Quanto ao tema, percebe-se um fundo áspero, austero, um tanto sórdido, reflexo da própria vida do pintor, afastado voluntariamente da sociedade de sua época. Além das paisagens – especialmente da costa catalã e maiorquina – destacam-se os seus retratos e autorretratos.[390].
Oleguer Junyent ganhava a vida principalmente como cenógrafo, trabalho pelo qual viajou por todo o mundo. No decorrer dessas viagens ele fez anotações a óleo retiradas da natureza, um rico acervo de paisagens naturais que se destacam pela cor viva, com desenho preciso e pinceladas grossas. Os seus trabalhos de cavalete são, no entanto, mais discretos e algo decorativos, talvez pela influência da sua actividade teatral. Foi também escritor e decorador, além de ilustrador em L'Esquella de la Torratxa.[391].
Laureano Barrau estudou na Escuela de la Lonja com Antonio Caba e Claudio Lorenzale, e prosseguiu os estudos em Paris, onde foi discípulo de Jean-Léon Gérôme. Passou uma estadia em Roma, graças a ter ganho o prémio Fortuny. Também viajou pela América do Sul e passou várias temporadas nas Ilhas Baleares, especialmente em Ibiza, onde se estabeleceu definitivamente nos últimos anos. Na sua obra evoluiu de um naturalismo com conotações românticas para um certo impressionismo que dava grande relevância à luz e à atmosfera, algo próximo do luminismo de Sorolla.
Círculo Artístico de São Lucas
Diante do caráter mais mundano e cosmopolita do modernismo impressionista, surgiu uma certa reação em torno do Círculo Artístico de San Lucas, associação de artistas ligados ao catolicismo, liderada por José Torras y Bages, criador de uma ideologia nacionalista, tradicional, conservadora e moralizante, que permeou as obras desses artistas. No entanto, apesar destes conceitos quase antimodernistas, a sua obra liga-se à pintura modernista devido ao seu desejo de superar a anedota naturalista e ao seu espiritualismo, que se liga à corrente simbolista. Em 1893 foi realizada na Sala Parés a primeira exposição coletiva do Círculo.[396].
Um dos seus fundadores foi Joan Llimona, que se inclinava para um misticismo de forte religiosidade, como denotam as suas pinturas para a cúpula do camarim da igreja do mosteiro de Montserrat (1898) ou os murais da sala de jantar da casa Recolons em Barcelona (1905). Formado na Escuela de la Lonja com Antonio Caba e Ramón Martí Alsina, expandiu seus estudos na Itália durante quatro anos, graças a uma bolsa conquistada por seu irmão, o escultor Josep Llimona. Suas primeiras obras foram do gênero dos costumes, mas por volta de 1890 sua pintura se concentrava na religião, com composições que combinavam o realismo formal com o idealismo dos temas, com um estilo por vezes comparado a Millet e Puvis de Chavannes, como observamos em Retornando do campo (1896).[397].
Outro integrante do Círculo, mais plenamente simbolista, foi Alexandre de Riquer, pintor, gravador, decorador, ilustrador e cartazista, além de poeta e teórico da arte. Ele morou por um tempo em Londres, onde foi influenciado pelo Pré-Rafaeliteismo e pelo movimento Arts and Crafts. Destacou-se especialmente na ilustração de livros (Crisantemes, 1899; Anyoranses, 1902) e na concepção de ex-libris, género que elevou a elevados níveis de qualidade.[398] Na última fase da sua vida, radicado em Maiorca, dedicou-se ao paisagismo, num estilo bastante impressionista.[399].
Outros membros do Círculo foram Dionísio Baixeras e Joaquim Vancells. Baixeras, discípulo de Martí Alsina, dedicou-se a paisagens de aspecto calmo.[400] Pela sua técnica e estilo, poderia ser definido mais como naturalista do que como modernista, embora pertencesse a esta geração. Concentrou-se em temas rurais tipicamente catalães: pastores, pescadores, montanhas dos Pirenéus ou praias da costa catalã.[401] Vancells, também pintor paisagista, ofereceu uma variante mais rural do impressionismo cinzento de Casas e Rusiñol.[400] Evoluiu de uma técnica de grande precisão próxima da Escola de Olot para um tom mais simbolista, em que as suas paisagens - especialmente de Montserrat e Vallés "Vallés (Catalunha)") - são tingidas de nevoeiro e efeitos atmosféricos, bem como de um certo sentimentalismo.
Enrique Galwey e Luis Graner abrangeram o naturalismo da Escola Olot e o simbolismo. Galwey, discípulo de Vayreda, desenvolveu um projeto paisagístico melancólico, próximo à pintura de Barbizon. Suas paisagens são esquemáticas, com grande presença de nuvens, massas escuras, luzes e contraluzes.[389] Graner estudou em La Lonja, bem como em Madrid e Paris. Tecnicamente ele era um artista convencional, que dominava a luz e a cor, enquanto tematicamente transitava entre o anedótico e os temas sociais. Nos seus últimos anos trabalhou nos Estados Unidos e na América do Sul, tirando retratos para sobreviver.[403].
Modernismo simbolista
O modernismo simbolista reuniu influências vindas não só do Simbolismo, mas do Romantismo e do Pré-Rafaelismo, mas também do Naturalismo e de outros estilos, o que proporcionou um grande amálgama e complexidade que se traduziu de diferentes formas em cada artista. Na sua produção percebe-se um idealismo que dá grande relevância à iconografia e que se traduz na expressão de ideias ou sentimentos das personagens, com especial predileção pela figura feminina, uma figura idealizada, com pouca recorrência ao nu "Nu (género artístico)") - e, se necessário, irrealista, que retira conotações eróticas -, se não totalmente casto, especialmente em pintores com ideias moralistas ligadas ao cristianismo. a bidimensionalidade, o traço sinuoso, o gosto pela decoração floral, uma certa tendência medievalizante e, sobretudo no que diz respeito ao simbolismo, a predileção por alegorias e temas simbólicos.[405] A técnica evoluiu de uma coloração fraca com pinceladas difusas para um maior cromatismo com pinceladas mais grossas e liberdade de movimentos.[406].
Casas e Rusiñol enquadram-se parcialmente na tendência simbolista, assim como os membros do Círculo de San Lucas, como vimos. Entre os artistas deste movimento também se destacaram Juan Brull, José María Tamburini e Sebastià Junyent. Brull estudou em Barcelona com Simón Gómez e em Paris com Raphaël Collin.[407] Dos primórdios de um estilo realista anedótico, ele evoluiu para um idealismo simbolista acadêmico. Em sua obra destaca-se a representação da figura feminina, com meninas de beleza etérea que muitas vezes assumem a forma de fadas ou ninfas, como em Calypso (1896) ou Sonho (1897).[381] Tamburini desenvolveu uma estética semelhante de figuras femininas idealizadas, como em Harmonias da floresta (1896).[408] Iniciado no academicismo, no qual mostrou grande perfeição técnica, posteriormente foi um dos pintores modernistas mais próximos do simbolismo, sobretudo pelos seus temas de conteúdo romântico.[409] Junyent – irmão de Oleguer, de tendência impressionista – foi um artista inquieto, iniciado no impressionismo parisiense ao mesmo tempo que Casas e Rusiñol, mas que desenvolveu uma obra pessoal, na qual a sua fase mais simbolista se deu entre 1899 – ano da sua Clorose, de influência Whistriana – e 1903, data em que fez uma Anunciação que já indicava um estilo mais arcaizante. Sua melhor obra nesses anos foi Ave María (1902), que mostra um idealismo próximo ao de Henri Martin "Henri Martin (pintor)".[410] Posteriormente focou-se em questões sociais - especialmente personagens marginais -, dotado de uma forte visão melancólica, devido ao seu caráter depressivo, que o levou à loucura em sua fase final. Foi também crítico de arte nas revistas Joventut "Joventut (revista)") e La Renaixensa, além de cartazista, encadernador e designer de móveis.[411] Pode ter influenciado Pablo Picasso, com quem dividiu ateliê em Barcelona e a quem acompanhou a Paris.[412].
Pós-modernismo
A última tendência pictórica dentro do modernismo foi mais heterogénea, numa linha que reunia vários estilos, tanto os anteriores como as diversas novas tendências que iam surgindo na Europa, especialmente o pós-impressionismo. Em geral, eram artistas de uma nova geração – a maioria nascidos na década de 1870 – que procuravam romper os laços com a anterior e embarcar num novo caminho mais pessoal. Embora muitos deles tivessem formação acadêmica – especialmente na Escuela de la Lonja –, eles renunciaram à sua formação e buscaram novos caminhos de expressão. Embora fossem artistas mais pessoais, em geral destacam-se por uma temática mais urbana e social, denunciando as misérias do seu tempo, expressas com aspereza e aspereza, com uma técnica mais ousada e expressiva nas luzes e nas cores - onde o preto assume um papel forte -, com pinceladas grossas aplicadas em manchas com forte componente material, bem como um desenho mais nervoso e esquemático.[419] Segundo Francesc Fontbona, criador do termo "pós-modernismo" na sua obra La crise do modernismo artístico (1975), “o pós-modernismo, comparado ao idealismo ou ao realismo estilizado e desapaixonado dos modernistas, opõe-se ao realismo crítico - tema marginal - e/ou ao repensar estético” e aponta-o como uma “geração intermediária” entre o modernismo e o noucentismo. uma ala “branca” – a geração impressionista-simbolista – e outra ala “negra” – a geração pós-impressionista-expressionista.[420].
A nova geração de pintores modernistas surgiu em torno de um grupo de jovens pintores apelidados de la Colla del Safrà ("a Gangue do Açafrão"), pelo seu gosto pelo uso abundante de cores de cádmio. Era um grupo de filiação pós-impressionista, que tinha a pintura au plein air como uma de suas premissas básicas. [421] Formado por Joaquín Mir, Isidro Nonell, Ramón Pichot, Ricard Canals, Adrián Gual - um curto período de tempo, embora, como se viu, o seu trabalho se inclina mais para o simbolismo -, Joaquim Sunyer e Juli Vallmitjana, o seu trabalho baseou-se num realismo de aspecto esboçado centrado em temas suburbanos, especialmente de bairros periféricos de Barcelona como Montjuic ou San Martín de Provensais.[422] Nesse sentido, a obra mais paradigmática deste grupo foi A Catedral dos Pobres, de Joaquín Mir (1898), que mostra alguns mendigos em torno da Sagrada Família. Mir, porém, logo mudou de estilo, após uma estadia em Maiorca iniciada em 1900, na qual se concentrou em captar a paisagem maiorquina, com uma cor quente e intensa. Voltou a evoluir por volta de 1906, devido a uma convalescença por perturbações mentais no Campo de Tarragona, com um paisagismo mais difuso, baseado em manchas de cor, próximo da abstração.[423] Esta foi uma etapa de intensa criação pessoal, com obras que purificaram o seu estilo anterior – excessivamente decorativo – para se concentrar num desenho de linha nervosa com manchas redondas de cores vivas que parecem flutuar no ar e onde os elementos do campo e das nuvens se erguem em volutas retorcidas que por vezes lembram a obra de Van Gogh – talvez por coincidirem com perturbações mentais.[424].
Escultura
La escultura modernista, como el resto de las artes de este movimiento, fue heredera del Romanticismo, de la exaltación de la humanidad, la individualidad, la emotividad, la sensibilidad, frente al formalismo del clasicismo. La escultura intenta expresar como nunca el sentimiento, la emoción, con dos principales referentes: el ser humano y la naturaleza. Predomina la forma curva, la línea ondulante y sinuosa, que se deshace en múltiples detalles que llenan todo el espacio escultórico.[460] La escultura fue protagonista indispensable de muchos proyectos arquitectónicos, como un elemento principal de la decoración interior y exterior de edificios, sin desmerecer la escultura exenta, que vivió una época de gran esplendor. También tuvieron un gran auge los monumentos funerarios y conmemorativos.[58].
La escultura del modernismo fue heredera del monumentalismo de los hermanos Agapito y Venancio Vallmitjana, si bien con posterioridad recibió la influencia del simbolismo francés, especialmente de la obra de Auguste Rodin,[461] conocida sobre todo a raíz de la Exposición Universal de París "Exposición Universal de París (1900)") de 1900, donde este escultor presentó una retrospectiva de ciento sesenta y ocho obras, que visitaron muchos de los escultores catalanes que viajaron a la capital francesa. Dos de las obras más emblemáticas de la escultura modernista, la Eva de Clarasó y el Desconsuelo de Llimona, se basan directamente en La danaide de Rodin.[462] También fue determinante la influencia del belga Constantin Meunier y su temática obrera,[4] especialmente tras la celebración de la V Exposición Internacional de Bellas Artes de Barcelona, en que se presentaron treinta y ocho obras del artista belga.[463].
Como en la arquitectura, el punto de arranque de la escultura modernista fue la Exposición Universal de 1888, donde, junto a los nombres consolidados de la generación realista anterior (los Vallmitjana, Rossend Nobas, Jerónimo Suñol, Manuel Oms), que coparon los grandes encargos oficiales, surgió una nueva generación de artistas que comenzaban a abrirse camino, entre los que destacaban Josep Llimona, Miguel Blay, Agustín Querol, Eusebi Arnau o Manuel Fuxá. Estos artistas, pese a todo, se iniciaron en el academicismo, para ir evolucionando poco a poco a estilos más personales. Las innovaciones aportadas por la pintura, tras el regreso de Casas y Rusiñol de París, influyeron igualmente en la escultura, ya que aportaron una visión nueva, una nueva forma de concebir el arte, más basada en la inspiración individual que no en el canon imitativo que se transmitía en las escuelas de arte.[464] Como en otras artes, se perciben diversas fases o generaciones de artistas: en la primera se situarían los artistas herederos del realismo académico y que, poco a poco, se van adentrando en la nueva estética; la segunda incluiría los escultores plenamente modernistas; en la tercera y última se situaría la obra inicial de artistas que posteriormente evolucionaron hacia el novecentismo.[4].
Na primeira geração, Manuel Fuxá formou-se no academicismo, como aluno da Escuela de la Lonja de Barcelona, onde foi discípulo de Rossend Nobas. Ele ainda se movia num realismo de preocupação formalista e ar sereno. Em 1888 fez parte da equipe de escultores que trabalharam na decoração do Arco do Triunfo. Foi autor de vários monumentos, como o de Clavé (1888) e o de Rius y Taulet (1901), bem como de decoração escultórica para arquitetura, como o relevo do Sagrado Coração da casa Pérez Samanillo, obra de Hervàs.[465].
Josep Reynés também estudou em La Lonja e foi aluno dos irmãos Vallmitjana, bem como de Carpeaux em Paris. Ele também era essencialmente realista, embora timidamente se aventurasse no modernismo. Ele também participou da obra escultórica do Arco do Triunfo. Foi o autor do Monumento a El Greco (1898) promovido pelo círculo modernista de Sitges.[465].
Agustín Querol foi discípulo da família Vallmitjana e alcançou, desde origens modestas, grande sucesso entre a burguesia e a aristocracia, com uma grande oficina onde trabalharam numerosos assistentes. Seu trabalho faz parte do realismo anedótico, mas uma certa abordagem modernista pode ser vista na obra e na concepção da obra. Desenvolveu a maior parte da sua obra em Madrid, onde viveu desde 1890.[466].
Rafael Atché também treinou com os Vallmitjanas e viajou pela França, Itália e Reino Unido, continuando com o realismo anedótico dos seus contemporâneos. Foi autor da figura do descobridor do Monumento a Colombo "Monumento a Colombo (Barcelona)"), bem como de diversas obras para o Hospital Clínico e o Palácio da Justiça de Barcelona.[466].
Josep Montserrat estudou em La Lonja e em Paris. Desenvolveu um realismo anedótico com gosto por um certo pontilhismo precioso. Sua obra mais famosa é o Manelic, localizado no Jardim de Esculturas de Montjuic.[465].
Modernismo completo
A escultura totalmente modernista era claramente simbolista, sob a influência direta de Rodin. Isto fica evidente no predomínio do sentimento sobre a descrição realista que até então predominava, a expressão dos estados de espírito, da fusão entre matéria e espírito. Para isso, para além da ideologia simbolista, foi decisiva a ascensão da escultura funerária, que pela sua própria origem reflectia uma temática mais sentimental do que descritiva, mais ideal do que anedótica, através de alegorias e figuras que mostravam sentimentos como a dor, a solidão, o desespero, a meditação, geralmente sob a forma de figuras femininas estilizadas, com vestidos esvoaçantes e cabelos longos, numa atitude melancólica ou introspectiva. Esta tipologia foi transmitida às restantes figuras escultóricas da época, definindo uma plástica de superfícies polidas e onduladas, com tendência para efeitos de claro-escuro, com bases não ásperas, figuras que emergem do material, com vestimentas que se misturam com a pele e rostos geralmente desbotados ou non finito.[467].
Seu melhor representante foi Josep Llimona, irmão do pintor Joan Llimona e, como ele, ligado ao Círculo Artístico de San Lucas - foi seu segundo presidente. Estudou em La Lonja e trabalhou nas oficinas de Nobas e dos irmãos Vallmitjana. Depois de ganhar uma bolsa, viajou para Roma, onde estudou na Academia Gigi. Numa primeira fase, ainda académica, trabalhou em obras como o Monumento a Colombo ou o Arco do Triunfo, com as quais ganhou fama. Na maioria de suas obras são revelados sentimentos que marcarão sua obra: dor e tristeza.[469] Começou em pleno modernismo com Desconsuelo (1903), figura de uma mulher nua, meio deitada, com a cabeça entre os braços, em atitude de desespero, como indica o título. Situado no parque da Ciudadela, no centro de uma lagoa elíptica situada em frente ao antigo arsenal militar que hoje abriga a sede do Parlamento da Catalunha, em 1984 o original foi transferido para o Museu Nacional de Arte da Catalunha e, no seu local, foi colocada uma cópia. É uma obra paradigmática da espiritualidade simbolista: uma figura misteriosa, sensível, enigmática, evanescente, que combina sensualidade e espiritualidade.[471] Sua outra grande obra foi o Monumento ao Doutor Robert (1910), na Plaza de Tetuán, com um modernismo um tanto eclético.[472] Do resto de sua produção, além das figuras femininas de aspecto melancólico, destacam-se as figuras masculinas que, mesmo com um ar vigoroso e heróico, aparência física, também transcendem uma certa melancolia, embora enquadrados num ar geral de nobreza, como o seu San Jorge "San Jorge (Llimona)") ou o seu Forger.
Enric Clarasó, também membro do Círculo, desenvolveu um estilo semelhante ao de Llimona, como se vê em Eva (1904), uma figura feminina nua em atitude semelhante à de Desconsuelo, cuja atitude transcende a pose física para mostrar uma emotividade transcendental.[475] Passou por Paris, onde entrou no ambiente boémio de Montmartre e onde aperfeiçoou a sua técnica, após as aulas recebidas na Academia Julian. Ao retornar, sua obra (1892) constituiu um manifesto do novo estilo; Juntamente com Casas e Rusiñol, as suas exposições na Sala Parés consolidaram definitivamente o modernismo nas artes plásticas.[476] As suas obras deste período são plenamente modernistas, como , , (1904-1907) ou (1907). A maioria são figuras femininas, nuas ou com véus transparentes, em atitudes lânguidas e melancólicas, em modelos de aparência inacabada e sem rugosidade.[477].
Depois da geração totalmente modernista, uma nova geração que se destacaria no Noucentisme iniciou-se no campo da escultura na era modernista, pelo que as suas primeiras obras foram em maior ou menor grau neste estilo. Estes artistas centraram-se numa temática mais social, como os pintores pós-modernistas, centrados em ambientes marginais e de pobreza, com um estilo de linhas mais simples, com superfícies rugosas, com contrastes de luz mais acentuados e uma preferência pelo bronze em relação ao mármore que a geração anterior usava.
Vale a pena mencionar Pablo Gargallo, artista aragonês que estudou em La Lonja - onde foi discípulo de Eusebi Arnau - e esteve associado ao grupo Els Quatre Gats. Mais tarde, passou uma estadia em Paris, onde recebeu a influência de Rodin. Suas primeiras obras mostram toques modernistas, como A Besta do Homem (1904) ou Os Humildes (1904), ou suas colaborações no Hospital de San Pablo, no Palacio de la Música Catalana ou no Teatro Principal de Terrassa.[493].
Ismael Smith dificilmente pode ser descrito como um modernista, mas os seus primeiros trabalhos limitam-se ao apogeu do movimento. Foi discípulo de Mariano Benlliure, Agustín Querol, da família Vallmitjana e Josep Llimona, e trabalhou por algum tempo na oficina de Rafael Atché. Em 1904 fez Tempestad, aos dezoito anos, a partir do qual desenvolveu um estilo que foi chamado de decadente.
Jaume Otero, de Menorca, foi discípulo de Manuel Fuxá, assim como de Albert Bartholomé em Paris. Evoluiu dos primeiros trabalhos com certa aparência desbotada para o naturalismo Noucentista. Entre suas primeiras obras destaca-se Symbolo (1910).[494].
Os irmãos Miguel e Luciano Oslé foram influenciados tanto por Josep Llimona quanto por Constantin Meunier, com quem concordaram sobre os temas da classe trabalhadora, bem como de pescadores e simples citadinos,[495] em obras como Inspiração (1904), O Retorno do Pescador (1904) e Escravos (1906), de Miguel; e Irmãos (1904), O Aldeão (1906) e Prisioneiros (1908), de Luciano.[496].
Enric Casanovas também foi discípulo de Llimona. Suas primeiras obras, ao invés de serem enquadradas no modernismo, mostram uma certa indecisão anterior à busca por um estilo próprio:[497] The Little Nanny (1903), Sad Walkers (1904), Pastor del Cadí (1907), Bust of a Catalan Woman (1908).[496].
Manolo Hugué esteve próximo da gênese do modernismo, pois ingressou no círculo de Els Quatre Gats, onde fez amizade com Rusiñol, Mir, Nonell e Picasso, mas em 1900 mudou-se para Paris por dez anos, afastando-se do modernismo. No entanto, algumas de suas primeiras obras mostram o estilo modernista.[498].
Por fim, Josep Clarà seria uma das principais figuras do Noucentismo, embora também tenha começado no Modernismo. Seu amor pela música o levou por um tempo a realizar obras de aparência vaporosa, semelhantes à estética modernista, como (1903). Consolidado seu estilo, ele se concentrou na figura feminina, enquadrada no mediterrâneo noucentista.[498].
Medalhista
Vale destacar uma seção sobre a especialidade artística da medalha, que nesta época teve grande efervescência, sendo praticada por numerosos escultores de destaque. Geralmente, foram confeccionados para comemorar algum acontecimento e preservar sua memória, através de sua exposição e conservação, sendo por vezes objeto de colecionismo. As medalhas exigem certas características, pois são objetos seriados, de tamanho pequeno, geralmente de formato redondo - embora também quadrados ou retangulares - e devem transmitir uma mensagem ou ideia. Geralmente são feitos de metais como cobre, chumbo, estanho, níquel, ouro e prata, embora também possam ser feitos de vidro ou cerâmica.[499].
As primeiras medalhas modernistas foram feitas por Eusebi Arnau para a Exposição Universal de 1888, embora a maioria naquela época continuasse a ser de estilo neoclássico ou romântico e ainda assim o seria por alguns anos. A consagração do medalhismo modernista viria com a viragem do século, protagonizando também Arnau como um dos seus maiores arquitectos, em medalhas como a que comemora a demolição das muralhas de Barcelona (1895), a da Feira de Concurso Agrícola de Barcelona (1898), a dedicada ao Dr. V Exposição Internacional de Arte (1907), a da Assembleia Nacional de Editores e Livreiros (1909) e a da Festa da Primavera (1910).[500].
Junto com Arnau, os principais medalhistas da época foram Antonio Parera e Josep Llimona. As primeiras produziram medalhas atribuíveis ao modernismo no início do século, após uma fase realista, como: a Festa Nacional Catalã (1907), a do Instituto Agrícola Catalão de San Isidro (1907), a da Inauguração do Palácio da Justiça de Barcelona (1908) e a do XI Congresso da Federação Agrícola Catalão-Baleares (1908). Llimona foi talvez o mais plenamente modernista, como na medalha distintiva dos intervenientes da Liga Regionalista (1907), na dos Jogos Florais de Barcelona de 1908, na Grande Medalhão Cataluña a Guimerá (1909), na do Orfeón Catalão (1911) e na do Centro Excursionista da Catalunha (1912). Outros artistas que ganharam medalhas em menor proporção foram: Miguel Blay, Pablo Gargallo, Lluís Masriera e Josep Maria Camps i Arnau.[501].
artes gráficas
El modernismo, por su carácter ornamental, supuso una gran revitalización de las artes gráficas, con una nueva concepción más enfocada en el acto creador y en la equiparación con el resto de artes plásticas, hasta el punto de que sus artífices plantearon por primera vez la «unidad de las artes». El diseño modernista planteaba en general la revalorización de las propiedades intrínsecas de cada material, con unas formas de tipo organicista inspiradas en la naturaleza.[39].
El diseño gráfico destacó sobre todo en la ilustración para revistas y periódicos, así como en el cartelismo y el exlibrismo, pero fue excelso también en ilustraciones para portadas de libros, catálogos de exposiciones, programas de fiestas y espectáculos, etiquetas, diplomas, invitaciones, tarjetas de visita y todo tipo de impresos, elaborados en general por los mismos artistas autores de ilustraciones, carteles y exlibris.[502] Destacaron sobre todo las revistas ilustradas, como La Ilustración Artística, Hispania "Hispania (Barcelona)"), Álbum Salón, Hojas Selectas, La Campana de Gracia, L'Esquella de la Torratxa, ¡Cu-Cut!, Papitu, Joventut "Joventut (revista)"), Luz, Quatre Gats y Pèl & Ploma.[503].
Un sector que sufrió grandes cambios durante este período fue el de la impresión de libros. Hasta entonces solían ser libros tipográficos, ilustrados con xilografías o calcografías, pero a lo largo del siglo fueron surgiendo nuevas técnicas de impresión, gracias al desarrollo de las rotativas, el fotograbado, la litografía y la cromolitografía, así como la industrialización de la producción de papel y tinta. El desarrollo de las técnicas de impresión comportó la creación en 1898 del Instituto Catalán de las Artes del Libro (ICAL), que a su vez fomentó la creación de una escuela de oficios de la imprenta y la publicación de una Revista Gráfica.[504] Entre las imprentas de la época cabe destacar las de Josep Thomas, Fidel Giró, Joan Oliva y Octavi Viader,[505] mientras que de las editoriales destacó Montaner y Simón.[506] También tuvo un gran auge la bibliofilia, gracias a la fundación en 1903 de la Sociedad Catalana de Bibliófilos y a la publicación de la revista Bibliofília (1911-1914 y 1915-1920), dirigida por Ramón Miquel y Planas.[506].
También se desarrolló la tipografía, gracias especialmente a Eudald Canivell, renovador de las técnicas tipográficas, que desarrolló un estilo goticizante llamado Gótico Incunable Canibell.[507] Otro sector en auge fue la encuadernación, terreno en el que cabe remarcar la obra de Josep Roca i Alemany, creador de encuadernaciones de cuero de gran calidad, como el Llibre d'Homenatge del Futbol Català;[508] o Eduard Domènech i Montaner, hermano del arquitecto, que destacó en la colección Biblioteca Arte y Letras.[509].
Desenho e ilustração
O desenho teve grande relevância no modernismo catalão, não só como base preparatória para a realização de pinturas, mas também por si só, como arte independente. Muitos pintores modernistas foram grandes desenhistas e, em vários casos, o seu trabalho de desenho é quase tão relevante como o seu trabalho pictórico, como poderia ser o caso de Ramón Casas, Adrián Gual ou Alexandre de Riquer.[510] Outros artistas, embora ocasionalmente pudessem se aventurar no campo da pintura, destacaram-se mais como desenhistas, seja como arte em si, seja como ilustradores de revistas, jornais ou livros. Em termos de técnica e estilo, existiam mais ou menos as mesmas variantes que na pintura, como também ocorreria em termos de tema, desde o mais decorativo típico do modernismo de raízes europeias até ao tema social típico do modernismo "negro". Note-se que a ampla divulgação do desenho modernista graças à mídia impressa ajudou muito na difusão do estilo, especialmente entre as classes populares.[512].
Entre os cartunistas, destaca-se em primeiro lugar Apeles Mestres, membro de uma geração anterior, mas que se integrou plenamente no modernismo e que se destaca como o criador de uma nova escola catalã de ilustração. Colaborou em revistas como La Campana de Gracia e L'Esquella de la Torratxa e, graças ao seu papel de escritor, abordou a criação de livros como obras de arte totais, com igual cuidado nos textos e nas ilustrações, como se vê em Liliana (1907). Episódios nacionais de Benito Pérez Galdós. Entre 1896 e 1906 publicou um cartoon diário em La Publicitat. Influenciado pelo Pré-Rafaeliteismo e pelas gravuras japonesas, desenvolveu um estilo austero e linear, alternando caráter satírico com obras mais sérias.[514].
Da linha mais simbolista e Art Nouveau do modernismo, destacaram-se Alexandre de Riquer, Adrián Gual e Josep Maria Roviralta. Riquer, além de pintor e escritor, foi também um grande desenhista. Foi diretor artístico da revista Joventut (1900-1906) e um dos principais colaboradores da revista Luz, bem como de La Ilustració Catalana, Arte y Letras e outras. Também ilustrou seus próprios livros, como Quan jo era noy (1897), Crisantemes (1899) e Anyoranses (1902). Ele tinha um estilo refinado, plano e elegante, influenciado pelas estampas japonesas. Gual também se destacou no desenho, principalmente na ilustração de seus próprios textos. Colaborou com revistas como Luz, Joventut e Pèl & Ploma, foi diretor artístico da revista Garba e editor da revista Ibsian Brand. Mas destacou-se na edição de livros próprios, dos quais tratou tanto do texto quanto da ilustração, como (1896), (1897) e (1899). Seu estilo se movia em um simbolismo sintético um tanto austero, com espaços vazios para enfatizar o desenho principal, sem as ornamentações ornamentadas usuais do modernismo. Roviralta foi ilustrador - trabalhou principalmente para a revista -, com certa influência de Vallotton, como denota seus fortes contrastes de preto e branco. Foi também poeta e uma de suas obras, (1902), foi ilustrada, porém, pelo cartunista Lluís Bonnín.[517].
Gravado
A gravura do século sofreu uma importante renovação técnica graças à litografia, um novo tipo de gravura em calcário, inventado por Aloys Senefelder em 1796. Devido à sua facilidade de impressão e baixo custo, a litografia foi amplamente utilizada no meio jornalístico até o surgimento das técnicas fotomecânicas. Também surgiram novas técnicas como heliogravura, zincografia, fotolitografia e fototipia. Por outro lado, a invenção do daguerreótipo e da fotografia levou ao aparecimento de revistas ilustradas, sobretudo com a técnica da xilofotografia e, desde 1880, da fotogravura. Tudo isso levou à readaptação dos antigos gravadores profissionais, aqueles que trabalhavam gravuras à mão - nas antigas técnicas de xilogravura e entalhe - que se tornaram gravadores-artistas, nos quais, para além da técnica, valorizavam-se a sua artisticidade, o estilo e a qualidade dos seus traços. Mesmo assim, poucos artistas catalães cultivaram as técnicas antigas: Alexandre de Riquer tinha uma prensa de talhe-doce em sua casa-oficina na rua Freneria, em Barcelona, onde dava aulas de gravura em talhe-doce; Joaquim Sunyer e Ramón Pichot interessaram-se durante algum tempo pela água-forte, às vezes pela cor. Joan Vidal i Ventosa dedicou-se à pirografia, obra para a qual fundou o ateliê Guayaba, também famoso por um encontro onde Picasso compareceu. Entre suas obras destaca-se Vallcarca em noite de luar, que se encontra no Museu Nacional de Arte da Catalunha.[527] O caricaturista Cayetano Cornet fundou uma indústria de fotogravura, posteriormente convertida em União dos Fotogravadores.[360] Pau Roig foi pintor, aquarelista, gravador e ilustrador, em estilo pós-impressionista com linhas e cores vibrantes; Viveu muito tempo em Paris, onde realizou uma admirável série de litografias dedicadas ao circo, com influência de Toulouse-Lautrec. Praticou também gravura, numa linha mais influenciada pela obra de Cézanne.[532].
Um género que teve um grande boom nesta época foi a arte do cartaz, promovida naqueles anos pela cromolitografia e patrocinada pelo aumento da publicidade, fenómeno favorecido por sua vez pelo boom económico daqueles anos.[533] Na arte do cartaz, uma influência especial foi recebida da França, onde artistas renomados se dedicaram ao design publicitário, como Toulouse-Lautrec ou Steinlein. Porém, na Catalunha rapidamente atingiu níveis de grande qualidade e singularidade, graças a artistas de igual valor, como Ramón Casas. Treinado principalmente em Paris, Casas desenhou cartazes de qualidade comparável às suas pinturas, como Anís del Mono (1889), Champagne Codorniu, Els Quatre Gats ou Paris Cigarettes (1901). Outro pintor que se aventurou na arte do cartaz foi Santiago Rusiñol, gênero que cultivou sobretudo para divulgar suas obras teatrais, como L'alegria que passa, Oracions ou Fulls de vida. Destacou-se também Alexandre de Riquer, autor de cartazes que mostram a influência de Alfons Mucha, a maioria deles feitos em água-forte, como os feitos para o Círculo Artístico de San Lucas ou para a fábrica de biscoitos Grau y Cía. Outros notáveis cartazes foram: Joan Llaverias, autora dos cartazes da grife Esteva e Portabella; Carlos Vázquez Úbeda, residente em Ciudad Real radicado em Barcelona, discípulo em Paris de Léon Bonnat, autor do famoso cartaz da Sala Parés de 1904; Adrián Gual, filho de litógrafo, que tal como Rusiñol divulgou o seu Teatre Íntim, destacando também o seu cartaz para a IV Exposição de Belas Artes e Indústrias Artísticas (1898); e Javier Gosé, autor de cartazes que mostram a influência de Gustav Klimt.[534].
Design e artes decorativas
El modernismo destacó especialmente en cuanto a diseño, generando un gran número de obras de gran calidad en terrenos como la orfebrería, la cerámica, la ebanistería, la forja, la vidriería, el mosaico y otras disciplinas artesanales.[541] La mayor fuente de inspiración del diseño modernista fue la naturaleza, con especial predilección por la asimetría y la línea curva (olas, espirales, volutas) y elementos como flores, tallos, aves e insectos. En general, se buscaban elementos asociados a conceptos efímeros, a la preocupación por la existencia y a la evocación de la belleza.[542].
El origen del diseño modernista se encuentra en una nueva toma de conciencia liderada por los arquitectos de fin de siglo, los cuales, frente a la recreación de estilos del pasado fomentada por el historicismo, se afanan en buscar un estilo nuevo, un estilo que sirviese a las necesidades de una nueva sociedad que inicia una nueva era.[543] En la búsqueda de este nuevo estilo serán determinantes las influencias procedentes de Europa, especialmente del Arts and Crafts inglés, así como del prerrafaelismo y del simbolismo, e incluso el japonismo; de igual manera, se encuentra un especial referente en el naturalismo, las formas de la naturaleza, bien anatómicas, zoológicas o botánicas.[544] El objetivo es la integración de las artes, la planificación de una obra en su conjunto, en la que hasta el más mínimo detalle está estudiado en un concepto unitario. Arquitectos como Gaudí o Domènech i Montaner abordaron en persona toda la concepción de sus obras, desde los aspectos arquitectónicos hasta la decoración y el interiorismo; cuando no, otros arquitectos encargaron estas facetas a decoradores o artesanos, pero siempre con una visión integradora.[545].
Uno de los mayores impulsores de los oficios artísticos dentro del modernismo fue Salvador Sanpere, quien ya en los años 1870 había valorado en un viaje a Inglaterra la decidida apuesta por la artesanía y las artes industriales en este país. Preocupado por la unión de calidad y belleza en el diseño artesanal e industrial, fomentó conferencias y exposiciones para la difusión de las nuevas ideas, así como la fundación en 1894 del Centro de Artes Decorativas y de la revista El Arte Decorativo, una labor que cristalizó con la organización en 1896 de la Exposición de Bellas Artes e Industrias Artísticas, que por primera vez conectaba estas dos ramas del arte. Otro centro difusor fue el Castillo de los Tres Dragones, el edificio diseñado por Lluís Domènech i Montaner como restaurante de la Exposición Universal de 1888, que se dedicó por un tiempo al fomento de las artes aplicadas, con la participación de arquitectos, artistas y artesanos, bajo la dirección del propio Domènech junto con Antoni Maria Gallissà y nombres como Frederic Masriera, Eusebi Arnau, Antoni Rigalt o Jaume Pujol.[546] Por otro lado, en 1903 se fundó la entidad Fomento de las Artes Decorativas (actualmente Fomento de las Artes y del Diseño), con el objetivo de impulsar la producción artesanal. Su primer presidente fue el arquitecto Manuel Vega y March.[547].
Un claro exponente de arquitecto preocupado por el interiorismo y las artes decorativas fue Antoni Gaudí, que diseñó muchos de los muebles y obras de forja para sus obras, así como innovó en el terreno del mosaico con su técnica del trencadís, un tipo de aplacados de cerámica hecha con piezas de desecho que disponía en combinaciones originales y fantasiosas, como su banco ondulante del parque Güell.[548] En su etapa de estudiante, Gaudí frecuentó diversos talleres artesanales, como los de Eudald Puntí, Llorenç Matamala y Joan Oñós, donde aprendió los aspectos básicos de todos los oficios relacionados con la arquitectura.[549].
En el terreno del diseño, el modernismo se dio en todo tipo de objetos, muchos de ellos tratados como pequeñas esculturas, como jarrones, espejos, lámparas, relojes, bibelots, jardineras, plafones, biombos, ceniceros, objetos de escritorio, juegos de café y otros, elaborados en bronce, plata, cerámica, terracota, estuco, porcelana y otros materiales. Este tipo de objetos estuvo quizá más cercano que otros al diseño Art Nouveau realizado en el resto de Europa, especialmente el francés, con influencia de autores como René Lalique o Émile Gallé.[550].
Decoração e design de interiores
Com o boom vivido pela ornamentação trazido pelo modernismo, todas as artes e técnicas construtivas relacionadas à decoração ganharam grande destaque, como os revestimentos "Facing (arquitetura)"), revestimentos e esgrafitos. Todos os comércios relacionados com pedra, madeira, ferro, vidro, cerâmica, gesso ou estuque foram reavaliados. Decoradores, pintores, desenhistas, escultores e artesãos de todos os tipos intervieram na área do design. Regra geral, a decoração dos edifícios, quer nas paredes, quer nas galerias, varandas, tribunas, colunas, pilares, frisos e outros elementos, era habitualmente realizada com motivos florais, vegetalistas, geométricos ou figurativos, com predominância da linha curva e de figuras como espirais, arabescos, elipses, zigue-zagues e similares.[551].
De uma forma geral, o design de interiores modernista procurava a unificação de todos os elementos do imóvel a decorar, a sua integração num desenho comum. Um dos principais designers de interiores foi Salvador Alarma, também conhecido como cenógrafo, arquitecto da decoração de vários estabelecimentos como o salão de dança La Paloma ou o bar La Luna em Barcelona. Outros decoradores notáveis foram Ricard de Capmany, Josep Pascó e Miguel Moragas, cujo trabalho foi reconhecido com a inclusão de um prémio específico para estabelecimentos no prémio ao melhor edifício "Concurso Anual de Edifícios Artísticos (Barcelona)") atribuído anualmente pela Câmara Municipal de Barcelona.
As paredes ganharam textura e cor nesta época, abandonando as formas suaves em favor do volume e do relevo, seja em pedra ou em estuque. Popularizou-se o uso de diferentes pedras para brincar com os tons de cada uma, sendo as mais comuns as de Montjuic "Montjuic (Barcelona)"), Figueras, Calafell, Manresa, Murcia ou Alicante. Quando a pedra natural não era permitida, utilizavam-se pigmentos, que naquela época cresciam numa ampla paleta de cores, com catálogos que chegavam a trezentas variedades. Os preferidos eram claros e brilhantes, principalmente verde, lilás, azul e rosa. Quanto ao estuque, geralmente era monocromático e, caso se preferisse uma combinação de cores, utilizava-se o esgrafito. No interior foram utilizados estuques que imitavam mármore ou jaspe. As coroas dos edifícios evoluíram também dos habituais frisos, rodapés ou grades para frontões, escudos e templos. As varandas eram geralmente de ferro fundido e os motivos decorativos mais comuns eram as flores, o coup de fouet, a folha de palmeira e a borboleta.[553].
Quanto aos revestimentos, predominaram nas paredes o estuque e o esgrafito, quer com motivos ornamentais, quer em imitação da obra vista, com predileção pelos tons avermelhados e amarelados. Nas paredes interiores tornou-se muito popular o uso de papéis de parede, a maioria deles importados de França, cujo maior importador eram as lojas Pineda, embora decoradores como Salvador Roma, Salvador Sàlvia e Juli Portet também se dedicassem ao seu comércio; como fabricante nacional, destacou Antoni Pallejà. Alguns foram projetados por arquitetos como Antoni Gallissà, que patenteou um tipo chamado Pegamoid. Outros recursos comuns nas paredes eram tecidos, mosaicos ou pinturas murais. Os pisos eram revestidos com pavimento hidráulico, decorados com os mesmos motivos ornamentais. Os recintos eram geralmente feitos de madeira, combinando diferentes texturas e cores, e com aplicações de ferro, tecido ou papel de parede. Tetos de cerâmica ou vidro também eram frequentemente usados. Geralmente, os espaços foram concebidos como uma unidade, tanto pisos, paredes e tectos, combinando parquet, vigas e tectos em caixotões com os mesmos motivos ornamentais. Uma das empresas que possuía um catálogo mais amplo nesse sentido era a Casas y Bardés, que patenteou alguns substitutos da madeira chamados e .[554].
Marcenaria
A área da marcenaria também se desenvolveu muito, uma vez que os arquitectos modernistas deram igual ênfase ao exterior e ao interior do edifício, pelo que a decoração interior foi muito cuidada. Muitos arquitetos desenharam eles próprios o seu próprio mobiliário, como Gaudí, Domènech i Montaner e Puig i Cadafalch.[556] A marcenaria inspirou-se, como as restantes artes modernistas, nas formas orgânicas, com preferência pelas curvas, encontrando inspiração nas plantas, flores, pássaros, peixes ou borboletas, bem como na figura feminina. Havia uma predileção pelas madeiras claras, como o freixo ou o sicômoro, enquanto as madeiras escuras eram utilizadas apenas para dar contraste na marchetaria e eram utilizadas aplicações de vidro e metal. Também se utilizava mogno, geralmente importado de Cuba, que geralmente era tingido de vermelho, carmim ou sienna "Siena (cor)"). Incrustações de marfim, osso, madrepérola ou carapaça de tartaruga também eram frequentemente aplicadas.[558].
O mobiliário modernista oscilou, como no resto das artes em geral, entre primórdios onde persiste a inércia do passado e uma evolução que antecipa as formas do futuro que chegariam com o século.[559] O grande precursor das novas formas no mobiliário modernista foi Francesc Vidal y Jevellí. Estudou na Escola de Artes Decorativas de Paris e, em 1883, abriu uma oficina de fabricação de móveis e objetos decorativos, tanto em ferro forjado, como em vidro e estofados. O seu mobiliário, sempre personalizado e nunca feito em série, atingiu níveis de grande perfeição, destacando-se pelas montagens, frisos e molduras.[560] A oficina de Vidal dedicou-se também à produção de objetos suntuários e decorativos, procurando cobrir todas as necessidades decorativas de um interior doméstico, tornando-o um dos primeiros decoradores de interiores do modernismo. Além da marcenaria, dedicou-se à vidraçaria e à forja. Contou com a colaboração dos melhores artistas e artesãos do momento, como Alexandre de Riquer - como designer -, Antoni Rigalt - responsável pela seção de vidros - e Frederic Masriera - na seção de forja -, além de seu filho, Frederic Vidal, designer de móveis, luminárias e biombos e especialista em vidro cloisonné; Por outro lado, a maioria dos melhores profissionais da época foram formados em sua oficina.[561].
Um dos seus maiores expoentes foi Gaspar Homar, descendente de várias gerações de carpinteiros e discípulo de Vidal Jevellí. Em 1893 criou a sua própria oficina, na qual desenvolveu um excelente trabalho, que evoluiu de um início algo gótico para um modernismo pleno, que se destaca pela perfeição das suas formas e modelos, como se pode verificar nos seus móveis para as casas Lleó Morera, Amatller, Trinxet, Oliva, Par de Mesa, Marqués de Marianao, Arumí, Garrut, Pladellorens e outras. Teve a ajuda de vários colaboradores, sobretudo no design, como Alexandre de Riquer ou Josep Pey, que desenharam marchetaria e aplicações de metal, osso ou madrepérola, geralmente de ninfas envoltas em lírios; ou de ceramistas como Lluís Bru ou Antoni Serra Fiter. Após a Primeira Guerra Mundial evoluiu para o Noucentisme, com produção em massa.[562].
Cerâmica e mosaico
Uma das áreas que ganhou novo boom foi a cerâmica, que foi utilizada tanto no revestimento interior como exterior dos edifícios, no revestimento de fachadas, guarda-corpos e elementos ornamentais, sob a forma de azulejos policromados. .[578] Uma das causas da revalorização da cerâmica foi a redescoberta da reflexão metálica, que foi recuperada da arte mudéjar. Neste sentido, em 1887 Gaudí e Domènech i Montaner fizeram uma viagem a Manises para conhecer em profundidade esta técnica, que depois aplicaram nos seus trabalhos. Domènech i Montaner, juntamente com Antoni Gallissà, formou uma oficina de artesanato no Castelo dos Três Dragões, onde trabalharam alguns dos melhores ceramistas da época, como Pau Pujol, Baldomero Santigós e Josep Ros, além do vidreiro Antoni Rigalt e do escultor Eusebi Arnau.[579].
Nessa época surgiram novos produtos, como as telhas de cristal - invenção dos irmãos Oliva - ou as telhas de papelão cromolitografadas, patenteadas por Hermenegildo Miralles.[580] Surgiu também a técnica trencadís, idealizada por Gaudí junto com seu então assistente Josep Maria Jujol para diversas obras no Parque Güell. Envolvia a utilização de restos de cerâmica descartados, geralmente esmaltados ou vidrados, por vezes combinados com outros materiais, como garrafas de vidro, espelhos ou pratos e xícaras de faiança, todos unidos com argamassa. Com este material foi feito o banco ondulado do Parque Güell, os medalhões no teto da sala hipostila e o dragão (ou salamandra) na escada de acesso ao parque. parque.[582].
Um dos ceramistas mais destacados foi Antoni Serra Fiter, pintor de formação e criador de um atelier que se destacou pela elevada qualidade, sobretudo em grés e porcelana de estilo Sèvres, dos quais se destacam os seus bibelots e vasos decorados. Vários artistas e designers trabalharam para ele, como Pablo Gargallo, Xavier Nogués, Ismael Smith e Josep Pey. Ganhou vários prémios em exposições de artes plásticas em Barcelona, Londres e Paris.[583] Igualmente relevante foi o trabalho de Jaume Escofet, oleiro e ceramista, criador da empresa Escofet & Fortuny, que apesar da sua natureza industrial criou peças de elevada qualidade, destacando-se os seus pavimentos, muitos dos quais cobrem as ruas de Barcelona, entre os quais se destacam os azulejos que Gaudí desenhou para o Paseo de Gracia.[584] Outra empresa de produção industrial foi a Pujol i. Bausis, iniciado por Jaume Pujol e continuado por seu filho, Pau Pujol, criadores da maioria dos azulejos e mosaicos que cobriam os edifícios modernistas, com projetos dos próprios arquitetos, como Gaudí, Domènech i Montaner ou Puig i Cadafalch, bem como com a colaboração de artistas e designers como Lluís Bru e Adrián Gual.[584] A cerâmica de Pujol i Bausis Encontra-se em obras como o Amatller. Casa, o Hospital San Pablo ou o Parque Güell. A antiga fábrica, localizada em Esplugas de Llobregat, atualmente abriga o Museu de Cerâmica La Rajoleta.[585].
Vidrarias
Também foi revitalizada a arte dos vitrais, utilizados também na decoração de edifícios como fechamento de portas, janelas e galerias.[577] Nesta, como em outras artes, atingiu-se um nível de qualidade que se igualou ao período de esplendor dos vitrais: o gótico. criação.[592] Percebe-se assim uma evolução progressiva desde as primeiras obras, herdeiras do historicismo, em que ainda se utilizavam grisailles ornamentais no estilo gótico, até os vitrais cheios de cor e textura encontrados, por exemplo, no Palácio da Música Catalã. O desenho desses vitrais às vezes era executado pelo arquiteto ou algum outro artista colaborador, geralmente um pintor; Em outros, o vidreiro ficou livre para fazer seus próprios desenhos.[593] Entre os pintores que desenharam vitrais, vale destacar Alexandre de Riquer, Joaquín Mir, Josep Triadó, Joaquim Renart e Josep Pey.[594].
A figura mais proeminente foi Antoni Rigalt, pintor e desenhista, além de vidreiro e professor da Escola de Belas Artes. Fundou uma oficina de vidro na rua Mallorca e no Paseo de Gracia - a empresa Rigalt, Granell i Cia., em colaboração com o arquitecto Ferran Granell - que obteve grande sucesso, com encomendas de arquitectos de renome para decorar os seus edifícios. Entre suas obras destacam-se a cúpula de vidro do Palácio da Música Catalã ou os vitrais da casa Lleó Morera, ambos de Domènech i Montaner. Em 1888 ganhou uma medalha de ouro na Exposição Universal.[595].
Outros autores notáveis foram: o pintor e gravador Francesc Canyelles, autor dos vitrais do salão de reuniões da Casa de la Caridad de Barcelona, com extensão de; em séries de influência vienense;[596] Frederic Vidal, filho do marceneiro Vidal y Jevellí, que estudou a técnica do vidro cloisonné em Londres e trabalhou na oficina de seu pai fabricando principalmente luminárias e biombos;[417] Joan Espinagosa, importador de vidro impresso pela primeira vez da Inglaterra, fundou uma renomada oficina em Barcelona que contou com a colaboração como designer de Luis Gargallo, irmão de Pablo Gargallo;[597] Lluís Oriach trabalhou para arquitectos como Manuel Raspall, Josep Maria Jujol e Cèsar Martinell, destacando-se pela qualidade dos seus acabamentos.[598] Por último, vale a pena mencionar a empresa francesa Maumejean, com sucursais em Madrid e Barcelona, que se encarregou dos vitrais da Caixa Económica Sabadell e da casa Pérez Samanillo.[599].
Por último, vale a pena mencionar o interessante projeto de vitrais para a restauração da Catedral de Maiorca, elaborado por Antoni Gaudí em colaboração com os pintores Iu Pascual, Jaume Llongueras e Joaquín Torres García, no qual testaram uma nova técnica baseada no tricrômio, sobrepondo o vidro com as três cores primárias.[600].
Forjamento e fundição
Como em outras artes, a forja desenvolveu-se notavelmente neste período. Em geral, utilizou-se a técnica do ferro fundido, embora, em comparação com o trabalho industrial e seriado que surgiu desde o início do século, o trabalho artesanal tenha retornado em grande parte. Alguns arquitetos fizeram projetos para serem feitos em forja, como Gaudí, Domènech i Montaner, Puig i Cadafalch, Enric Sagnier, Josep Maria Jujol, José Vilaseca ou Alexandre Soler. Junto com eles, alguns escultores também fizeram desenhos para forja, como os irmãos Miguel e Luciano Oslé, Josep Maria Barnadas ou Julio González, filho de um falsificador, Concordio González; e também desenhistas e designers, como Pau Sabaté.[601] Alguns marceneiros, como Gaspar Homar ou Joan Busquets, também projetaram elementos de ferro forjado, especialmente lâmpadas.[602].
A forja modernista destacou-se pela predileção pela forma curva - especialmente o chamado coup de fouet - ou pela forma helicoidal, bem como pela sua tridimensionalidade, uma vez que tendiam a ocupar espaços vazios dentro da arquitetura e não como reforço de uma parede ou outro elemento que conferisse maior bidimensionalidade. As barras eram geralmente substituídas por corrimãos ou fitas torcidas, com cruzamentos diagonais. Quanto aos elementos decorativos, os mais frequentes foram os motivos florais, naturalistas ou historicistas, provenientes da tradição gótica, bem como os animais, geralmente relacionados com a iconografia do fogo, como dragões ou cobras.[603].
Regra geral, os arquitectos concebiam os elementos de ferro forjado para os seus edifícios, que eram executados por ferreiros. Normalmente eram desenhos, embora Gaudí gostasse de fazer pequenos moldes em papelão, cera, argila ou gesso.[602] Tanto Domènech i Montaner como Puig i Cadafalch foram geralmente inspirados na ferraria gótica, como se pode ver na porta de entrada do Hospital de San Pablo, formada por barras verticais encimadas por rosetas geométricas e atravessadas por duas grandes elipses em espiral. Puig i Cadafalch combinou inicialmente raízes góticas com influência da Europa Central, mas depois buscou um estilo mais mediterrâneo, como nas casas Amatller e Terrades. O mais original foi mais uma vez Gaudí, cuja maior inspiração se encontra sempre na natureza, sem deixar de recorrer a animais míticos ou a motivos heráldicos. Vemos assim o seu magnífico portão de entrada da casa Vicens, inspirado na folha de palmeira; o dragão no portão de entrada dos pavilhões Güell; o escudo da Catalunha com o capacete e a fênix da porta de entrada do Palácio Güell; a maçaneta da casa Calvet, em forma de cruz que um percevejo bate – em alusão ao pecado; ou as varandas da casa Milà, formadas por folhas de ferro retorcidas em formas abstratas, talvez lembrando papel amassado ou algas marinhas, se for preciso procurar uma semelhança.[604].
Entre os arquitectos, destacam-se os projectos de Pedro Falqués, arquitecto municipal de Barcelona entre 1889 e 1914. Foi o autor do projecto dos candeeiros do Passeig de Gracia, constituídos por um banco de pedra calcária com revestimento cerâmico, sobre o qual se ergue um poste de ferro forjado com uma linha sinuosa em forma de L no final da qual pende a lanterna, uma decoração tipo planta e um remate com o brasão de Barcelona, uma coroa e um morcego.[605] Da mesma forma, projetou uma espécie de fonte conhecida como fonte Canaletas, localizada na Rambla com a Plaza de Catalunya, em ferro fundido, com estrutura em forma de taça com quatro torneiras e coluna encimada por quatro postes de iluminação.[606].
Ourivesaria
A ourivesaria era um ofício com grande tradição na Catalunha desde a Idade Média. Em 1869, a antiga guilda foi dissolvida, permitindo que joalheiros e ourives exercessem livremente a profissão. Em tempos de modernismo atingiram níveis de grande qualidade, como nas restantes artes. Devido à tradição arraigada deste sector, existiram várias dinastias de ourives que passaram o testemunho de pai para filho; os mais notáveis foram os Masriera e os Carreras.[613] Dos primeiros vem o ourives modernista mais proeminente: Lluís Masriera. O seu pai era pintor paisagista, atividade que Lluís também desenvolveu, formado em Paris, Londres e Genebra. Nesta última cidade conheceu o trabalho do esmalte, técnica que aperfeiçoou, conseguindo um tipo de esmalte translúcido conhecido como “esmalte Barcelona”. Influenciado pelo simbolismo francês e pela arte japonesa, fez joias de alta qualidade, nas quais predominavam figuras femininas de aparência deliquescente, tão comuns no simbolismo. Muitas delas foram definidas como “joias de insetos” por se assemelharem ao formato desses invertebrados. Entre as suas obras destaca-se o diadema que um grupo de cidadãos catalães deu à rainha Vitória Eugénia no dia do seu casamento com Alfonso XIII em 1906. Também dedicado à pintura e à cenografia, foi presidente da Real Academia de Belas Artes de São Jorge. A firma Masriera y Carreras – mais tarde Bagués-Masriera – ainda existe e manteve um certo estilo neomodernista, relembrando os anos dos seus maiores sucessos.[614].
A dinastia Carreras começou no século XIX. Na época modernista, Joaquim Carreras “Carreras (joalheiros)”) destacou-se, atingindo níveis de grande perfeição no esmalte, quase paralelos ao trabalho de Lluís Masriera. Em 1915, ambas as empresas se fundiram.[615] Outra dinastia ilustre foi a dos Cabotas, iniciada por Francesc Cabot Ferrer, pai de três irmãos: Francesc, Emili e Joaquín Cabot Rovira. Desenvolveram um estilo distintamente catalão, autores de modelos originais de alta qualidade. O pai foi o autor da coroa da Virgem de Montserrat (1880), enquanto Joaquín - que também foi banqueiro, escritor e político, além de presidente do Orfeón Catalán - criou a coroa da Virgem de Queralt de Berga (1916).[616].
De referir que vários escultores também se dedicaram ao design de joias, como Josep Llimona, Eusebi Arnau, Emili Fontbona, Manolo Hugué, Julio González e Pablo Gargallo.[617].
Têxtil
O têxtil “Tecido (têxtil)”) ganhou um grande boom graças à indústria do algodão, não em vão a Catalunha foi pioneira na Espanha da Revolução Industrial. Desde o século que se destacaram as chamadas "indianas", tecidos pintados ou estampados com temas geralmente inspirados na natureza (jardins, paisagens), ou motivos chinoiseries - de influência francesa -, emoldurados com guirlandas e coroas de louros. Uma grande coleção está preservada no Museu Provincial Têxtil de Terrassa.[618].
É difícil falar da tecelagem modernista como uma arte significativamente relacionada com este movimento, uma vez que a indústria têxtil costuma ser abordada mais do ponto de vista económico-social do que artístico e, por outro lado, a tecelagem é um material relativamente perecível, que sobrevive com dificuldade ao longo do tempo; Por outro lado, está sujeito aos caprichos da moda e não é um produto normalmente recolhido ou preservado para museus ou outros motivos. Apesar de tudo, embora os têxteis modernistas tenham começado um pouco tarde, nesta modalidade artística durou mais do que em qualquer outra, pois as peças deste estilo continuaram a ser fabricadas até a década de 1940, devido ao seu sucesso.
Na decoração de interiores, o têxtil foi utilizado principalmente em cortinas, persianas, estofados, tapetes, tapetes, biombos, toalhas de mesa, almofadas e roupas de casa, nas quais o estilo modernista começou a ser introduzido em meados da década de 1890, com especial influência do Arts and Crafts inglês - aliás, nesta época eram importados numerosos têxteis ingleses, bem como franceses. Como materiais costumavam ser utilizados algodão, lã, mohair, seda, veludo cotelê, veludo, linho e cânhamo, lisos, bordados, estampados ou esculpidos (jacquards). Também foi utilizado pegamóide, um tipo de borracha que imitava couro e servia para estofar cadeiras. Outro campo de produção têxtil eram os suntuários, peças de luxo para objetos exclusivos, como bandeiras e estandartes, tapeçarias, damascos "Damasco (tecido)") e roupas litúrgicas, nas quais eram utilizados tecidos luxuosos, muitas vezes com desenhos de artistas renomados, como Alexandre de Riquer, Sebastià Junyent, Pau Roig, Josep Pey, Aleix Clapés, Joaquim Vancells, Adrián Gual e Josep Pascó. Nesta época, muitos arquitectos desenharam estandartes para associações políticas, religiosas e culturais - especialmente coros e somatenes - muito populares, como Gaudí, Domènech i Montaner, Puig i Cadafalch, Gallissà, Jujol, Sagnier, Rubió, Raspall, Masó, Pericas, Balcells, etc. e o da União Catalã, de Riquer (1901).[620].
Entre os designers de tecidos, vale destacar Alexandre de Riquer: homem versátil, destacou-se em quase todos os campos das artes. Desenhou estandartes, tapeçarias e tecidos de todos os tipos, entre os quais se destacam os confeccionados para a empresa Sedera Franco-Española entre 1900 e 1915, especializada em lenços de seda para o pescoço. Mateu Culell foi um dos primeiros designers industriais profissionais, que desenhou tecidos, tapetes e estampas para a indústria, além de cerâmicas e joias. Cenógrafos como Francesc Soler Rovirosa, Oleguer Junyent e Salvador Alarma também desenharam tecidos, assim como marceneiros como Francesc Vidal y Jevellí, Gaspar Homar e Joan Busquets - não em vão numerosos móveis foram estofados. Ribera, Aurèlia Gispert e Blanca de Espanya. Alguns pintores como Lluïsa Vidal e Pepita Teixidor também desenharam tecidos.[622] Talvez a mais renomada seja Aurora Gutiérrez Larraya, que se destacou no desenho de bordados, especialmente estampados, muitos dos quais ficaram famosos por suas reproduções na imprensa.[252] No campo do vestuário, seguiram-se as tendências da moda na Europa, com especial influência inglesa no vestuário masculino e influência francesa no vestuário feminino. Destacaram-se as costureiras Carolina Montagne e Maria Molist —mais conhecida como Maria de Mataró.[623].
Literatura
En el terreno de la literatura, el concepto de un «modernismo catalán» es polémico, es difícil establecer su naturaleza y alcance, si es un movimiento separado de la literatura modernista española o no, o cual es su definición y características.[624] Según Alan Yates (Una generación sin novela, 1975), la literatura modernista en catalán nacería con la Exposición Universal de 1888 y finalizaría con la muerte de Joan Maragall en 1911. Para Eduardo Valentí, se iniciaría en 1881 y moriría en 1906, con la aparición del novecentismo.[625] Pese a todo, existe división en cuanto a considerarlo una tendencia, un movimiento o una etapa histórica. Según Joaquín Marco, no es una escuela literaria, ni un movimiento estético. Quizá su principal seña de identidad sea la afirmación de lo nuevo —lo «moderno»— frente a lo antiguo, una actitud de rebeldía, de iconoclastia, frente a las formas literarias anteriores.[626] Aun así, se perciben en su desarrollo las raíces posrománticas, aunque con un afán regenerador, intentando encontrar un lenguaje original.[627] El modernismo se opone al naturalismo "Naturalismo (literatura)") anterior, frente al que oponen una mayor espiritualidad.[628] Al contrario que las artes plásticas, la literatura modernista contó con escasa aceptación entre la clase burguesa, tanto por su temática moderna como por estar escrita en catalán, idioma que no empezó a consolidarse entre la clase burguesa hasta el novecentismo.[629].
El modernismo literario tuvo como primer objetivo la elaboración de una literatura en catalán plenamente moderna, alejada de las formas del pasado —especialmente las de los Jocs Florals—, renovada, de calidad y adaptada a los tiempos presentes. En ese sentido, su primer difusor fue la revista L'Avenç, de signo progresista, republicano y catalanista, liderada por jóvenes escritores como Narcís Oller, José Yxart, Joan Sardá, Jaume Massó, Raimon Casellas y Ramón D. Perés. Así como en la generación anterior el principal género cultivado fue la poesía, los editores y colaboradores de L'Avenç propugnaron la novela como el principal género de la modernidad, una reivindicación que comenzó con un artículo de Jaume Brossa en defensa de La febre d'or, una novela de Narcís Oller publicada en 1892. En consecuencia, el principal objetivo de la nueva literatura será la plasmación de la realidad. Según Raimon Casellas, cualquier fragmento de realidad es susceptible de convertirse en obra de arte, si este fragmento produce un choque emocional. El objetivo del arte ya no es la belleza, sino la emoción. Por otro lado, los nuevos temas de la literatura giran en torno a la ciudad y la vida urbana, las diferencias sociales, la pobreza, la miseria, la soledad, la bohemia, la prostitución, la mendicidad, la delincuencia, en paralelo a la pintura «negra» de Mir y Nonell.[630].
La base programática de la literatura modernista se fundamentó en el nacionalismo y el progresismo, con el objetivo de modernizar la sociedad catalana, especialmente la burguesía como clase dirigente, conformando sus gustos e ideas. En ese sentido, Joan Lluís Marfany definió el modernismo como la transición «de cultura regional, peculiar y tradicionalista en cultura nacional, normal y moderna».[631] Por otro lado, sus raíces ideológicas y estéticas se encuentran en la cultura europea del momento, marcada en lo filosófico por el positivismo, matizado ya en estos años por el vitalismo introducido por Nietzsche —que fue traducido por Maragall en 1893— y por el irracionalismo presente en la obra de Henri Bergson, Herbert Spencer y Arthur Schopenhauer. Estos autores inciden en la primacía del yo, en una perspectiva individualista en que la realidad se percibe a través de la vida interior del individuo, de sus emociones y sensaciones, mientras que el exterior resulta falaz. Pese a ello, en el modernismo se percibe también una corriente naturalista, procedente de la influencia de Émile Zola, ya que se percibe como algo regenerador y que conduce a la modernidad, el máximo objetivo de los modernistas. También incidieron poderosamente las corrientes simbolista y prerrafaelita, defensoras de la corriente estética del decadentismo, otro de los principios básicos de la literatura modernista. Así, frente a la objetividad del arte realista, se defiende la subjetividad, la vía irracional hacia el conocimiento. Los principales modelos en este sentido fueron Baudelaire, Mallarmé, Verlaine y Rimbaud. Otros referentes literarios de la época fueron: Oscar Wilde, Joris-Karl Huysmans, E.T.A. Hoffmann, Edgar Allan Poe, Algernon Charles Swinburne, Pierre Louÿs, Auguste Villiers de L'Isle-Adam, Henrik Ibsen, Maurice Maeterlinck, Émile Verhaeren y Gabriele D'Annunzio.[632].
Con base en el decadentismo, la literatura modernista se centra en lo subjetivo, lo emotivo, en el pesimismo, el tedio de vivir, la angustia existencial, frente a lo cual se presenta como solución el culto a la belleza, al arte por el arte, a figuras como el bohemio "Bohemia (cultura)") y el dandi, que intentan extraer de la vida lo que vale la pena para satisfacción personal. La literatura se centra en el misterio, lo siniestro, lo prohibido, lo marginal, la melancolía, el exotismo, con personajes como vagabundos, dementes, moribundos, degenerados, así como una visión de la mujer que oscila entre la donna angelicata y la femme fatale.[633].
Cabe reseñar la importancia de numerosas revistas literarias y artísticas que sirvieron de vehículo de propagación del modernismo, como La Renaixensa, L'Avenç, Catalònia, Pèl & Ploma, Quatre Gats o Joventut "Joventut (revista)").[634] También en esta época contamos con numerosos periódicos, algunos en castellano y otros en catalán, como Diario de Barcelona, La Vanguardia, El Liberal "El Liberal (Barcelona)"), La Publicidad "La Publicidad (Barcelona)") o La Ilustració Catalana.[635] Algunas de estas revistas marcaron en cierta forma las diversas etapas que sufrió la literatura modernista: una primera regeneracionista centrada en L'Avenç (1889-1893), otra decadentista promulgada desde La Vanguardia y Diario de Barcelona (1894-1897), una tercera de nuevo regeneracionista impulsada por Catalònia (1898-1900) y una última de estética más uniformizada y credo catalanista en torno a Joventut (1900-1906). En la primera, los redactores más significativos fueron Jaume Massó, Ramón Casas, Raimon Casellas y Jaume Brossa; en la segunda, los escritores más relevantes fueron Raimon Casellas —de nuevo—, Santiago Rusiñol y Joan Maragall; en la tercera destacaron de nuevo Maragall y Rusiñol, así como Joaquín Casas Carbó, Ignasi Iglesias y Pompeu Fabra; en la cuarta fueron decisivos Joaquim Pena i Costa, Frederic Pujulà y Carmen Karr.[636].
Narrativa
A narrativa modernista surgiu num momento em que a prosa catalã estava pouco consolidada, pouco desenvolvida durante a Renaixença —apenas limitada à obra de Narcís Oller— e com pouca aceitação pelo público. Soma-se a isso o fraco desenvolvimento de uma linguagem narrativa dentro da língua catalã - que se desenvolverá mais plenamente com a reforma fabriana - e a falta de conteúdos diferenciados da escola literária anterior, a realista. Da mesma forma, foram poucos os editores e poucos críticos que analisaram os novos desenvolvimentos que surgiram. Assim, o primeiro romance modernista, Els sots feréstecs, de Raimon Casellas, só apareceu em 1901, pelo que a narrativa modernista pode ser limitada aos anos 1900, talvez no máximo até 1915, ano da publicação de Ildaribal de Alfons Maseras.[637].
Os romancistas modernistas procuravam uma linguagem subjetiva, de introspecção psicológica, com um certo lirismo, para a qual se inspiraram na obra de autores como Paul Bourget e Henry James. Utilizou-se como técnica o discurso narrado ou monólogo interno, com um "estilo indireto livre" que vem de Flaubert. Abundavam recursos como adjetivizações, dialetismos, contrastes fonéticos, diminutivos e aumentativos, onomatopeias ou elipses.[639] Percebe-se na narrativa modernista a crise da razão típica da época - devido à influência sobretudo de Nietzsche - que se traduz em uma luta entre o ser humano e seu meio ambiente. Os personagens modernistas são desajustados, sujeitos ao destino, incapazes de lutar contra o seu destino, contra o qual só podem opor-se com a sua vontade. É uma luta entre a matéria e o espírito, entre a coletividade e a individualidade, entre o bem e o mal, para alcançar a redenção, a autorrealização. No entanto, a natureza muitas vezes prevalece e o homem encontra a aniquilação, daí a dor e a frustração que subjazem aos romances modernistas.[640].
Em primeiro lugar, vale a pena mencionar Apeles Mestres, membro da geração anterior e iniciado no Romantismo, do qual evoluiu para o modernismo, estilo em que cultivou a narrativa, a poesia e o teatro. Na prosa cultivou preferencialmente biografias, memórias, lendas populares e pinturas tradicionais. Entre suas obras destacam-se: La perera (1908), La casa vella (1912) e L'espasa (1917).[642].
Raimon Casellas pode ser considerado o pai do romance modernista, graças ao aparecimento em 1901 de Els sots feréstecs. Casellas procurou criar uma narrativa moderna, substituindo o detalhe realista pela prosa descritiva, plástica, inspirada no simbolismo, onde predominam o claro-escuro e a sugestão, tudo através de duas técnicas narrativas: a síntese generalizante, pela qual a realidade é descrita através do temperamento do autor, substituindo-a por algo semelhante a uma caricatura; e, no sentido oposto, influenciar a realidade a partir da subjetividade, transfigurando-a num ideal artístico. O resultado é um conflito entre a realidade e o ideal, uma contradição que é evidente em toda a narrativa modernista.[643].
Poesia
Nesta época, a poesia modernista viveu um período de profunda renovação, em que se procurou superar o Romantismo dos Jocs Florals e conectar-se com as novas correntes europeias, num esforço de modernização, objectivo final sempre inerente ao modernismo. Perante a retórica floral e a sua temática tradicional (Amor, Pátria, Fé), pretendeu-se renovar a linguagem e o conteúdo da poesia, com um maior grau de verismo derivado da afinidade entre o criador e a sua obra, que se faz através da “impressão”, em consonância com o simbolismo literário praticado na Europa – dos quais os belgas (Maeterlinck, Verhaeren) tinham maior prestígio face aos franceses (Verlaine, Mallarmé) -. A influência simbolista foi denotada na descrição de estados emocionais com base em experiências reais, tudo por meio de metáforas que expressam sensações e sentimentos. Porém, desde 1898 a influência simbolista foi diminuindo, criticada pela sua pouca ou nenhuma ligação social, em busca de um maior compromisso com a sociedade e os males que a afligem. Assim, Joan Maragall seria uma das principais críticas do decadentismo e da sua visão pessimista e individualista do ser humano. As novas referências serão Gabriele D'Annunzio e Walt Whitman. Diante da dualidade simbolista homem-natureza, oferece-se uma visão integradora entre o ser humano, a natureza e a arte, que Maragall sintetiza em sua teoria da “palavra viva”, na qual concebe a Vida e a Beleza como um todo, onde o poeta é o único criador e sua palavra, a única verdade. Isto resulta no “espontaneísmo”, em que todos os acontecimentos da vida são integrados numa harmonia cósmica de natureza cíclica e positiva. Finalmente, a partir de 1900, a poesia simbolista voltou a ganhar adeptos, desta vez com maior influência do Parnasianismo e do Pré-Rafaelismo, com uma nova geração de jovens poetas defendendo o soneto como uma estrofe ideal, uma corrente mais classicista que levaria ao Noucentismo.
Tal como na secção anterior, os Apeles Mestres devem ser mencionados primeiro. Foi um grande inovador da linguagem poética, que procurou modernizar, ao mesmo tempo que tentava criar novos géneros que misturassem poesia com prosa, drama, baladas, histórias e lendas, quer em dramas líricos, quer em poemas narrativos. Depois de vários trabalhos algures entre o Romantismo e o Realismo, a sua obra mais modernista foi Liliana (1907), de influência Pré-Rafaelita, onde combinou poesia, desenho e design gráfico.[641].
O maior expoente da poesia modernista foi Joan Maragall. Foi influenciado pelo Romantismo, especialmente alemão - e, em particular, Goethe -, enquanto a nível local foi herdeiro de Jacinto Verdaguer. A influência de Nietzsche também é percebida em sua obra. A isso combinou um forte sentimento nacional e uma atitude panteísta em relação à natureza.[656] Maragall foi uma referência do modernismo, que viveu como profissional da criação literária e atuou como intelectual em múltiplas áreas da sociedade.[657] Em 1888 publicou seu primeiro poema importante, , que é um manifesto de seu credo poético, entendendo a poesia como uma vocação inalienável fruto da inspiração, qualidade única do poeta, que se revela em sua obra. a beleza do mundo. A sua primeira compilação de poemas foi (1895), ao mesmo tempo que combinou a sua obra poética com colaborações com jornais e revistas, especialmente e . Foi também tradutor de Nietzsche, cuja filosofia é perceptível em poemas como e . Nesses anos escreveu também alguns poemas decadentes, mais fora de moda do que por convicção (, 1894). A partir de 1896 iniciou uma nova etapa de signo vitalista, à qual acrescentou uma ideologia maior, relacionada com o catalanismo, que expressou em (1900), onde abordou a poesia popular e temas da tradição catalã, como na primeira parte de .[658].
Teatro
O teatro foi um dos principais meios de divulgação do modernismo, ao aliar os textos literários à sua encenação, onde a cenografia assumiu um papel primordial, que capturou também as principais características da arte modernista. O teatro foi um reflexo nestes anos da ideia de “arte total” formulada por Wagner com sua teoria da Gesamtkunstwerk. Assim, as artes cênicas ganharam um grande boom nesta época, graças à representação de obras nativas e de autores estrangeiros, com duas linhas estéticas diferenciadas: a naturalista, representada por Ibsen, Strindberg e Chekhov; e o simbolista, liderado por Maeterlinck, D'Annunzio e Gerhart Hauptmann.[679] O palco principal do teatro modernista era o Teatro Romea "Teatro Romea (Barcelona)") de Barcelona, que acolheu as obras dos novos dramaturgos modernos, como Rusiñol, Gual ou Iglesias, dirigidas a um público mais popular, enquanto a burguesia, ainda não identificada com o novo movimento literário, preferia o programa oficial do Teatro Principal "Teatro Principal (Barcelona)").[680].
Vale a pena mencionar em primeiro lugar Ángel Guimerá, a grande figura do teatro da geração anterior, num estilo que oscilava entre o Romantismo e o realismo e que, na sua maturidade, aderiu durante algum tempo ao modernismo. Na virada do século, os sucessos de jovens escritores modernistas o levaram a experimentar o novo estilo, em obras como Les monges de Sant Aimant (1895), Arran de terra (1901), La Santa Espina "La Santa Espina (sardana)") (1907), La Reina Jove (1911) e Al cor de la nit (1918), baseadas principalmente em mitos e lendas, com personagens de grande valor simbólico.[681][682] Outro representante da geração anterior que viveu um período modernista foi Apeles Mestres. Suas obras dramáticas oscilaram entre o naturalismo e o realismo: La presentella (1908), Liliana (versão teatral de sua coleção de poemas de 1907, estreada em 1911).[683].
A grande figura do teatro modernista foi Santiago Rusiñol, principal representante da linha simbolista, cujo principal leitmotiv era o confronto entre o indivíduo idealista e a sociedade pragmática e mesquinha de seu tempo. Como se viu na sua atuação como pintor, Rusiñol foi um artista boêmio, inteiramente dedicado à arte graças ao apoio financeiro de sua família, que pertencia à burguesia têxtil. Rusiñol viveu a sua vida de forma dupla, oscilando entre um vitalismo exultante que demonstrava em público e um interior repleto de tristeza e cepticismo, que controlou com a toxicodependência. Assim, as suas obras transitam entre o humor e a sátira, com uma grande componente de lirismo decadente, bem como uma certa formação costumbrista. Seu primeiro sucesso como dramaturgo foi o monólogo L'home de l'orgue (1890). Nos anos da virada do século cultivou a pintura lírica decadente, com obras como (1898), (1900) e (1901). A partir de 1902 passou para o costumbrismo, numa linha de regeneração e crítica social, na qual teve maior sucesso, com comédias como (1902) e dramas como (1902), (1903), (1904) e (1906). Seu maior sucesso foi a comédia (originalmente um romance de 1909, adaptado ao teatro e lançado em 1917), obra de tom autobiográfico que levanta a relação entre o artista e a sociedade. A partir de 1907 cultiva um teatro mais popular, com maior tom humorístico, seja no formato de farsa (, 1908), de farsa (, 1912; , 1914) ou de comédia (, 1909; , 1912). Seu último drama foi (1918).[684].
Música
La música tuvo gran relevancia durante el siglo , potenciada por el surgimiento de las orquestas sinfónicas. La principal corriente musical de inicios de siglo fue la del Romanticismo, representada por compositores como Fernando Sor, Ramón Carnicer, Mateo Ferrer, Ramón Vilanova y Marià Obiols. En 1844 se fundó la Sociedad Filarmónica de Barcelona y, en 1886, el Conservatorio Municipal de Música de Barcelona, mientras que, en 1847, se creó el Gran Teatro del Liceo, en 1891 el Orfeón Catalán y, en 1908, el Palacio de la Música Catalana.[696].
En sentido estricto no se puede hablar de una música modernista, sino más bien de un período que aglutina a compositores de diversas tendencias y sensibilidades. Pese a todo, fue una etapa rica y fructífera para la música catalana, con autores que alcanzaron cotas de gran calidad.[697] Desde Europa se recibieron múltiples influencias, desde los últimos vestigios del Romanticismo —en Cataluña gozó de mucho éxito en especial la ópera italiana de Rossini, Bellini, Verdi y Donizetti—, pasando por la singular figura de Wagner —que en Cataluña gozó de un enorme éxito, que cristalizó en la fundación de la Asociación Wagneriana de Barcelona en 1901— hasta llegar al impresionismo musical de Debussy y Ravel. Por otro lado, en estos años fueron surgiendo en diversos países escuelas nacionales que impulsaron el renacer cultural y musical de sus respectivas naciones en lo que se vino a denominar nacionalismo musical, con representantes como Borodin, Musorgski, Rimski-Korsakov, Dvořák, Smetana, Bartók, Grieg y Sibelius, que se reflejó igualmente en España con Manuel de Falla, Joaquín Rodrigo, Francisco Asenjo Barbieri o Joaquín Turina, y que contó con representantes catalanes como Pedrell, Albéniz y Granados.[698].
En este período se popularizó la música coral gracias a los llamados «coros de Clavé», que aglutinaban la música con la fraternidad obrera.[699] José Anselmo Clavé perteneció a la generación anterior a la modernista, pero su obra dejó una profunda huella. Su proyecto pretendía aglutinar la música con la regeneración de la clase obrera, gracias al espíritu comunitario de las sociedades corales. En 1845 fundó la sociedad L'Aurora, a la que siguieron La Fraternitat y Euterpe, que desembocaron en las Societats Euterpenses, que contaron con ochenta y cinco filiales y llegaron a contabilizar más de dos mil coristas. Sucesor de Clavé fue Josep Rodoreda, un músico modesto, pero solvente, que perfeccionó las técnicas corales y transformó los coros inicialmente masculinos en mixtos.[700].
La música coral evolucionó gracias al surgimiento de los orfeones: en 1885 se celebró en el Palacio de Bellas Artes de Barcelona un concurso de orfeones —ganado por el de Bilbao— que causó un gran impacto y conllevó la creación, en 1891, del Orfeón Catalán, fundado por Lluís Millet y Amadeo Vives. Estos compositores promovieron un nuevo estilo musical que, partiendo de las raíces populares catalanas, entroncase con la música coetánea europea. El Orfeón promovió la creación del Palacio de la Música Catalana, donde estableció su sede y donde se sintetizaron todas las artes del modernismo (arquitectura, escultura, decoración, música, literatura), convirtiéndose en el símbolo por excelencia de la nueva cultura catalana.[701].
La importancia otorgada en el siglo a la voz comportó el surgimiento de un nuevo género, el lied, una canción lírica consistente por lo general en la musicalización de un poema, interpretada por una voz generalmente solista y un acompañamiento musical, preferentemente de piano. A finales de siglo surgió con fuerza en Cataluña el llamado «lied catalán», que tendría un gran auge hasta mediados del siglo . El lied comportó el surgimiento de nuevas formas expresivas y el perfeccionamiento de la técnica musical, al tiempo que revalorizó el patrimonio musical popular en busca de nuevas fuentes de inspiración, como serían el trovadorismo medieval o la música bucólica pastoril.[702].
La música sinfónica tuvo en esta época menos predicamento que la coral o la operística y se circunscribió a pequeños estamentos culturales. En 1866 se creó la Sociedad de Conciertos del Prado Catalán y, en 1872, la Sociedad Barcelonesa de Cuartetos, que ofrecían obras sinfónicas de compositores generalmente románticos. Pero sería casi únicamente la Orquesta del Liceo la que ofrecía ocasionalmente conciertos sinfónicos. Uno de sus principales promotores fue Antoni Nicolau, que dirigió varios de estos conciertos que, sin embargo, no tuvieron mucho éxito e incluso fueron duramente criticados. Sería ya con el cambio de siglo y con la llegada de obras de compositores modernos como Mahler, Bruckner o Richard Strauss que la música sinfónica comenzaría a tener éxito. Así, surgieron nuevas entidades, como la Sociedad Catalana de Conciertos en 1892 y la Sociedad Filarmónica de Barcelona en 1897.[703].
Cabe señalar también la importante herencia dejada por Pep Ventura, un compositor de la generación anterior que, al igual que Clavé, dejó una importante impronta por su recuperación de la música popular y folclórica, especialmente en relación con el género de la sardana. Fue el introductor de la tenora, un instrumento que otorgaría una nueva sonoridad al género y lo convertiría en una especialidad inconfundible. Gracias a su intuición melódica, dejó piezas de gran calidad en su género y que gozaron de gran popularidad. La sardana se interpreta con una agrupación musical llamada cobla, de la que surgieron muchas en esta época, como La Principal de La Bisbal (1888). Por otro lado, la música se acompaña de la danza de igual nombre, consolidada en esta época como la danza popular catalana por antonomasia. Cultivaron también el género de la sardana Enric Morera —autor de una de las más famosas, La Santa Espina "La Santa Espina (sardana)") (1907), con texto de Ángel Guimerá—, Francisco Pujol, Antoni Nicolau y Vicenç Bou.[704].
A finales de siglo se popularizó una canción que con el tiempo se convertiría en el himno catalán, Els segadors, una antigua canción popular que fue adaptada entre 1892 (música, Francisco Alió) y 1899 (letra, Emili Guanyavents). Aunque en principio no tenía ninguna connotación reivindicativa ni patriótica, fue adoptada como himno nacional por el catalanismo, sin reconocimiento oficial hasta su consagración por la Generalidad en 1993.[705].
El padre del nacionalismo musical catalán fue Felipe Pedrell, de relevancia en toda la península gracias a su labor musicológica y su estudio del patrimonio popular. Pedrell fue el fundador de una nueva escuela catalana, con obras de gran solvencia técnica, pero cierta indefinición estética, ya que se movió entre la influencia de la ópera italiana y la del wagnerianismo —fue uno de los introductores de Wagner en Cataluña—.[706] Fue autor de óperas, zarzuelas, obras religiosas y música de cámara.[306].
Los dos grandes compositores del modernismo catalán fueron Isaac Albéniz y Enrique Granados. El primero fue pianista y compositor, que aunó raíces folclóricas con la influencia del impresionismo francés.[707] Estudió en Madrid, donde residió unos años y, posteriormente, realizó varias giras de conciertos por Hispanoamérica. Poco después, completó estudios en Bruselas y regresó a Cataluña. También residió un tiempo en París, donde conoció a Casas y Rusiñol, quienes le introdujeron a su regreso a la tertulia de Els Quatre Gats, donde realizó varios conciertos. Fue autor de ópera, zarzuela y música sinfónica, siendo de destacar su suite Iberia "Iberia (Albéniz)") (1906).[708].
Granados fue discípulo de Pedrell, al tiempo que estudió piano con Juan Bautista Pujol. Por su maestro recibió la influencia de Wagner, que fue determinante en su trayectoria, especialmente en el concepto de «obra de arte total», que le llevó a relacionarse con diversos escritores para sus obras, como Adrián Gual o Apeles Mestres. También denotó la influencia del Romanticismo de Chopin, Schumann o Schubert. Completó su formación en París con Charles-Auguste de Bériot, donde conoció a Debussy y D'Indy. Durante un tiempo fue pianista de café, hasta que empezó a cosechar algunos éxitos. En 1900 fundó la Sociedad de Conciertos Clásicos, así como la Academia Granados. Su obra fue una de las más internacionales dentro del panorama musical catalán, hecho que le comportó diversas críticas por alejarse del acervo popular. Destacaron sus obras para piano, como 12 Danzas españolas y Capricho español, así como música de cámara y diversas óperas.[709].
Junto a ellos conviene destacar a Enric Morera, Amadeo Vives y Lluís Millet. El primero fue discípulo de Pedrell y amplió estudios en Bélgica, donde recibió la influencia del impresionismo francés. Fue autor de óperas, música sinfónica, coral, de cámara y para piano, así como sardanas.[710] También armonizó numerosas canciones populares y musicalizó diversas obras de Santiago Rusiñol y Ángel Guimerá. En 1895 fundó la coral Catalunya Nova.[361] Vives se formó como pianista. Sus obras gozaron de gran éxito y fue uno de los protagonistas de las tertulias barcelonesas, donde entabló amistad con personajes como Domènech i Montaner, Puig i Cadafalch, Ramón Casas, Isidro Nonell y Pablo Picasso. En 1897 se instaló en Madrid, donde desarrolló casi toda su carrera y donde ejerció también de empresario con tres teatros: Zarzuela, Cómico y Eslava. Fue también profesor en el Conservatorio de Música de Madrid.[711] Fue autor de óperas, zarzuelas y música coral, como su famoso L'emigrant, sobre un poema de Verdaguer.[712] Millet fue compositor y director de orquesta, discípulo de Pedrell. Fue director vitalicio del Orfeón Catalán y propulsó e investigó la música popular catalana. Compuso obras corales (El cant dels ocells, El cant de la senyera), canciones populares armonizadas (La dama d'Aragó, El comte Arnau), música sinfónica y para piano y orquesta (Catalanesques).[710] También fundó la Revista Musical Catalana y fue catedrático del Conservatorio de Música de Barcelona.[713].
Cabe citar igualmente a compositores como: Francisco Alió, destacó como compositor de obras para piano y canto, así como fue un importante folclorista;[707] Josep Barberà, discípulo de Pedrell, fue compositor y profesor en el Conservatorio del Liceo, realizó obras para piano, canto y orquesta, entre las que destacan dos sinfonías;[714] Joan Borràs de Palau, compositor y crítico musical, destacó como liederista (Voreta la mar, 1896);[714] Vicenç Bou, compositor de sardanas, entre las que destacan L'alegria del poble y Mirant al mar;[714] Amadeu Cuscó, autor de música de cámara, sinfónica, litúrgica y coral;[714] Juli Garreta, autor de obras sinfónicas de orquestación germánica, como la Suite Empordanesa;[715] Vicenç Maria Gibert, compositor, organista y musicógrafo, discípulo de Pedrell y Millet, autor de obras orquestales y corales, así como canciones populares armonizadas;[715] Joan Lamote de Grignon, compositor, pianista y director de orquesta, autor de obras sinfónicas, óperas y lieder;[715] Miguel Llobet, compositor y guitarrista, instrumento para el que arregló numerosas canciones populares catalanas, como El rossinyol;[715] Joan Llongueras, autor de ensayos y canciones e introductor en Cataluña del método de gimnasia rítmica de Jacques-Dalcroze;[715] Joaquín Malats, compositor y pianista, autor de música de cámara, serenatas, mazurcas, danzas para piano y unas Impresiones de España para orquesta;[710] Juan Manén, compositor y violinista, autor de obras sinfónicas, óperas, ballets y sardanas;[710] Rafael Martínez Valls, autor de música de cámara y religiosa, así como zarzuelas;[710] Apeles Mestres, escritor y dibujante que también compuso varias canciones de evocación rococó;[710] Antoni Nicolau, formado en París, fue autor de óperas, obras sinfónicas y corales;[716] Jaime Pahissa, discípulo de Morera, englobable en el modernismo en su juventud, ya que posteriormente evolucionó hacia el vanguardismo, autor de óperas, obras corales y sinfónicas, música de cámara y para piano;[717] Francisco Pujol, discípulo de Millet, compuso obras religiosas, para canto, piano, sardanas y canciones populares armonizadas;[717] Josep Rodoreda, compositor, pianista y director de orquesta, continuador de la obra coral de Clavé y fundador de la Banda y la Escuela Municipal de Música de Barcelona, recordado por su himno Virolai;[718] Luis Romeu, sacerdote, compositor y organista, autor de obras religiosas y armonización de canciones populares;[719] José Sancho Marraco, organista y compositor de música religiosa, así como canciones populares y sardanas;[719] Francisco Tárrega, compositor y guitarrista, creó la escuela moderna de interpretación de guitarra clásica, autor de numerosas obras para este instrumento, la mayoría de aire orientalizante;[719] y Ricardo Viñes, compositor y pianista, condiscípulo de Ravel, denotó la influencia del impresionismo francés y destacó en sus obras para piano.[712].
Ópera
A ópera foi muito popular neste século, inicialmente apresentada no Teatro de la Santa Cruz (Teatro Principal "Teatro Principal (Barcelona)") de 1838) e, a partir de 1847, no Gran Teatro del Liceo, que se tornaria o coração da ópera de Barcelona. Também durante este século, a zarzuela teve muito sucesso, apresentando-se principalmente no Teatro Principal, bem como em outros palcos, como o Teatro del Bosque, o Nuevo, o Tívoli e o Odeón.[720].
Entre os principais intérpretes está o tenor Francisco Viñas, que estreou no Liceo em 1888 com Lohengrin de Wagner, papel que repetiu no Teatro La Scala de Milão. Especializado em papéis wagnerianos, também interpretou Tannhäuser "Tannhäuser (ópera)") e Parsifal, bem como diversas óperas verdianas. Trabalhou nos principais teatros do mundo, alcançando notável sucesso. Em 1963, foi criado em Barcelona um concurso internacional de canto que leva o seu nome. O barítono Ramón Blanchart estreou na década de 1880, mas foi na década seguinte que atingiu o auge de sua carreira, especialmente com sua interpretação de Iago em Otello "Otello (Verdi)") de Verdi, no Scala de Milão, e Falstaff "Falstaff (Verdi)"), também de Verdi, no Liceu em 1896. Avelina Carrera foi soprano de fama internacional, que estreou aos dezoito anos no Liceu com Lohengrin de Wagner, em 1889; No ano seguinte, ele alcançou grande sucesso com La jolie fille de Perth de Bizet. Em 1894 ela cantou em Moscou diante do czar Alexandre III e, em 1896, estrelou a estreia mundial de Andrea Chénier de Umberto Giordano no La Scala de Milão. Em 1899 ela interpretou Brünnhilde em Die Walküre e, em 1901, interpretou Aida de Verdi. Em 1906 ela interpretou Bruniselda de Enric Morera. Josefina Huguet foi uma soprano leve, que se destacou nos papéis de Ofelia em Hamlet "Hamlet (Thomas)") de Thomas, Gilda em Rigoletto de Verdi e Dinorah na ópera homônima de Meyerbeer.[722] María Barrientos também era uma soprano leve, que estreou em 1898 com La sonnambula de Bellini, um de seus papéis principais, junto com Dinorah, La Traviata, Rigoletto, Lakmé, Hamlet e Mignon. Bizet.[725].
Felipe Pedrell foi um dos pioneiros da ópera na Catalunha. Em suas primeiras obras, algumas delas em italiano, mostrou a influência da ópera italiana, como em L'ultimo abenzerraggio (1874), Quasimodo (1875) e Cleopatra (1878). Mais tarde denotou a influência wagneriana: I Pirinei (1902), La Celestina "La Celestina (ópera)") (1904).[726].
Isaac Albéniz e Enrique Granados seguiram-no. Albéniz começou na zarzuela, até assinar contrato com um banqueiro inglês para escrever óperas, cujo resultado foram (1893), (1895), (1896) e (1897-1902), este último num ciclo baseado no Rei Artur do qual apenas fez este primeiro título.[727] Granados estreou em 1898 sua ópera , próxima à zarzuela. Mais tarde, adaptou diversas composições para piano em sua ópera (1916), que estreou no Metropolitan Opera House de Nova York.[728].
Dança
A dança clássica (ou balé) desenvolveu-se notavelmente neste século, com dois palcos principais: o Gran Teatro del Liceo e o Teatro Principal.[741] No século, a dança espetáculo na Catalunha teve três variantes principais: o balé pantomímico ou "balé de enredo", executado pela primeira vez por dançarinos italianos ou franceses, até surgirem representantes catalães; a dança espanhola ou «bolero "Bolero (dança espanhola)"), que teve um dos seus principais centros em Barcelona, juntamente com Madrid e Sevilha; e balé de ópera. Em geral, neste século, fizeram sucesso as coreografias feitas com elementos tipicamente espanhóis, como pandeiros, chocalhos e castanholas, ou trajes de toureiro ou cigano, que até bailarinos estrangeiros assumiram, já que coreografias de outros países eram geralmente mal recebidas pelo público. Nos últimos anos do século, período do surgimento do modernismo, os principais espetáculos de balé eram os realizados no Liceu, entre os quais estreias como Clio ou o Triunfo de Vênus de Joan Goula (1889), Messalina de Giuseppe Giaquinto") (1890), Rodope de Paolo Giorza (1891), Excelsior de Romualdo Marenco (1892), Coppélia de Léo Delibes (1894) e Die Puppenfee de Josef Bayer (1895). Algumas óperas também incorporaram balé, como Tannhäuser "Tannhäuser (ópera)") de Wagner (1887), Carmen "Carmen (ópera)") de Bizet (1888) e Samson et Dalila de Saint-Saëns. (1897).[742].
Já no século XIX, a principal referência continuou a ser o Liceu, cada vez mais dedicado à institucionalização de uma escola coreográfica de qualidade. Pauleta Pàmies, uma das bailarinas mais famosas entre os anos 1870-1890, dedicou-se ao ensino na idade adulta, sendo professora de dança no Liceo, onde formou uma nova geração de bailarinos. Apesar de tudo, as duas primeiras décadas do século não foram muito prolíficas no balé, devido às convulsões políticas da época, que não favoreceram os espetáculos. Uma das estreias mais relevantes foi o balé em dois atos Les deux pombos de André Messager (1913). A maioria das figuras eram estrangeiras, sobretudo francesas e italianas.[743] Nos primeiros anos do século foi introduzida a dança contemporânea, cujo principal representante foi Tórtola Valencia: nascida em Sevilha, filha de pai catalão, desenvolveu um estilo pessoal, intuitivo e exótico, influenciado por Isadora Duncan, com o qual alcançou sucesso internacional. Em 1912 estreou-se nas Novedades "Teatro Novedades (Barcelona)") em Barcelona e, nesse mesmo ano, apresentou Lakmé no Liceo. Aposentada em 1930, instalou-se em Barcelona, onde passou o resto dos seus dias.[744].
Quanto às danças populares, a mais difundida nesta época foi a sardana, que viveu um período de esplendor graças à sua revitalização pelo compositor Pep Ventura. É uma dança coletiva que se realiza formando uma roda com os bailarinos de mãos dadas aos pares, com uma dança executada com os pés, em passos curtos e longos. A música é executada por uma cobla, composta por uma banda de sopros de onze instrumentos e um contrabaixo. É uma evolução de uma dança anterior, a , de origem religiosa, que com o tempo se tornou uma dança cerimonial e festiva, um tipo de dança que poderia remontar aos antigos coros gregos. Em meados do século o passou a ser o “curto sardana”, enquanto mais tarde surgiria o “longo”, que é o que ainda existe. A sua origem está em Empordà, de onde mais tarde se espalharia por toda a Catalunha, tornando-se a dança mais tipicamente catalã entre finais do século e início do século XIX. Outras danças populares são a , a dança da cana e a dança cigana. Nesta época surgiram numerosos grupos de dançarinos, chamados , sendo um dos mais populares o Esbart Català de Dansaires, criado em Barcelona em 1908.[745].
Fotografia
Após a invenção da fotografia no início do século, a primeira fotografia de toda a Espanha foi tirada em Barcelona, tirada com daguerreótipo em 10 de novembro de 1839 no Pla de Palau por Ramón Alabern. Desde então, o processo foi aperfeiçoado tecnicamente e surgiram cada vez mais artistas, profissionais ou simplesmente amadores dedicados à fotografia. A partir de 1850, com o surgimento da técnica positivo-negativo, o procedimento se popularizou. Em 1888 surgiu a câmera Kodak "Kodak Camera (1888)"), que tirava fotos apertando um botão, para que qualquer pessoa pudesse utilizá-la. A democratização desta nova tecnologia obrigou os fotógrafos profissionais a procurarem um meio de expressão mais artístico, para se diferenciarem dos amadores. Novas técnicas surgiram para os fotógrafos artísticos e profissionais, como o aerógrafo ou o dicromato de borracha, que permitiam trabalhar a fotografia em camadas, mesmo aplicando pincéis, de forma a aproximá-los de técnicas como a litografia e a água-forte.[748].
A difusão da fotografia na Catalunha veio com a celebração da Exposição Universal de 1888. Até então estava praticamente limitada à paisagem e ao retrato, mas, com a Exposição, passou a ser utilizada com presença cada vez maior nos meios jornalísticos, como testemunho da atualidade. Foi então que se estabeleceram duas figuras relevantes da nova arte: Antonio Esplugas e Pablo Audouard. Ambos capturaram com precisão a atmosfera e todos os acontecimentos relevantes da Exposição, mesmo com fotografias aéreas, captadas a partir de balões.[749].
Por outro lado, nestes anos a fotografia saiu do estúdio e passou a ser feita na natureza, tal como a pintura au plein air. Uma associação que promoveu esta utilização foi o Centro Excursionista da Catalunha, que, através da organização de excursões, levou à criação de um grande arquivo de paisagens e postais de vilas e monumentos de todo o território catalão. Surgiu também a fotografia aplicada à ciência, especialmente à astronomia, como as tiradas no Observatório Fabra por José Comas y Solá; ou na medicina, como as de Jaime Ferrán e Clúa, algumas delas ao microscópio, ou no campo da radiografia, a primeira realizada em 1896 por César Comas.[750].
O trabalho de arquivo de fotografias também começou nesta época, destacando-se nesta área Adolf Mas Ginestà, fotógrafo especializado em arte, arquitetura e arqueologia, preocupado com a catalogação do património artístico catalão, que deu origem ao Arquivo Mas, atualmente no Instituto Amatller de Arte Hispânica. Mas foi um dos principais colecionadores de arte modernista e chegou a trabalhar para diversos arquitetos e pintores do movimento. Outro fotógrafo que documentou o trabalho de artistas modernistas foi Francesc Serra i Dimas, que em 1903 fez uma série de reportagens de vários artistas trabalhando em suas oficinas, que compilou em 1905 no álbum Nossos artistas.[752].
No campo do documentário e do fotojornalismo, vale destacar o trabalho de Josep Brangulí e Alejandro Merletti. O primeiro trabalhou como repórter do La Vanguardia, refletindo com maestria a vida e os acontecimentos da sociedade catalã da época. O italiano Merletti radicou-se em Barcelona em 1889 e ficou famoso por usar uma motocicleta com sidecar para viajar com a equipe. Um de seus melhores trabalhos foi o acompanhamento da corte marcial de Francisco Ferrer Guardia em 1909, para a qual utilizou uma minicâmera. Outra área onde a fotografia se destacou foi no esporte, o que favoreceu o surgimento de jornais especializados, como El Mundo Deportivo (1906).[753].
Finalmente, no campo da fotografia artística, surgiu nestes anos o chamado pictorialismo, um movimento que reivindicava a artisticidade do meio fotográfico, cujos melhores representantes na Catalunha foram Pere Casas Abarca e Joan Vilatobà. O primeiro, sobrinho do escultor Venancio Vallmitjana, realizou uma série de imagens de estudo que refletiam diferentes correntes do modernismo, como o simbolismo, o pré-rafaeliteismo e o orientalismo, com referências alegóricas e religiosas, embora sem por vezes desprezar o erotismo. Também fez fotografias e cartazes publicitários, num estilo que deve a Alexandre de Riquer. Vilatobà foi pintor e fotógrafo, de estilo simbolista, especializado em retratos, interiores e nus "Nu (gênero artístico)", além de paisagens, que denotam a influência de Modesto Urgell. Sua artisticidade vem basicamente da composição, já que quase nunca fazia retoques. Por outro lado, nesta altura surgiram as primeiras exposições fotográficas e a fotografia chegou mesmo a ser incluída como modalidade em concursos artísticos, como a Terceira Exposição Geral de Belas Artes e Indústrias Artísticas de Barcelona (1896). Em 1905, o Círculo Artístico de San Lucas incluiu a fotografia como sua quarta seção, depois da pintura, escultura e arquitetura/artes decorativas.
Cinema
O período modernista coincidiu cronologicamente com a invenção do cinematógrafo pelos irmãos Lumière em 1895. Mesmo assim, por ser uma arte nos seus primórdios, não teve uma ligação específica com este estilo, pelo que não é possível falar de um cinema modernista, apenas de um “cinema da era modernista”, caso contrário de pouca produção. No seu início, o cinema era considerado mais um avanço científico do que uma arte, por isso não foi especialmente bem recebido pelas elites culturais. Até praticamente meados da década de 1910, o cinema não adquiriu artisticidade, com figuras como D. W. Griffith ou Erich von Stroheim, justamente quando o modernismo estava chegando ao fim.
A primeira exibição de filme aconteceu em Barcelona em 1896, realizada pelos irmãos Lumière. Estes primeiros filmes eram fotografias de animação, sem sentido narrativo, e realizados em feiras, espaços comerciais, hotéis ou estúdios fotográficos. Após esta exposição, Fructuós Gelabert, um entusiasta da ciência e da tecnologia, construiu a sua própria câmara e em 1897 filmou Riña en un café, o primeiro filme realizado em Espanha. Seguiram-se outros como Saída dos trabalhadores da fábrica España Industrial (1897), Visita a Barcelona da Rainha Regente Doña María Cristina e Dom Alfonso XIII (1898) e Chegada de um comboio à Estação Norte de Barcelona (1898).[756].
Depois destas primeiras experiências, o cinema começou a ganhar popularidade como espetáculo e foram abertas as primeiras salas dedicadas exclusivamente à sua exibição, promovidas por promotores como Lluís Macaya ou Baltasar Abadal. Apesar de tudo, durante estes primeiros anos o cinema foi alheio ao movimento modernista, presente apenas no género publicitário, que, como em qualquer outro sector, tinha então uma estética modernista, ou na decoração das salas de cinema.
A primeira incursão do movimento modernista na nova arte foram os "filmes falados" na Sala Mercè, espaço inaugurado em 1904 pelo pintor Luis Graner. Projetada por Gaudí, esta sala foi pensada para oferecer todos os tipos de espetáculos artísticos, inclusive cinema. Especificamente, eles se concentraram em dois: “visões musicais”, que combinavam textos encenados com música; e “projeções de filmes falados”, compostas por fitas filmadas acompanhadas de texto recitado por atores. O diretor de todas essas mostras foi Adrián Gual, o primeiro artista dedicado à arte nova, até então praticada por técnicos ou empresários. No total, foram produzidas vinte e duas dessas projeções, todas no gênero cômico, das quais infelizmente nenhuma sobreviveu. Algumas delas foram escritas pelo próprio Gual e participaram atores de sua companhia Teatre Íntim. Por outro lado, Segundo de Chomón, posteriormente diretor e pioneiro do cinema, participou como operador de câmera em alguns deles. Nesta sala também foram realizados três documentários sobre artistas do momento – portanto, modernistas –: o primeiro, de 1905, contou com a participação de Modesto Urgell, Ramón Casas, Carles Vidiella, Arcadio Mas, Josep Llimona e Santiago Rusiñol. Nas demais também apareceram outros artistas, tanto artistas plásticos, como músicos e escritores. Todos os três são de autor desconhecido. Desde 1905, a Sala Mercè concentrou-se em visões musicais e documentários ocasionais, mas deixou os filmes falados.
Nos anos seguintes, o cinema focou-se em produções estrangeiras e empresas como Pathé Frères e Gaumont "Gaumont (empresa cinematográfica)") abriram filiais em Barcelona, pois a nova arte começava a ser um negócio de sucesso. Em 1906, foram fundadas as primeiras produtoras catalãs, Films Barcelona e Hispano Films, e o número de produções locais cresceu progressivamente. Em 1908, Ricardo de Baños filmou seu famoso Barcelona en tram, no qual percorreu a cidade de bonde. Os documentários continuaram a predominar, embora a ficção tenha crescido, que por sua vez se diversificou em géneros, muitas vezes baseados em peças de teatro ou romances. Apesar de tudo, o cinema manteve-se distante do modernismo, movimento do qual recebeu até fortes críticas, como as recebidas por Santiago Rusiñol em alguns artigos de L'Esquella de la Torratxa.[759].
O casamento entre cinema e modernismo ocorreu finalmente com a fase solo de Adrián Gual, uma vez separado da Sala Mercè. Após a criação na França do Film d'art, gênero que imitava o teatro recriando obras clássicas do drama, em 1913 Gual fundou a produtora Barcinografia S.A. Depois de reunir uma equipe solvente de artistas e profissionais, Gual dirigiu oito filmes entre 1914 e 1915. Os primeiros foram El Alcalde de Zalamea "O Prefeito de Zalamea (filme de 1914)") (com texto de Calderón de la Barça), Misteri de Dolor (texto do próprio Gual), Fridolin (de Schiller), La Gitanilla (de Cervantes) e Os Cabelos Brancos (de Tolstoi). Infelizmente, apenas um sobrevive, Misteri de Dolor, um drama rural que se afasta um pouco da teatralidade do Film d'art e é pioneiro na plasticidade do novo meio, através de planos e enquadramentos que escapam ao plano geral das adaptações teatrais, bem como de uma iluminação que enfatiza o fio narrativo e toda uma série de recursos como planos reversos, planos panorâmicos e saltos de escala. Infelizmente, a iniciativa de Gual não deu certo financeiramente e, a pedido dos investidores da produtora, ele passou a fazer mais filmes comerciais, mais ao gosto do público: Linito quer ser toureiro, O Calvário de um Herói e Um Drama de Amor. Apesar de tudo, não se recuperou e, em 1915, renunciou.[760].
• - O Wikimedia Commons hospeda uma categoria multimídia sobre Modernismo Catalão.
• - Rota do Modernismo.
Referências
[1] ↑ Término introducido por Francesc Fontbona en La crisis del modernismo artístico (1975).[2] No confundir con el arte posmoderno —o arte propio de la posmodernidad— de los siglos xx y xxi.[3].
[2] ↑ El historiador Josep Fontana (La formació d'una identitat, 2014) opina en cambio que la revitalización del catalán no provino de la Renaixença ni los Juegos Florales, cuyos escritores eran en su mayoría castellanohablantes y miembros de la burguesía que solo hablaban catalán con el servicio doméstico y que escribían en catalán solamente como ejercicio retórico, un catalán además de tipo arcaizante, que no era el hablado en su tiempo por la gente corriente. En cambio, señala como agentes popularizadores del catalán a dramaturgos autores de obras populares como Serafí Pitarra, los coros de Anselmo Clavé o revistas como Un tros de paper, Lo Noy de la mare o La Campana de Gracia.[22].
[3] ↑ El modernismo recibió numerosos otros nombres, casi todos ellos relacionados con su gusto por la curva: paling stijl (estilo anguila), style nouille (estilo tenia), wellenstil (estilo ondulante), gereizter Regenwurm (estilo lombriz erguida), style coup de fouet (estilo golpe de látigo), style fumée de cigarette (estilo humo de cigarro) o stile floreale (estilo floral).[29].
[4] ↑ En tal sentido, Josep Francesc Ràfols comentó en una ocasión que «son tan distintas las personalidades que en esta corriente desembocan que nada o casi nada de aglutinante podemos descubrir a menudo entre ellas; por lo cual, más que tratar del modernismo como supuesta escuela o tendencia, departiremos de los modernistas, fracciones de una abigarrada suma que al matemático más sagaz le fuera difícil poderlas reducir a común denominador, ya que a veces incluso unas con otras se contradicen».[73] Igualmente, Pedro Navascués señala que «si hubiera que justificar la coherencia de este modernisme catalán diría que este no reside tanto en el arte y la arquitectura como en el ambiente cultural que baña Barcelona y respiran sus gentes, especialmente una burguesía adinerada, vinculada al comercio y la industria, que se reconoce en el modernismo como sus padres y abuelos lo hicieron en el mejor eclecticismo».[73].
[5] ↑ Por su artículo En busca de una arquitectura nacional, publicado en 1879 en la revista La Renaixensa.[135].
[6] ↑ El nombre de Cau Ferrat («nido herrado») proviene de la colección de hierros que tenía Rusiñol en su taller, que traspasó a su nueva casa en Sitges, construida en 1893 por el arquitecto Francesc Rogent en la finca Can Falau, ampliada al año siguiente con otra contigua, Can Sensa. Actualmente acoge el Museo Cau Ferrat.[379].
[7] ↑ No confundir con Sebastià Junyent.
[8] ↑ Hay que descontar el curso académico 1897-1898, en que estudió en la Academia de San Fernando de Madrid; por otro lado, entre 1898 y 1898 pasó una templorada en Horta de San Juan (Tarragona), donde vivía su amigo el pintor Manuel Pallarès.[453].
[9] ↑ Especialmente de amigos suyos, como Joan Vidal i Ventosa, Carlos Casagemas, Josep Cardona, Ricardo Opisso, Josep Maria Folch i Torres, Jaime Sabartés, Eveli Torent, Manuel Pallarès y los hermanos Jacinto y Ramón Reventós, que expuso en febrero de 1900 en Els Quatre Gats.
[10] ↑ Fontbona et al., 2003, p. 11.
[11] ↑ a b Fontbona et al., 2003, p. 46.
[12] ↑ El llibre d'or de l'art català, pp. 171-172.
[13] ↑ a b c Bassegoda i Nonell, Infiesta y Marco, 1981, p. 148.
[198] ↑ Ferrer y Gómez Serrano, 2002, pp. 137-139.
[199] ↑ Maspoch, 2008, p. 58.
[200] ↑ Fontbona et al., 2002, p. 136.
[201] ↑ Monner i Faura, Jordi (1992). BCN 92. Guía de La Vanguardia. 7: De la plaza Catalunya a la plaza Lesseps. Eixample. Barcelona: La Vanguardia. p. 9.
[202] ↑ Midant, 2004, pp. 749-750.
[203] ↑ Huertas, Capilla y Maspoch, 2005, p. 74.
[204] ↑ Fontbona y Miralles, 2001, pp. 152-153.
[205] ↑ Miralles, 2008, p. 73.
[206] ↑ Lacuesta y González, 1997, p. 49.
[207] ↑ Huertas, Capilla y Maspoch, 2005, pp. 202-205.
[208] ↑ Lacuesta y González, 1997, p. 135.
[209] ↑ Sagnier. Arquitecte, Barcelona 1858-1931, p. 15.
[210] ↑ Barjau, 1992, p. 12.
[211] ↑ Maspoch, 2008, pp. 192-193.
[212] ↑ Monner i Faura, Jordi (1992). BCN 92. Guía de La Vanguardia. 7: De la plaza Catalunya a la plaza Lesseps. Eixample. Barcelona: La Vanguardia. p. 20.
[220] ↑ Bassegoda i Nonell, Infiesta y Marco, 1981, p. 132.
[221] ↑ Maspoch, 2008, p. 208.
[222] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, p. 205.
[223] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, p. 211.
[224] ↑ Maspoch, 2008, p. 95.
[225] ↑ Lacuesta y González, 1997, p. 29.
[226] ↑ Huertas, Capilla y Maspoch, 2005, pp. 190-194.
[227] ↑ Maspoch, 2008, pp. 198-199.
[228] ↑ Barral i Altet et al., Jornet, p. 140.
[229] ↑ Maspoch, 2008, p. 164.
[230] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, p. 197.
[231] ↑ Maspoch, 2008, p. 90.
[232] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, pp. 85-86.
[233] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, p. 91.
[234] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, p. 117.
[235] ↑ a b Fontbona et al., 2002, p. 132.
[236] ↑ Maspoch, 2008, p. 34.
[237] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, pp. 315-317.
[238] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, pp. 320-322.
[239] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, p. 335.
[240] ↑ Huertas, Capilla y Maspoch, 2005, p. 211.
[241] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, pp. 374-375.
[242] ↑ Maspoch, 2008, p. 175.
[243] ↑ a b Maspoch, 2008, p. 136.
[244] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, pp. 120-121.
[245] ↑ Monner i Faura, Jordi (1992). BCN 92. Guía de La Vanguardia. 3: De la Rotonda al Observatori fabra. Tibidabo / Del Auditori a la Plaça de la Palmera. Meridiana. Barcelona: La Vanguardia. p. 1.
[258] ↑ Monner i Faura, Jordi (1992). BCN 92. Guía de La Vanguardia. 7: De la plaza Catalunya a la plaza Lesseps. Eixample. Barcelona: La Vanguardia. p. 29.
Mais do que um estilo ou tendência, o modernismo catalão foi um movimento cultural que procurou modernizar e regenerar a cultura catalã. Foi um movimento inovador e original, que procurou através da arte – expressa em todas as suas facetas – construir uma cultura moderna com signo nacional, mas ligada às novas correntes europeias. Este movimento concebeu a arte como um fenómeno universal e defendeu a interdependência de todas as artes. O modernismo ligado ao renascimento cultural iniciado pela Renaixença, mas com o desejo de modernizá-lo, de integrar a cultura catalã na vanguarda europeia. Inspirado em tendências como Arts and Crafts, defendeu a integração de todas as artes, desde a arquitectura e as artes plásticas ao design gráfico e às artes aplicadas e industriais, bem como ao design e design de interiores.
O modernismo destacou-se especialmente na arquitetura, com uma série de nomes que se tornaram referências de relevância mundial, com destaque para Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner e Josep Puig i Cadafalch. A arquitetura modernista foi em grande parte herdeira das correntes anteriores, o historicismo e o ecletismo, com as quais coexistiu durante algum tempo. O seu ponto de partida pode ser colocado na Exposição Universal de 1888, embora existam vários antecedentes que costumam ser descritos como "pré-modernismo", enquanto o seu fim é na década de 1920, embora nessa altura já estivesse em declínio, especialmente desde o surgimento do Noucentisme na década anterior. O modernismo não contribuiu de facto com nada de novo para a riqueza estrutural da técnica construtiva e manifestou-se sobretudo no domínio da ornamentação, com um estilo decorativo de raízes românticas que reunia diversas influências de estilos anteriores, sobretudo da arquitectura gótica e oriental. Talvez as principais inovações tenham sido as introduzidas por Gaudí, que desenvolveu um estilo orgânico inspirado na natureza, baseado na geometria regulada.
A pintura modernista desenvolveu-se em ligação com as principais correntes atuais na Europa, especialmente o impressionismo e o simbolismo. Seus introdutores foram Ramón Casas e Santiago Rusiñol, ambos com breves estadias em Paris, onde puderam acompanhar os principais acontecimentos da época. Depois de uma primeira geração de pintores, uma série de jovens artistas formou uma segunda geração, geralmente descrita como "pós-modernismo"[nota 1] na qual há nomes como Joaquín Mir, Isidro Nonell, Hermenegildo Anglada Camarasa e Francisco Gimeno, bem como a presença de um jovem Pablo Picasso, que ingressou no ambiente modernista de Barcelona por volta do ano 1900, fato que marcaria uma mudança em sua carreira e sua filiação à vanguarda arte.
A escultura foi herdeira do Romantismo, embora posteriormente tenha recebido influência do simbolismo francês, especialmente da obra de Auguste Rodin. Destacam-se os nomes de Josep Llimona, Eusebi Arnau, Miguel Blay e Enric Clarasó, que foram precedidos por uma geração pré-modernista e também sucedidos por outra pós-modernista. Além da escultura autônoma, a escultura aplicada à arquitetura teve grande relevância, dado o caráter ornamental da arquitetura modernista; A escultura funerária e comemorativa também ganhou grande popularidade.
O modernismo também se destacou no campo do design, das artes gráficas e decorativas, gerando um grande número de obras de qualidade em áreas como cartazes, impressão, ourivesaria, cerâmica, carpintaria e marcenaria, forjaria, vidraria, mosaico e outras. O modernismo procurou reunir todas as artes e ofícios numa unidade que englobasse tudo, razão pela qual tratava com igual cuidado qualquer obra artística, desde a mais pequena e modesta até à maior. Por outro lado, dada a natureza ornamental deste estilo, as artes decorativas tiveram um grande boom e receberam a mesma valorização que as artes principais.
A literatura também viveu um momento de grande esplendor, marcado pela vontade de modernização e regeneração da cultura e da linguagem, separando-se da geração anterior - do signo naturalista “Naturalismo (literatura)”) - em busca de novas formas de expressão. Como nas demais artes, foi recebida influência europeia, especialmente o simbolismo e o parnasianismo, bem como o drama realista de Ibsen e, no campo da filosofia, a obra de Nietzsche. Os principais autores foram Víctor Català, Prudenci Bertrana e Joaquim Ruyra na narrativa; Joan Maragall na poesia; e Santiago Rusiñol, Ignasi Iglesias e Adrián Gual no teatro.
A música foi herdeira do Romantismo, bem como das novas correntes que surgiram na segunda metade do século em torno do nacionalismo musical. Uma das figuras mais influentes foi Richard Wagner, cujo trabalho foi muito apreciado na Catalunha, como denota a fundação em 1901 da Associação Wagneriana de Barcelona; Da mesma forma, a ópera italiana foi muito apreciada. Os compositores mais notáveis foram Felipe Pedrell, Isaac Albéniz, Enrique Granados, Enric Morera, Amadeo Vives e Lluís Millet. O modernismo também esteve presente nos gêneros ópera, zarzuela e dança.
Por fim, vale a pena mencionar que o modernismo também se manifestou na fotografia e no cinema, embora em menor medida e mais como um período dentro da sucessão histórica destas artes na Catalunha do que como um estilo definido.
Origem
Contexto histórico
O século teve um início turbulento em Espanha como um todo, devido à Guerra de Independência com a França resultante da invasão napoleónica. Em 1812, foi promulgada a primeira Constituição espanhola,[5] o que levou à modernização das estruturas do Estado, mas as expectativas foram rapidamente frustradas com o restabelecimento do absolutismo por Fernando VII. Assim, o século foi polarizado pela luta entre partidos conservadores e liberais, ao qual se somou o surgimento do carlismo devido à disputa sucessória entre a filha de Fernando VII (Isabel II) e seu irmão, Carlos María Isidro.[6].
Em 1868 uma revolução - apelidada de Gloriosa - deu início ao chamado Sexénio Democrático (1868-1874), que conduziu ao exílio de Isabel II e ao breve reinado de Amadeo de Saboya, até à proclamação da Primeira República, também de curta duração, já que um golpe de Estado em 1874 abriu caminho à restauração monárquica, na pessoa de Afonso XII,[7] um período de estabilidade política graças à alternância de conservadores - liderados por Cánovas del Castillo - e liberais - liderados por Sagasta.[8].
O final do século foi uma época turbulenta de grande agitação social: o catalanismo surgiu como um movimento de descontentamento com a política centralista desenvolvida em Madrid, o que se reflectiu na celebração em 1880 do Primeiro Congresso Catalão, na entrega em 1885 ao rei Afonso da luta entre empregadores e sindicatos. Entre o final e o início do século, proliferaram revoltas e ataques bombistas, como o perpetrado em 1893 contra o general Martínez Campos, o do Teatro Liceo no mesmo ano ou a procissão de Corpus Christi em 1896, que causou dura repressão - conhecida como os julgamentos de Montjuic.[10].
No domínio económico, a Revolução Industrial teve uma rápida implementação na Catalunha, sendo pioneira no território nacional na implementação de procedimentos de fabrico iniciados na Grã-Bretanha no século XIX. Em 1800 existiam cento e cinquenta fábricas têxteis em Barcelona, cuja indústria teve um crescimento contínuo até à crise de 1861, motivada pela escassez de algodão devido à Guerra Civil Americana. colônias - principalmente Cuba -, as dos chamados índios.[13] Entre 1876 e 1886 houve a chamada Corrida do Ouro "Corrida do Ouro (Catalunha)"), um período de prosperidade econômica que surgiu em um clima de especulação financeira "Especulação (economia)") através de sociedades de crédito.[14] Em 1886 foi fundada a Câmara de Comércio de Barcelona, que promovia os interesses dos empresários. e industriais catalães.[15].
Na virada do século, abriu-se um novo cenário político, marcado pela perda de colônias na América e na Ásia e pela ascensão da Liga Regionalista, liderada por políticos como Francisco Cambó, Enric Prat de la Riba e o arquiteto Josep Puig i Cadafalch. (Espanha)"), devido às sucessivas derrotas do exército espanhol em Marrocos, que obrigaram o governo a recrutar novos recrutas para enviar para a frente, que eram alimentados principalmente por pessoas humildes, já que as classes favorecidas podiam comprar a dispensa por uma modesta quantia de dinheiro. Este acontecimento desencadeou uma revolta popular em Barcelona, que canalizou a raiva e a frustração da classe trabalhadora pela sua situação marginal. A revolta foi reprimida pelo exército, com um saldo de dois mil e quinhentos detidos, que foram julgados militarmente.[18].
A nível social, importa referir que no período em que se desenvolveu o modernismo surgiram inúmeras associações, empresas e entidades de relevância para a sociedade catalã, como o Centro Excursionista de Catalunya (1891), o Orfeón Catalán (1891), o Fútbol Club Barcelona (1899) e o Fundo de Pensões para Velhice e Poupança da Catalunha e Ilhas Baleares ("la Caixa", 1904).[19].
Renascimento cultural
A prosperidade económica e a força social da Catalunha no século favoreceram o ressurgimento da cultura catalã, a chamada Renaixença ("Renascimento"). Este movimento cultural desenvolveu-se aproximadamente entre 1830 e 1880, e teve como ponto de partida a Ode à Pátria de Buenaventura Carlos Aribau (1833), poema escrito em catalão que voltou a prestigiar esta língua para a literatura culta. Catalão. A literatura foi incentivada com a criação dos Jogos Florais, concurso de poesia promovido pela Câmara Municipal de Barcelona que começou a ser realizado em 1859. Novas publicações como Calendari Català, Lo Gay Saber e La Renaixensa também difundiram o movimento. Autores como Aribau, Joaquim Rubió y Ors, Víctor Balaguer, Manuel Milá e Antonio de Bofarull lançaram as bases para o ressurgimento literário catalão.[21][nota 2].
A publicação e divulgação jornalística também aumentaram, com jornais em catalão (Lo Verdader Catalá, 1843; Diari Català, 1879; La Veu de Catalunya, 1899) e espanhol (El Telégrafo, 1858; El Correo Catalán, 1876; La Publicidad "La Publicidad (Barcelona)"), 1878; O Dilúvio "O Dilúvio (jornal)"), 1879; A Vanguarda, 1881; El Noticiero Universal, 1888; Las Noticias "Las Noticias (Barcelona)"), 1896). Continuou a ser publicado o Diario de Barcelona, que, sob a direção de Juan Mañé Flaquer, foi uma das principais referências em toda a Espanha. Em 1880 nasceu La Ilustració Catalana, a primeira revista gráfica em catalão.[23].
Feira Mundial de 1888
Em 1888 realizou-se um evento que teve um grande impacto económico, social, urbano, artístico e cultural para Barcelona e todo o modernismo catalão: a Exposição Universal de Barcelona "Exposição Universal de Barcelona (1888)"). Ocorreu entre 8 de abril e 9 de dezembro de 1888 e foi realizada no parque da Cidadela, terreno antes pertencente ao Exército e conquistado para a cidade em 1868. O incentivo dos eventos de feiras levou à melhoria da infraestrutura de toda a cidade, que deu um enorme salto em direção à modernização e ao desenvolvimento. Entre outras coisas, o evento coincidiu com o início da iluminação pública com iluminação. elétrica.[25].
O evento envolveu a remodelação do parque Ciudadela, projetado por José Fontseré, além do Salón de San Juan (atual calçadão de Lluís Companys), uma longa e larga avenida que serviu de entrada à Exposição, no início da qual estava localizado o Arco do Triunfo, projetado por José Vilaseca. A Plaza de Cataluña começou a ser urbanizada, processo que culminaria em 1929 graças a outra exposição, a Internacional das Indústrias Elétricas "Exposição Internacional de Barcelona (1929)"); A Riera d'en Malla foi coberta, dando origem à Rambla de Catalunya; A Avenida Paralela começou; e o Paseo de San Juan foi estendido em direção a Gracia e a Gran Vía de las Cortes Catalanas em direção ao oeste. O Monumento a Colombo "Monumento a Colombo (Barcelona)") também foi erguido, no final da Rambla, próximo ao Porto de Barcelona. A maior parte dos edifícios e pavilhões construídos para a Exposição desapareceram após a sua conclusão, embora o Castelo dos Três Dragões e o Museu Martorell - ambos partes integrantes do Museu de Ciências Naturais de Barcelona -, a Estufa e o Umbracle tenham sobrevivido, enquanto uma parte do parque foi posteriormente ocupada pelo Zoológico de Barcelona.
modernismo internacional
Modernismo "Modernismo (arte)") foi um movimento internacional que se desenvolveu em todo o mundo ocidental, especialmente na Europa, onde recebeu vários nomes dependendo do local de origem: Art Nouveau na França, Jugendstil na Alemanha, Sezession na Áustria, Liberty na Itália ou Modern Style no Reino Unido.[28][nota 3] A consolidação do modernismo em nível internacional ocorreu com a Exposição Universal de Paris. "Exposição Universal de Paris (1900)") de 1900[30] e durou até o início da Primeira Guerra Mundial.[28].
O termo “modernismo” surgiu com o significado de “gosto pelo moderno”, dada a intenção de criar uma nova arte, de acordo com a modernidade, com o projeto económico e social iniciado com a Revolução Industrial.[31] Seu principal motor social era a burguesia, que defendia um estilo mais moderno e elegante, mas sem perder as raízes do passado, e com certo substrato latente do Romantismo, perceptível em correntes como o simbolismo e o esteticismo – a doutrina da “arte”. para arte »—.[32].
O modernismo procurou romper com os estilos do passado - especialmente os académicos -, renovando a linguagem artística e unindo todas as artes num grupo homogéneo, com uma nova visão estética original e criativa, desligada da produção industrial para mais uma vez revalorizar os ofícios artísticos tradicionais,[31] em paralelo ao fenómeno Arts and Crafts.[33] Este novo estilo representou um elo evolutivo entre a arquitectura do século, enraizada em estilos históricos, e a do novo século, mais refinada e moderna, cujo maior expressão seria racionalismo "Racionalismo (arquitetura)"). Embora teoricamente opostos ao historicismo, foram inspirados em numerosos estilos do passado, especialmente na arte medieval, celta, oriental e rococó.
No domínio da arquitectura, observam-se duas correntes fundamentais: uma de raiz mais historicista e de carácter plástico, de linhas onduladas, com uma certa tendência para a emotividade, representada pela França e pela Bélgica - que incluiria Espanha -; e outra mais severa e racional, com formas geométricas e composição planimétrica, que evoluiria para o funcionalismo "Funcionalismo (arquitetura)"), desenvolvido principalmente na Áustria e no Reino Unido.[35] A primeira teve seu epicentro na Bélgica, graças à obra de Victor Horta, principal representante da Art Nouveau. Foi um dos primeiros arquitectos a utilizar o ferro como elemento decorativo e desenhou uma série de edifícios que combinavam a funcionalidade construtiva com uma linguagem lírica, como a Tassel House em Bruxelas (1893). Outro expoente foi Henry Van de Velde. Na França, vale destacar a obra de Hector Guimard, também arquiteto e decorador, autor do Castel Béranger (1894-1898) e das estações do Metrô de Paris (1899-1900).[36] Na segunda corrente, a linha inglesa foi herdeira do movimento Arts and Crafts, influência decisiva na obra de Charles Rennie Mackintosh (Glasgow School of Art, 1898-1909). Na Áustria existiu o movimento separatista, estilo funcional que influenciaria decisivamente o racionalismo alemão. Seus principais expoentes foram Otto Wagner, Joseph Maria Olbrich e Josef Hoffmann.[37].
Apesar do seu desejo unificador, a Art Nouveau ocorreu mais - no contexto internacional - na arquitectura e nas artes gráficas e aplicadas, não tanto nas artes plásticas, onde em todo o caso os seus expoentes mais genuínos seriam artistas como Gustav Klimt, Ferdinand Hodler, Alfons Mucha, Aubrey Beardsley, Jan Toorop, os Nabis "Nabis (artistas)") ou o grupo Pont-Aven.[38] Quanto à escultura, a sua principal referência seria a sua principal referência. Auguste Rodin, assim como Constantin Meunier. Pelo seu carácter ornamental, o modernismo representou uma grande revitalização das artes decorativas, com uma nova concepção mais centrada no acto criativo e na comparação com as restantes artes plásticas, a tal ponto que os seus criadores propuseram pela primeira vez a “unidade das artes”. O design modernista propunha geralmente a revalorização das propriedades intrínsecas de cada material, com formas orgânicas inspiradas na natureza,[39] onde predominam a curva e os arabescos, o uso de flores e formas de plantas, ondas do mar e animais com formas sinuosas como borboletas, cisnes, perus e libélulas.[40] Entre seus principais arquitetos, destacou-se Émile Gallé (ceramista e vidreiro), René Lalique. (ourives), Koloman Moser (designer), Louis Majorelle (marceneiro) e Louis Comfort Tiffany (joalheiro e vidreiro).
Nas restantes artes é difícil estabelecer paralelos, uma vez que a nível europeu não existe modernismo literário ou musical. Na literatura, as principais referências contemporâneas foram o parnasianismo e o simbolismo,[30] enquanto na música, o pós-romantismo, o nacionalismo musical e o impressionismo francês.[42].
Modernismo na Espanha
O modernismo em Espanha foi, segundo Pedro Navascués, a fase final do ecletismo, com várias nuances consoante a região, pelo que, em vez de modernismo, poder-se-ia falar de "modernismos", no plural.[43] No campo da arquitetura, sua principal marca seria em relação à ornamentação, pois a nível estrutural se observam poucas diferenças com o ecletismo anterior e até se aproveitam os avanços oferecidos pela engenharia no uso do ferro e do metal. aço.[44] O modernismo foi desenvolvido por escolas locais, entre as quais se destacaram, além da catalã, a madrilena, a valenciana, a murciana, a basca, a das Canárias e a de Melilla. Em Madrid, o modernismo foi influenciado principalmente pela Art Nouveau franco-belga, com expoentes como José Grases Riera e Eduardo Reynals. em Teruel.[46] No entanto, o modernismo espanhol, caracterizado por um certo selo centrífugo, desenvolveu-se mais na periferia e nos arquipélagos Baleares e Canárias.[47].
No norte, o modernismo desenvolveu-se principalmente em ambientes industriais e turísticos. Assim, teve uma presença importante na Corunha, com autores como Julio Galán Carvajal, Antonio López Hernández "Antonio López Hernández (arquiteto)"), Pedro Mariño e Rafael González Villar; assim como em Santiago de Compostela - com Jesús López de Rego -, Ferrol (Rodolfo Ucha) e Vigo (Jenaro de la Fuente Domínguez, José Franco Montes). Saracíbar e Ramón Cortázar Urruzola.[50].
Na Comunidade Valenciana desenvolveu-se um modernismo com uma certa influência catalã, já que muitos dos seus arquitectos foram formados na Escola de Arquitectura de Barcelona, embora com traços ecléticos e regionalistas. Vale destacar o trabalho de Francisco Mora Berenguer, Carlos Carbonell, Francisco Almenar, Manuel Peris Ferrando, Vicente Ferrer Pérez, Demetrio Ribes e Francisco Javier Goerlich. Além da cidade de Valência, tiveram expoentes notáveis em Novelda - com José Sala - e Alcoy, onde trabalharam Timoteo Briet Montaud e Vicente Pascual Pastor.[51] Em Múrcia, o principal núcleo modernista estava em Cartagena "Cartagena (Espanha)"), onde se destaca a obra de Víctor Beltrí.[52] Nas Ilhas Baleares seria oportuno destacar Gaspar Bennazar e Francisco Roca. Simó.[53].
Na Andaluzia encontramos alguns expoentes modernistas em Sevilha, na obra de arquitectos como Aníbal González e José Espiau; e, em menor escala, em Córdoba "Córdoba (Espanha)"), Almería, Málaga, Huelva, Cádiz e Jerez. Uma notável escola modernista surgiu em Melilla, liderada por Enrique Nieto, arquiteto catalão nomeado arquiteto municipal daquela cidade, onde desenvolveu uma obra que lembra em grande parte o modernismo da sua terra natal.[54] Nas Ilhas Canárias, o principal centro modernista foi Santa Cruz de Tenerife, onde trabalharam Antonio Pintor e Mariano Estanga.[55].
No campo da pintura não encontramos um estilo semelhante ao desenvolvido na Catalunha. Por um lado, o academicismo e a pintura naturalista sobrevivem, enquanto por outro lado, novas tendências da Europa estão sendo introduzidas, especialmente o impressionismo e o simbolismo, com expoentes como Aureliano de Beruete, Darío de Regoyos - que frequentou o círculo modernista de Barcelona de Els Quatre Gats e se estabeleceu em Barcelona em 1910 -, Ignacio Zuloaga e Julio Romero de Torres.[56] Em Valência, surgiu uma escola luminista cujo principal representante foi Joaquín Sorolla, embora também valha a pena destacar a obra de Ignacio Pinazo.[57].
Quanto à escultura, proliferou especialmente em relação aos monumentos funerários e comemorativos, bem como à escultura autônoma e aplicada à arquitetura. Vale destacar o valenciano Mariano Benlliure, prolífico escultor que demonstrou especial predileção pelas touradas e pelos temas animais. Miguel Ángel Trilles foi o autor de várias figuras do Monumento a Alfonso XII "Monumento a Alfonso XII (Madrid)"). Francisco Durrio e Nemesio Mogrobejo trabalharam em Bilbao.[59].
Na literatura, existia nesta época um movimento denominado modernismo, embora sem ligação com a literatura catalã contemporânea. Percebem-se duas linhas fundamentais: a primeira, em contraste com o realismo anterior, centra-se no esteticismo, na procura da beleza, bem como no raro, no exótico, no boémio, com uma componente inconformista, desafiando a realidade envolvente; A segunda, porém, dedica-se a estudar as causas do declínio, a aprofundar os problemas de Espanha, enraizando-se assim no realismo anterior, mas com vontade de renovação. Com o tempo, o primeiro seria chamado de modernismo propriamente dito, enquanto o segundo seria conhecido como a Geração de 98.[60] A linha modernista desenvolveu-se especialmente na poesia, onde se denota a influência do simbolismo e do parnasianismo francês, bem como de Edgar Allan Poe, Oscar Wilde e Walt Whitman, com representantes como Salvador Rueda, Francisco Villaespesa e Eduardo Marquina, bem como os trabalhos iniciais de Antonio e Manuel Machado, Ramón María del Valle-Inclán e Juan Ramón Jiménez.[61].
A música estava ligada ao nacionalismo musical, do qual foram expoentes vários músicos catalães, como Felipe Pedrell, Isaac Albéniz e Enrique Granados, junto com os quais vale destacar Manuel de Falla, Ruperto Chapí, Tomás Bretón, Joaquín Rodrigo e Joaquín Turina. Falla, um dos melhores compositores espanhóis modernos, combinou o nacionalismo musical - com alguma influência do norueguês Edvard Grieg - com o impressionismo, que encontrou durante uma estadia na França.
Características gerais
O modernismo não é um conceito unívoco. Os especialistas não concordam sobre qual é o elo comum dos chamados artistas modernistas: poderia ser um estilo, ou uma atitude, ou talvez uma época. O problema de atribuir a arte modernista a um estilo é o de reunir obras de artistas muito diferentes, por vezes até opostos, embora se perceba uma certa homogeneidade no desejo de renovação, no conceito de uma arte “moderna” que supera a tradição. É por isso que falamos de “atitude”, da vontade de superar as normas do passado e entrar na modernidade. Finalmente, há uma sensação de tempo, de transição entre dois séculos que deve implicar uma evolução da arte, sem romper com a arte do passado, mas criando algo novo, uma nova arte ao serviço de uma nova sociedade.[64].
O termo "modernismo" (em catalão: modernisme) vem da palavra "moderno", do latim modernus ("recentemente", em referência ao tempo presente e em contraste com o passado, o "velho").[65] A exigência do presente implica também o futuro por vir e está associada a conceitos como o “novo” ou o “jovem”, bem como, num sentido mais amplo e quase metafórico, “liberdade”. cultivo em nosso país de literatura, ciência e arte essencialmente modernistas [sublinhados no original], único meio que, em consciência, acredita poder nos fazer cuidar e nos deixar viver uma vida esplêndida "[67] Note-se que o termo modernismo em relação à arte catalã refere-se apenas à produção artística e ao ambiente cultural do Principado nestes anos e não pode ser extrapolado para outros períodos ou regiões. Assim, não deve ser confundido com outros "modernismos": o modernismo literário espanhol "Modernismo (literatura em espanhol)") que, embora quase contemporâneo, assenta em bases e princípios técnicos e estilísticos bem diferenciados do modernismo catalão; modernismo teológico, uma doutrina que defendia a integração da religião com a ciência e a filosofia modernas; ou o termo inglês modernismo "Modernismo (movimento filosófico e cultural)"), aludindo a uma tendência filosófica e cultural que defende o progresso da arte e da cultura de acordo com a nova era industrial.[68].
É difícil estabelecer datas precisas para enquadrar cronologicamente este movimento. Alguns especialistas situam o seu ponto de partida na Exposição Universal de Barcelona "Exposição Universal de Barcelona (1888)") de 1888,[69] outros no ano do início dos Festivais Modernistas patrocinados por Santiago Rusiñol em Sitges (1892).[70] Quanto ao seu final, a Semana Trágica "Semana Trágica (Espanha)") de 1909 costuma ser estabelecida como um ponto de inflexão, ou seja, o surgimento do Noucentisme - estilo herdado do modernismo - em 1911. Segundo Josep Francesc Ràfols, o modernismo catalão se situaria entre a exposição de Ramón Casas, Santiago Rusiñol e Enric Clarasó realizada em 1890 e a morte de Isidro Nonell em 1911, na área artística; da bomba do Liceo (1893) à Semana Trágica (1909) na esfera política; e entre a Exposição Universal de 1888 e a fundação do Instituto de Estudos Catalães em 1907, a nível social.[71] Ainda assim, alguns especialistas como Mireia Freixa falam de um “protomodernismo” que remonta a 1876 – coincidindo com a fundação da Escola de Arquitectura de Barcelona – ou de uma duração do modernismo até 1917, coexistindo com o primeiro Noucentisme, embora isto fosse mais evidente no campo da arquitectura, enquanto as artes plásticas e a literatura já teriam sido superadas em 1905.[72] Por outro lado, no domínio da arquitectura, Pedro Navascués fala de um “pré-modernismo” para obras anteriores a 1900, enquanto situa entre 1900 e 1914 o período mais decisivo da arquitectura modernista na Catalunha, que acabaria por durar até aos anos 1920.[73] Juan Bassegoda fala também de um pré-modernismo, ao mesmo tempo que situa a plenitude do modernismo entre 1893 e 1910, a que se seguiria um período de abandono progressivo do estilo - fala de um segundo e mesmo de um terceiro modernismo (ou fase "maneirista"). Por sua vez, Alexandre Cirici situa o nascimento do modernismo entre 1880 e 1885, anos em que foram construídos cinco edifícios emblemáticos: a casa Vicens de Antoni Gaudí, a Editorial Montaner y Simón de Lluís Domènech i Montaner, a Academia de Ciências de José Doménech Estapá, as Indústrias de Arte Francesc Vidal de José Vilaseca e o Museu Biblioteca Víctor Balaguer de Jeroni Granell i Mundet (em Villanueva i Geltrú).[75] Oriol Bohigas situa o fim da arquitetura modernista em 1926, data da morte de Gaudí.[76] Finalmente, George Collins situa-o entre 1870 e 1930, embora num quadro mais amplo do que chama de Movimento Catalão.[76] Porém, já em 1912, Lluís Masriera, no seu discurso de entrada na Real Academia de Belas Artes de São Jorge, dizia que “a arte moderna, que foi baptizada com o nome de Modernismo, está em pleno declínio ou, como se costuma dizer, saiu de moda.
O modernismo catalão foi um movimento heterogéneo, com vontade de inovação e de criação original, que procurou reunir todas as artes num instrumento ao serviço de uma sociedade nova, moderna e cosmopolita, ligada às novas correntes europeias.[70] A partir do renascimento cultural iniciado pela Renaixença, procuraram criar um estilo nacional, mas moderno, vanguardista, com espírito de progresso e otimismo positivista.[78] Assim, a reivindicação da sua própria identidade fará com que o modernismo catalão incorpore no seu património artístico estilos do passado como o gótico e o barroco, rejeitados, no entanto, pela Art Nouveau europeia no seu desejo de deixar o passado para trás. Em 1902, o crítico Raimon Casellas ainda defendia o gótico como principal referência da arquitetura catalã na revista *Hispania "Hispania (Barcelona)").[79].
Pode-se dizer que o elo comum dentro do modernismo catalão é o desejo regenerativo e a visão cosmopolita da arte e da cultura, mas além disso não há unidade estilística, mas dentro do movimento modernista percebem-se diversas linguagens, sem regulamentações, sem homogeneidade, simplesmente descrevendo como modernista o trabalho desenvolvido pelos artistas, músicos e escritores que trabalham na Catalunha durante a transição dos séculos -. Em qualquer caso, o ponto de partida é o desejo de regeneração, modernização e internacionalização da arte e da cultura catalã, em oposição a estilos anteriores como o naturalismo "Naturalismo (arte)") e a arte académica - ou como o costumbrismo e o anedótico no panorama artístico do resto de Espanha -, ao mesmo tempo que revaloriza o passado considerado mais esplêndido pela historiografia catalã, aquele correspondente à Idade Média. Portanto, em contraste com a Art Nouveau internacional, que rejeitou o historicismo, o modernismo catalão combina a modernidade com a evocação do passado, sempre em linhas neomedievalistas.[72] A criação de um estilo considerado nacional, que baseado na tradição adotou as formas modernas desenvolvidas na Europa, é captada nestas palavras de Josep Puig i Cadafalch expressas em 1902: «conseguimos juntos uma arte moderna, a partir da nossa arte tradicional, adornando-a com belos novos materiais, adaptando o espírito nacional às necessidades do dia.
O principal promotor deste movimento, especialmente no campo arquitectónico, foi a burguesia, um grupo de empresários, banqueiros, fabricantes, investidores e nobres de um novo tipo - bem como os indianos, os homens que enriqueceram na América e que transferiram a sua fortuna de volta para a Catalunha - que promoveram o novo estilo como uma marca distintiva. A maioria dos mecenas dos artistas modernistas provinha deste estrato social, apoiados pelo boom económico vivido naqueles anos. Entre estes burgueses, surgiu o costume de construir casas no novo Barcelona Eixample, que concorriam pelo seu design e ostentação, com os quais demonstravam a sua distinção. Surgiu assim um mecenato decisivo para as obras da cidade, como o exercido pelo conde Eusebio Güell a Gaudí, ou o empresário Antonio López y López (Marquês de Comillas), o livreiro José María Bocabella, o industrial Josep Batlló, o empresário Pedro Milá, o fabricante têxtil Avelino Trinxet Pujol, o barão Manuel de Quadras, o industrial têxtil Josep Freixa, o chocolateiro o industrial Antoni Amatller, o industrial farmacêutico Salvador Andreu, o editor Ramón de Montaner Vila, o empresário de vinhos Manuel Raventós (da cava Codorníu), o banqueiro Ruperto Garriga-Nogués, o médico Alberto Ele leu Morera e um longo etc.
Um dos maiores promotores e teóricos do modernismo catalão foi Santiago Rusiñol, promotor dos Festivais Modernistas que se realizavam anualmente em Sitges, frequentados por escritores e artistas com interesses culturais e estéticos semelhantes. foi realizada em agosto de 1892, por ocasião de uma exposição com obras de Rusiñol, Ramón Casas, Eliseo Meifrén, Joaquim de Miró, Arcadio Mas e Juan Roig y Soler. A segunda ocorreu em setembro do ano seguinte, com concerto de Enric Morera e estreia no Teatro Prado da ópera La intrusa, obra de Maurice Maeterlinck traduzida para o catalão por Pompeu Fabra. A terceira ocorreu em novembro de 1894, com diversos eventos, entre os quais se destacou uma procissão realizada entre a estação ferroviária de Sitges e o Cau Ferrat - casa de Rusiñol - com duas obras de El Greco adquiridas por Rusiñol em Paris: As Lágrimas de São Pedro "As Lágrimas de São Pedro (El Greco e sua oficina)") e Santa Madalena Penitente "Magdalena Penitente (El Greco, Sitges)"). Nesta ocasião, Rusiñol proferiu um discurso no qual defendia um “modernismo sem dogmas escolásticos ou doutrinários, nem regras nem exceções, nem regulamentos nem estatutos, nem mandatos imperativos”. A quarta ocorreu em fevereiro de 1897, com a estreia da ópera La fada de Enric Morera no Teatro Prado. A quinta e última ocorreu em 1899, com a apresentação de diversas peças de Ignasi Iglesias (Lladres e La Reina del Cor) e um texto do próprio Rusiñol, L'alegria que passa, além de um concerto para piano de Joaquín Nin.[84].
Por outro lado, o café-restaurante Els Quatre Gats pode ser considerado um dos centros nevrálgicos do modernismo, ponto de encontro de boa parte do grupo modernista, localizado na Casa Martí, edifício neogótico desenhado por Josep Puig i Cadafalch, na rua Montsió, no bairro gótico de Barcelona. Foi fundada em 1897 por Ramón Casas, Santiago Rusiñol, Miquel Utrillo e Pere Romeu – que dirigiam o negócio – e durou até 1903, ano em que fechou as portas. Aqui se formou um encontro, do qual participaram artistas e escritores como Isidro Nonell, Joaquín Mir, Ramón Pichot, Ricard Canals, Hermenegildo Anglada Camarasa, Jaime Sabartés, Ricardo Opisso, Joaquín Torres García, Pompeyo Gener, Joan Maragall, Amadeo Vives, Isaac Albéniz, Pablo Gargallo e Manolo Hugué, além de um jovem Pablo Picasso, radicado na cidade. Condal em 1895. Além desses encontros, no local foram realizados concertos, exposições, recitais de poesia, apresentações de marionetes e jogos de sombras. Por outro lado, foi publicada uma revista intitulada Els Quatre Gats, dirigida por Pere Romeu, que saiu entre fevereiro e maio de 1899, com um total de quinze números.[86].
Outro centro impulsionador do movimento foi o Círculo Artístico de San Lucas, fundado em 1893.[87] Ligado em grande parte ao catolicismo, seu maior teórico foi José Torras y Bages, bispo de Vic e figura representativa do catalanismo conservador, do qual também participou Antoni Gaudí, grande amigo de Torras. O Círculo opôs-se aos valores da burguesia, mas também à boémia, ao materialismo e ao esteticismo e, em vez disso, defendeu a espiritualidade e a tradição, o sindicalismo e o trabalho artesanal, com a influência dos Pré-Rafaelitas, dos Nazarenos "Nazarenos (arte)") e das Artes e Ofícios.[88].
Por outro lado, a revista L'Avenç foi a porta-voz do movimento, publicada entre 1881-1884 e 1889-1893. Fundada por Jaume Massó, seguiu uma linha moderna, progressista e catalã, com o desejo de homologar e uniformizar a língua catalã, da qual queriam despojar-se de elementos arcaizantes. Nesta revista forjou-se o nome “modernismo”, inicialmente aplicado à atitude renovadora da elite intelectual catalã e que, em breve, deixaria de ser uma palavra genérica para se tornar específica, que já designaria o novo estilo desenvolvido no Principado. Esta mudança, segundo Francesc Fontbona, ocorreria no momento em que o modernismo catalão se conectou com o simbolismo, o novo estilo europeu do final do século, em que a arte está imersa na espiritualidade, no esteticismo, no que poderia ser definido como uma “religião da arte”. O artista torna-se o sacerdote desta nova religião, que cultua a beleza e o requinte, em oposição ao materialismo da era industrial. Dentro da revista, um de seus maiores teóricos foi Raimon Casellas.[89] Outra revista que serviu como divulgadora da nova arte foi Pèl & Ploma, publicada entre 1899 e 1903, anos em que publicaram cerca de cem números. Foi financiado por Ramón Casas e seu principal editor foi Miquel Utrillo. Seguiu-se Forma, entre 1904 e 1908, também dirigido por Utrillo.[90] Além de Casellas e Utrillo, outros críticos de arte da era modernista foram: Alfredo Opisso, Manuel Rodríguez Codolá, Bonaventura Bassegoda i Amigó, Francesc Casanovas, Juan Brull, José María Jordá, Sebastià Junyent, Frederic Pujulà, Miguel Sarmiento e Eugenio d'Ors.[91].
Em termos de ensino, o maior centro impulsionador da arte modernista foi a Escuela de la Lonja, patrocinada pela Junta Comercial de Barcelona.[92] Quanto à exposição de obras, vale destacar a Sala Parés, fundada em 1840 por Joan Baptista Parés e que logo se tornou a galeria de arte mais ativa do Principado.[93] De fato, um dos pontos de partida do novo movimento, além da Exposição Universal de 1888, foi a exposição realizada. em 1890 na Sala Parés de Ramón Casas, Santiago Rusiñol e Enric Clarasó. Todos estes artistas passaram uma temporada em Paris e foram contagiados pela sua atmosfera boémia, bem como pelo trabalho de artistas como Gustave Moreau ou Pierre Puvis de Chavannes, bem como pelo pré-rafaeliteismo inglês ou mesmo pela xilogravura japonesa. A exposição representou uma forte reviravolta no cenário artístico catalão pela modernidade e expressividade das obras, que ofereciam uma visão matizada da realidade, subjetiva e estetizada, interpretada pelo artista segundo a sua interioridade com expressão de sentimento, uma visão muito distante do naturalismo vigente até então.[94].
Outro motor do novo estilo foram as exposições oficiais: em 1890, foi criada pela Câmara Municipal de Barcelona a Comissão para a Conservação dos Edifícios do Parque e a Criação e Promoção dos Museus Municipais, com o objetivo de preservar a infraestrutura criada para a Exposição Universal de 1888. Uma das iniciativas da referida comissão foi a realização de exposições artísticas com o objetivo de adquirir obras para os museus da cidade. Assim, em 1891 realizou-se a I Exposição Geral de Belas Artes, com secções de arquitectura, escultura, pintura, desenho e artes gráficas. Na Segunda Exposição (1894) foram acrescentadas seções de gravura, cenografia e pintura decorativa. Paralelamente, realizou-se em 1892 a Primeira Exposição Nacional das Indústrias Artísticas, com secções de metal, cerâmica e vidro, marcenaria e tecidos. Em 1896 os dois fundiram-se e realizou-se a Terceira Exposição de Belas Artes e Indústrias Artísticas, fórmula que se consolidou nos seguintes concursos: o IV em 1898, o V em 1907 - doravante denominado Exposição Internacional - e o VI em 1911.[95].
É digno de nota a importância que a ilha de Maiorca teve no modernismo catalão, especialmente para os pintores paisagistas. A ilha Balear combinou uma paisagem ainda pura com todas as comodidades do progresso em termos de alojamento e transporte. Para os catalães era um local habitual de descanso e fuga do mundo urbano. Assim, artistas como Santiago Rusiñol, Eliseo Meifrén, Joaquín Mir, Hermenegildo Anglada Camarasa, Alexandre de Riquer, Sebastià Junyer, Mariano Pidelaserra, Eveli Torent e Félix Mestres passaram longas estadias na ilha. Ao mesmo tempo, os meios de comunicação maiorquinos - como o jornal La Almudaina - ecoaram os desenvolvimentos artísticos do Principado, que também tiveram impacto nos artistas maiorquinos.[96].
O noucentismo substituiu o modernismo por volta de 1910, movimento classicista e mediterrâneo promovido pelo escritor Eugenio d'Ors, oposto a tudo que considerava os excessos ornamentais do modernismo, contra o que defendia a pureza das linhas clássicas, despojadas de subterfúgios, linhas simples e sóbrias. Alguns artistas modernistas, especialmente os mais jovens, aderiram ao novo movimento, como Isidro Nonell, Joaquín Mir, Ricard Canals, Pablo Gargallo ou Pablo Picasso; ou, entre os arquitetos, Enric Sagnier, Josep Maria Pericas, Arnau Calvet, Ignasi Mas, Josep Domènech i Mansana, bem como alguns discípulos de Gaudí, como Juan Rubió ou Cèsar Martinell.[97] Os noucentistas opuseram-se tão furiosamente aos modernistas que em alguns casos chegaram a destruir as suas obras, como as esculturas de Eusebi Arnau que decoravam o piso térreo da casa. Lleó Morera - obra de Lluís Domènech i Montaner -, removido na reforma dirigida por Raimundo Durán Reynals em 1943, que foram destruídos a golpes de martelo.[98] Na década de 1920 alguns arquitetos chegaram a solicitar a demolição do Palácio da Música Catalã.[99] Um bom exemplo são também as lojas modernistas: em sua época, lojas e casas foram criadas com igual profusão no novo estilo - tanto bares como restaurantes, bem como lojas, farmácias, padarias e todo o tipo de estabelecimentos - mas a maioria desapareceu com o tempo: na década de 1960 eram cerca de oitocentos - segundo estimativa do arquitecto David Mackay - até serem actualmente reduzidos a cerca de cinquenta. Entre os que desapareceram, alguns são tão emblemáticos como o Bar Torino, desenhado por Gaudí em conjunto com Pedro Falqués e Josep Puig i Cadafalch.[100].
A queda do modernismo durou várias décadas, até que na década de 1960 foi justificada por uma nova geração de arquitetos, críticos e especialistas, como Oriol Bohigas —autor em 1968 da obra Arquitetura Modernista—, que viu nele um movimento genuinamente catalão com virtudes inegáveis, tanto artísticas como teóricas.[101] Na verdade, anos e até décadas antes, algumas vozes já tinham surgido em defesa do modernismo. Catalão, talvez o primeiro de Salvador Dalí, autor em 1932 de um artigo na revista Minotaure intitulado De la Beauté térrifiant et edible de l'Arquitecture Nouveau Style. Em 1936, Nikolaus Pevsner citou brevemente Gaudí em sua obra Pioneiros do design moderno, de William Morris a Walter Gropius, em cuja segunda edição, já em 1957, lamentou não tê-lo tratado de forma mais extensa, pois o considerava "o arquiteto mais significativo da Art Nouveau". Posteriormente, obras como Modernismo e modernistas, de Josep Francesc Ràfols (1949); Arte modernista catalã, de Alexandre Cirici (1951); Art Nouveau, de Stephan Tschudi-Madsen (1956); Arquitetura, séculos e, de Henry-Russell Hitchcock (1958); Art Nouveau-Jugendstil, de Robert Schutzler (1962); O primeiro modernismo catalão e seus fundamentos ideológicos, de Eduardo Valentí (1973); Aspectos do modernismo, de Joan Lluís Marfany (1975); e A crise do modernismo artístico, de Francesc Fontbona (1975), para citar alguns – além dos já mencionados Bohigas – [102].
Na mesma medida, diversas exposições realizadas desde a década de 1960 revalorizaram o movimento, como Art Nouveau-Arte e Design na Virada do Século, realizada em 1960 no MoMA de Nova York; Artes suntuárias no modernismo de Barcelona, no Palacio de la Virreina em Barcelona (1964); e Modernismo na Espanha, no Casón del Buen Retiro em Madrid (1969).[103].
Arquitetura
Contenido
La arquitectura modernista se desarrolló en diversas fases: el primer modernismo, desarrollado en los años 1890, era todavía un estilo no especialmente definido, cuyo principal componente era un goticismo abarrocado desligado ya del historicismo, con pervivencia de ciertos rasgos clasicistas y medievalistas, practicado principalmente por Lluís Domènech i Montaner, Josep Puig i Cadafalch y Antoni Maria Gallissà.[104] En estos primeros años había un cierto sentimiento de indefinición, como se muestra en la obra Arquitectura moderna de Barcelona (1897), de Francesc Rogent, donde defiende la utilización del «estilo neogreco» para edificios públicos, «neogótico» para edificios particulares y «neorrománico» para iglesias.[105] Al mismo tiempo, se seguía practicando una arquitectura academicista ajena a las innovaciones modernistas, como se ve en la obra de arquitectos como Salvador Viñals, Cayetano Buigas, Joan Baptista Pons i Trabal o Francisco de Paula del Villar y Carmona.[106].
Con el cambio de siglo, el modernismo evolucionó hacia un cierto formalismo estilístico de influencia secesionista, practicado por una segunda generación de arquitectos como Josep Maria Jujol, Manuel Raspall, Josep Maria Pericas, Eduard Maria Balcells, Salvador Valeri, Alexandre Soler, Antoni de Falguera, Bernardí Martorell y otros.[107] Estos arquitectos planteaban la arquitectura como soporte de una exultante ornamentación, entrando en una fase manierista del modernismo.[108] Por otro lado, continuaron las tendencias neogóticas y del eclecticismo clasicista, practicadas principalmente por Enric Sagnier, José Doménech Estapá, Manuel Comas i Thos, Augusto Font Carreras o Joan Josep Hervàs.[109] Según Juan Bassegoda, esta fase manierista tuvo tres corrientes principales: la vinculada a la Escuela de Arquitectura de Barcelona, es decir, los discípulos de Domènech, Vilaseca, Font Carreras y Gallissà; los discípulos de Gaudí; y los influidos por la arquitectura europea, principalmente francesa, inglesa y austríaca. Pese a todo, no se trataría de líneas rígidas y alguno de ellos se podría encontrar en varias corrientes a la vez.[110].
El epicentro de la arquitectura modernista catalana se produjo en Barcelona y algunas ciudades del entorno, en menor medida en las otras provincias catalanas. Entre otras razones, conviene recordar la presencia en esta ciudad de la Escuela de Arquitectura, donde se formaron la mayoría de arquitectos modernistas.[111] Esta institución supuso la instauración en la Ciudad Condal de una «escuela» —en su sentido artístico— con unos parámetros comunes a toda una serie de arquitectos, que vino a sustituir a una generación anterior que debía contentarse con el título de maestro de obras o bien formarse en arquitectura en Madrid.[112] Por otro lado, un factor determinante del desarrollo del nuevo estilo fue el Ensanche de Barcelona, trazado por Ildefonso Cerdá en 1859, que favoreció enormemente la labor edilicia de la ciudad, al facilitar unos terrenos donde construir desde cero.[113] Pese a todo, así como los diversos modernismos regionales surgidos en España fueron esencialmente inconexos entre sí, en el seno del modernismo catalán es difícil encontrar un nexo común a todos los arquitectos, que mayormente desarrollaron un estilo propio y personal.[nota 4].
Las raíces del modernismo arquitectónico se encuentran en el Romanticismo, ya que, más allá de su estructura funcional, la relevancia otorgada al diseño y la ornamentación, el carácter suntuoso de su decoración y la consideración de obra de arte total se enmarcan en las corrientes románticas que surgieron a comienzos del siglo , alejadas del academicismo clasicista o del formalismo ecléctico.[114] Así, en el modernismo influyeron poderosamente movimientos como el neogótico —especialmente gracias a la aportación teórica de Viollet-le-Duc—, así como el exotismo, la inspiración en culturas lejanas, especialmente de Oriente, con preferencia en España, dado su pasado andalusí, del neomudéjar.[115].
Cabe señalar que la arquitectura modernista no comportó nada nuevo a nivel estructural, ninguna solución constructiva original, de hecho sus plantas y secciones son indistinguibles de cualquier edificio anterior. Su novedad revistió en el exterior, la fachada, así como en la decoración interior, en el uso de las artes aplicadas para elaborar un producto unitario, una obra de arte total. En ese terreno, su principal fuente de inspiración fue la naturaleza, aunque una naturaleza idealizada y magnificada.[116].
La arquitectura modernista catalana es difícilmente equiparable a la europea —ya sea francobelga o austríaca—, ya que no presenta rasgos estilísticos comunes y es esencialmente una aportación original. De ello eran conscientes los propios arquitectos, como se denota en estas palabras de Josep Puig i Cadafalch: «entre todos hemos construido un arte moderno, a partir de nuestro arte tradicional, adornándolo con bellas materias nuevas, adaptando el espíritu nacional a las necesidades del día».[117].
En 1997 se creó la Ruta del Modernismo en Barcelona, gracias a una iniciativa del Ayuntamiento de esta ciudad, que incluye los edificios más emblemáticos construidos en este estilo, en total unas 120 obras.[118] Para señalizar la ruta, se colocaron en el pavimento en varios puntos de la ciudad unas baldosas de color rojo con la flor de Barcelona, un diseño de baldosa de Josep Puig i Cadafalch para la casa Amatller que posteriormente fue utilizado en numerosas calles de la ciudad y se ha convertido en un símbolo de la Ciudad Condal.[119].
Pré-modernismo
Alguns arquitectos evoluíram do historicismo para o modernismo, com graus variados de assimilação do novo estilo, embora em termos gerais continuasse a ser evidente nas suas obras uma certa continuidade com as formas anteriores. Como se viu, o novo estilo teve a sua razão de ser na decoração, mas não trouxe nada de novo a nível estrutural, razão pela qual muitos arquitectos da geração anterior ao modernista puderam aventurar-se na nova estética sem abandonar excessivamente o seu método construtivo já consolidado ao longo dos anos. De facto, numerosos arquitectos seguiram uma trajectória mais pessoal do que estilística, razão pela qual é difícil atribuir o rótulo de modernista a este ou aquele arquitecto e, muitas vezes, isso é feito simplesmente porque coincidem no tempo. e lugar. Gaudí, por exemplo, começou com um certo historicismo para evoluir para um estilo particular e único, um estilo inspirado na natureza - portanto organicista - dificilmente comparável a qualquer outro arquiteto. Outro caso é o de José Doménech Estapá, um arquitecto de linha clássica e solene que foi até bastante belicoso contra o modernismo, mas cuja obra se insere neste período.[122].
Na época da gestação do modernismo, apreciaram-se várias correntes: uma liderada por José Vilaseca, com influência da arquitetura alemã, de linhas mais sóbrias e regulares, em cuja esteira se podiam colocar Lluís Domènech i Montaner, Josep Font i Gumà e Antoni Maria Gallissà; outro estrelado por Joan Martorell, enquadrado num neogótico com raízes violetas para as obras religiosas e num classicismo de influência francesa para as obras civis, que seguiriam Gaudí, Cristóbal Cascante e Camilo Oliveras; Casa Pia Batlló (1891-1896), casa Enric Batlló (1892-1896), casa Àngel Batlló (1893-1896), casas Cabot (1901-1905), casa Dolors Calm (1903) e casa Comas d'Argemir (1903-1904), em Barcelona. Foi o autor do Arco do Triunfo de Barcelona, construído para a Exposição Universal de 1888.[125] Joan Martorell foi um arquitecto historicista, com preferência pelo medievalismo, que no entanto introduziu a decoração modernista em algumas das suas obras. Entre as suas realizações destacam-se a igreja das Salesas "Igreja e convento das Salesas (Barcelona)") (1885), a Sociedade de Crédito Mercantil (1896-1900) e o palácio Güell em Pedralbes em Barcelona, bem como o palácio Sobrellano em Comillas (Cantábria) "Comillas (Cantabria)"). Foi mentor de Gaudí, a quem recomendou para o templo da Sagrada Família.[126] Augusto Font Carreras foi discípulo de Elías Rogent e desenvolveu um estilo eclético inspirado no neogótico e no neoárabe; Entre as suas obras destacam-se: o palácio Les Heures (1894-1898), a praça de touros Las Arenas (1902), a sede da Caixa Económica de Barcelona na Plaza de San Jaime (1903) e a igreja Casa de la Caridad (1912).[127].
Também vale a pena mencionar outros arquitetos que coincidiram em sua fase intermediária ou final com o surgimento do modernismo: José Doménech Estapá capturou em suas obras um pré-modernismo de natureza pessoal, eclética, funcional e grandiloquente.[128] Foi autor da Prisão Modelo de Barcelona (com Salvador Viñals, 1887-1904), do Palácio Montaner (atual Delegação do Governo na Catalunha, 1889-1893, concluída por Antoni Maria Gallissà e Lluís Domènech i Montaner), do edifício Catalana de Gas (1895-1896), do Asilo Santa Lucía (mais tarde Museu da Ciência, 1904-1909), o Observatório Fabra (1904-1906), o Hospital Clínico (1904), a igreja-convento de Nossa Senhora del Carmen (1909-1921) e a Estação Magoria (1912).[129] Pedro Falqués foi arquiteto municipal de Barcelona, pelo qual participou em inúmeras melhorias urbanas na cidade; Foi o autor do mercado Clot (1889), da fonte Canaletas (1892), da Câmara Municipal de Ensanche (1893), da Central de Electricidade Catalã (1896-1897), dos bancos-postes do Paseo de Gracia (1900), da casa Laribal (1902), da casa Bonaventura Ferrer (1905-1906) e do mercado Sants. (1913).[130] Antonio Rovira y Trías foi o arquitecto municipal de Barcelona, vencedor do concurso convocado pela Câmara Municipal para a nova expansão da cidade, embora finalmente o Ministério das Obras Públicas tenha imposto o projecto de Ildefonso Cerdá. Para a Exposição Universal de 1888 construiu o Museu Martorell. Foi autor de vários mercados municipais, como Hostafrancs (1888), onde mostrou um modernismo incipiente. Emilio Sala Cortés foi igualmente historicista com a introdução de alguns elementos ornamentais modernistas, especialmente nas múltiplas vilas de verão que construiu para a burguesia. Suas obras incluem: a casa Emilia Carles em Barcelona (1892), o palácio Tolrà em Castellar del Vallés (1890), a casa Rocafort em La Garriga (1910) e as Escolas Ribas em Rubí (1916). Foi também o autor do edifício nº 43 do Paseo de Gracia, que posteriormente foi reformado por Gaudí e convertido na Casa Batlló. Cayetano Buigas foi arquiteto-chefe da Exposição Universal de 1888, para a qual também projetou o Monumento a Colombo "Monumento a Colombo (Barcelona)"), com escultura de Rafael Atché. Enquadrou-se no ecletismo, com alguma influência modernista, como se viu nas Termas Catalán de Vichy, nas Caldas de Malavella (1898-1904). Em Sitges foi autor do Mercado Municipal (1889) e da casa Bonaventura Blai (1900).[133].
Lluís Domènech e Montaner
Lluís Domènech i Montaner criou uma mistura de racionalismo construtivo e decoração fabulosa com a influência da arquitetura hispano-islâmica.[134] Foi o criador do que chamou de “arquitetura nacional”,[nota 5] um estilo eclético baseado em novas técnicas e materiais, com um desejo moderno e internacional. Para isso, inspirou-se em arquitetos como Eugène Viollet-le-Duc, Karl Friedrich Schinkel e Gottfried Semper.[136] Na sua obra procurou a unidade construtiva e estética, com abordagens claras e ordenadas, através de um sistema racional que assumia a decoratividade como parte essencial da obra.[137] Foi professor na Escola de Arquitetura de Barcelona desde a sua fundação em 1875 e, de 1900 a 1920, seu diretor. Foi também presidente do Ateneo Barcelonés, jornalista - diretor do jornal El Poble Català -, heraldista e político, sendo presidente da Lliga de Catalunya e da União Catalã, além de deputado em Madrid em 1904.[135].
As suas obras mais relevantes foram o Hospital de la Santa Cruz y San Pablo (1902-1913, concluído pelo seu filho Pere Domènech i Roura) e o Palácio da Música Catalã (1905-1908), ambos declarados Património Mundial pela UNESCO em 1997. O primeiro é um vasto complexo hospitalar herdado do antigo Hospital de la Santa Cruz, que ocupa nove quarteirões de Ensanche, com um conjunto de quarenta e seis pavilhões. dispostos em paralelo e diagonal de acordo com a distribuição na sala para ter a orientação solar ideal. São pavilhões autónomos separados por espaços intersticiais, embora ligados por galerias subterrâneas, das quais se destacam o pavilhão da administração, a sala de assembleias, a biblioteca, a secretaria, a igreja e a sala de convalescentes.[138] Nesta obra, as artes aplicadas assumem especial relevância, como a escultura – com obras de Eusebi Arnau e Pablo Gargallo –, o mosaico, os azulejos e os vitrais.[139].
O Palácio da Música Catalã é um edifício articulado em torno do grande salão central, de formato oval e com capacidade para dois mil espectadores. No seu interior possui três corpos, a entrada, o auditório e o palco, com uma luxuosa decoração com revestimentos cerâmicos e uma grande claraboia central que cobre a sala, feita de vidro colorido, além de diversas esculturas de Eusebi Arnau e Pablo Gargallo. A fachada principal cobre o chanfro das ruas Amadeu Vives e Sant Pere més Alt, com grandes arcos de acesso e uma varanda que circunda toda a fachada, com colunas revestidas a cerâmica e encimadas por uma cúpula em mosaico, onde se destaca o conjunto escultórico de A Canção Popular, de Miguel Blay.[140].
Também merece destaque a casa Lleó Morera (1905), reforma de um edifício construído em 1864, cuja localização em chanfro determinou o destaque da esquina, onde fica a arquibancada principal e é rematada verticalmente por um pequeno templo; Cada piso tem um desenho diferente, onde se destaca o trabalho ornamental - com esculturas de Eusebi Arnau -, parcialmente mutilado numa remodelação do rés-do-chão realizada em 1943.[141] O interior foi profusamente decorado com esculturas de Eusebi Arnau, vitrais de Antoni Rigalt, mobiliário de Gaspar Homar e outros elementos.[142].
Antonio Gaudí
Um dos maiores representantes do modernismo catalão foi Antoni Gaudí, um arquitecto com um sentido inato de geometria e volume, bem como uma grande capacidade imaginativa que lhe permitiu projectar mentalmente a maior parte das suas obras antes de as transferir para plantas. Dotado de uma forte intuição e capacidade criativa, Gaudí concebeu os seus edifícios de uma forma global, tendo em conta tanto soluções estruturais como funcionais e decorativas, integrando também o trabalho artesanal, e introduziu novas técnicas no tratamento de materiais, como os seus famosos trencadís, feitos com peças de resíduos cerâmicos. Após inícios influenciados pela arte neogótica, bem como por certas tendências orientalizantes, Gaudí conduziu ao modernismo no seu período mais efervescente, embora tenha ido além do modernismo ortodoxo, criando um estilo pessoal baseado na observação da natureza, cujo fruto foi a utilização de formas geométricas reguladas, como o parabolóide hiperbólico, o hiperbolóide, a helicóide "Hélice (geometria)") e o conóide "Cone". (geometria)").[148].
Suas primeiras realizações, tanto durante o período de estudante como as primeiras executadas após a obtenção do diploma, destacam-se pela grande precisão dos detalhes, pelo uso de geometria superior e pela preponderância de considerações mecânicas no cálculo de estruturas. Desta época destacam-se os postes de iluminação da Plaza Real "Farolas de la Plaza Real (Barcelona)") (1878) e da Cooperativa Obrera Mataronense (1878-1882), bem como o início das obras daquela que seria a sua magnum opus, o Templo Expiatório da Sagrada Família (1883).[150].
Posteriormente passou por uma fase orientalista, com uma série de obras de marcado gosto oriental, inspiradas na arte do Próximo e Extremo Oriente, bem como na arte islâmica hispânica, principalmente mudéjar e nasrida. Utilizou com grande profusão a decoração em azulejos cerâmicos, bem como os arcos mitrais "Arco (construção)"), cartelas de tijolo aparente e remates em forma de templo ou cúpula. os pavilhões Güell (1884-1887), o palácio Güell (1886-1888) e o pavilhão da Companhia Transatlântica para a Exposição Universal de 1888. A casa do corretor Manuel Vicens foi a sua primeira obra importante, uma casa com três fachadas e um amplo jardim, com uma monumental fonte de tijolos e um muro de vedação com uma cerca de ferro fundido decorada com folhas de palmeira, uma das suas mais emblemáticas; A casa é rematada por chaminés e torres em forma de templos.[152] O Palácio Güell foi a primeira encomenda importante do seu patrono, Eusebio Güell, para quem desenhou uma casa de entrada monumental com magníficas portas com arcos parabólicos e grades de ferro forjado perfuradas; No interior destaca-se o hall, que tem três pisos de altura e constitui o núcleo central do edifício, com cobertura em cúpula dupla de perfil parabolóide no interior e perfil cónico no exterior.[153].
Atravessou então um período neogótico, em que se inspirou sobretudo na arte gótica medieval, que assumiu livremente, pessoalmente, tentando melhorar as suas soluções estruturais; Em suas obras elimina a necessidade de contrafortes com o uso de superfícies regradas e elimina cristas e aberturas excessivas. Garraf "Garraf (Sitges)") (1895-1897) e a torre Bellesguard (1900-1909). Este último foi construído sobre as ruínas de um antigo palácio de verão de D. Martinho I, o Humano, com um edifício de planta quadrada com os vértices orientados para os quatro pontos cardeais, encimado por uma torre cónica truncada coroada pela cruz de quatro braços.[155].
Josep Puig e Cadafalch
Josep Puig i Cadafalch adaptou o modernismo a certas influências do gótico nórdico e flamengo, bem como a elementos da arquitetura rural tradicional catalã, com forte presença de artes aplicadas e estuques. Discípulo de Domènech i Montaner, foi arquiteto, arqueólogo, historiador, professor e político. Foi presidente da Comunidade da Catalunha (1917-1924), cargo a partir do qual promoveu a criação de diversas escolas profissionais (Enfermagem, Comércio, Indústrias Têxteis), entidades científicas (Instituto de Estudos Catalães) e culturais (Museu Nacional de Arte da Catalunha, Biblioteca da Catalunha).[194].
Passou por várias etapas: na década de 1890, um certo germanismo extravagante, que Alexandre Cirici chamou de "era rosa" (casa Martí ou Els Quatre Gats, 1895-1896; casa Amatller, 1898-1900; casa Macaya, 1899-1901; palácio Barão de Quadras, 1899-1906; Terrades ou les casa Punxes, 1903-1905); nos anos 1900, um estilo mediterrâneo ou "era branca" (casa Trinxet, 1902-1904; Can Serra, sede do Conselho Provincial de Barcelona, 1903-1908; casa Sastre Marquès, 1905; casa Muntadas, 1910; casa Pere Company, 1911); e, a partir da década de 1910, um classicismo com influência secessionista que levaria ao Noucentisme, sua "era amarela" (casa Muley-Afid, 1911-1914; fábrica Casaramona, atual Caixa Fòrum, 1915-1939; casa Rosa Alemany, 1928-1930), com influência da Escola de Chicago "Chicago School (arquitetura)") (casa Pich i Pon, 1919-1921) e com uma tendência para um certo estilo barroco monumentalista (palácios de Alfonso XIII e Victoria Eugenia, 1923).[195].
Dentre essas conquistas vale destacar a casa Amatller e a casa Terrades. A primeira apresenta uma fachada de aspecto neogótico, com três partes distintas: um pedestal de pedra com duas portas do lado esquerdo, criando um efeito assimétrico; corpo central com paredes esgrafitadas e ornamentação de motivos florais, com galeria superior que lembra a da capela de São Jorge do Palácio da Generalitat; e acabamento escalonado em empena em cerâmica vermelha e dourada, com possível influência da arquitetura tradicional da Holanda. A casa Terrades ocupa um quarteirão inteiro de Ensanche, de traçado irregular: apresenta seis fachadas inspiradas na arquitetura gótica nórdica e no plateresco espanhol, encimadas por empenas, algumas truncadas por intradorsos cerâmicos com imagens de estilo pré-rafaelita, e ladeadas por seis torres circulares coroadas por pináculos cónicos terminando em agulha, que dão o apelido ao edifício; É construída em obra exposta, com ornamentação escultórica em pedra e cerâmica esmaltada, e elementos em ferro forjado.[197].
Em Mataró, sua cidade natal, foi autor da casa Parera (1894), da casa Beneficencia (1894), da casa Coll i Regàs (1898) e da casa Puig i Cadafalch (1897-1905).[198] Em Argentona, localidade próxima, foi o arquitecto da casa Garí (1898), um edifício a meio caminho entre uma quinta e um palácio, medievalista, com profusa decoração interior e exterior, como denota o alpendre de entrada. arcos.[186].
Outros arquitetos modernistas
Da infinidade de arquitetos modernistas – total ou parcialmente – devemos mencionar primeiro Enric Sagnier, um arquiteto de estilo eclético que forjou uma marca pessoal de linhas classicistas com grande sucesso entre a classe burguesa catalã. Autor prolífico, foi possivelmente o arquitecto com maior número de construções em Barcelona, com quase trezentos edifícios documentados. Podem-se distinguir três etapas em sua carreira: antes de 1900 trabalhou com um estilo eclético, monumental e grandioso; De 1900 a 1910 aproxima-se do modernismo, que é percebido num maior sentido decorativo da sua obra nesta época, com especial influência da arte rococó; e, desde 1910, manteve-se num estilo classicista de influência francesa, longe das modas do momento. Entre as suas obras destacam-se: o Palácio da Justiça de Barcelona (1887-1908, com José Domènech y Estapá), a casa Juncadella (1888-1889), a casa Pascual i Pons (1890-1891), a escola Jesús-María (1892-1897), a Alfândega do Porto de Barcelona (1896-1902, com Pere Garcia Fària), a casa Arnús ou El Pinar (1902-1904), a casa Garriga Nogués (1902-1904), o Templo Expiatório do Sagrado Coração (1902-1961), a casa Fargas (1904), a igreja de Nossa Senhora de Pompéia "Igreja de Nossa Senhora de Pompéia (Barcelona)") (1907-1910), a casa Ramon Mulleras (1910-1911), a casa do Doutor Genové (1911), a nova igreja de San Juan de Horta (1911-1917), o Edifício do Fundo de Pensões de Barcelona (1914-1917), a Basílica de San José Oriol (1915-1930) e o Conselho Curador de Ribas (1920-1930).[202].
Antoni Maria Gallissà, Joan Josep Hervàs, Salvador Viñals e Francisco de Paula del Villar y Carmona também se moveram nesta linha de reminiscência classicista. Gallissà foi um arquitecto intimamente ligado às artes decorativas, como se pode verificar na casa Llopis Bofill (1902), com fachada com esgrafito de motivos islâmicos e varandas em forma de tribunas de ferro e vidro. A principal obra de Hervàs foi a casa Pérez Samanillo, atual Círculo Equestre (1910-1911), uma casa unifamiliar com aspecto de château francês, que recebeu o prêmio da Câmara Municipal pela melhor obra de 1910.[204] Viñals praticou arquitetura classicista com ornamentação modernista, como evidenciado na casa Juncosa (1907-1909). Construiu diversas fábricas e teatros, como o Teatro das Novedades (1890, desaparecido) e colaborou com Doménech Estapá na Prisão Modelo (1888-1904). Foi também autor de várias vilas de verão em cidades costeiras, como a casa Oller em Sitges (1891).[205] Villar y Carmona foi arquiteto da diocese de Barcelona, cargo a partir do qual interveio no Mosteiro de Montserrat, onde construiu a fachada da igreja e a capela da Virgem.[206] Em Barcelona construiu a casa Riera (1892), a casa Gas Lebon. (1894-1896)[207] e a casa Climent Arola (1900-1902).
[208] Foi também responsável pela reconstrução da igreja de Santa Madrona (1915) e do Hospital de Incuráveis (1916). Foi também o autor da igreja paroquial de San Cipriano de Tiana "Tiana (Barcelona)") (1927).
Centros modernistas fora de Barcelona
A capital catalã foi a cidade que mais obras de arquitetura modernista teve – e talvez a mais emblemática – mas o movimento se espalhou por todo o Principado. Importantes arquitectos que trabalharam na capital também realizaram obras no exterior, como é o caso de Gaudí em Santa Coloma de Cervelló, Garraf "Garraf (Sitges)") ou La Pobla de Lillet; de Domènech i Montaner em Reus e Canet de Mar; de Puig i Cadafalch em Mataró e Argentona; por Josep Maria Jujol em Tarragona e San Juan Despí; ou Juan Rubió em Colonia Güell, Reus, Ripoll e Raimat. Como o trabalho destes autores já foi analisado, esta seção abordará o trabalho de outros arquitetos limitados a territórios específicos das quatro províncias catalãs.[283].
Esta província é a que mais obras modernistas tem no território catalão, dada a sua proximidade com a capital, que funcionou como foco de irradiação. Nas imediações de Barcelona você pode encontrar arquitetura modernista em cidades como Hospitalet de Llobregat e Badalona. Na primeira estão algumas fábricas modernistas, como a fábrica Tecla Sala, de Claudio Durán y Ventosa (1892), ou a fábrica Can Vilumara, de Andreu Audet (1906-1907), enquanto Ramón Puig Gairalt, arquitecto municipal da cidade, construiu vários chalés de tipo modernista no início da sua carreira - embora mais tarde se tenha inclinado para o Noucentisme - bem como a loja Botiga Nova. (1912), as casas baratas da Rambla Just Oliveras 77-79 (1914-1915) - que denotam a influência separatista - e a Delegacia de Polícia (1922). (1910) cruzamento de linhas horizontais.[286][287].
No entorno da capital, há um grande número de obras modernistas na faixa litorânea, nas regiões de Garraf, El Maresme e Bajo Llobregat. A principal cidade de Garraf é Villanueva i Geltrú, onde trabalhou Bonaventura Pollés, que foi arquiteto municipal da cidade, onde desenvolveu um estilo tendente ao monumentalismo, com uso profuso de ferro e vidro, em obras como a Villa Laguarda (1912) ou o chalé do Dr. Ribot (1910). Casa indiana. (1916-1921).[289] Outra localidade importante é Sitges, relevante centro modernista, já que ali se instalou Santiago Rusiñol, promotor dos Festivais Modernistas que se realizavam naquela cidade. Aqui trabalhou Josep Pujol i Brull, arquiteto eclético que passou por várias etapas, do modernismo ao noucentismo, autor da casa Pere Carreras (1906). Elías Rogent, pai da Escola de Arquitetura e autor da Universidade de Barcelona, foi o autor de Cau Ferrat, a residência Rusiñol.[292] No Bajo Llobregat devemos primeiro destacar a obra de Gaudí, Berenguer e Rubió na Colonia Güell em Santa Coloma de Cervelló, de Josep Maria Jujol em San Juan Despí, de Marceliano Coquillat em San Justo Desvern e de Gabriel Borrell em Sant Feliu de Llobregat, como visto anteriormente, devemos mencionar Josep Ros i Ros, que foi arquiteto municipal de Castellbisbal, Cervelló, Corbera de Llobregat, El Papiol, Gélida, Martorell, La Palma de Cervelló, Olesa de Montserrat, Pallejá, Piera, San Andrés de la Barca, San Sadurní de Noya e Torrellas de Noya. Llobregat,[293] localidades onde deixou inúmeras obras de cunho modernista, que se destacam pela profusão de elementos cerâmicos e de estuque, bem como pela decoração de bordas curvas ou retilíneas.[294] Foi também autor da casa Jacint Bosch em Terrassa (1912) e da fábrica Cal Sabater em Igualada (1912-1919).[293] Na mesma região vale a pena mencionar o Câmara Municipal de Viladecans, de Josep Azemar (1899); a Sociedade Geral da Água de Barcelona em Cornellá de Llobregat, de Josep Amargós (1905-1909); e o Centro Artesanal de El Prat de Llobregat, de Antoni Pascual Carretero (1919).[295]
Modernismo catalão fora da Catalunha
Alguns arquitetos modernistas catalães deixaram obras notáveis fora do Principado. Um dos principais focos foi Comillas "Comillas (Cantabria)"), na Cantábria, terra natal de Antonio López y López, primeiro Marquês de Comillas, sogro do empresário catalão e patrono de Gaudí, Eusebio Güell. López iniciou importantes obras de construção em sua cidade, para as quais contratou arquitetos catalães por recomendação de seu genro. A primeira encomenda, confiada a Joan Martorell, foi para um palácio e uma capela-panteão em Sobrellano (1878-1888), construído em estilo neogótico. Gaudí, que na época era assistente de Martorell, desenhou alguns móveis para a capela e escultores como Josep Llimona e os irmãos Agapito e Venancio Vallmitjana participaram da decoração. A encomenda seguinte, também de Martorell, foi para um Seminário (1883-1892), onde Lluís Domènech i Montaner participou na decoração. Este arquiteto foi posteriormente encarregado da construção do cemitério da cidade (1890) —onde se destaca a escultura O Anjo Exterminador "O Anjo Exterminador (Llimona)" de Josep Llimona— e um Monumento ao primeiro Marquês de Comillas (1890).[345] Mas o principal expoente do modernismo catalão em Comillas foi El Capricho "El Capricho (Gaudí)") de Gaudí (1883-1885), torre encomendada por Máximo Díaz de Quijano, cunhado de Antonio López. Juntamente com a casa Vicens, foi uma das primeiras obras relevantes de Gaudí, que confiou a direção das obras a Cristóbal Cascante, um colega estudante. De estilo oriental, apresenta planta alongada, com três níveis e torre cilíndrica em forma de minarete persa, totalmente revestida a cerâmica.[346].
Gaudí construiu outras duas obras importantes fora da Catalunha: o Palácio Episcopal de Astorga (1889-1915) e a casa Botines em León "León (Espanha)") (1891-1894). A primeira foi uma encomenda de um clérigo amigo de sua terra natal, Reus, Juan Bautista Grau Vallespinós, que ao ser nomeado bispo de Astorga encarregou Gaudí de construir um palácio para aquela cidade, em estilo neogótico. vale a pena mencionar finalmente outra intervenção de Gaudí fora das suas terras: a restauração da Catedral de Maiorca (1903-1914), encomendada pelo bispo daquela cidade, Pere Campins. Gaudí planejou uma série de ações estruturais e decorativas e modernização do edifício, confiando as obras a Juan Rubió, assistente de Gaudí.[349].
Graças ao seu trabalho na restauração da catedral maiorquina, Juan Rubió realizou vários projetos nas Ilhas Baleares: a fachada da igreja paroquial de San Bartolomé de Sóller (1904-1912), o mosteiro da Sagrada Família em Manacor (1906-1908), o rosário do santuário de Lluch (1909-1913, com Josep Reynés), a casa Casasayas em Palma de Maiorca (1910-1911), a igreja de Son Servera (1910), o Banco de Sóller (1910-1912), a casa de Miquel Benimelis em Palma (1912-1913), o monumento a Jaime III em Lluchmayor (1923) e a restauração da catedral de Santa María de Ciudadela (1939-1941).[350] Nesta parte da Espanha foi autor da farmácia Puig em Azoque (Saragoça, 1908),[350] da basílica do Sagrado Coração "Basílica do Sagrado Coração (Gijón)") em Gijón (1910-1925)[293] e da restauração da casa de Santo Inácio de Loyola em Azpeitia (Guipúzcoa, 1920-1921).[350].
Pintar
La pintura modernista recibió influencias muy variadas, especialmente las ligadas a corrientes europeas como el impresionismo, postimpresionismo y simbolismo. Esta influencia llegó especialmente gracias a las estancias en París de numerosos artistas, como Ramón Casas y Santiago Rusiñol. Considerada en aquel entonces la meca del arte, la capital francesa era el lugar donde viajaban artistas de todo el mundo para formarse y ponerse al día en las corrientes pictóricas.[365] También ejercieron una gran influencia movimientos como la Hermandad Prerrafaelita, el Arts and Crafts, los Nazarenos "Nazarenos (arte)") y los Nabis "Nabis (artistas)"), así como, en el campo de la cultura europea en general, la filosofía de Nietzsche, la música de Wagner y el teatro de Ibsen y Maeterlinck. Barcelona se convirtió en una metrópoli europea, más ligada al continente que el resto de España.[366] También ejerció un notable influjo la revalorización producida esos años de la obra de El Greco, al que admiraban artistas como Rusiñol, Mir y Gimeno, así como Regoyos y Zuloaga a nivel nacional. Del artista cretense se valoraba especialmente el colorido de sus obras y la estilización de sus figuras. Prueba de esta actitud fue la iniciativa de Rusiñol de erigir un Monumento a El Greco en Sitges, obra de Josep Reynés (1898).[365].
Por su posición cronológica, la pintura modernista fue heredera de los movimientos artísticos del siglo , al tiempo que preludiaba las nuevas vanguardias que llegarían con el siglo . Esta posición, entre el pasado y el futuro, llevó a Josep Maria Garrut a separar a los pintores modernistas entre «recreadores con proyección de pasado» y «creadores con premoniciones de futuro».[367] Así, la pintura modernista catalana es ambigua, contradictoria, en un difícil equilibrio entre la ruptura y la continuidad, entre la tradición y el progreso.[367].
En pintura, el modernismo fue un movimiento heterogéneo, que agrupó en su seno varias tendencias estilísticas: según una clasificación de Joan Ainaud de Lasarte (El Modernismo en España, 1969), el modernismo catalán podría dividirse entre modernismo simbolista, impresionista y postimpresionista.[368] En cambio, para Francesc Fontbona (La crisis del Modernismo artístico, 1975), se darían dos corrientes principales: la modernista y la posmodernista.[369] Pese a su diversidad, son perceptibles diversos rasgos comunes en la mayoría de artistas modernistas, como podrían ser el rechazo del arte académico, el culto por la belleza y una cierta actitud social, un afán regenerador de la sociedad de su momento.[370].
Uno de los puntos de partida de la pintura modernista fue la estancia en París de Ramón Casas y Santiago Rusiñol. Pertenecientes a familias acomodadas, viajaron a la capital mundial del arte en 1890, donde se adentraron en el ambiente bohemio de Montmartre. Aquí conocieron el impresionismo, del que recibieron la influencia, especialmente, de Manet y Degas, es decir, el impresionismo más de raíz académica y no tanto de inspiración individual.[371] De vuelta a Barcelona, Casas y Rusiñol capitanearon una renovación del ambiente pictórico catalán, que incluyó a diversos artistas que se movían en torno al Círculo Artístico de Barcelona. En contrapartida al espíritu bohemio y hedonista de estos pintores, surgió una corriente de signo más conservador, tanto en lo artístico —por su conservación de un cierto sello académico—, como en lo moral —por su vinculación al catolicismo—, centrada en el Círculo Artístico de San Lucas, una asociación liderada por el obispo de Vic, José Torras y Bages y, en el terreno artístico, por Josep Llimona.[372].
Pré-modernismo: a Escola Luminista de Sitges
A chamada Escola Luminista de Sitges,[373] que surgiu nesta cidade de Garraf e funcionou entre 1878 e 1892, é geralmente considerada "pré-modernismo". Seus membros mais proeminentes foram Arcadio Mas, Joaquim de Miró, Joan Batlle i Amell, Antoni Almirall e Juan Roig y Soler. Em certa medida opostos à Escola de Olot, cujos pintores tratavam a paisagem do interior da Catalunha com uma luz mais suave e filtrada, os artistas de Sitges optaram pela luz quente e vibrante do Mediterrâneo e pelos efeitos atmosféricos da costa de Garraf. Herdeiros em grande parte de Mariano Fortuny, os membros desta escola procuraram reflectir fielmente os efeitos luminosos da paisagem envolvente, em composições harmoniosas que combinavam o verismo e uma certa visão poética e idealizada da natureza, com um cromatismo subtil e uma pincelada fluida por vezes descrita como impressionista.
Estes artistas captaram com precisão e detalhe a paisagem, a vida e os costumes desta vila costeira, com realismo, mas com uma certa visão idealizada e poética das imagens que captaram, nas quais se destacam a beleza da luz e um cromatismo subtil de grande frescura visual.[375] Posteriormente, a maioria destes artistas evoluiu de diferentes maneiras: em sua produção posterior Roig y Soler teve a tendência de substituir a linha pela mancha, recarregando a composição material de suas obras, com uma fatura mais livre e dinâmica; Mas abordou o modernismo - era amigo íntimo de Rusiñol - e combinou paisagismo com cenas interiores, especialmente em igrejas iluminadas com velas de aspecto barroco; Miró, Batlle e Almirall continuaram em grande parte com o estilo Luminista, embora de uma forma mais pessoal e heterogênea.[376].
Casas e Rusiñol
Um dos principais representantes deste movimento foi Santiago Rusiñol, fundado em 1890 em Paris junto com Ramón Casas, onde ingressaram no movimento impressionista, com especial influência de Manet e Degas, ou seja, o impressionismo de base mais tradicional, com pinceladas longas e difusas em comparação com as pinceladas curtas e soltas do impressionismo mais vanguardista. notas sobre a pintura. natural, que posteriormente transferiram para suas obras. Juntos montaram um ateliê na rua Muntaner 38, em Barcelona, que ficou famoso por seus encontros, frequentados por jovens artistas; conhecido como Cau Ferrat, mais tarde esse nome seria o da casa Rusiñol em Sitges, centro das festas modernistas.[378][nota 6].
Rusiñol formou-se em pintura naturalista, próximo à Escola Olot. Sua fase mais plenamente modernista ocorreu na década de 1890. Nos primeiros anos desta década a sua influência impressionista foi mais evidente, com uma cor de tons frios com preponderância do cinza - como também Casas desenvolveria -, como denotado em obras como A cozinha ou o laboratório do Moulin de la Galette (1890) ou Erik Satie (1891), onde a influência de Whistler é evidente, especialmente nas figuras. estilo mais plenamente simbolista: abandonou o realismo e direcionou sua obra para um tom mais mítico e estetizante, quase evasivo, como denotam seus tetos decorativos para o Cau Ferrat de 1896 (Pintura, Poesia, Música). Para isso foram decisivas uma série de sucessivas viagens a Granada, onde desenvolveu um paisagismo mais naturalista, com preocupação pela composição e simetria, mas também pela estética e pelo cromatismo: Escadaria com fontes do Generalife (1900).[383].
Ramón Casas não se deixou totalmente seduzir pelo impressionismo que encontrou em Paris - embora denotasse a influência de Degas e Whistler - a sua obra é um pouco mais conservadora com a tradição pictórica, mas desenvolveu um plenirismo de tons frios, com preferência pelo cinza, como se observa em Plen air "Plein Air (Ramón Casas)") (1890). Nos anos seguintes combinou paisagismo e cenas da vida social com obras de determinado conteúdo político, que, no entanto, transcenderam a mera anedota pela sua natureza plástica e pelo tratamento da imagem, articulada com manchas de cor, com um cromatismo verístico que dilui o pathos das cenas em imagens reduzidas à captura de uma imagem no tempo, como denotado em O Garrote Vil (1894) e A Carga (1899).[384].
Sua técnica se destaca pela pincelada sintética e pelo traço um tanto borrado, com temática voltada preferencialmente para imagens de interiores e exteriores, além de cenas populares e demandas sociais.[385] Apesar de tudo, o modernismo de Casas é superficial, o seu estilo é bastante realista, como se pode verificar nos seus retratos femininos, de grande qualidade pictórica. Foi também um grande desenhista, destacando-se a sua galeria de retratos a carvão de figuras do seu tempo. Destacou-se também como artista de cartazes, onde demonstrou grande domínio da cor e da composição.[387].
Modernismo impressionista
Esta tendência baseou-se na influência do impressionismo francês, embora sempre mais atenuado e com um importante substrato de realismo da escola naturalista espanhola, em maior ou menor medida dependendo de cada artista. O tema preferido nesta corrente foi a paisagem, na qual são mostrados os herdeiros da Escola Olot, tendo Ramón Martí Alsina e Joaquín Vayreda como principais referências. Assim, no tratamento destas obras, a luz e a cor são mais relevantes do que a expressão de um sentimento ou a simbolização de algum conceito, como ocorre no modernismo simbolista. A técnica é uma pincelada livre, mais ou menos espessa dependendo do artista, enquanto a cor é intensa, mas sem atingir a violência que o pós-impressionismo francês desenvolvia naqueles anos.[388].
Casas e Rusiñol entrariam parcialmente nesta corrente, influenciados pelo impressionismo após a sua estadia em Paris, bem como outros artistas entre os quais devemos mencionar em primeiro lugar Eliseo Meifrén, o maior representante do paisagismo impressionista na Catalunha. Suas primeiras obras ainda são herdeiras do espírito romântico, com certa preciosidade vinda da pintura de gênero, evoluindo posteriormente para um impressionismo livre, que se destaca pela suavidade das cores e pelos efeitos atmosféricos. O seu tema preferido era a costa catalã - especialmente Cadaqués -, embora também pintasse paisagens da Europa e da América.[389].
Francisco Gimeno formou-se em Tortosa com Manuel Marqués e expandiu os estudos em Madrid com Carlos de Haes, embora tenha desenvolvido um estilo pessoal, baseado num desenho denso com linhas nervosas, uma pincelada também densa e algo áspera, e uma coloração dominada por tons avermelhados e açafrão, com a presença também de negros carvão, todos eles postos ao serviço de uma composição baseada em facetas de luz. Quanto ao tema, percebe-se um fundo áspero, austero, um tanto sórdido, reflexo da própria vida do pintor, afastado voluntariamente da sociedade de sua época. Além das paisagens – especialmente da costa catalã e maiorquina – destacam-se os seus retratos e autorretratos.[390].
Oleguer Junyent ganhava a vida principalmente como cenógrafo, trabalho pelo qual viajou por todo o mundo. No decorrer dessas viagens ele fez anotações a óleo retiradas da natureza, um rico acervo de paisagens naturais que se destacam pela cor viva, com desenho preciso e pinceladas grossas. Os seus trabalhos de cavalete são, no entanto, mais discretos e algo decorativos, talvez pela influência da sua actividade teatral. Foi também escritor e decorador, além de ilustrador em L'Esquella de la Torratxa.[391].
Laureano Barrau estudou na Escuela de la Lonja com Antonio Caba e Claudio Lorenzale, e prosseguiu os estudos em Paris, onde foi discípulo de Jean-Léon Gérôme. Passou uma estadia em Roma, graças a ter ganho o prémio Fortuny. Também viajou pela América do Sul e passou várias temporadas nas Ilhas Baleares, especialmente em Ibiza, onde se estabeleceu definitivamente nos últimos anos. Na sua obra evoluiu de um naturalismo com conotações românticas para um certo impressionismo que dava grande relevância à luz e à atmosfera, algo próximo do luminismo de Sorolla.
Círculo Artístico de São Lucas
Diante do caráter mais mundano e cosmopolita do modernismo impressionista, surgiu uma certa reação em torno do Círculo Artístico de San Lucas, associação de artistas ligados ao catolicismo, liderada por José Torras y Bages, criador de uma ideologia nacionalista, tradicional, conservadora e moralizante, que permeou as obras desses artistas. No entanto, apesar destes conceitos quase antimodernistas, a sua obra liga-se à pintura modernista devido ao seu desejo de superar a anedota naturalista e ao seu espiritualismo, que se liga à corrente simbolista. Em 1893 foi realizada na Sala Parés a primeira exposição coletiva do Círculo.[396].
Um dos seus fundadores foi Joan Llimona, que se inclinava para um misticismo de forte religiosidade, como denotam as suas pinturas para a cúpula do camarim da igreja do mosteiro de Montserrat (1898) ou os murais da sala de jantar da casa Recolons em Barcelona (1905). Formado na Escuela de la Lonja com Antonio Caba e Ramón Martí Alsina, expandiu seus estudos na Itália durante quatro anos, graças a uma bolsa conquistada por seu irmão, o escultor Josep Llimona. Suas primeiras obras foram do gênero dos costumes, mas por volta de 1890 sua pintura se concentrava na religião, com composições que combinavam o realismo formal com o idealismo dos temas, com um estilo por vezes comparado a Millet e Puvis de Chavannes, como observamos em Retornando do campo (1896).[397].
Outro integrante do Círculo, mais plenamente simbolista, foi Alexandre de Riquer, pintor, gravador, decorador, ilustrador e cartazista, além de poeta e teórico da arte. Ele morou por um tempo em Londres, onde foi influenciado pelo Pré-Rafaeliteismo e pelo movimento Arts and Crafts. Destacou-se especialmente na ilustração de livros (Crisantemes, 1899; Anyoranses, 1902) e na concepção de ex-libris, género que elevou a elevados níveis de qualidade.[398] Na última fase da sua vida, radicado em Maiorca, dedicou-se ao paisagismo, num estilo bastante impressionista.[399].
Outros membros do Círculo foram Dionísio Baixeras e Joaquim Vancells. Baixeras, discípulo de Martí Alsina, dedicou-se a paisagens de aspecto calmo.[400] Pela sua técnica e estilo, poderia ser definido mais como naturalista do que como modernista, embora pertencesse a esta geração. Concentrou-se em temas rurais tipicamente catalães: pastores, pescadores, montanhas dos Pirenéus ou praias da costa catalã.[401] Vancells, também pintor paisagista, ofereceu uma variante mais rural do impressionismo cinzento de Casas e Rusiñol.[400] Evoluiu de uma técnica de grande precisão próxima da Escola de Olot para um tom mais simbolista, em que as suas paisagens - especialmente de Montserrat e Vallés "Vallés (Catalunha)") - são tingidas de nevoeiro e efeitos atmosféricos, bem como de um certo sentimentalismo.
Enrique Galwey e Luis Graner abrangeram o naturalismo da Escola Olot e o simbolismo. Galwey, discípulo de Vayreda, desenvolveu um projeto paisagístico melancólico, próximo à pintura de Barbizon. Suas paisagens são esquemáticas, com grande presença de nuvens, massas escuras, luzes e contraluzes.[389] Graner estudou em La Lonja, bem como em Madrid e Paris. Tecnicamente ele era um artista convencional, que dominava a luz e a cor, enquanto tematicamente transitava entre o anedótico e os temas sociais. Nos seus últimos anos trabalhou nos Estados Unidos e na América do Sul, tirando retratos para sobreviver.[403].
Modernismo simbolista
O modernismo simbolista reuniu influências vindas não só do Simbolismo, mas do Romantismo e do Pré-Rafaelismo, mas também do Naturalismo e de outros estilos, o que proporcionou um grande amálgama e complexidade que se traduziu de diferentes formas em cada artista. Na sua produção percebe-se um idealismo que dá grande relevância à iconografia e que se traduz na expressão de ideias ou sentimentos das personagens, com especial predileção pela figura feminina, uma figura idealizada, com pouca recorrência ao nu "Nu (género artístico)") - e, se necessário, irrealista, que retira conotações eróticas -, se não totalmente casto, especialmente em pintores com ideias moralistas ligadas ao cristianismo. a bidimensionalidade, o traço sinuoso, o gosto pela decoração floral, uma certa tendência medievalizante e, sobretudo no que diz respeito ao simbolismo, a predileção por alegorias e temas simbólicos.[405] A técnica evoluiu de uma coloração fraca com pinceladas difusas para um maior cromatismo com pinceladas mais grossas e liberdade de movimentos.[406].
Casas e Rusiñol enquadram-se parcialmente na tendência simbolista, assim como os membros do Círculo de San Lucas, como vimos. Entre os artistas deste movimento também se destacaram Juan Brull, José María Tamburini e Sebastià Junyent. Brull estudou em Barcelona com Simón Gómez e em Paris com Raphaël Collin.[407] Dos primórdios de um estilo realista anedótico, ele evoluiu para um idealismo simbolista acadêmico. Em sua obra destaca-se a representação da figura feminina, com meninas de beleza etérea que muitas vezes assumem a forma de fadas ou ninfas, como em Calypso (1896) ou Sonho (1897).[381] Tamburini desenvolveu uma estética semelhante de figuras femininas idealizadas, como em Harmonias da floresta (1896).[408] Iniciado no academicismo, no qual mostrou grande perfeição técnica, posteriormente foi um dos pintores modernistas mais próximos do simbolismo, sobretudo pelos seus temas de conteúdo romântico.[409] Junyent – irmão de Oleguer, de tendência impressionista – foi um artista inquieto, iniciado no impressionismo parisiense ao mesmo tempo que Casas e Rusiñol, mas que desenvolveu uma obra pessoal, na qual a sua fase mais simbolista se deu entre 1899 – ano da sua Clorose, de influência Whistriana – e 1903, data em que fez uma Anunciação que já indicava um estilo mais arcaizante. Sua melhor obra nesses anos foi Ave María (1902), que mostra um idealismo próximo ao de Henri Martin "Henri Martin (pintor)".[410] Posteriormente focou-se em questões sociais - especialmente personagens marginais -, dotado de uma forte visão melancólica, devido ao seu caráter depressivo, que o levou à loucura em sua fase final. Foi também crítico de arte nas revistas Joventut "Joventut (revista)") e La Renaixensa, além de cartazista, encadernador e designer de móveis.[411] Pode ter influenciado Pablo Picasso, com quem dividiu ateliê em Barcelona e a quem acompanhou a Paris.[412].
Pós-modernismo
A última tendência pictórica dentro do modernismo foi mais heterogénea, numa linha que reunia vários estilos, tanto os anteriores como as diversas novas tendências que iam surgindo na Europa, especialmente o pós-impressionismo. Em geral, eram artistas de uma nova geração – a maioria nascidos na década de 1870 – que procuravam romper os laços com a anterior e embarcar num novo caminho mais pessoal. Embora muitos deles tivessem formação acadêmica – especialmente na Escuela de la Lonja –, eles renunciaram à sua formação e buscaram novos caminhos de expressão. Embora fossem artistas mais pessoais, em geral destacam-se por uma temática mais urbana e social, denunciando as misérias do seu tempo, expressas com aspereza e aspereza, com uma técnica mais ousada e expressiva nas luzes e nas cores - onde o preto assume um papel forte -, com pinceladas grossas aplicadas em manchas com forte componente material, bem como um desenho mais nervoso e esquemático.[419] Segundo Francesc Fontbona, criador do termo "pós-modernismo" na sua obra La crise do modernismo artístico (1975), “o pós-modernismo, comparado ao idealismo ou ao realismo estilizado e desapaixonado dos modernistas, opõe-se ao realismo crítico - tema marginal - e/ou ao repensar estético” e aponta-o como uma “geração intermediária” entre o modernismo e o noucentismo. uma ala “branca” – a geração impressionista-simbolista – e outra ala “negra” – a geração pós-impressionista-expressionista.[420].
A nova geração de pintores modernistas surgiu em torno de um grupo de jovens pintores apelidados de la Colla del Safrà ("a Gangue do Açafrão"), pelo seu gosto pelo uso abundante de cores de cádmio. Era um grupo de filiação pós-impressionista, que tinha a pintura au plein air como uma de suas premissas básicas. [421] Formado por Joaquín Mir, Isidro Nonell, Ramón Pichot, Ricard Canals, Adrián Gual - um curto período de tempo, embora, como se viu, o seu trabalho se inclina mais para o simbolismo -, Joaquim Sunyer e Juli Vallmitjana, o seu trabalho baseou-se num realismo de aspecto esboçado centrado em temas suburbanos, especialmente de bairros periféricos de Barcelona como Montjuic ou San Martín de Provensais.[422] Nesse sentido, a obra mais paradigmática deste grupo foi A Catedral dos Pobres, de Joaquín Mir (1898), que mostra alguns mendigos em torno da Sagrada Família. Mir, porém, logo mudou de estilo, após uma estadia em Maiorca iniciada em 1900, na qual se concentrou em captar a paisagem maiorquina, com uma cor quente e intensa. Voltou a evoluir por volta de 1906, devido a uma convalescença por perturbações mentais no Campo de Tarragona, com um paisagismo mais difuso, baseado em manchas de cor, próximo da abstração.[423] Esta foi uma etapa de intensa criação pessoal, com obras que purificaram o seu estilo anterior – excessivamente decorativo – para se concentrar num desenho de linha nervosa com manchas redondas de cores vivas que parecem flutuar no ar e onde os elementos do campo e das nuvens se erguem em volutas retorcidas que por vezes lembram a obra de Van Gogh – talvez por coincidirem com perturbações mentais.[424].
Escultura
La escultura modernista, como el resto de las artes de este movimiento, fue heredera del Romanticismo, de la exaltación de la humanidad, la individualidad, la emotividad, la sensibilidad, frente al formalismo del clasicismo. La escultura intenta expresar como nunca el sentimiento, la emoción, con dos principales referentes: el ser humano y la naturaleza. Predomina la forma curva, la línea ondulante y sinuosa, que se deshace en múltiples detalles que llenan todo el espacio escultórico.[460] La escultura fue protagonista indispensable de muchos proyectos arquitectónicos, como un elemento principal de la decoración interior y exterior de edificios, sin desmerecer la escultura exenta, que vivió una época de gran esplendor. También tuvieron un gran auge los monumentos funerarios y conmemorativos.[58].
La escultura del modernismo fue heredera del monumentalismo de los hermanos Agapito y Venancio Vallmitjana, si bien con posterioridad recibió la influencia del simbolismo francés, especialmente de la obra de Auguste Rodin,[461] conocida sobre todo a raíz de la Exposición Universal de París "Exposición Universal de París (1900)") de 1900, donde este escultor presentó una retrospectiva de ciento sesenta y ocho obras, que visitaron muchos de los escultores catalanes que viajaron a la capital francesa. Dos de las obras más emblemáticas de la escultura modernista, la Eva de Clarasó y el Desconsuelo de Llimona, se basan directamente en La danaide de Rodin.[462] También fue determinante la influencia del belga Constantin Meunier y su temática obrera,[4] especialmente tras la celebración de la V Exposición Internacional de Bellas Artes de Barcelona, en que se presentaron treinta y ocho obras del artista belga.[463].
Como en la arquitectura, el punto de arranque de la escultura modernista fue la Exposición Universal de 1888, donde, junto a los nombres consolidados de la generación realista anterior (los Vallmitjana, Rossend Nobas, Jerónimo Suñol, Manuel Oms), que coparon los grandes encargos oficiales, surgió una nueva generación de artistas que comenzaban a abrirse camino, entre los que destacaban Josep Llimona, Miguel Blay, Agustín Querol, Eusebi Arnau o Manuel Fuxá. Estos artistas, pese a todo, se iniciaron en el academicismo, para ir evolucionando poco a poco a estilos más personales. Las innovaciones aportadas por la pintura, tras el regreso de Casas y Rusiñol de París, influyeron igualmente en la escultura, ya que aportaron una visión nueva, una nueva forma de concebir el arte, más basada en la inspiración individual que no en el canon imitativo que se transmitía en las escuelas de arte.[464] Como en otras artes, se perciben diversas fases o generaciones de artistas: en la primera se situarían los artistas herederos del realismo académico y que, poco a poco, se van adentrando en la nueva estética; la segunda incluiría los escultores plenamente modernistas; en la tercera y última se situaría la obra inicial de artistas que posteriormente evolucionaron hacia el novecentismo.[4].
Na primeira geração, Manuel Fuxá formou-se no academicismo, como aluno da Escuela de la Lonja de Barcelona, onde foi discípulo de Rossend Nobas. Ele ainda se movia num realismo de preocupação formalista e ar sereno. Em 1888 fez parte da equipe de escultores que trabalharam na decoração do Arco do Triunfo. Foi autor de vários monumentos, como o de Clavé (1888) e o de Rius y Taulet (1901), bem como de decoração escultórica para arquitetura, como o relevo do Sagrado Coração da casa Pérez Samanillo, obra de Hervàs.[465].
Josep Reynés também estudou em La Lonja e foi aluno dos irmãos Vallmitjana, bem como de Carpeaux em Paris. Ele também era essencialmente realista, embora timidamente se aventurasse no modernismo. Ele também participou da obra escultórica do Arco do Triunfo. Foi o autor do Monumento a El Greco (1898) promovido pelo círculo modernista de Sitges.[465].
Agustín Querol foi discípulo da família Vallmitjana e alcançou, desde origens modestas, grande sucesso entre a burguesia e a aristocracia, com uma grande oficina onde trabalharam numerosos assistentes. Seu trabalho faz parte do realismo anedótico, mas uma certa abordagem modernista pode ser vista na obra e na concepção da obra. Desenvolveu a maior parte da sua obra em Madrid, onde viveu desde 1890.[466].
Rafael Atché também treinou com os Vallmitjanas e viajou pela França, Itália e Reino Unido, continuando com o realismo anedótico dos seus contemporâneos. Foi autor da figura do descobridor do Monumento a Colombo "Monumento a Colombo (Barcelona)"), bem como de diversas obras para o Hospital Clínico e o Palácio da Justiça de Barcelona.[466].
Josep Montserrat estudou em La Lonja e em Paris. Desenvolveu um realismo anedótico com gosto por um certo pontilhismo precioso. Sua obra mais famosa é o Manelic, localizado no Jardim de Esculturas de Montjuic.[465].
Modernismo completo
A escultura totalmente modernista era claramente simbolista, sob a influência direta de Rodin. Isto fica evidente no predomínio do sentimento sobre a descrição realista que até então predominava, a expressão dos estados de espírito, da fusão entre matéria e espírito. Para isso, para além da ideologia simbolista, foi decisiva a ascensão da escultura funerária, que pela sua própria origem reflectia uma temática mais sentimental do que descritiva, mais ideal do que anedótica, através de alegorias e figuras que mostravam sentimentos como a dor, a solidão, o desespero, a meditação, geralmente sob a forma de figuras femininas estilizadas, com vestidos esvoaçantes e cabelos longos, numa atitude melancólica ou introspectiva. Esta tipologia foi transmitida às restantes figuras escultóricas da época, definindo uma plástica de superfícies polidas e onduladas, com tendência para efeitos de claro-escuro, com bases não ásperas, figuras que emergem do material, com vestimentas que se misturam com a pele e rostos geralmente desbotados ou non finito.[467].
Seu melhor representante foi Josep Llimona, irmão do pintor Joan Llimona e, como ele, ligado ao Círculo Artístico de San Lucas - foi seu segundo presidente. Estudou em La Lonja e trabalhou nas oficinas de Nobas e dos irmãos Vallmitjana. Depois de ganhar uma bolsa, viajou para Roma, onde estudou na Academia Gigi. Numa primeira fase, ainda académica, trabalhou em obras como o Monumento a Colombo ou o Arco do Triunfo, com as quais ganhou fama. Na maioria de suas obras são revelados sentimentos que marcarão sua obra: dor e tristeza.[469] Começou em pleno modernismo com Desconsuelo (1903), figura de uma mulher nua, meio deitada, com a cabeça entre os braços, em atitude de desespero, como indica o título. Situado no parque da Ciudadela, no centro de uma lagoa elíptica situada em frente ao antigo arsenal militar que hoje abriga a sede do Parlamento da Catalunha, em 1984 o original foi transferido para o Museu Nacional de Arte da Catalunha e, no seu local, foi colocada uma cópia. É uma obra paradigmática da espiritualidade simbolista: uma figura misteriosa, sensível, enigmática, evanescente, que combina sensualidade e espiritualidade.[471] Sua outra grande obra foi o Monumento ao Doutor Robert (1910), na Plaza de Tetuán, com um modernismo um tanto eclético.[472] Do resto de sua produção, além das figuras femininas de aspecto melancólico, destacam-se as figuras masculinas que, mesmo com um ar vigoroso e heróico, aparência física, também transcendem uma certa melancolia, embora enquadrados num ar geral de nobreza, como o seu San Jorge "San Jorge (Llimona)") ou o seu Forger.
Enric Clarasó, também membro do Círculo, desenvolveu um estilo semelhante ao de Llimona, como se vê em Eva (1904), uma figura feminina nua em atitude semelhante à de Desconsuelo, cuja atitude transcende a pose física para mostrar uma emotividade transcendental.[475] Passou por Paris, onde entrou no ambiente boémio de Montmartre e onde aperfeiçoou a sua técnica, após as aulas recebidas na Academia Julian. Ao retornar, sua obra (1892) constituiu um manifesto do novo estilo; Juntamente com Casas e Rusiñol, as suas exposições na Sala Parés consolidaram definitivamente o modernismo nas artes plásticas.[476] As suas obras deste período são plenamente modernistas, como , , (1904-1907) ou (1907). A maioria são figuras femininas, nuas ou com véus transparentes, em atitudes lânguidas e melancólicas, em modelos de aparência inacabada e sem rugosidade.[477].
Depois da geração totalmente modernista, uma nova geração que se destacaria no Noucentisme iniciou-se no campo da escultura na era modernista, pelo que as suas primeiras obras foram em maior ou menor grau neste estilo. Estes artistas centraram-se numa temática mais social, como os pintores pós-modernistas, centrados em ambientes marginais e de pobreza, com um estilo de linhas mais simples, com superfícies rugosas, com contrastes de luz mais acentuados e uma preferência pelo bronze em relação ao mármore que a geração anterior usava.
Vale a pena mencionar Pablo Gargallo, artista aragonês que estudou em La Lonja - onde foi discípulo de Eusebi Arnau - e esteve associado ao grupo Els Quatre Gats. Mais tarde, passou uma estadia em Paris, onde recebeu a influência de Rodin. Suas primeiras obras mostram toques modernistas, como A Besta do Homem (1904) ou Os Humildes (1904), ou suas colaborações no Hospital de San Pablo, no Palacio de la Música Catalana ou no Teatro Principal de Terrassa.[493].
Ismael Smith dificilmente pode ser descrito como um modernista, mas os seus primeiros trabalhos limitam-se ao apogeu do movimento. Foi discípulo de Mariano Benlliure, Agustín Querol, da família Vallmitjana e Josep Llimona, e trabalhou por algum tempo na oficina de Rafael Atché. Em 1904 fez Tempestad, aos dezoito anos, a partir do qual desenvolveu um estilo que foi chamado de decadente.
Jaume Otero, de Menorca, foi discípulo de Manuel Fuxá, assim como de Albert Bartholomé em Paris. Evoluiu dos primeiros trabalhos com certa aparência desbotada para o naturalismo Noucentista. Entre suas primeiras obras destaca-se Symbolo (1910).[494].
Os irmãos Miguel e Luciano Oslé foram influenciados tanto por Josep Llimona quanto por Constantin Meunier, com quem concordaram sobre os temas da classe trabalhadora, bem como de pescadores e simples citadinos,[495] em obras como Inspiração (1904), O Retorno do Pescador (1904) e Escravos (1906), de Miguel; e Irmãos (1904), O Aldeão (1906) e Prisioneiros (1908), de Luciano.[496].
Enric Casanovas também foi discípulo de Llimona. Suas primeiras obras, ao invés de serem enquadradas no modernismo, mostram uma certa indecisão anterior à busca por um estilo próprio:[497] The Little Nanny (1903), Sad Walkers (1904), Pastor del Cadí (1907), Bust of a Catalan Woman (1908).[496].
Manolo Hugué esteve próximo da gênese do modernismo, pois ingressou no círculo de Els Quatre Gats, onde fez amizade com Rusiñol, Mir, Nonell e Picasso, mas em 1900 mudou-se para Paris por dez anos, afastando-se do modernismo. No entanto, algumas de suas primeiras obras mostram o estilo modernista.[498].
Por fim, Josep Clarà seria uma das principais figuras do Noucentismo, embora também tenha começado no Modernismo. Seu amor pela música o levou por um tempo a realizar obras de aparência vaporosa, semelhantes à estética modernista, como (1903). Consolidado seu estilo, ele se concentrou na figura feminina, enquadrada no mediterrâneo noucentista.[498].
Medalhista
Vale destacar uma seção sobre a especialidade artística da medalha, que nesta época teve grande efervescência, sendo praticada por numerosos escultores de destaque. Geralmente, foram confeccionados para comemorar algum acontecimento e preservar sua memória, através de sua exposição e conservação, sendo por vezes objeto de colecionismo. As medalhas exigem certas características, pois são objetos seriados, de tamanho pequeno, geralmente de formato redondo - embora também quadrados ou retangulares - e devem transmitir uma mensagem ou ideia. Geralmente são feitos de metais como cobre, chumbo, estanho, níquel, ouro e prata, embora também possam ser feitos de vidro ou cerâmica.[499].
As primeiras medalhas modernistas foram feitas por Eusebi Arnau para a Exposição Universal de 1888, embora a maioria naquela época continuasse a ser de estilo neoclássico ou romântico e ainda assim o seria por alguns anos. A consagração do medalhismo modernista viria com a viragem do século, protagonizando também Arnau como um dos seus maiores arquitectos, em medalhas como a que comemora a demolição das muralhas de Barcelona (1895), a da Feira de Concurso Agrícola de Barcelona (1898), a dedicada ao Dr. V Exposição Internacional de Arte (1907), a da Assembleia Nacional de Editores e Livreiros (1909) e a da Festa da Primavera (1910).[500].
Junto com Arnau, os principais medalhistas da época foram Antonio Parera e Josep Llimona. As primeiras produziram medalhas atribuíveis ao modernismo no início do século, após uma fase realista, como: a Festa Nacional Catalã (1907), a do Instituto Agrícola Catalão de San Isidro (1907), a da Inauguração do Palácio da Justiça de Barcelona (1908) e a do XI Congresso da Federação Agrícola Catalão-Baleares (1908). Llimona foi talvez o mais plenamente modernista, como na medalha distintiva dos intervenientes da Liga Regionalista (1907), na dos Jogos Florais de Barcelona de 1908, na Grande Medalhão Cataluña a Guimerá (1909), na do Orfeón Catalão (1911) e na do Centro Excursionista da Catalunha (1912). Outros artistas que ganharam medalhas em menor proporção foram: Miguel Blay, Pablo Gargallo, Lluís Masriera e Josep Maria Camps i Arnau.[501].
artes gráficas
El modernismo, por su carácter ornamental, supuso una gran revitalización de las artes gráficas, con una nueva concepción más enfocada en el acto creador y en la equiparación con el resto de artes plásticas, hasta el punto de que sus artífices plantearon por primera vez la «unidad de las artes». El diseño modernista planteaba en general la revalorización de las propiedades intrínsecas de cada material, con unas formas de tipo organicista inspiradas en la naturaleza.[39].
El diseño gráfico destacó sobre todo en la ilustración para revistas y periódicos, así como en el cartelismo y el exlibrismo, pero fue excelso también en ilustraciones para portadas de libros, catálogos de exposiciones, programas de fiestas y espectáculos, etiquetas, diplomas, invitaciones, tarjetas de visita y todo tipo de impresos, elaborados en general por los mismos artistas autores de ilustraciones, carteles y exlibris.[502] Destacaron sobre todo las revistas ilustradas, como La Ilustración Artística, Hispania "Hispania (Barcelona)"), Álbum Salón, Hojas Selectas, La Campana de Gracia, L'Esquella de la Torratxa, ¡Cu-Cut!, Papitu, Joventut "Joventut (revista)"), Luz, Quatre Gats y Pèl & Ploma.[503].
Un sector que sufrió grandes cambios durante este período fue el de la impresión de libros. Hasta entonces solían ser libros tipográficos, ilustrados con xilografías o calcografías, pero a lo largo del siglo fueron surgiendo nuevas técnicas de impresión, gracias al desarrollo de las rotativas, el fotograbado, la litografía y la cromolitografía, así como la industrialización de la producción de papel y tinta. El desarrollo de las técnicas de impresión comportó la creación en 1898 del Instituto Catalán de las Artes del Libro (ICAL), que a su vez fomentó la creación de una escuela de oficios de la imprenta y la publicación de una Revista Gráfica.[504] Entre las imprentas de la época cabe destacar las de Josep Thomas, Fidel Giró, Joan Oliva y Octavi Viader,[505] mientras que de las editoriales destacó Montaner y Simón.[506] También tuvo un gran auge la bibliofilia, gracias a la fundación en 1903 de la Sociedad Catalana de Bibliófilos y a la publicación de la revista Bibliofília (1911-1914 y 1915-1920), dirigida por Ramón Miquel y Planas.[506].
También se desarrolló la tipografía, gracias especialmente a Eudald Canivell, renovador de las técnicas tipográficas, que desarrolló un estilo goticizante llamado Gótico Incunable Canibell.[507] Otro sector en auge fue la encuadernación, terreno en el que cabe remarcar la obra de Josep Roca i Alemany, creador de encuadernaciones de cuero de gran calidad, como el Llibre d'Homenatge del Futbol Català;[508] o Eduard Domènech i Montaner, hermano del arquitecto, que destacó en la colección Biblioteca Arte y Letras.[509].
Desenho e ilustração
O desenho teve grande relevância no modernismo catalão, não só como base preparatória para a realização de pinturas, mas também por si só, como arte independente. Muitos pintores modernistas foram grandes desenhistas e, em vários casos, o seu trabalho de desenho é quase tão relevante como o seu trabalho pictórico, como poderia ser o caso de Ramón Casas, Adrián Gual ou Alexandre de Riquer.[510] Outros artistas, embora ocasionalmente pudessem se aventurar no campo da pintura, destacaram-se mais como desenhistas, seja como arte em si, seja como ilustradores de revistas, jornais ou livros. Em termos de técnica e estilo, existiam mais ou menos as mesmas variantes que na pintura, como também ocorreria em termos de tema, desde o mais decorativo típico do modernismo de raízes europeias até ao tema social típico do modernismo "negro". Note-se que a ampla divulgação do desenho modernista graças à mídia impressa ajudou muito na difusão do estilo, especialmente entre as classes populares.[512].
Entre os cartunistas, destaca-se em primeiro lugar Apeles Mestres, membro de uma geração anterior, mas que se integrou plenamente no modernismo e que se destaca como o criador de uma nova escola catalã de ilustração. Colaborou em revistas como La Campana de Gracia e L'Esquella de la Torratxa e, graças ao seu papel de escritor, abordou a criação de livros como obras de arte totais, com igual cuidado nos textos e nas ilustrações, como se vê em Liliana (1907). Episódios nacionais de Benito Pérez Galdós. Entre 1896 e 1906 publicou um cartoon diário em La Publicitat. Influenciado pelo Pré-Rafaeliteismo e pelas gravuras japonesas, desenvolveu um estilo austero e linear, alternando caráter satírico com obras mais sérias.[514].
Da linha mais simbolista e Art Nouveau do modernismo, destacaram-se Alexandre de Riquer, Adrián Gual e Josep Maria Roviralta. Riquer, além de pintor e escritor, foi também um grande desenhista. Foi diretor artístico da revista Joventut (1900-1906) e um dos principais colaboradores da revista Luz, bem como de La Ilustració Catalana, Arte y Letras e outras. Também ilustrou seus próprios livros, como Quan jo era noy (1897), Crisantemes (1899) e Anyoranses (1902). Ele tinha um estilo refinado, plano e elegante, influenciado pelas estampas japonesas. Gual também se destacou no desenho, principalmente na ilustração de seus próprios textos. Colaborou com revistas como Luz, Joventut e Pèl & Ploma, foi diretor artístico da revista Garba e editor da revista Ibsian Brand. Mas destacou-se na edição de livros próprios, dos quais tratou tanto do texto quanto da ilustração, como (1896), (1897) e (1899). Seu estilo se movia em um simbolismo sintético um tanto austero, com espaços vazios para enfatizar o desenho principal, sem as ornamentações ornamentadas usuais do modernismo. Roviralta foi ilustrador - trabalhou principalmente para a revista -, com certa influência de Vallotton, como denota seus fortes contrastes de preto e branco. Foi também poeta e uma de suas obras, (1902), foi ilustrada, porém, pelo cartunista Lluís Bonnín.[517].
Gravado
A gravura do século sofreu uma importante renovação técnica graças à litografia, um novo tipo de gravura em calcário, inventado por Aloys Senefelder em 1796. Devido à sua facilidade de impressão e baixo custo, a litografia foi amplamente utilizada no meio jornalístico até o surgimento das técnicas fotomecânicas. Também surgiram novas técnicas como heliogravura, zincografia, fotolitografia e fototipia. Por outro lado, a invenção do daguerreótipo e da fotografia levou ao aparecimento de revistas ilustradas, sobretudo com a técnica da xilofotografia e, desde 1880, da fotogravura. Tudo isso levou à readaptação dos antigos gravadores profissionais, aqueles que trabalhavam gravuras à mão - nas antigas técnicas de xilogravura e entalhe - que se tornaram gravadores-artistas, nos quais, para além da técnica, valorizavam-se a sua artisticidade, o estilo e a qualidade dos seus traços. Mesmo assim, poucos artistas catalães cultivaram as técnicas antigas: Alexandre de Riquer tinha uma prensa de talhe-doce em sua casa-oficina na rua Freneria, em Barcelona, onde dava aulas de gravura em talhe-doce; Joaquim Sunyer e Ramón Pichot interessaram-se durante algum tempo pela água-forte, às vezes pela cor. Joan Vidal i Ventosa dedicou-se à pirografia, obra para a qual fundou o ateliê Guayaba, também famoso por um encontro onde Picasso compareceu. Entre suas obras destaca-se Vallcarca em noite de luar, que se encontra no Museu Nacional de Arte da Catalunha.[527] O caricaturista Cayetano Cornet fundou uma indústria de fotogravura, posteriormente convertida em União dos Fotogravadores.[360] Pau Roig foi pintor, aquarelista, gravador e ilustrador, em estilo pós-impressionista com linhas e cores vibrantes; Viveu muito tempo em Paris, onde realizou uma admirável série de litografias dedicadas ao circo, com influência de Toulouse-Lautrec. Praticou também gravura, numa linha mais influenciada pela obra de Cézanne.[532].
Um género que teve um grande boom nesta época foi a arte do cartaz, promovida naqueles anos pela cromolitografia e patrocinada pelo aumento da publicidade, fenómeno favorecido por sua vez pelo boom económico daqueles anos.[533] Na arte do cartaz, uma influência especial foi recebida da França, onde artistas renomados se dedicaram ao design publicitário, como Toulouse-Lautrec ou Steinlein. Porém, na Catalunha rapidamente atingiu níveis de grande qualidade e singularidade, graças a artistas de igual valor, como Ramón Casas. Treinado principalmente em Paris, Casas desenhou cartazes de qualidade comparável às suas pinturas, como Anís del Mono (1889), Champagne Codorniu, Els Quatre Gats ou Paris Cigarettes (1901). Outro pintor que se aventurou na arte do cartaz foi Santiago Rusiñol, gênero que cultivou sobretudo para divulgar suas obras teatrais, como L'alegria que passa, Oracions ou Fulls de vida. Destacou-se também Alexandre de Riquer, autor de cartazes que mostram a influência de Alfons Mucha, a maioria deles feitos em água-forte, como os feitos para o Círculo Artístico de San Lucas ou para a fábrica de biscoitos Grau y Cía. Outros notáveis cartazes foram: Joan Llaverias, autora dos cartazes da grife Esteva e Portabella; Carlos Vázquez Úbeda, residente em Ciudad Real radicado em Barcelona, discípulo em Paris de Léon Bonnat, autor do famoso cartaz da Sala Parés de 1904; Adrián Gual, filho de litógrafo, que tal como Rusiñol divulgou o seu Teatre Íntim, destacando também o seu cartaz para a IV Exposição de Belas Artes e Indústrias Artísticas (1898); e Javier Gosé, autor de cartazes que mostram a influência de Gustav Klimt.[534].
Design e artes decorativas
El modernismo destacó especialmente en cuanto a diseño, generando un gran número de obras de gran calidad en terrenos como la orfebrería, la cerámica, la ebanistería, la forja, la vidriería, el mosaico y otras disciplinas artesanales.[541] La mayor fuente de inspiración del diseño modernista fue la naturaleza, con especial predilección por la asimetría y la línea curva (olas, espirales, volutas) y elementos como flores, tallos, aves e insectos. En general, se buscaban elementos asociados a conceptos efímeros, a la preocupación por la existencia y a la evocación de la belleza.[542].
El origen del diseño modernista se encuentra en una nueva toma de conciencia liderada por los arquitectos de fin de siglo, los cuales, frente a la recreación de estilos del pasado fomentada por el historicismo, se afanan en buscar un estilo nuevo, un estilo que sirviese a las necesidades de una nueva sociedad que inicia una nueva era.[543] En la búsqueda de este nuevo estilo serán determinantes las influencias procedentes de Europa, especialmente del Arts and Crafts inglés, así como del prerrafaelismo y del simbolismo, e incluso el japonismo; de igual manera, se encuentra un especial referente en el naturalismo, las formas de la naturaleza, bien anatómicas, zoológicas o botánicas.[544] El objetivo es la integración de las artes, la planificación de una obra en su conjunto, en la que hasta el más mínimo detalle está estudiado en un concepto unitario. Arquitectos como Gaudí o Domènech i Montaner abordaron en persona toda la concepción de sus obras, desde los aspectos arquitectónicos hasta la decoración y el interiorismo; cuando no, otros arquitectos encargaron estas facetas a decoradores o artesanos, pero siempre con una visión integradora.[545].
Uno de los mayores impulsores de los oficios artísticos dentro del modernismo fue Salvador Sanpere, quien ya en los años 1870 había valorado en un viaje a Inglaterra la decidida apuesta por la artesanía y las artes industriales en este país. Preocupado por la unión de calidad y belleza en el diseño artesanal e industrial, fomentó conferencias y exposiciones para la difusión de las nuevas ideas, así como la fundación en 1894 del Centro de Artes Decorativas y de la revista El Arte Decorativo, una labor que cristalizó con la organización en 1896 de la Exposición de Bellas Artes e Industrias Artísticas, que por primera vez conectaba estas dos ramas del arte. Otro centro difusor fue el Castillo de los Tres Dragones, el edificio diseñado por Lluís Domènech i Montaner como restaurante de la Exposición Universal de 1888, que se dedicó por un tiempo al fomento de las artes aplicadas, con la participación de arquitectos, artistas y artesanos, bajo la dirección del propio Domènech junto con Antoni Maria Gallissà y nombres como Frederic Masriera, Eusebi Arnau, Antoni Rigalt o Jaume Pujol.[546] Por otro lado, en 1903 se fundó la entidad Fomento de las Artes Decorativas (actualmente Fomento de las Artes y del Diseño), con el objetivo de impulsar la producción artesanal. Su primer presidente fue el arquitecto Manuel Vega y March.[547].
Un claro exponente de arquitecto preocupado por el interiorismo y las artes decorativas fue Antoni Gaudí, que diseñó muchos de los muebles y obras de forja para sus obras, así como innovó en el terreno del mosaico con su técnica del trencadís, un tipo de aplacados de cerámica hecha con piezas de desecho que disponía en combinaciones originales y fantasiosas, como su banco ondulante del parque Güell.[548] En su etapa de estudiante, Gaudí frecuentó diversos talleres artesanales, como los de Eudald Puntí, Llorenç Matamala y Joan Oñós, donde aprendió los aspectos básicos de todos los oficios relacionados con la arquitectura.[549].
En el terreno del diseño, el modernismo se dio en todo tipo de objetos, muchos de ellos tratados como pequeñas esculturas, como jarrones, espejos, lámparas, relojes, bibelots, jardineras, plafones, biombos, ceniceros, objetos de escritorio, juegos de café y otros, elaborados en bronce, plata, cerámica, terracota, estuco, porcelana y otros materiales. Este tipo de objetos estuvo quizá más cercano que otros al diseño Art Nouveau realizado en el resto de Europa, especialmente el francés, con influencia de autores como René Lalique o Émile Gallé.[550].
Decoração e design de interiores
Com o boom vivido pela ornamentação trazido pelo modernismo, todas as artes e técnicas construtivas relacionadas à decoração ganharam grande destaque, como os revestimentos "Facing (arquitetura)"), revestimentos e esgrafitos. Todos os comércios relacionados com pedra, madeira, ferro, vidro, cerâmica, gesso ou estuque foram reavaliados. Decoradores, pintores, desenhistas, escultores e artesãos de todos os tipos intervieram na área do design. Regra geral, a decoração dos edifícios, quer nas paredes, quer nas galerias, varandas, tribunas, colunas, pilares, frisos e outros elementos, era habitualmente realizada com motivos florais, vegetalistas, geométricos ou figurativos, com predominância da linha curva e de figuras como espirais, arabescos, elipses, zigue-zagues e similares.[551].
De uma forma geral, o design de interiores modernista procurava a unificação de todos os elementos do imóvel a decorar, a sua integração num desenho comum. Um dos principais designers de interiores foi Salvador Alarma, também conhecido como cenógrafo, arquitecto da decoração de vários estabelecimentos como o salão de dança La Paloma ou o bar La Luna em Barcelona. Outros decoradores notáveis foram Ricard de Capmany, Josep Pascó e Miguel Moragas, cujo trabalho foi reconhecido com a inclusão de um prémio específico para estabelecimentos no prémio ao melhor edifício "Concurso Anual de Edifícios Artísticos (Barcelona)") atribuído anualmente pela Câmara Municipal de Barcelona.
As paredes ganharam textura e cor nesta época, abandonando as formas suaves em favor do volume e do relevo, seja em pedra ou em estuque. Popularizou-se o uso de diferentes pedras para brincar com os tons de cada uma, sendo as mais comuns as de Montjuic "Montjuic (Barcelona)"), Figueras, Calafell, Manresa, Murcia ou Alicante. Quando a pedra natural não era permitida, utilizavam-se pigmentos, que naquela época cresciam numa ampla paleta de cores, com catálogos que chegavam a trezentas variedades. Os preferidos eram claros e brilhantes, principalmente verde, lilás, azul e rosa. Quanto ao estuque, geralmente era monocromático e, caso se preferisse uma combinação de cores, utilizava-se o esgrafito. No interior foram utilizados estuques que imitavam mármore ou jaspe. As coroas dos edifícios evoluíram também dos habituais frisos, rodapés ou grades para frontões, escudos e templos. As varandas eram geralmente de ferro fundido e os motivos decorativos mais comuns eram as flores, o coup de fouet, a folha de palmeira e a borboleta.[553].
Quanto aos revestimentos, predominaram nas paredes o estuque e o esgrafito, quer com motivos ornamentais, quer em imitação da obra vista, com predileção pelos tons avermelhados e amarelados. Nas paredes interiores tornou-se muito popular o uso de papéis de parede, a maioria deles importados de França, cujo maior importador eram as lojas Pineda, embora decoradores como Salvador Roma, Salvador Sàlvia e Juli Portet também se dedicassem ao seu comércio; como fabricante nacional, destacou Antoni Pallejà. Alguns foram projetados por arquitetos como Antoni Gallissà, que patenteou um tipo chamado Pegamoid. Outros recursos comuns nas paredes eram tecidos, mosaicos ou pinturas murais. Os pisos eram revestidos com pavimento hidráulico, decorados com os mesmos motivos ornamentais. Os recintos eram geralmente feitos de madeira, combinando diferentes texturas e cores, e com aplicações de ferro, tecido ou papel de parede. Tetos de cerâmica ou vidro também eram frequentemente usados. Geralmente, os espaços foram concebidos como uma unidade, tanto pisos, paredes e tectos, combinando parquet, vigas e tectos em caixotões com os mesmos motivos ornamentais. Uma das empresas que possuía um catálogo mais amplo nesse sentido era a Casas y Bardés, que patenteou alguns substitutos da madeira chamados e .[554].
Marcenaria
A área da marcenaria também se desenvolveu muito, uma vez que os arquitectos modernistas deram igual ênfase ao exterior e ao interior do edifício, pelo que a decoração interior foi muito cuidada. Muitos arquitetos desenharam eles próprios o seu próprio mobiliário, como Gaudí, Domènech i Montaner e Puig i Cadafalch.[556] A marcenaria inspirou-se, como as restantes artes modernistas, nas formas orgânicas, com preferência pelas curvas, encontrando inspiração nas plantas, flores, pássaros, peixes ou borboletas, bem como na figura feminina. Havia uma predileção pelas madeiras claras, como o freixo ou o sicômoro, enquanto as madeiras escuras eram utilizadas apenas para dar contraste na marchetaria e eram utilizadas aplicações de vidro e metal. Também se utilizava mogno, geralmente importado de Cuba, que geralmente era tingido de vermelho, carmim ou sienna "Siena (cor)"). Incrustações de marfim, osso, madrepérola ou carapaça de tartaruga também eram frequentemente aplicadas.[558].
O mobiliário modernista oscilou, como no resto das artes em geral, entre primórdios onde persiste a inércia do passado e uma evolução que antecipa as formas do futuro que chegariam com o século.[559] O grande precursor das novas formas no mobiliário modernista foi Francesc Vidal y Jevellí. Estudou na Escola de Artes Decorativas de Paris e, em 1883, abriu uma oficina de fabricação de móveis e objetos decorativos, tanto em ferro forjado, como em vidro e estofados. O seu mobiliário, sempre personalizado e nunca feito em série, atingiu níveis de grande perfeição, destacando-se pelas montagens, frisos e molduras.[560] A oficina de Vidal dedicou-se também à produção de objetos suntuários e decorativos, procurando cobrir todas as necessidades decorativas de um interior doméstico, tornando-o um dos primeiros decoradores de interiores do modernismo. Além da marcenaria, dedicou-se à vidraçaria e à forja. Contou com a colaboração dos melhores artistas e artesãos do momento, como Alexandre de Riquer - como designer -, Antoni Rigalt - responsável pela seção de vidros - e Frederic Masriera - na seção de forja -, além de seu filho, Frederic Vidal, designer de móveis, luminárias e biombos e especialista em vidro cloisonné; Por outro lado, a maioria dos melhores profissionais da época foram formados em sua oficina.[561].
Um dos seus maiores expoentes foi Gaspar Homar, descendente de várias gerações de carpinteiros e discípulo de Vidal Jevellí. Em 1893 criou a sua própria oficina, na qual desenvolveu um excelente trabalho, que evoluiu de um início algo gótico para um modernismo pleno, que se destaca pela perfeição das suas formas e modelos, como se pode verificar nos seus móveis para as casas Lleó Morera, Amatller, Trinxet, Oliva, Par de Mesa, Marqués de Marianao, Arumí, Garrut, Pladellorens e outras. Teve a ajuda de vários colaboradores, sobretudo no design, como Alexandre de Riquer ou Josep Pey, que desenharam marchetaria e aplicações de metal, osso ou madrepérola, geralmente de ninfas envoltas em lírios; ou de ceramistas como Lluís Bru ou Antoni Serra Fiter. Após a Primeira Guerra Mundial evoluiu para o Noucentisme, com produção em massa.[562].
Cerâmica e mosaico
Uma das áreas que ganhou novo boom foi a cerâmica, que foi utilizada tanto no revestimento interior como exterior dos edifícios, no revestimento de fachadas, guarda-corpos e elementos ornamentais, sob a forma de azulejos policromados. .[578] Uma das causas da revalorização da cerâmica foi a redescoberta da reflexão metálica, que foi recuperada da arte mudéjar. Neste sentido, em 1887 Gaudí e Domènech i Montaner fizeram uma viagem a Manises para conhecer em profundidade esta técnica, que depois aplicaram nos seus trabalhos. Domènech i Montaner, juntamente com Antoni Gallissà, formou uma oficina de artesanato no Castelo dos Três Dragões, onde trabalharam alguns dos melhores ceramistas da época, como Pau Pujol, Baldomero Santigós e Josep Ros, além do vidreiro Antoni Rigalt e do escultor Eusebi Arnau.[579].
Nessa época surgiram novos produtos, como as telhas de cristal - invenção dos irmãos Oliva - ou as telhas de papelão cromolitografadas, patenteadas por Hermenegildo Miralles.[580] Surgiu também a técnica trencadís, idealizada por Gaudí junto com seu então assistente Josep Maria Jujol para diversas obras no Parque Güell. Envolvia a utilização de restos de cerâmica descartados, geralmente esmaltados ou vidrados, por vezes combinados com outros materiais, como garrafas de vidro, espelhos ou pratos e xícaras de faiança, todos unidos com argamassa. Com este material foi feito o banco ondulado do Parque Güell, os medalhões no teto da sala hipostila e o dragão (ou salamandra) na escada de acesso ao parque. parque.[582].
Um dos ceramistas mais destacados foi Antoni Serra Fiter, pintor de formação e criador de um atelier que se destacou pela elevada qualidade, sobretudo em grés e porcelana de estilo Sèvres, dos quais se destacam os seus bibelots e vasos decorados. Vários artistas e designers trabalharam para ele, como Pablo Gargallo, Xavier Nogués, Ismael Smith e Josep Pey. Ganhou vários prémios em exposições de artes plásticas em Barcelona, Londres e Paris.[583] Igualmente relevante foi o trabalho de Jaume Escofet, oleiro e ceramista, criador da empresa Escofet & Fortuny, que apesar da sua natureza industrial criou peças de elevada qualidade, destacando-se os seus pavimentos, muitos dos quais cobrem as ruas de Barcelona, entre os quais se destacam os azulejos que Gaudí desenhou para o Paseo de Gracia.[584] Outra empresa de produção industrial foi a Pujol i. Bausis, iniciado por Jaume Pujol e continuado por seu filho, Pau Pujol, criadores da maioria dos azulejos e mosaicos que cobriam os edifícios modernistas, com projetos dos próprios arquitetos, como Gaudí, Domènech i Montaner ou Puig i Cadafalch, bem como com a colaboração de artistas e designers como Lluís Bru e Adrián Gual.[584] A cerâmica de Pujol i Bausis Encontra-se em obras como o Amatller. Casa, o Hospital San Pablo ou o Parque Güell. A antiga fábrica, localizada em Esplugas de Llobregat, atualmente abriga o Museu de Cerâmica La Rajoleta.[585].
Vidrarias
Também foi revitalizada a arte dos vitrais, utilizados também na decoração de edifícios como fechamento de portas, janelas e galerias.[577] Nesta, como em outras artes, atingiu-se um nível de qualidade que se igualou ao período de esplendor dos vitrais: o gótico. criação.[592] Percebe-se assim uma evolução progressiva desde as primeiras obras, herdeiras do historicismo, em que ainda se utilizavam grisailles ornamentais no estilo gótico, até os vitrais cheios de cor e textura encontrados, por exemplo, no Palácio da Música Catalã. O desenho desses vitrais às vezes era executado pelo arquiteto ou algum outro artista colaborador, geralmente um pintor; Em outros, o vidreiro ficou livre para fazer seus próprios desenhos.[593] Entre os pintores que desenharam vitrais, vale destacar Alexandre de Riquer, Joaquín Mir, Josep Triadó, Joaquim Renart e Josep Pey.[594].
A figura mais proeminente foi Antoni Rigalt, pintor e desenhista, além de vidreiro e professor da Escola de Belas Artes. Fundou uma oficina de vidro na rua Mallorca e no Paseo de Gracia - a empresa Rigalt, Granell i Cia., em colaboração com o arquitecto Ferran Granell - que obteve grande sucesso, com encomendas de arquitectos de renome para decorar os seus edifícios. Entre suas obras destacam-se a cúpula de vidro do Palácio da Música Catalã ou os vitrais da casa Lleó Morera, ambos de Domènech i Montaner. Em 1888 ganhou uma medalha de ouro na Exposição Universal.[595].
Outros autores notáveis foram: o pintor e gravador Francesc Canyelles, autor dos vitrais do salão de reuniões da Casa de la Caridad de Barcelona, com extensão de; em séries de influência vienense;[596] Frederic Vidal, filho do marceneiro Vidal y Jevellí, que estudou a técnica do vidro cloisonné em Londres e trabalhou na oficina de seu pai fabricando principalmente luminárias e biombos;[417] Joan Espinagosa, importador de vidro impresso pela primeira vez da Inglaterra, fundou uma renomada oficina em Barcelona que contou com a colaboração como designer de Luis Gargallo, irmão de Pablo Gargallo;[597] Lluís Oriach trabalhou para arquitectos como Manuel Raspall, Josep Maria Jujol e Cèsar Martinell, destacando-se pela qualidade dos seus acabamentos.[598] Por último, vale a pena mencionar a empresa francesa Maumejean, com sucursais em Madrid e Barcelona, que se encarregou dos vitrais da Caixa Económica Sabadell e da casa Pérez Samanillo.[599].
Por último, vale a pena mencionar o interessante projeto de vitrais para a restauração da Catedral de Maiorca, elaborado por Antoni Gaudí em colaboração com os pintores Iu Pascual, Jaume Llongueras e Joaquín Torres García, no qual testaram uma nova técnica baseada no tricrômio, sobrepondo o vidro com as três cores primárias.[600].
Forjamento e fundição
Como em outras artes, a forja desenvolveu-se notavelmente neste período. Em geral, utilizou-se a técnica do ferro fundido, embora, em comparação com o trabalho industrial e seriado que surgiu desde o início do século, o trabalho artesanal tenha retornado em grande parte. Alguns arquitetos fizeram projetos para serem feitos em forja, como Gaudí, Domènech i Montaner, Puig i Cadafalch, Enric Sagnier, Josep Maria Jujol, José Vilaseca ou Alexandre Soler. Junto com eles, alguns escultores também fizeram desenhos para forja, como os irmãos Miguel e Luciano Oslé, Josep Maria Barnadas ou Julio González, filho de um falsificador, Concordio González; e também desenhistas e designers, como Pau Sabaté.[601] Alguns marceneiros, como Gaspar Homar ou Joan Busquets, também projetaram elementos de ferro forjado, especialmente lâmpadas.[602].
A forja modernista destacou-se pela predileção pela forma curva - especialmente o chamado coup de fouet - ou pela forma helicoidal, bem como pela sua tridimensionalidade, uma vez que tendiam a ocupar espaços vazios dentro da arquitetura e não como reforço de uma parede ou outro elemento que conferisse maior bidimensionalidade. As barras eram geralmente substituídas por corrimãos ou fitas torcidas, com cruzamentos diagonais. Quanto aos elementos decorativos, os mais frequentes foram os motivos florais, naturalistas ou historicistas, provenientes da tradição gótica, bem como os animais, geralmente relacionados com a iconografia do fogo, como dragões ou cobras.[603].
Regra geral, os arquitectos concebiam os elementos de ferro forjado para os seus edifícios, que eram executados por ferreiros. Normalmente eram desenhos, embora Gaudí gostasse de fazer pequenos moldes em papelão, cera, argila ou gesso.[602] Tanto Domènech i Montaner como Puig i Cadafalch foram geralmente inspirados na ferraria gótica, como se pode ver na porta de entrada do Hospital de San Pablo, formada por barras verticais encimadas por rosetas geométricas e atravessadas por duas grandes elipses em espiral. Puig i Cadafalch combinou inicialmente raízes góticas com influência da Europa Central, mas depois buscou um estilo mais mediterrâneo, como nas casas Amatller e Terrades. O mais original foi mais uma vez Gaudí, cuja maior inspiração se encontra sempre na natureza, sem deixar de recorrer a animais míticos ou a motivos heráldicos. Vemos assim o seu magnífico portão de entrada da casa Vicens, inspirado na folha de palmeira; o dragão no portão de entrada dos pavilhões Güell; o escudo da Catalunha com o capacete e a fênix da porta de entrada do Palácio Güell; a maçaneta da casa Calvet, em forma de cruz que um percevejo bate – em alusão ao pecado; ou as varandas da casa Milà, formadas por folhas de ferro retorcidas em formas abstratas, talvez lembrando papel amassado ou algas marinhas, se for preciso procurar uma semelhança.[604].
Entre os arquitectos, destacam-se os projectos de Pedro Falqués, arquitecto municipal de Barcelona entre 1889 e 1914. Foi o autor do projecto dos candeeiros do Passeig de Gracia, constituídos por um banco de pedra calcária com revestimento cerâmico, sobre o qual se ergue um poste de ferro forjado com uma linha sinuosa em forma de L no final da qual pende a lanterna, uma decoração tipo planta e um remate com o brasão de Barcelona, uma coroa e um morcego.[605] Da mesma forma, projetou uma espécie de fonte conhecida como fonte Canaletas, localizada na Rambla com a Plaza de Catalunya, em ferro fundido, com estrutura em forma de taça com quatro torneiras e coluna encimada por quatro postes de iluminação.[606].
Ourivesaria
A ourivesaria era um ofício com grande tradição na Catalunha desde a Idade Média. Em 1869, a antiga guilda foi dissolvida, permitindo que joalheiros e ourives exercessem livremente a profissão. Em tempos de modernismo atingiram níveis de grande qualidade, como nas restantes artes. Devido à tradição arraigada deste sector, existiram várias dinastias de ourives que passaram o testemunho de pai para filho; os mais notáveis foram os Masriera e os Carreras.[613] Dos primeiros vem o ourives modernista mais proeminente: Lluís Masriera. O seu pai era pintor paisagista, atividade que Lluís também desenvolveu, formado em Paris, Londres e Genebra. Nesta última cidade conheceu o trabalho do esmalte, técnica que aperfeiçoou, conseguindo um tipo de esmalte translúcido conhecido como “esmalte Barcelona”. Influenciado pelo simbolismo francês e pela arte japonesa, fez joias de alta qualidade, nas quais predominavam figuras femininas de aparência deliquescente, tão comuns no simbolismo. Muitas delas foram definidas como “joias de insetos” por se assemelharem ao formato desses invertebrados. Entre as suas obras destaca-se o diadema que um grupo de cidadãos catalães deu à rainha Vitória Eugénia no dia do seu casamento com Alfonso XIII em 1906. Também dedicado à pintura e à cenografia, foi presidente da Real Academia de Belas Artes de São Jorge. A firma Masriera y Carreras – mais tarde Bagués-Masriera – ainda existe e manteve um certo estilo neomodernista, relembrando os anos dos seus maiores sucessos.[614].
A dinastia Carreras começou no século XIX. Na época modernista, Joaquim Carreras “Carreras (joalheiros)”) destacou-se, atingindo níveis de grande perfeição no esmalte, quase paralelos ao trabalho de Lluís Masriera. Em 1915, ambas as empresas se fundiram.[615] Outra dinastia ilustre foi a dos Cabotas, iniciada por Francesc Cabot Ferrer, pai de três irmãos: Francesc, Emili e Joaquín Cabot Rovira. Desenvolveram um estilo distintamente catalão, autores de modelos originais de alta qualidade. O pai foi o autor da coroa da Virgem de Montserrat (1880), enquanto Joaquín - que também foi banqueiro, escritor e político, além de presidente do Orfeón Catalán - criou a coroa da Virgem de Queralt de Berga (1916).[616].
De referir que vários escultores também se dedicaram ao design de joias, como Josep Llimona, Eusebi Arnau, Emili Fontbona, Manolo Hugué, Julio González e Pablo Gargallo.[617].
Têxtil
O têxtil “Tecido (têxtil)”) ganhou um grande boom graças à indústria do algodão, não em vão a Catalunha foi pioneira na Espanha da Revolução Industrial. Desde o século que se destacaram as chamadas "indianas", tecidos pintados ou estampados com temas geralmente inspirados na natureza (jardins, paisagens), ou motivos chinoiseries - de influência francesa -, emoldurados com guirlandas e coroas de louros. Uma grande coleção está preservada no Museu Provincial Têxtil de Terrassa.[618].
É difícil falar da tecelagem modernista como uma arte significativamente relacionada com este movimento, uma vez que a indústria têxtil costuma ser abordada mais do ponto de vista económico-social do que artístico e, por outro lado, a tecelagem é um material relativamente perecível, que sobrevive com dificuldade ao longo do tempo; Por outro lado, está sujeito aos caprichos da moda e não é um produto normalmente recolhido ou preservado para museus ou outros motivos. Apesar de tudo, embora os têxteis modernistas tenham começado um pouco tarde, nesta modalidade artística durou mais do que em qualquer outra, pois as peças deste estilo continuaram a ser fabricadas até a década de 1940, devido ao seu sucesso.
Na decoração de interiores, o têxtil foi utilizado principalmente em cortinas, persianas, estofados, tapetes, tapetes, biombos, toalhas de mesa, almofadas e roupas de casa, nas quais o estilo modernista começou a ser introduzido em meados da década de 1890, com especial influência do Arts and Crafts inglês - aliás, nesta época eram importados numerosos têxteis ingleses, bem como franceses. Como materiais costumavam ser utilizados algodão, lã, mohair, seda, veludo cotelê, veludo, linho e cânhamo, lisos, bordados, estampados ou esculpidos (jacquards). Também foi utilizado pegamóide, um tipo de borracha que imitava couro e servia para estofar cadeiras. Outro campo de produção têxtil eram os suntuários, peças de luxo para objetos exclusivos, como bandeiras e estandartes, tapeçarias, damascos "Damasco (tecido)") e roupas litúrgicas, nas quais eram utilizados tecidos luxuosos, muitas vezes com desenhos de artistas renomados, como Alexandre de Riquer, Sebastià Junyent, Pau Roig, Josep Pey, Aleix Clapés, Joaquim Vancells, Adrián Gual e Josep Pascó. Nesta época, muitos arquitectos desenharam estandartes para associações políticas, religiosas e culturais - especialmente coros e somatenes - muito populares, como Gaudí, Domènech i Montaner, Puig i Cadafalch, Gallissà, Jujol, Sagnier, Rubió, Raspall, Masó, Pericas, Balcells, etc. e o da União Catalã, de Riquer (1901).[620].
Entre os designers de tecidos, vale destacar Alexandre de Riquer: homem versátil, destacou-se em quase todos os campos das artes. Desenhou estandartes, tapeçarias e tecidos de todos os tipos, entre os quais se destacam os confeccionados para a empresa Sedera Franco-Española entre 1900 e 1915, especializada em lenços de seda para o pescoço. Mateu Culell foi um dos primeiros designers industriais profissionais, que desenhou tecidos, tapetes e estampas para a indústria, além de cerâmicas e joias. Cenógrafos como Francesc Soler Rovirosa, Oleguer Junyent e Salvador Alarma também desenharam tecidos, assim como marceneiros como Francesc Vidal y Jevellí, Gaspar Homar e Joan Busquets - não em vão numerosos móveis foram estofados. Ribera, Aurèlia Gispert e Blanca de Espanya. Alguns pintores como Lluïsa Vidal e Pepita Teixidor também desenharam tecidos.[622] Talvez a mais renomada seja Aurora Gutiérrez Larraya, que se destacou no desenho de bordados, especialmente estampados, muitos dos quais ficaram famosos por suas reproduções na imprensa.[252] No campo do vestuário, seguiram-se as tendências da moda na Europa, com especial influência inglesa no vestuário masculino e influência francesa no vestuário feminino. Destacaram-se as costureiras Carolina Montagne e Maria Molist —mais conhecida como Maria de Mataró.[623].
Literatura
En el terreno de la literatura, el concepto de un «modernismo catalán» es polémico, es difícil establecer su naturaleza y alcance, si es un movimiento separado de la literatura modernista española o no, o cual es su definición y características.[624] Según Alan Yates (Una generación sin novela, 1975), la literatura modernista en catalán nacería con la Exposición Universal de 1888 y finalizaría con la muerte de Joan Maragall en 1911. Para Eduardo Valentí, se iniciaría en 1881 y moriría en 1906, con la aparición del novecentismo.[625] Pese a todo, existe división en cuanto a considerarlo una tendencia, un movimiento o una etapa histórica. Según Joaquín Marco, no es una escuela literaria, ni un movimiento estético. Quizá su principal seña de identidad sea la afirmación de lo nuevo —lo «moderno»— frente a lo antiguo, una actitud de rebeldía, de iconoclastia, frente a las formas literarias anteriores.[626] Aun así, se perciben en su desarrollo las raíces posrománticas, aunque con un afán regenerador, intentando encontrar un lenguaje original.[627] El modernismo se opone al naturalismo "Naturalismo (literatura)") anterior, frente al que oponen una mayor espiritualidad.[628] Al contrario que las artes plásticas, la literatura modernista contó con escasa aceptación entre la clase burguesa, tanto por su temática moderna como por estar escrita en catalán, idioma que no empezó a consolidarse entre la clase burguesa hasta el novecentismo.[629].
El modernismo literario tuvo como primer objetivo la elaboración de una literatura en catalán plenamente moderna, alejada de las formas del pasado —especialmente las de los Jocs Florals—, renovada, de calidad y adaptada a los tiempos presentes. En ese sentido, su primer difusor fue la revista L'Avenç, de signo progresista, republicano y catalanista, liderada por jóvenes escritores como Narcís Oller, José Yxart, Joan Sardá, Jaume Massó, Raimon Casellas y Ramón D. Perés. Así como en la generación anterior el principal género cultivado fue la poesía, los editores y colaboradores de L'Avenç propugnaron la novela como el principal género de la modernidad, una reivindicación que comenzó con un artículo de Jaume Brossa en defensa de La febre d'or, una novela de Narcís Oller publicada en 1892. En consecuencia, el principal objetivo de la nueva literatura será la plasmación de la realidad. Según Raimon Casellas, cualquier fragmento de realidad es susceptible de convertirse en obra de arte, si este fragmento produce un choque emocional. El objetivo del arte ya no es la belleza, sino la emoción. Por otro lado, los nuevos temas de la literatura giran en torno a la ciudad y la vida urbana, las diferencias sociales, la pobreza, la miseria, la soledad, la bohemia, la prostitución, la mendicidad, la delincuencia, en paralelo a la pintura «negra» de Mir y Nonell.[630].
La base programática de la literatura modernista se fundamentó en el nacionalismo y el progresismo, con el objetivo de modernizar la sociedad catalana, especialmente la burguesía como clase dirigente, conformando sus gustos e ideas. En ese sentido, Joan Lluís Marfany definió el modernismo como la transición «de cultura regional, peculiar y tradicionalista en cultura nacional, normal y moderna».[631] Por otro lado, sus raíces ideológicas y estéticas se encuentran en la cultura europea del momento, marcada en lo filosófico por el positivismo, matizado ya en estos años por el vitalismo introducido por Nietzsche —que fue traducido por Maragall en 1893— y por el irracionalismo presente en la obra de Henri Bergson, Herbert Spencer y Arthur Schopenhauer. Estos autores inciden en la primacía del yo, en una perspectiva individualista en que la realidad se percibe a través de la vida interior del individuo, de sus emociones y sensaciones, mientras que el exterior resulta falaz. Pese a ello, en el modernismo se percibe también una corriente naturalista, procedente de la influencia de Émile Zola, ya que se percibe como algo regenerador y que conduce a la modernidad, el máximo objetivo de los modernistas. También incidieron poderosamente las corrientes simbolista y prerrafaelita, defensoras de la corriente estética del decadentismo, otro de los principios básicos de la literatura modernista. Así, frente a la objetividad del arte realista, se defiende la subjetividad, la vía irracional hacia el conocimiento. Los principales modelos en este sentido fueron Baudelaire, Mallarmé, Verlaine y Rimbaud. Otros referentes literarios de la época fueron: Oscar Wilde, Joris-Karl Huysmans, E.T.A. Hoffmann, Edgar Allan Poe, Algernon Charles Swinburne, Pierre Louÿs, Auguste Villiers de L'Isle-Adam, Henrik Ibsen, Maurice Maeterlinck, Émile Verhaeren y Gabriele D'Annunzio.[632].
Con base en el decadentismo, la literatura modernista se centra en lo subjetivo, lo emotivo, en el pesimismo, el tedio de vivir, la angustia existencial, frente a lo cual se presenta como solución el culto a la belleza, al arte por el arte, a figuras como el bohemio "Bohemia (cultura)") y el dandi, que intentan extraer de la vida lo que vale la pena para satisfacción personal. La literatura se centra en el misterio, lo siniestro, lo prohibido, lo marginal, la melancolía, el exotismo, con personajes como vagabundos, dementes, moribundos, degenerados, así como una visión de la mujer que oscila entre la donna angelicata y la femme fatale.[633].
Cabe reseñar la importancia de numerosas revistas literarias y artísticas que sirvieron de vehículo de propagación del modernismo, como La Renaixensa, L'Avenç, Catalònia, Pèl & Ploma, Quatre Gats o Joventut "Joventut (revista)").[634] También en esta época contamos con numerosos periódicos, algunos en castellano y otros en catalán, como Diario de Barcelona, La Vanguardia, El Liberal "El Liberal (Barcelona)"), La Publicidad "La Publicidad (Barcelona)") o La Ilustració Catalana.[635] Algunas de estas revistas marcaron en cierta forma las diversas etapas que sufrió la literatura modernista: una primera regeneracionista centrada en L'Avenç (1889-1893), otra decadentista promulgada desde La Vanguardia y Diario de Barcelona (1894-1897), una tercera de nuevo regeneracionista impulsada por Catalònia (1898-1900) y una última de estética más uniformizada y credo catalanista en torno a Joventut (1900-1906). En la primera, los redactores más significativos fueron Jaume Massó, Ramón Casas, Raimon Casellas y Jaume Brossa; en la segunda, los escritores más relevantes fueron Raimon Casellas —de nuevo—, Santiago Rusiñol y Joan Maragall; en la tercera destacaron de nuevo Maragall y Rusiñol, así como Joaquín Casas Carbó, Ignasi Iglesias y Pompeu Fabra; en la cuarta fueron decisivos Joaquim Pena i Costa, Frederic Pujulà y Carmen Karr.[636].
Narrativa
A narrativa modernista surgiu num momento em que a prosa catalã estava pouco consolidada, pouco desenvolvida durante a Renaixença —apenas limitada à obra de Narcís Oller— e com pouca aceitação pelo público. Soma-se a isso o fraco desenvolvimento de uma linguagem narrativa dentro da língua catalã - que se desenvolverá mais plenamente com a reforma fabriana - e a falta de conteúdos diferenciados da escola literária anterior, a realista. Da mesma forma, foram poucos os editores e poucos críticos que analisaram os novos desenvolvimentos que surgiram. Assim, o primeiro romance modernista, Els sots feréstecs, de Raimon Casellas, só apareceu em 1901, pelo que a narrativa modernista pode ser limitada aos anos 1900, talvez no máximo até 1915, ano da publicação de Ildaribal de Alfons Maseras.[637].
Os romancistas modernistas procuravam uma linguagem subjetiva, de introspecção psicológica, com um certo lirismo, para a qual se inspiraram na obra de autores como Paul Bourget e Henry James. Utilizou-se como técnica o discurso narrado ou monólogo interno, com um "estilo indireto livre" que vem de Flaubert. Abundavam recursos como adjetivizações, dialetismos, contrastes fonéticos, diminutivos e aumentativos, onomatopeias ou elipses.[639] Percebe-se na narrativa modernista a crise da razão típica da época - devido à influência sobretudo de Nietzsche - que se traduz em uma luta entre o ser humano e seu meio ambiente. Os personagens modernistas são desajustados, sujeitos ao destino, incapazes de lutar contra o seu destino, contra o qual só podem opor-se com a sua vontade. É uma luta entre a matéria e o espírito, entre a coletividade e a individualidade, entre o bem e o mal, para alcançar a redenção, a autorrealização. No entanto, a natureza muitas vezes prevalece e o homem encontra a aniquilação, daí a dor e a frustração que subjazem aos romances modernistas.[640].
Em primeiro lugar, vale a pena mencionar Apeles Mestres, membro da geração anterior e iniciado no Romantismo, do qual evoluiu para o modernismo, estilo em que cultivou a narrativa, a poesia e o teatro. Na prosa cultivou preferencialmente biografias, memórias, lendas populares e pinturas tradicionais. Entre suas obras destacam-se: La perera (1908), La casa vella (1912) e L'espasa (1917).[642].
Raimon Casellas pode ser considerado o pai do romance modernista, graças ao aparecimento em 1901 de Els sots feréstecs. Casellas procurou criar uma narrativa moderna, substituindo o detalhe realista pela prosa descritiva, plástica, inspirada no simbolismo, onde predominam o claro-escuro e a sugestão, tudo através de duas técnicas narrativas: a síntese generalizante, pela qual a realidade é descrita através do temperamento do autor, substituindo-a por algo semelhante a uma caricatura; e, no sentido oposto, influenciar a realidade a partir da subjetividade, transfigurando-a num ideal artístico. O resultado é um conflito entre a realidade e o ideal, uma contradição que é evidente em toda a narrativa modernista.[643].
Poesia
Nesta época, a poesia modernista viveu um período de profunda renovação, em que se procurou superar o Romantismo dos Jocs Florals e conectar-se com as novas correntes europeias, num esforço de modernização, objectivo final sempre inerente ao modernismo. Perante a retórica floral e a sua temática tradicional (Amor, Pátria, Fé), pretendeu-se renovar a linguagem e o conteúdo da poesia, com um maior grau de verismo derivado da afinidade entre o criador e a sua obra, que se faz através da “impressão”, em consonância com o simbolismo literário praticado na Europa – dos quais os belgas (Maeterlinck, Verhaeren) tinham maior prestígio face aos franceses (Verlaine, Mallarmé) -. A influência simbolista foi denotada na descrição de estados emocionais com base em experiências reais, tudo por meio de metáforas que expressam sensações e sentimentos. Porém, desde 1898 a influência simbolista foi diminuindo, criticada pela sua pouca ou nenhuma ligação social, em busca de um maior compromisso com a sociedade e os males que a afligem. Assim, Joan Maragall seria uma das principais críticas do decadentismo e da sua visão pessimista e individualista do ser humano. As novas referências serão Gabriele D'Annunzio e Walt Whitman. Diante da dualidade simbolista homem-natureza, oferece-se uma visão integradora entre o ser humano, a natureza e a arte, que Maragall sintetiza em sua teoria da “palavra viva”, na qual concebe a Vida e a Beleza como um todo, onde o poeta é o único criador e sua palavra, a única verdade. Isto resulta no “espontaneísmo”, em que todos os acontecimentos da vida são integrados numa harmonia cósmica de natureza cíclica e positiva. Finalmente, a partir de 1900, a poesia simbolista voltou a ganhar adeptos, desta vez com maior influência do Parnasianismo e do Pré-Rafaelismo, com uma nova geração de jovens poetas defendendo o soneto como uma estrofe ideal, uma corrente mais classicista que levaria ao Noucentismo.
Tal como na secção anterior, os Apeles Mestres devem ser mencionados primeiro. Foi um grande inovador da linguagem poética, que procurou modernizar, ao mesmo tempo que tentava criar novos géneros que misturassem poesia com prosa, drama, baladas, histórias e lendas, quer em dramas líricos, quer em poemas narrativos. Depois de vários trabalhos algures entre o Romantismo e o Realismo, a sua obra mais modernista foi Liliana (1907), de influência Pré-Rafaelita, onde combinou poesia, desenho e design gráfico.[641].
O maior expoente da poesia modernista foi Joan Maragall. Foi influenciado pelo Romantismo, especialmente alemão - e, em particular, Goethe -, enquanto a nível local foi herdeiro de Jacinto Verdaguer. A influência de Nietzsche também é percebida em sua obra. A isso combinou um forte sentimento nacional e uma atitude panteísta em relação à natureza.[656] Maragall foi uma referência do modernismo, que viveu como profissional da criação literária e atuou como intelectual em múltiplas áreas da sociedade.[657] Em 1888 publicou seu primeiro poema importante, , que é um manifesto de seu credo poético, entendendo a poesia como uma vocação inalienável fruto da inspiração, qualidade única do poeta, que se revela em sua obra. a beleza do mundo. A sua primeira compilação de poemas foi (1895), ao mesmo tempo que combinou a sua obra poética com colaborações com jornais e revistas, especialmente e . Foi também tradutor de Nietzsche, cuja filosofia é perceptível em poemas como e . Nesses anos escreveu também alguns poemas decadentes, mais fora de moda do que por convicção (, 1894). A partir de 1896 iniciou uma nova etapa de signo vitalista, à qual acrescentou uma ideologia maior, relacionada com o catalanismo, que expressou em (1900), onde abordou a poesia popular e temas da tradição catalã, como na primeira parte de .[658].
Teatro
O teatro foi um dos principais meios de divulgação do modernismo, ao aliar os textos literários à sua encenação, onde a cenografia assumiu um papel primordial, que capturou também as principais características da arte modernista. O teatro foi um reflexo nestes anos da ideia de “arte total” formulada por Wagner com sua teoria da Gesamtkunstwerk. Assim, as artes cênicas ganharam um grande boom nesta época, graças à representação de obras nativas e de autores estrangeiros, com duas linhas estéticas diferenciadas: a naturalista, representada por Ibsen, Strindberg e Chekhov; e o simbolista, liderado por Maeterlinck, D'Annunzio e Gerhart Hauptmann.[679] O palco principal do teatro modernista era o Teatro Romea "Teatro Romea (Barcelona)") de Barcelona, que acolheu as obras dos novos dramaturgos modernos, como Rusiñol, Gual ou Iglesias, dirigidas a um público mais popular, enquanto a burguesia, ainda não identificada com o novo movimento literário, preferia o programa oficial do Teatro Principal "Teatro Principal (Barcelona)").[680].
Vale a pena mencionar em primeiro lugar Ángel Guimerá, a grande figura do teatro da geração anterior, num estilo que oscilava entre o Romantismo e o realismo e que, na sua maturidade, aderiu durante algum tempo ao modernismo. Na virada do século, os sucessos de jovens escritores modernistas o levaram a experimentar o novo estilo, em obras como Les monges de Sant Aimant (1895), Arran de terra (1901), La Santa Espina "La Santa Espina (sardana)") (1907), La Reina Jove (1911) e Al cor de la nit (1918), baseadas principalmente em mitos e lendas, com personagens de grande valor simbólico.[681][682] Outro representante da geração anterior que viveu um período modernista foi Apeles Mestres. Suas obras dramáticas oscilaram entre o naturalismo e o realismo: La presentella (1908), Liliana (versão teatral de sua coleção de poemas de 1907, estreada em 1911).[683].
A grande figura do teatro modernista foi Santiago Rusiñol, principal representante da linha simbolista, cujo principal leitmotiv era o confronto entre o indivíduo idealista e a sociedade pragmática e mesquinha de seu tempo. Como se viu na sua atuação como pintor, Rusiñol foi um artista boêmio, inteiramente dedicado à arte graças ao apoio financeiro de sua família, que pertencia à burguesia têxtil. Rusiñol viveu a sua vida de forma dupla, oscilando entre um vitalismo exultante que demonstrava em público e um interior repleto de tristeza e cepticismo, que controlou com a toxicodependência. Assim, as suas obras transitam entre o humor e a sátira, com uma grande componente de lirismo decadente, bem como uma certa formação costumbrista. Seu primeiro sucesso como dramaturgo foi o monólogo L'home de l'orgue (1890). Nos anos da virada do século cultivou a pintura lírica decadente, com obras como (1898), (1900) e (1901). A partir de 1902 passou para o costumbrismo, numa linha de regeneração e crítica social, na qual teve maior sucesso, com comédias como (1902) e dramas como (1902), (1903), (1904) e (1906). Seu maior sucesso foi a comédia (originalmente um romance de 1909, adaptado ao teatro e lançado em 1917), obra de tom autobiográfico que levanta a relação entre o artista e a sociedade. A partir de 1907 cultiva um teatro mais popular, com maior tom humorístico, seja no formato de farsa (, 1908), de farsa (, 1912; , 1914) ou de comédia (, 1909; , 1912). Seu último drama foi (1918).[684].
Música
La música tuvo gran relevancia durante el siglo , potenciada por el surgimiento de las orquestas sinfónicas. La principal corriente musical de inicios de siglo fue la del Romanticismo, representada por compositores como Fernando Sor, Ramón Carnicer, Mateo Ferrer, Ramón Vilanova y Marià Obiols. En 1844 se fundó la Sociedad Filarmónica de Barcelona y, en 1886, el Conservatorio Municipal de Música de Barcelona, mientras que, en 1847, se creó el Gran Teatro del Liceo, en 1891 el Orfeón Catalán y, en 1908, el Palacio de la Música Catalana.[696].
En sentido estricto no se puede hablar de una música modernista, sino más bien de un período que aglutina a compositores de diversas tendencias y sensibilidades. Pese a todo, fue una etapa rica y fructífera para la música catalana, con autores que alcanzaron cotas de gran calidad.[697] Desde Europa se recibieron múltiples influencias, desde los últimos vestigios del Romanticismo —en Cataluña gozó de mucho éxito en especial la ópera italiana de Rossini, Bellini, Verdi y Donizetti—, pasando por la singular figura de Wagner —que en Cataluña gozó de un enorme éxito, que cristalizó en la fundación de la Asociación Wagneriana de Barcelona en 1901— hasta llegar al impresionismo musical de Debussy y Ravel. Por otro lado, en estos años fueron surgiendo en diversos países escuelas nacionales que impulsaron el renacer cultural y musical de sus respectivas naciones en lo que se vino a denominar nacionalismo musical, con representantes como Borodin, Musorgski, Rimski-Korsakov, Dvořák, Smetana, Bartók, Grieg y Sibelius, que se reflejó igualmente en España con Manuel de Falla, Joaquín Rodrigo, Francisco Asenjo Barbieri o Joaquín Turina, y que contó con representantes catalanes como Pedrell, Albéniz y Granados.[698].
En este período se popularizó la música coral gracias a los llamados «coros de Clavé», que aglutinaban la música con la fraternidad obrera.[699] José Anselmo Clavé perteneció a la generación anterior a la modernista, pero su obra dejó una profunda huella. Su proyecto pretendía aglutinar la música con la regeneración de la clase obrera, gracias al espíritu comunitario de las sociedades corales. En 1845 fundó la sociedad L'Aurora, a la que siguieron La Fraternitat y Euterpe, que desembocaron en las Societats Euterpenses, que contaron con ochenta y cinco filiales y llegaron a contabilizar más de dos mil coristas. Sucesor de Clavé fue Josep Rodoreda, un músico modesto, pero solvente, que perfeccionó las técnicas corales y transformó los coros inicialmente masculinos en mixtos.[700].
La música coral evolucionó gracias al surgimiento de los orfeones: en 1885 se celebró en el Palacio de Bellas Artes de Barcelona un concurso de orfeones —ganado por el de Bilbao— que causó un gran impacto y conllevó la creación, en 1891, del Orfeón Catalán, fundado por Lluís Millet y Amadeo Vives. Estos compositores promovieron un nuevo estilo musical que, partiendo de las raíces populares catalanas, entroncase con la música coetánea europea. El Orfeón promovió la creación del Palacio de la Música Catalana, donde estableció su sede y donde se sintetizaron todas las artes del modernismo (arquitectura, escultura, decoración, música, literatura), convirtiéndose en el símbolo por excelencia de la nueva cultura catalana.[701].
La importancia otorgada en el siglo a la voz comportó el surgimiento de un nuevo género, el lied, una canción lírica consistente por lo general en la musicalización de un poema, interpretada por una voz generalmente solista y un acompañamiento musical, preferentemente de piano. A finales de siglo surgió con fuerza en Cataluña el llamado «lied catalán», que tendría un gran auge hasta mediados del siglo . El lied comportó el surgimiento de nuevas formas expresivas y el perfeccionamiento de la técnica musical, al tiempo que revalorizó el patrimonio musical popular en busca de nuevas fuentes de inspiración, como serían el trovadorismo medieval o la música bucólica pastoril.[702].
La música sinfónica tuvo en esta época menos predicamento que la coral o la operística y se circunscribió a pequeños estamentos culturales. En 1866 se creó la Sociedad de Conciertos del Prado Catalán y, en 1872, la Sociedad Barcelonesa de Cuartetos, que ofrecían obras sinfónicas de compositores generalmente románticos. Pero sería casi únicamente la Orquesta del Liceo la que ofrecía ocasionalmente conciertos sinfónicos. Uno de sus principales promotores fue Antoni Nicolau, que dirigió varios de estos conciertos que, sin embargo, no tuvieron mucho éxito e incluso fueron duramente criticados. Sería ya con el cambio de siglo y con la llegada de obras de compositores modernos como Mahler, Bruckner o Richard Strauss que la música sinfónica comenzaría a tener éxito. Así, surgieron nuevas entidades, como la Sociedad Catalana de Conciertos en 1892 y la Sociedad Filarmónica de Barcelona en 1897.[703].
Cabe señalar también la importante herencia dejada por Pep Ventura, un compositor de la generación anterior que, al igual que Clavé, dejó una importante impronta por su recuperación de la música popular y folclórica, especialmente en relación con el género de la sardana. Fue el introductor de la tenora, un instrumento que otorgaría una nueva sonoridad al género y lo convertiría en una especialidad inconfundible. Gracias a su intuición melódica, dejó piezas de gran calidad en su género y que gozaron de gran popularidad. La sardana se interpreta con una agrupación musical llamada cobla, de la que surgieron muchas en esta época, como La Principal de La Bisbal (1888). Por otro lado, la música se acompaña de la danza de igual nombre, consolidada en esta época como la danza popular catalana por antonomasia. Cultivaron también el género de la sardana Enric Morera —autor de una de las más famosas, La Santa Espina "La Santa Espina (sardana)") (1907), con texto de Ángel Guimerá—, Francisco Pujol, Antoni Nicolau y Vicenç Bou.[704].
A finales de siglo se popularizó una canción que con el tiempo se convertiría en el himno catalán, Els segadors, una antigua canción popular que fue adaptada entre 1892 (música, Francisco Alió) y 1899 (letra, Emili Guanyavents). Aunque en principio no tenía ninguna connotación reivindicativa ni patriótica, fue adoptada como himno nacional por el catalanismo, sin reconocimiento oficial hasta su consagración por la Generalidad en 1993.[705].
El padre del nacionalismo musical catalán fue Felipe Pedrell, de relevancia en toda la península gracias a su labor musicológica y su estudio del patrimonio popular. Pedrell fue el fundador de una nueva escuela catalana, con obras de gran solvencia técnica, pero cierta indefinición estética, ya que se movió entre la influencia de la ópera italiana y la del wagnerianismo —fue uno de los introductores de Wagner en Cataluña—.[706] Fue autor de óperas, zarzuelas, obras religiosas y música de cámara.[306].
Los dos grandes compositores del modernismo catalán fueron Isaac Albéniz y Enrique Granados. El primero fue pianista y compositor, que aunó raíces folclóricas con la influencia del impresionismo francés.[707] Estudió en Madrid, donde residió unos años y, posteriormente, realizó varias giras de conciertos por Hispanoamérica. Poco después, completó estudios en Bruselas y regresó a Cataluña. También residió un tiempo en París, donde conoció a Casas y Rusiñol, quienes le introdujeron a su regreso a la tertulia de Els Quatre Gats, donde realizó varios conciertos. Fue autor de ópera, zarzuela y música sinfónica, siendo de destacar su suite Iberia "Iberia (Albéniz)") (1906).[708].
Granados fue discípulo de Pedrell, al tiempo que estudió piano con Juan Bautista Pujol. Por su maestro recibió la influencia de Wagner, que fue determinante en su trayectoria, especialmente en el concepto de «obra de arte total», que le llevó a relacionarse con diversos escritores para sus obras, como Adrián Gual o Apeles Mestres. También denotó la influencia del Romanticismo de Chopin, Schumann o Schubert. Completó su formación en París con Charles-Auguste de Bériot, donde conoció a Debussy y D'Indy. Durante un tiempo fue pianista de café, hasta que empezó a cosechar algunos éxitos. En 1900 fundó la Sociedad de Conciertos Clásicos, así como la Academia Granados. Su obra fue una de las más internacionales dentro del panorama musical catalán, hecho que le comportó diversas críticas por alejarse del acervo popular. Destacaron sus obras para piano, como 12 Danzas españolas y Capricho español, así como música de cámara y diversas óperas.[709].
Junto a ellos conviene destacar a Enric Morera, Amadeo Vives y Lluís Millet. El primero fue discípulo de Pedrell y amplió estudios en Bélgica, donde recibió la influencia del impresionismo francés. Fue autor de óperas, música sinfónica, coral, de cámara y para piano, así como sardanas.[710] También armonizó numerosas canciones populares y musicalizó diversas obras de Santiago Rusiñol y Ángel Guimerá. En 1895 fundó la coral Catalunya Nova.[361] Vives se formó como pianista. Sus obras gozaron de gran éxito y fue uno de los protagonistas de las tertulias barcelonesas, donde entabló amistad con personajes como Domènech i Montaner, Puig i Cadafalch, Ramón Casas, Isidro Nonell y Pablo Picasso. En 1897 se instaló en Madrid, donde desarrolló casi toda su carrera y donde ejerció también de empresario con tres teatros: Zarzuela, Cómico y Eslava. Fue también profesor en el Conservatorio de Música de Madrid.[711] Fue autor de óperas, zarzuelas y música coral, como su famoso L'emigrant, sobre un poema de Verdaguer.[712] Millet fue compositor y director de orquesta, discípulo de Pedrell. Fue director vitalicio del Orfeón Catalán y propulsó e investigó la música popular catalana. Compuso obras corales (El cant dels ocells, El cant de la senyera), canciones populares armonizadas (La dama d'Aragó, El comte Arnau), música sinfónica y para piano y orquesta (Catalanesques).[710] También fundó la Revista Musical Catalana y fue catedrático del Conservatorio de Música de Barcelona.[713].
Cabe citar igualmente a compositores como: Francisco Alió, destacó como compositor de obras para piano y canto, así como fue un importante folclorista;[707] Josep Barberà, discípulo de Pedrell, fue compositor y profesor en el Conservatorio del Liceo, realizó obras para piano, canto y orquesta, entre las que destacan dos sinfonías;[714] Joan Borràs de Palau, compositor y crítico musical, destacó como liederista (Voreta la mar, 1896);[714] Vicenç Bou, compositor de sardanas, entre las que destacan L'alegria del poble y Mirant al mar;[714] Amadeu Cuscó, autor de música de cámara, sinfónica, litúrgica y coral;[714] Juli Garreta, autor de obras sinfónicas de orquestación germánica, como la Suite Empordanesa;[715] Vicenç Maria Gibert, compositor, organista y musicógrafo, discípulo de Pedrell y Millet, autor de obras orquestales y corales, así como canciones populares armonizadas;[715] Joan Lamote de Grignon, compositor, pianista y director de orquesta, autor de obras sinfónicas, óperas y lieder;[715] Miguel Llobet, compositor y guitarrista, instrumento para el que arregló numerosas canciones populares catalanas, como El rossinyol;[715] Joan Llongueras, autor de ensayos y canciones e introductor en Cataluña del método de gimnasia rítmica de Jacques-Dalcroze;[715] Joaquín Malats, compositor y pianista, autor de música de cámara, serenatas, mazurcas, danzas para piano y unas Impresiones de España para orquesta;[710] Juan Manén, compositor y violinista, autor de obras sinfónicas, óperas, ballets y sardanas;[710] Rafael Martínez Valls, autor de música de cámara y religiosa, así como zarzuelas;[710] Apeles Mestres, escritor y dibujante que también compuso varias canciones de evocación rococó;[710] Antoni Nicolau, formado en París, fue autor de óperas, obras sinfónicas y corales;[716] Jaime Pahissa, discípulo de Morera, englobable en el modernismo en su juventud, ya que posteriormente evolucionó hacia el vanguardismo, autor de óperas, obras corales y sinfónicas, música de cámara y para piano;[717] Francisco Pujol, discípulo de Millet, compuso obras religiosas, para canto, piano, sardanas y canciones populares armonizadas;[717] Josep Rodoreda, compositor, pianista y director de orquesta, continuador de la obra coral de Clavé y fundador de la Banda y la Escuela Municipal de Música de Barcelona, recordado por su himno Virolai;[718] Luis Romeu, sacerdote, compositor y organista, autor de obras religiosas y armonización de canciones populares;[719] José Sancho Marraco, organista y compositor de música religiosa, así como canciones populares y sardanas;[719] Francisco Tárrega, compositor y guitarrista, creó la escuela moderna de interpretación de guitarra clásica, autor de numerosas obras para este instrumento, la mayoría de aire orientalizante;[719] y Ricardo Viñes, compositor y pianista, condiscípulo de Ravel, denotó la influencia del impresionismo francés y destacó en sus obras para piano.[712].
Ópera
A ópera foi muito popular neste século, inicialmente apresentada no Teatro de la Santa Cruz (Teatro Principal "Teatro Principal (Barcelona)") de 1838) e, a partir de 1847, no Gran Teatro del Liceo, que se tornaria o coração da ópera de Barcelona. Também durante este século, a zarzuela teve muito sucesso, apresentando-se principalmente no Teatro Principal, bem como em outros palcos, como o Teatro del Bosque, o Nuevo, o Tívoli e o Odeón.[720].
Entre os principais intérpretes está o tenor Francisco Viñas, que estreou no Liceo em 1888 com Lohengrin de Wagner, papel que repetiu no Teatro La Scala de Milão. Especializado em papéis wagnerianos, também interpretou Tannhäuser "Tannhäuser (ópera)") e Parsifal, bem como diversas óperas verdianas. Trabalhou nos principais teatros do mundo, alcançando notável sucesso. Em 1963, foi criado em Barcelona um concurso internacional de canto que leva o seu nome. O barítono Ramón Blanchart estreou na década de 1880, mas foi na década seguinte que atingiu o auge de sua carreira, especialmente com sua interpretação de Iago em Otello "Otello (Verdi)") de Verdi, no Scala de Milão, e Falstaff "Falstaff (Verdi)"), também de Verdi, no Liceu em 1896. Avelina Carrera foi soprano de fama internacional, que estreou aos dezoito anos no Liceu com Lohengrin de Wagner, em 1889; No ano seguinte, ele alcançou grande sucesso com La jolie fille de Perth de Bizet. Em 1894 ela cantou em Moscou diante do czar Alexandre III e, em 1896, estrelou a estreia mundial de Andrea Chénier de Umberto Giordano no La Scala de Milão. Em 1899 ela interpretou Brünnhilde em Die Walküre e, em 1901, interpretou Aida de Verdi. Em 1906 ela interpretou Bruniselda de Enric Morera. Josefina Huguet foi uma soprano leve, que se destacou nos papéis de Ofelia em Hamlet "Hamlet (Thomas)") de Thomas, Gilda em Rigoletto de Verdi e Dinorah na ópera homônima de Meyerbeer.[722] María Barrientos também era uma soprano leve, que estreou em 1898 com La sonnambula de Bellini, um de seus papéis principais, junto com Dinorah, La Traviata, Rigoletto, Lakmé, Hamlet e Mignon. Bizet.[725].
Felipe Pedrell foi um dos pioneiros da ópera na Catalunha. Em suas primeiras obras, algumas delas em italiano, mostrou a influência da ópera italiana, como em L'ultimo abenzerraggio (1874), Quasimodo (1875) e Cleopatra (1878). Mais tarde denotou a influência wagneriana: I Pirinei (1902), La Celestina "La Celestina (ópera)") (1904).[726].
Isaac Albéniz e Enrique Granados seguiram-no. Albéniz começou na zarzuela, até assinar contrato com um banqueiro inglês para escrever óperas, cujo resultado foram (1893), (1895), (1896) e (1897-1902), este último num ciclo baseado no Rei Artur do qual apenas fez este primeiro título.[727] Granados estreou em 1898 sua ópera , próxima à zarzuela. Mais tarde, adaptou diversas composições para piano em sua ópera (1916), que estreou no Metropolitan Opera House de Nova York.[728].
Dança
A dança clássica (ou balé) desenvolveu-se notavelmente neste século, com dois palcos principais: o Gran Teatro del Liceo e o Teatro Principal.[741] No século, a dança espetáculo na Catalunha teve três variantes principais: o balé pantomímico ou "balé de enredo", executado pela primeira vez por dançarinos italianos ou franceses, até surgirem representantes catalães; a dança espanhola ou «bolero "Bolero (dança espanhola)"), que teve um dos seus principais centros em Barcelona, juntamente com Madrid e Sevilha; e balé de ópera. Em geral, neste século, fizeram sucesso as coreografias feitas com elementos tipicamente espanhóis, como pandeiros, chocalhos e castanholas, ou trajes de toureiro ou cigano, que até bailarinos estrangeiros assumiram, já que coreografias de outros países eram geralmente mal recebidas pelo público. Nos últimos anos do século, período do surgimento do modernismo, os principais espetáculos de balé eram os realizados no Liceu, entre os quais estreias como Clio ou o Triunfo de Vênus de Joan Goula (1889), Messalina de Giuseppe Giaquinto") (1890), Rodope de Paolo Giorza (1891), Excelsior de Romualdo Marenco (1892), Coppélia de Léo Delibes (1894) e Die Puppenfee de Josef Bayer (1895). Algumas óperas também incorporaram balé, como Tannhäuser "Tannhäuser (ópera)") de Wagner (1887), Carmen "Carmen (ópera)") de Bizet (1888) e Samson et Dalila de Saint-Saëns. (1897).[742].
Já no século XIX, a principal referência continuou a ser o Liceu, cada vez mais dedicado à institucionalização de uma escola coreográfica de qualidade. Pauleta Pàmies, uma das bailarinas mais famosas entre os anos 1870-1890, dedicou-se ao ensino na idade adulta, sendo professora de dança no Liceo, onde formou uma nova geração de bailarinos. Apesar de tudo, as duas primeiras décadas do século não foram muito prolíficas no balé, devido às convulsões políticas da época, que não favoreceram os espetáculos. Uma das estreias mais relevantes foi o balé em dois atos Les deux pombos de André Messager (1913). A maioria das figuras eram estrangeiras, sobretudo francesas e italianas.[743] Nos primeiros anos do século foi introduzida a dança contemporânea, cujo principal representante foi Tórtola Valencia: nascida em Sevilha, filha de pai catalão, desenvolveu um estilo pessoal, intuitivo e exótico, influenciado por Isadora Duncan, com o qual alcançou sucesso internacional. Em 1912 estreou-se nas Novedades "Teatro Novedades (Barcelona)") em Barcelona e, nesse mesmo ano, apresentou Lakmé no Liceo. Aposentada em 1930, instalou-se em Barcelona, onde passou o resto dos seus dias.[744].
Quanto às danças populares, a mais difundida nesta época foi a sardana, que viveu um período de esplendor graças à sua revitalização pelo compositor Pep Ventura. É uma dança coletiva que se realiza formando uma roda com os bailarinos de mãos dadas aos pares, com uma dança executada com os pés, em passos curtos e longos. A música é executada por uma cobla, composta por uma banda de sopros de onze instrumentos e um contrabaixo. É uma evolução de uma dança anterior, a , de origem religiosa, que com o tempo se tornou uma dança cerimonial e festiva, um tipo de dança que poderia remontar aos antigos coros gregos. Em meados do século o passou a ser o “curto sardana”, enquanto mais tarde surgiria o “longo”, que é o que ainda existe. A sua origem está em Empordà, de onde mais tarde se espalharia por toda a Catalunha, tornando-se a dança mais tipicamente catalã entre finais do século e início do século XIX. Outras danças populares são a , a dança da cana e a dança cigana. Nesta época surgiram numerosos grupos de dançarinos, chamados , sendo um dos mais populares o Esbart Català de Dansaires, criado em Barcelona em 1908.[745].
Fotografia
Após a invenção da fotografia no início do século, a primeira fotografia de toda a Espanha foi tirada em Barcelona, tirada com daguerreótipo em 10 de novembro de 1839 no Pla de Palau por Ramón Alabern. Desde então, o processo foi aperfeiçoado tecnicamente e surgiram cada vez mais artistas, profissionais ou simplesmente amadores dedicados à fotografia. A partir de 1850, com o surgimento da técnica positivo-negativo, o procedimento se popularizou. Em 1888 surgiu a câmera Kodak "Kodak Camera (1888)"), que tirava fotos apertando um botão, para que qualquer pessoa pudesse utilizá-la. A democratização desta nova tecnologia obrigou os fotógrafos profissionais a procurarem um meio de expressão mais artístico, para se diferenciarem dos amadores. Novas técnicas surgiram para os fotógrafos artísticos e profissionais, como o aerógrafo ou o dicromato de borracha, que permitiam trabalhar a fotografia em camadas, mesmo aplicando pincéis, de forma a aproximá-los de técnicas como a litografia e a água-forte.[748].
A difusão da fotografia na Catalunha veio com a celebração da Exposição Universal de 1888. Até então estava praticamente limitada à paisagem e ao retrato, mas, com a Exposição, passou a ser utilizada com presença cada vez maior nos meios jornalísticos, como testemunho da atualidade. Foi então que se estabeleceram duas figuras relevantes da nova arte: Antonio Esplugas e Pablo Audouard. Ambos capturaram com precisão a atmosfera e todos os acontecimentos relevantes da Exposição, mesmo com fotografias aéreas, captadas a partir de balões.[749].
Por outro lado, nestes anos a fotografia saiu do estúdio e passou a ser feita na natureza, tal como a pintura au plein air. Uma associação que promoveu esta utilização foi o Centro Excursionista da Catalunha, que, através da organização de excursões, levou à criação de um grande arquivo de paisagens e postais de vilas e monumentos de todo o território catalão. Surgiu também a fotografia aplicada à ciência, especialmente à astronomia, como as tiradas no Observatório Fabra por José Comas y Solá; ou na medicina, como as de Jaime Ferrán e Clúa, algumas delas ao microscópio, ou no campo da radiografia, a primeira realizada em 1896 por César Comas.[750].
O trabalho de arquivo de fotografias também começou nesta época, destacando-se nesta área Adolf Mas Ginestà, fotógrafo especializado em arte, arquitetura e arqueologia, preocupado com a catalogação do património artístico catalão, que deu origem ao Arquivo Mas, atualmente no Instituto Amatller de Arte Hispânica. Mas foi um dos principais colecionadores de arte modernista e chegou a trabalhar para diversos arquitetos e pintores do movimento. Outro fotógrafo que documentou o trabalho de artistas modernistas foi Francesc Serra i Dimas, que em 1903 fez uma série de reportagens de vários artistas trabalhando em suas oficinas, que compilou em 1905 no álbum Nossos artistas.[752].
No campo do documentário e do fotojornalismo, vale destacar o trabalho de Josep Brangulí e Alejandro Merletti. O primeiro trabalhou como repórter do La Vanguardia, refletindo com maestria a vida e os acontecimentos da sociedade catalã da época. O italiano Merletti radicou-se em Barcelona em 1889 e ficou famoso por usar uma motocicleta com sidecar para viajar com a equipe. Um de seus melhores trabalhos foi o acompanhamento da corte marcial de Francisco Ferrer Guardia em 1909, para a qual utilizou uma minicâmera. Outra área onde a fotografia se destacou foi no esporte, o que favoreceu o surgimento de jornais especializados, como El Mundo Deportivo (1906).[753].
Finalmente, no campo da fotografia artística, surgiu nestes anos o chamado pictorialismo, um movimento que reivindicava a artisticidade do meio fotográfico, cujos melhores representantes na Catalunha foram Pere Casas Abarca e Joan Vilatobà. O primeiro, sobrinho do escultor Venancio Vallmitjana, realizou uma série de imagens de estudo que refletiam diferentes correntes do modernismo, como o simbolismo, o pré-rafaeliteismo e o orientalismo, com referências alegóricas e religiosas, embora sem por vezes desprezar o erotismo. Também fez fotografias e cartazes publicitários, num estilo que deve a Alexandre de Riquer. Vilatobà foi pintor e fotógrafo, de estilo simbolista, especializado em retratos, interiores e nus "Nu (gênero artístico)", além de paisagens, que denotam a influência de Modesto Urgell. Sua artisticidade vem basicamente da composição, já que quase nunca fazia retoques. Por outro lado, nesta altura surgiram as primeiras exposições fotográficas e a fotografia chegou mesmo a ser incluída como modalidade em concursos artísticos, como a Terceira Exposição Geral de Belas Artes e Indústrias Artísticas de Barcelona (1896). Em 1905, o Círculo Artístico de San Lucas incluiu a fotografia como sua quarta seção, depois da pintura, escultura e arquitetura/artes decorativas.
Cinema
O período modernista coincidiu cronologicamente com a invenção do cinematógrafo pelos irmãos Lumière em 1895. Mesmo assim, por ser uma arte nos seus primórdios, não teve uma ligação específica com este estilo, pelo que não é possível falar de um cinema modernista, apenas de um “cinema da era modernista”, caso contrário de pouca produção. No seu início, o cinema era considerado mais um avanço científico do que uma arte, por isso não foi especialmente bem recebido pelas elites culturais. Até praticamente meados da década de 1910, o cinema não adquiriu artisticidade, com figuras como D. W. Griffith ou Erich von Stroheim, justamente quando o modernismo estava chegando ao fim.
A primeira exibição de filme aconteceu em Barcelona em 1896, realizada pelos irmãos Lumière. Estes primeiros filmes eram fotografias de animação, sem sentido narrativo, e realizados em feiras, espaços comerciais, hotéis ou estúdios fotográficos. Após esta exposição, Fructuós Gelabert, um entusiasta da ciência e da tecnologia, construiu a sua própria câmara e em 1897 filmou Riña en un café, o primeiro filme realizado em Espanha. Seguiram-se outros como Saída dos trabalhadores da fábrica España Industrial (1897), Visita a Barcelona da Rainha Regente Doña María Cristina e Dom Alfonso XIII (1898) e Chegada de um comboio à Estação Norte de Barcelona (1898).[756].
Depois destas primeiras experiências, o cinema começou a ganhar popularidade como espetáculo e foram abertas as primeiras salas dedicadas exclusivamente à sua exibição, promovidas por promotores como Lluís Macaya ou Baltasar Abadal. Apesar de tudo, durante estes primeiros anos o cinema foi alheio ao movimento modernista, presente apenas no género publicitário, que, como em qualquer outro sector, tinha então uma estética modernista, ou na decoração das salas de cinema.
A primeira incursão do movimento modernista na nova arte foram os "filmes falados" na Sala Mercè, espaço inaugurado em 1904 pelo pintor Luis Graner. Projetada por Gaudí, esta sala foi pensada para oferecer todos os tipos de espetáculos artísticos, inclusive cinema. Especificamente, eles se concentraram em dois: “visões musicais”, que combinavam textos encenados com música; e “projeções de filmes falados”, compostas por fitas filmadas acompanhadas de texto recitado por atores. O diretor de todas essas mostras foi Adrián Gual, o primeiro artista dedicado à arte nova, até então praticada por técnicos ou empresários. No total, foram produzidas vinte e duas dessas projeções, todas no gênero cômico, das quais infelizmente nenhuma sobreviveu. Algumas delas foram escritas pelo próprio Gual e participaram atores de sua companhia Teatre Íntim. Por outro lado, Segundo de Chomón, posteriormente diretor e pioneiro do cinema, participou como operador de câmera em alguns deles. Nesta sala também foram realizados três documentários sobre artistas do momento – portanto, modernistas –: o primeiro, de 1905, contou com a participação de Modesto Urgell, Ramón Casas, Carles Vidiella, Arcadio Mas, Josep Llimona e Santiago Rusiñol. Nas demais também apareceram outros artistas, tanto artistas plásticos, como músicos e escritores. Todos os três são de autor desconhecido. Desde 1905, a Sala Mercè concentrou-se em visões musicais e documentários ocasionais, mas deixou os filmes falados.
Nos anos seguintes, o cinema focou-se em produções estrangeiras e empresas como Pathé Frères e Gaumont "Gaumont (empresa cinematográfica)") abriram filiais em Barcelona, pois a nova arte começava a ser um negócio de sucesso. Em 1906, foram fundadas as primeiras produtoras catalãs, Films Barcelona e Hispano Films, e o número de produções locais cresceu progressivamente. Em 1908, Ricardo de Baños filmou seu famoso Barcelona en tram, no qual percorreu a cidade de bonde. Os documentários continuaram a predominar, embora a ficção tenha crescido, que por sua vez se diversificou em géneros, muitas vezes baseados em peças de teatro ou romances. Apesar de tudo, o cinema manteve-se distante do modernismo, movimento do qual recebeu até fortes críticas, como as recebidas por Santiago Rusiñol em alguns artigos de L'Esquella de la Torratxa.[759].
O casamento entre cinema e modernismo ocorreu finalmente com a fase solo de Adrián Gual, uma vez separado da Sala Mercè. Após a criação na França do Film d'art, gênero que imitava o teatro recriando obras clássicas do drama, em 1913 Gual fundou a produtora Barcinografia S.A. Depois de reunir uma equipe solvente de artistas e profissionais, Gual dirigiu oito filmes entre 1914 e 1915. Os primeiros foram El Alcalde de Zalamea "O Prefeito de Zalamea (filme de 1914)") (com texto de Calderón de la Barça), Misteri de Dolor (texto do próprio Gual), Fridolin (de Schiller), La Gitanilla (de Cervantes) e Os Cabelos Brancos (de Tolstoi). Infelizmente, apenas um sobrevive, Misteri de Dolor, um drama rural que se afasta um pouco da teatralidade do Film d'art e é pioneiro na plasticidade do novo meio, através de planos e enquadramentos que escapam ao plano geral das adaptações teatrais, bem como de uma iluminação que enfatiza o fio narrativo e toda uma série de recursos como planos reversos, planos panorâmicos e saltos de escala. Infelizmente, a iniciativa de Gual não deu certo financeiramente e, a pedido dos investidores da produtora, ele passou a fazer mais filmes comerciais, mais ao gosto do público: Linito quer ser toureiro, O Calvário de um Herói e Um Drama de Amor. Apesar de tudo, não se recuperou e, em 1915, renunciou.[760].
• - O Wikimedia Commons hospeda uma categoria multimídia sobre Modernismo Catalão.
• - Rota do Modernismo.
Referências
[1] ↑ Término introducido por Francesc Fontbona en La crisis del modernismo artístico (1975).[2] No confundir con el arte posmoderno —o arte propio de la posmodernidad— de los siglos xx y xxi.[3].
[2] ↑ El historiador Josep Fontana (La formació d'una identitat, 2014) opina en cambio que la revitalización del catalán no provino de la Renaixença ni los Juegos Florales, cuyos escritores eran en su mayoría castellanohablantes y miembros de la burguesía que solo hablaban catalán con el servicio doméstico y que escribían en catalán solamente como ejercicio retórico, un catalán además de tipo arcaizante, que no era el hablado en su tiempo por la gente corriente. En cambio, señala como agentes popularizadores del catalán a dramaturgos autores de obras populares como Serafí Pitarra, los coros de Anselmo Clavé o revistas como Un tros de paper, Lo Noy de la mare o La Campana de Gracia.[22].
[3] ↑ El modernismo recibió numerosos otros nombres, casi todos ellos relacionados con su gusto por la curva: paling stijl (estilo anguila), style nouille (estilo tenia), wellenstil (estilo ondulante), gereizter Regenwurm (estilo lombriz erguida), style coup de fouet (estilo golpe de látigo), style fumée de cigarette (estilo humo de cigarro) o stile floreale (estilo floral).[29].
[4] ↑ En tal sentido, Josep Francesc Ràfols comentó en una ocasión que «son tan distintas las personalidades que en esta corriente desembocan que nada o casi nada de aglutinante podemos descubrir a menudo entre ellas; por lo cual, más que tratar del modernismo como supuesta escuela o tendencia, departiremos de los modernistas, fracciones de una abigarrada suma que al matemático más sagaz le fuera difícil poderlas reducir a común denominador, ya que a veces incluso unas con otras se contradicen».[73] Igualmente, Pedro Navascués señala que «si hubiera que justificar la coherencia de este modernisme catalán diría que este no reside tanto en el arte y la arquitectura como en el ambiente cultural que baña Barcelona y respiran sus gentes, especialmente una burguesía adinerada, vinculada al comercio y la industria, que se reconoce en el modernismo como sus padres y abuelos lo hicieron en el mejor eclecticismo».[73].
[5] ↑ Por su artículo En busca de una arquitectura nacional, publicado en 1879 en la revista La Renaixensa.[135].
[6] ↑ El nombre de Cau Ferrat («nido herrado») proviene de la colección de hierros que tenía Rusiñol en su taller, que traspasó a su nueva casa en Sitges, construida en 1893 por el arquitecto Francesc Rogent en la finca Can Falau, ampliada al año siguiente con otra contigua, Can Sensa. Actualmente acoge el Museo Cau Ferrat.[379].
[7] ↑ No confundir con Sebastià Junyent.
[8] ↑ Hay que descontar el curso académico 1897-1898, en que estudió en la Academia de San Fernando de Madrid; por otro lado, entre 1898 y 1898 pasó una templorada en Horta de San Juan (Tarragona), donde vivía su amigo el pintor Manuel Pallarès.[453].
[9] ↑ Especialmente de amigos suyos, como Joan Vidal i Ventosa, Carlos Casagemas, Josep Cardona, Ricardo Opisso, Josep Maria Folch i Torres, Jaime Sabartés, Eveli Torent, Manuel Pallarès y los hermanos Jacinto y Ramón Reventós, que expuso en febrero de 1900 en Els Quatre Gats.
[10] ↑ Fontbona et al., 2003, p. 11.
[11] ↑ a b Fontbona et al., 2003, p. 46.
[12] ↑ El llibre d'or de l'art català, pp. 171-172.
[13] ↑ a b c Bassegoda i Nonell, Infiesta y Marco, 1981, p. 148.
[198] ↑ Ferrer y Gómez Serrano, 2002, pp. 137-139.
[199] ↑ Maspoch, 2008, p. 58.
[200] ↑ Fontbona et al., 2002, p. 136.
[201] ↑ Monner i Faura, Jordi (1992). BCN 92. Guía de La Vanguardia. 7: De la plaza Catalunya a la plaza Lesseps. Eixample. Barcelona: La Vanguardia. p. 9.
[202] ↑ Midant, 2004, pp. 749-750.
[203] ↑ Huertas, Capilla y Maspoch, 2005, p. 74.
[204] ↑ Fontbona y Miralles, 2001, pp. 152-153.
[205] ↑ Miralles, 2008, p. 73.
[206] ↑ Lacuesta y González, 1997, p. 49.
[207] ↑ Huertas, Capilla y Maspoch, 2005, pp. 202-205.
[208] ↑ Lacuesta y González, 1997, p. 135.
[209] ↑ Sagnier. Arquitecte, Barcelona 1858-1931, p. 15.
[210] ↑ Barjau, 1992, p. 12.
[211] ↑ Maspoch, 2008, pp. 192-193.
[212] ↑ Monner i Faura, Jordi (1992). BCN 92. Guía de La Vanguardia. 7: De la plaza Catalunya a la plaza Lesseps. Eixample. Barcelona: La Vanguardia. p. 20.
[220] ↑ Bassegoda i Nonell, Infiesta y Marco, 1981, p. 132.
[221] ↑ Maspoch, 2008, p. 208.
[222] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, p. 205.
[223] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, p. 211.
[224] ↑ Maspoch, 2008, p. 95.
[225] ↑ Lacuesta y González, 1997, p. 29.
[226] ↑ Huertas, Capilla y Maspoch, 2005, pp. 190-194.
[227] ↑ Maspoch, 2008, pp. 198-199.
[228] ↑ Barral i Altet et al., Jornet, p. 140.
[229] ↑ Maspoch, 2008, p. 164.
[230] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, p. 197.
[231] ↑ Maspoch, 2008, p. 90.
[232] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, pp. 85-86.
[233] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, p. 91.
[234] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, p. 117.
[235] ↑ a b Fontbona et al., 2002, p. 132.
[236] ↑ Maspoch, 2008, p. 34.
[237] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, pp. 315-317.
[238] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, pp. 320-322.
[239] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, p. 335.
[240] ↑ Huertas, Capilla y Maspoch, 2005, p. 211.
[241] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, pp. 374-375.
[242] ↑ Maspoch, 2008, p. 175.
[243] ↑ a b Maspoch, 2008, p. 136.
[244] ↑ Lacuesta y González Toran, 2006, pp. 120-121.
[245] ↑ Monner i Faura, Jordi (1992). BCN 92. Guía de La Vanguardia. 3: De la Rotonda al Observatori fabra. Tibidabo / Del Auditori a la Plaça de la Palmera. Meridiana. Barcelona: La Vanguardia. p. 1.
[258] ↑ Monner i Faura, Jordi (1992). BCN 92. Guía de La Vanguardia. 7: De la plaza Catalunya a la plaza Lesseps. Eixample. Barcelona: La Vanguardia. p. 29.
Outras obras suas são: o Editorial Montaner y Simón (atual Fundação Antoni Tàpies, 1881-1886), o restaurante da Exposição Universal de 1888 (conhecido como Castillo de los Tres Dragones e atual Museu de Zoologia), o efêmero Hotel Internacional para a mesma exposição, a casa Thomas (1895-1898), a casa Lamadrid (1902), o Hotel España (1903) e o casa Fuster (1908-1911).[143] Em Reus – considerada a segunda capital modernista depois de Barcelona –[144] construiu a casa Navàs (1901), uma mansão de inspiração veneziana, com excelente mobiliário de Gaspar Homar, bem como as casas Rull "Casa Rull (Reus)") (1900) e Gasull (1911), adjacentes à rua San Juan; Da mesma forma, foi o autor dos pavilhões do Instituto Pedro Mata (1899-1919), na periferia da cidade.[144] Outra obra sua em Tarragona foi a Vinícola Cooperativa Espluga de Francolí (1913-1914).[145] Deixou também várias obras em Canet de Mar, de onde veio a sua família materna, como o Ateneu Catalão. (1885-1887), a casa Roura (1889-1892), a renovação do castelo de Santa Florentina (1898-1909) e a casa Domènech (1908-1910, atual Museu Domènech i Montaner).[143] Em Olot foi o autor da casa Solà-Morales (1913-1916).[146].
Seu filho, Pere Domènech i Roura, inicialmente combinou o modernismo com um noucentismo incipiente, como denotado na casa Marco em Reus (1926). Colaborou em algumas obras de seu pai, como a Vinícola Cooperativa Espluga de Francolí, o Hospital San Pablo e o Instituto Pedro Mata.[147].
Na viragem do século entrou finalmente na fase naturalista, na qual aperfeiçoou o seu estilo pessoal, inspirando-se nas formas orgânicas da natureza e pondo em prática toda uma série de novas soluções estruturais provenientes das análises profundas da geometria regulada de Gaudí. Partindo de um certo estilo barroco, suas obras adquiriram grande riqueza estrutural, com formas e volumes desprovidos de rigidez racionalista ou qualquer premissa clássica. Casa Batlló (1904-1906), o chalé Catllaràs (1905) e os jardins Can Artigas em La Pobla de Lillet (1905-1907), a casa Milà (1906-1910) e a cripta da Colônia Güell em Santa Coloma de Cervelló (1908-1918). O Parque Güell foi um projeto de urbanização fracassado de Eusebio Güell, do qual foram construídas apenas duas casas, mas o arquiteto construiu na área de entrada um conjunto de pavilhões de portão e uma escada que leva a um salão hipostilo e a uma praça em forma de teatro grego de grande engenho criativo. colunas em forma de osso e representações de plantas; A fachada é rematada por uma abóbada formada por arcos catenários revestidos a cerâmica vidrada em forma de dragão.[158] A casa Milà ou "la Pedrera" tem fachada em pedra calcária, exceto a parte superior revestida com azulejos brancos; Na cobertura destacam-se as saídas das escadas, encimadas pela cruz gaudiniana de quatro braços, bem como as chaminés, revestidas a cerâmica com formas que sugerem capacetes de soldados.[159].
Nos últimos anos da sua carreira, dedicada quase exclusivamente à Sagrada Família, Gaudí atingiu o culminar do seu estilo naturalista: após a construção da cripta e da abside, ainda em estilo neogótico, concebeu o resto do templo num estilo orgânico, imitando as formas da natureza, onde abundam as formas geométricas reguladas. O templo tem planta em cruz latina, com cinco naves centrais e transepto de três naves, com abside com sete capelas e três fachadas dedicadas ao Nascimento, Paixão e Glória de Jesus, além de dezoito torres. O interior lembra uma floresta, com um conjunto de colunas arborescentes inclinadas, em formato helicoidal, criando uma estrutura ao mesmo tempo simples e resistente.[160].
Sete das obras de Gaudí "Obras de Antoni Gaudí (Patrimônio Mundial)") foram declaradas pela UNESCO como Patrimônio Mundial: em 1984, Parque Güell, Palau Güell e Casa Milà;[161] e, em 2005, a fachada da Natividade, a cripta e abside da Sagrada Família, Casa Vicens, Casa Batlló e cripta da Colônia Güell.[162].
Sem criar uma escola propriamente dita, Gaudí deixou vários discípulos que seguiram seus passos em maior ou menor grau. Em primeiro lugar, devemos mencionar Francisco Berenguer, que foi seu braço direito até à sua morte prematura. Foi um mestre de obras que não obteve o título de arquitecto, pelo que os seus projectos foram assinados por outros arquitectos, entre os quais Miquel Pascual, arquitecto municipal de Gracia, de quem também foi assistente, razão pela qual numerosas das suas obras se encontram em Gracia. Foi autor, entre outras obras, do mercado Libertad (1888-1893), do Real Santuário de San José de la Montaña (1895-1902), da casa Burés (1900-1905), do Centro Moral de Gracia (1904), da Câmara Municipal de Gracia (1905), da Casa-Museu de Gaudí no Parque Güell (1905), da casa Cama (1905) e o Rubinat (1909).[163].
Outro colaborador foi Juan Rubió, arquiteto prolífico que inicialmente praticou um ecletismo gótico, com uso intensivo do tijolo "Agrimensor (construção)") e meticulosidade no projeto,[164] mas, após ser nomeado arquiteto do Conselho Provincial de Barcelona, passou para um classicismo barroco, embora sempre com sobrevivência gaudiana.[165] Entre suas obras em Barcelona, destacam-se: a casa dos Golferichs. (1900-1901), a casa Alemany (1900-1901), a casa Roviralta ou Frare Blanc (1903-1913), a casa Fornells (1903), a casa Pomar (1904-1906), a casa Casacoberta (1907), a casa Manuel Dolcet (1907), a casa Rialp (1908) e a casa Roig (1915-1918).[166] Em Reus, sua cidade natal, foi autor dos Laboratórios Serra (1911-1912) e da casa Serra o Cuadrada (1924-1926),[144] bem como do Dispensário Antituberculose (1926).[167] Também participou da criação da Colônia Güell em Santa Coloma de Cervelló, onde construiu a Cooperativa (com Francisco Berenguer, 1900) e várias casas particulares, como Ca l'Ordal (1894) e Ca l'Espinal (1900). do Dr. (1916-1918) e as Adegas Raventós na mesma localidade (1924-1925),[170] a casa Trinxet (1923-1925)[172] e a casa Puigdomènech em San Felíu de Codinas (1912),[173] o asilo de Santo Cristo em Igualada (1931-1946)[170] e o Igreja Carmen em Manresa (1940-1952).[171].
Talvez o mais talentoso tenha sido Josep Maria Jujol, que trabalhou com Gaudí entre 1907 e 1914, época em que já demonstrava personalidade forte e génio criativo. Desenvolveu um estilo heterodoxo, em que misturava o misticismo católico com um sentido de decoração quase surrealista, com o gosto pela caligrafia, pelas imagens orgânicas - próximas da obra de Joan Miró - e pela mistificação de técnicas e materiais, por vezes próximas da colagem. Lloyd Wright.[175] Outras obras suas em Barcelona são a quinta de Sansalvador (1909-1910), a casa Queralt (1916-1917) e as oficinas Manyach (actual Escola Josep Maria Jujol, 1916-1922). Realizou diversas obras em San Juan Despí, onde foi arquitecto municipal entre 1926 e 1949, entre as quais se destacam a Torre de la Creu (1913), a Masía de Can Negre (1915-1930) e a casa Serra-Xaus (1921-1927). enquanto que, dentro de sua província, construiu a casa Bofarull em Els Pallaresos (1914), a igreja do Sagrado Coração "Iglesia del Sagrado Corazón (Vistabella)") em Vistabella "Vistabella (Tarragona)") (1918-1923) e o santuário da Virgem de Montserrat em Montferri (1926), ambas obras de clara reminiscência Gaudiniana no uso de arcos parabólico.[177] No pós-guerra passou para um academicismo antivanguardista de inspiração franciscana, muito distante de suas obras iniciais.[178].
Domingo Sugrañes foi o sucessor de Berenguer como braço direito de Gaudí; Por outro lado, após a morte do seu professor, foi o novo diretor das obras da Sagrada Família, sendo responsável pelo acabamento da fachada da Natividade. das quais se destacam a casa Miralles (1901) e a casa Sivatte (1914).[181] Foi também autor do Casino Unión Cardonense em Cardona (1916)[182] e da casa Pellicer (1919) e do Mas Llevat (1924-1925) em Reus.[183] A partir da década de 1920 aproximou-se do noucentismo.[184].
Cèsar Martinell foi um dos jovens estudantes que frequentou a oficina de Gaudí, cujos ensinamentos aplicou no seu trabalho, especialmente num conjunto de adegas cooperativas construídas entre 1918 e 1922, que foram declaradas em 2002 Bem Cultural de Interesse Nacional: Cornudella de Montsant e Falset na região de El Priorato "El Priorato (Tarragona)"); Nulos na região do Alto Campo; Barbará e Rocafort de Queralt na região de Cuenca de Barberá; Gandesa e Pinell de Bray nas Terras Altas; e San Guim de Freixanet e Cervera na região de La Segarra.[185] Conhecidas como as "catedrais do vinho", estas vinícolas refletem claramente a influência gaudiana no uso de arcos parabólicos e da abóbada catalã.[186] Foi também o autor da Federación Obrera de Molins de Rey (1918),[187] a casa Can Vivas em Valls, a casa do Paroquiano em Ulldecona (1919-1921) e na casa do Dr. Domingo em Alcover.[188].
Outro desses jovens estudantes foi Joan Bergós, autor de algumas obras de influência Gaudiniana na sua juventude, embora mais tarde tenha transitado para um Noucentismo com tendência Brunelleschiana. Entre estas obras estão: o altar do Sacramento da igreja de San Lorenzo "Iglesia de San Lorenzo (Lérida)") em Lérida (1919); o altar-baldaquino da Sé Nova de Lérida (1924-1925, destruído em 1936) e a casa do Barão de Alpicat na mesma cidade (1921); e a ermida de Santo Antonio em Seo de Urgel (1924).[189].
José Canaleta evoluiu do modernismo ao noucentismo. Realizou vários projetos em Barcelona, Cornellá de Llobregat e Castelldefels. Em Vic construiu vários edifícios, como a casa Fortuny (1910) e a casa Vilaró (1910). Foi o autor do Teatro de la Cooperativa em Roda de Ter (1915).[190].
Jaume Bayó foi o autor da casa Baurier em Barcelona (1910) e da casa Grau em Moncada e Reixach (1903), onde combinou as influências Gaudinianas e Vienenses.[191].
[209].
Outra tendência foi a de alguns arquitetos que, sem serem discípulos diretos de Gaudí, mostraram a sua influência, como Bernardí Martorell, Salvador Valeri e Julio María Fossas. Martorell, sobrinho de Joan Martorell, um dos professores de Gaudí, foi o autor da casa Laplana (1907), do mosteiro de Santa María de Valldonzella (1910) e do convento das Irmãs Oblatas do Santíssimo Redentor (1919-1929), em Barcelona, bem como do cemitério Olius,[210] da igreja Piaristas de Sabadell (1924) e do Colégio Teresiano de Tarragona (1926).[211] Valeri evidenciou a influência gaudiana especialmente no uso da abóbada catalã e do arco parabólico, como visto na torre Sant Jordi (1908) e na casa Comalat (1909-1911) em Barcelona. Foi arquiteto municipal de El Papiol, onde construiu algumas casas de veraneio que lembram. Gaudíesco, como Can Bou (1914).[213] Em San Vicente dels Horts foi o autor da casa Trian (1910-1911) e da fábrica Prats (1915).[214] Fossas mostrou a influência de Gaudí e Juan Rubió, como denotado nas casas Josefa Villanueva (1904-1909) e na casa Mariano Pau (1907) de Barcelona. Foi arquitecto da Secção de Ornamentação e da Secção Técnica de Desenvolvimento Imobiliário da Câmara Municipal de Barcelona, cargos a partir dos quais promoveu vários conjuntos habitacionais.
Outra tendência foi a de influência secessionista, onde vale a pena mencionar Alexandre Soler, Josep Maria Pericas, Eduard Ferrés e Arnau Calvet. Soler foi discípulo de Domènech i Montaner, mas recebeu a influência de Otto Wagner, como pode ser visto na casa Heribert Pons em Barcelona (1907-1909).[216] Em Manresa, onde foi arquitecto municipal, foi autor do Instituto Lluís de Peguera (1907-1927), do Harinera Albareda (1909) e do Casal Regionalista (1918).[217] Foi também o autor da igreja da Sagrada Família de la Bauma em Castellbell e Vilar (1905-1908) e, com Francesc Guàrdia i Vial, criou o Mercado Central de Valência (1910).[218] Pericas reuniu a influência secessionista com a influência gaudiniana, bem como o expressionismo alemão e a escola de Amsterdã, como evidenciado na igreja Carmen em Barcelona (1910-1930). Montserrat.[221] Ferrés mostrou a influência do secessionismo vienense e da Art Nouveau de Victor Horta, interpretada de forma pessoal, como visto nos Almacenes Damians em Barcelona (1917) ou no chalé Clot del Moro em Castellar de Nuch (1904).[222] Foi arquiteto municipal de Vilassar de Mar, onde construiu a casa Sitges Bassa (1899), Ca l'Aldrufeu (atual Museu da Marinha, 1902), o portal de acesso ao cemitério municipal (1902-1908), a reforma da Câmara Municipal (1903), Can Matamala (1916) e a casa Ferrés (1916-1920). Ocupou o mesmo cargo em Mataró, onde construiu a Clínica La Alianza Mataronense (1916-1926), a colônia-jardim El Palau (1924) e as casas baratas do Grupo Goya (1926); da Catalunha (1905); o complexo Funicular Vallvidrera (estação inferior e superior, 1905-1906, com Bonaventura Conill); as casas Francesc Lalanne (1907-1910); e o Mercado Sarriá (1911-1913, com Marceliano Coquillat), todos em Barcelona.[226].
Outros arquitetos modernistas de interesse são:
Eduard Maria Balcells deu especial importância à vidraria, ofício em que teve oficina e que pôs em prática na casa Tosquella (1906).[227] Foi também autor da casa Lluch (1906), da casa Barnils (1908), da casa Mónaco (1910) e da casa Generalife (1913) em San Cugat del Vallés[228] e da torre Montserrat em Cardedeu. Foi arquiteto municipal de Sardañola del Vallés, onde deixou várias obras: a casa Diviu (1905), a Reitoria da igreja de San Martín "Iglesia de San Martín (Sardañola del Vallés)") (1908) e a casa Evarist López (1912) e as Escolas Públicas (1912-1915) e a Câmara Municipal (1920). Sabadell ele era um autor. da Fábrica Sallarés Deu (1914) e do Escritório Genís i Pont (1915).[230].
Manuel Raspall deu especial ênfase à construção em tijolo, ferro e mosaico, bem como ao desenho de vitrais. Discípulo de Domènech i Montaner e Puig i Cadafalch, deixou várias obras no Vallès Oriental, onde foi arquitecto municipal das localidades de Cardedeu, Ametlla del Vallés, La Garriga, Granollers, Caldas de Montbuy e Montmeló: Casa Millet (1908) em Ametlla; Casa Barbey (1910), La Bombonera (1910), chalé Iris (1911) e casa Barraquer (1912-1913) em La Garriga; Quinta Cloelia (1904), casa Golferichs-Rovellat (1908), casa Viader (1917-1922) e cemitério municipal em Cardedeu; casa Clapés (1907-1913), casa Ganduxer (1912), Can Biel (1923), casa Costa (1927) em Granollers. villa Hèlius (1906-1909), a casa Teixidor (1911) e a renovação de El Molino "El Molino (cabaré)") (1913), bem como a praça de touros Monumental (1913, renovada em 1916 por Ignasi Mas e Domingo Sugrañes).[233].
Por sua vez, Ignasi Mas iniciou-se num modernismo em que se destacou o jogo de volumes das fachadas, como nas casas Auriga de San Juan Despí (1910-1911). Depois de alguns anos no exterior, em 1915 foi o responsável pela reforma da praça de touros Monumental - com Domingo Sugrañes - em estilo neo-mudéjar. Gorina (1918) e, em Sitges, a casa Bartomeu Carbonell ou del Reloj (1913-1915).[234].
Adolfo Ruiz Casamitjana foi o autor da torre Andreu ou "a Rotonda" (1906-1918) em Barcelona, uma casa formada por dois corpos retangulares articulados em forma de L, unidos na sua parte central por um corpo cilíndrico encimado por uma torre com cúpula revestida de cerâmica. Também construiu vários edifícios residenciais nos moldes de Enric Sagnier: casa Llorenç Armengol (1900), casa Camprubí (1900-1901), casa Rafel (1911).[237].
Josep Domènech i Mansana, filho de Doménech Estapá, ocupou o cargo de arquitecto do Ministério da Instrução Pública desde 1917, para o qual construiu numerosas escolas em várias cidades catalãs. Foi também arquiteto municipal de Santa María de Palautordera, onde construiu a Câmara Municipal e as Escolas Municipais (1929),[239] bem como de San Celoni, onde construiu a Câmara Municipal (1926), o Matadouro Municipal (1927) e a Térmica (1925-1930);[240] e Esparraguera, onde construiu o Mercado Municipal (1911) e o Matadero (1916).[241].
Andreu Audet destacou-se pela sua arte decorativa, repleta de relevos figurativos e treliças perfuradas, como se vê em obras como a casa Baldomer Rovira (1899), o Hotel Colón (1902, desaparecido), a casa Josep Sabadell (1904) e a Editorial Seguí (1912). Construiu também vários edifícios comerciais e salas de espectáculos, entre os quais se destaca o Teatro Apolo “Teatro”. Apolo (Barcelona)"),[243] bem como o Casino de la Rabassada em San Cugat del Vallés (1899).[244].
Jeroni Granell desenvolveu uma personalidade própria, numa linha mais próxima da Art Nouveau, com especial destaque para a utilização de vitrais e esgrafitos, purificação decorativa e tratamento plano das fachadas: casa Granell (1902-1904), edifícios em Mallorca 219, Roger de Lauria 84, Pádua 75 e Gerona 122, todos entre 1900 e 1903.[245][246].
Em menor medida, merecem destaque arquitetos como: Camilo Oliveras, um dos pioneiros do modernismo, especialmente pela utilização do tijolo aparente e da cerâmica policromada, técnica que desenvolveu na Maternidade Provincial e Casa dos Enjeitados de Barcelona (1883-1924), com o General Guitart.[247] O próprio Guitart foi o autor da Câmara Municipal de Santa Perpetua de Moguda (1892), da Fábrica Armstrong em Palafrugell (1900-1904) e de vários edifícios em San Felíu de Guixols: o casino La Constancia (1888-1898), o asilo Sweis (1904), o casino El Guixolense (1909) e a casa Patxot, bem como a Torre do Governador em Alella (1916).[248] Jaume Torres i Grau foi o autor das casas Ramos (1906-1908) na Plaza de Lesseps de Barcelona, compostas por três edifícios independentes, mas unidos por uma única fachada, que se destaca pelo seu esgrafito.[249] Ferran Romeu fez diversas casas de estilo próximo ao Art Nouveau francês, em Barcelona (casa Carbonell, 1897-1900; casa Conrad Roure, 1901-1902; casa Rabaseda, 1912) e San Cugat del Vallès (Casa Armet, 1898). 1916-1928) (1896-1900) e a casa Gener em Villanueva y Geltrú (1902).[253] Gabriel Borrell foi arquiteto municipal de Sant Feliu de Llobregat, onde construiu vários edifícios residenciais e residenciais, entre os quais se destaca a casa Cahué Raspall (1916); em Barcelona foi autor da casa Vallet (1908), bem como da capela do Colégio de las Teresianas, obra de Gaudí (1908).[254] Miquel Madorell começou num ecletismo classicista, mas no final do século entrou no modernismo, com um certo gosto pela ornamentação floral e vegetal e pela utilização de aplicações em ferro forjado, como denota a casa Santurce (1902-1905); Foi também autor do Ateneo Agrícola de San Sadurní de Noya (1908-1909) e do Círculo Mallorquín de Palma de Maiorca (1913).[255] Josep Amargós foi o autor da Estufa do Parque da Ciudadela (1883-1887), construída para a Exposição Universal. Mais tarde construiu a torre de água Dos Rius em Tibidabo (1902-1905) e o complexo da Sociedade Geral da Água de Barcelona em Cornellá de Llobregat (1905, hoje Museu da Água Agbar). tipo floral. Entre as suas obras destacam-se: a casa Francesc Ferreres (1898), a casa Iglesias (1899), a casa Leandre Bou (1906-1907), a casa Maldonado "Casa Maldonado (Barcelona)") (1913-1914) e a casa Millàs (1915), em Barcelona. Francesc Guàrdia i Vial era genro de Domènech i. Montaner, com quem colaborou no Palácio da Música Catalã. Foi autor do Teatro Principal de Terrasa (1909, com Enric Catà) e do Mercado Central de Valência (1910) com Alexandre Soler. Josep Graner foi um mestre de obras, autor de várias casas em Barcelona (casa Sala Sagristà, 1900; casa Sabata, 1900; casa Emili Ferrusola, 1904-1905; casa Forn, 1905; casas Pascual Coll, 1906-1908; casa Fajol, 1912) e vários edifícios e vilas de verão em Moncada e Reixach (torre Milão, 1889; Fábrica Panisello, 1911-1912; A sua obra mais emblemática é a casa Fajol, que se destaca pela sua coroa de cerâmica em forma de borboleta.[259] Pau Salvat era membro da família Salvat Publishing, para a qual construiu sua sede em 1912-1916. Sua obra destaca-se pelo selo de qualidade, como na casa Oller (1903), onde aplicou amplo repertório modernista, tanto em cerâmica como em ferro forjado, mármore e esgrafito, além de capitéis de figuras zoomórficas e vegetalistas. Em Igualada foi o autor da casa Ratés (1905-1909).[260] Bonaventura Conill foi o autor da casa Matas i Ramis (1903) e do complexo funicular de Vallvidrera (1905, com Arnau Calvet).[261] Marceliano Coquillat foi o arquitecto municipal de San Justo Desvern, onde renovou a quinta Can Ginestar (1904) e construiu a casa Pruna. (1909). Em Barcelona foi autor da Villa Conchita (1912) e da casa Josefina Bonet (1915), bem como do Mercado Sarriá (1911-1913), com Arnau Calvet.[262].
Além dos mencionados, vale a pena recordar, pelo menos brevemente, arquitectos como: Antoni Rovira i Rabassa (casa Codina, 1892; casa Ramon Casas, 1898-1899);[263] Manuel Comas i Thos (casa Jaume Moysi, 1893-1895; casa Viuda Marfà, 1901-1905); e Joaquim Bassegoda (casa Berenguer, 1907; casas Rocamora, 1914-1918);[265] Modest Feu (casa Jaume Estrada, 1906; casa Domènec Vila, 1918);[266] Joan Alsina (casa Oller, 1901; restaurante Pince, 1906; igreja franciscana, 1906, em Barcelona; Fábrica Trinxet, em Hospitalet de Llobregat, 1907; casa Valls-Brufau, 1900, e casa Sabaté, 1903, em Igualada); de Les Franqueses del Vallès, 1912);[242] José Pérez Terraza (casa Francesc Farreras, 1899; torre Ignacio Portabella, 1905);[267] Telm Fernández i Janot (casas Felip, 1901 e 1905-1913);[268] Salvador Soteras (casa Ibarz Bernat, 1901-1904) Sabadell) 1915-1918) e Asilo del Redós de San José e San Pedro em San Pedro de Ribas, 1901;[279] Chalé Miramar em Villanueva y Geltrú, 1913).[280].
Por último, é necessário salientar neste período o interesse dado aos estabelecimentos comerciais, nos quais, a par da estrutura arquitectónica, as artes aplicadas, o design de interiores e a decoração desempenharam um papel essencial. Um bom exemplo disso é: a mercearia Múrria (1898); o Bar Torino, decorado por Antoni Gaudí, Pedro Falqués e Josep Puig i Cadafalch em 1902; a fábrica de massas Antigua Casa Figueras, decorada em 1902 pelo pintor e cenógrafo Antoni Ros i Güell; a farmácia Bolós, decorada em 1902 por Antoni de Falguera; o restaurante Grill Room, do decorador Ricard de Capmany (1902); o forno Sarret (1906); a loja de artes plásticas Casa Teixidor, de Manuel Raspall (1909); a confeitaria Reñé, decorada por Enric Llardent em 1910; a farmácia Puigoriol, de Marià Pau") (1913-1914); e a lingerie El Indio, dos decoradores Vilaró e Valls (1922).[281].
De referir ainda a importância dada à arquitectura funerária, quer na construção ou renovação de cemitérios, quer na construção de panteões "Panteão (arquitectura)") e hipogeus, que eram outra das marcas da burguesia da época, geralmente em conjugação com esculturas dos melhores arquitectos da época, como Josep Llimona, Eusebi Arnau ou Enric Clarasó. Alguns expoentes seriam: o cemitério de Lloret de Mar, de Joaquim Artau") (1896-1901); o cemitério de Vilassar de Mar, de Eduard Ferrés (1908); o cemitério de Castellar del Vallés, de Antoni de Falguera (1911-1916); ou o cemitério de Olíus, de Bernardí Martorell (1916).[282].
• - Casa Trias (1903-1906), de Juli Batllevell, Barcelona.
• - Casas Josefa Villanueva (1904-1909), de Julio María Fossas, Barcelona.
• - Torre Ignacio Portabella (1905), de José Pérez Terraza, Barcelona.
• - Casa Pérez Samanillo, atual Círculo Hípico (1910-1911), de Joan Josep Hervàs, Barcelona.
• - Casas Rocamora (1914-1918), de Bonaventura e Joaquim Bassegoda, Barcelona.
• - Conservatório Municipal de Música de Barcelona (1916-1928), de Antoni de Falguera, Barcelona.
• - Casa Sayrach (1918), de Manuel Sayrach, Barcelona.
O Maresme tem como principal referência a sua capital, Mataró, onde, além da presença de Puig i Cadafalch ou Antoni Gaudí - autor da Cooperativa Obrera Mataronense (1898-1882) -, vale a pena mencionar Emili Cabanyes i Rabassa, que foi arquiteto municipal de Mataró de 1875 a 1892, cargo a partir do qual projetou um plano de expansão e foi autor do Mercado El Rengle (1891), que foi concluída por Puig i Cadafalch, bem como a capela do Sacramento da basílica de Santa Maria "Basílica de Santa María (Mataró)"), em estilo neobizantino (1892).[296] Também vale a pena mencionar Melchor de Palau y Simón, autor do Matadero Municipal (1906-1915). (Barcelona)") encontramos a obra de Ramon Maria Riudor, que evoluiu do neogótico para um modernismo de formas e decoração alegres,[298] como denotado no Casino (1911) e nas casas Artusa (1906), Can Robert (1903-1918) e Can Fatjó (1911-1914).[299] El Masnou apresenta inúmeras vilas de verão, como o Castellet de Ca l'Aymà, de Roc Cot i Cot (1907); a casa Eulália Matas, de Domènec Boada Piera (1900-1901); e a casa Millet Bertran, de Enric Fatjó Torras (1902).[300].
Outro centro do modernismo é Vallés, dividido em duas regiões: Vallés Occidental e Vallés Oriental. Na primeira estão duas importantes cidades que compartilham a capital da região: Terrasa e Sabadell. Em Terrassa, o modernismo foi amplamente divulgado, graças à exposição no Palácio das Indústrias (atual Escola de Engenharia de Tarrasa) em 1904. O modernismo de Tarrassa destaca-se pelos seus exteriores austeros e interiores ricamente ornamentados, especialmente em termos de carpintaria, serralharia, lambris de cerâmica e vitrais chumbados. Nesta cidade, o modernismo perdurou até a década de 1930, mais tarde do que em outros lugares.[301] Entre os arquitetos que deixaram trabalho na cidade, destaca-se Lluís Muncunill, que foi arquiteto municipal, onde exibiu uma obra pessoal que se destaca pelo seu amplo conhecimento de técnicas de construção, tanto tradicionais como modernas.[302] Foi o autor da Câmara Municipal de Tarrasa (1900-1902), a casa Baltasar Gorina. (1902), o Hotel Pompidor (1903), os Armazéns Farnés (1904-1905), o Vapor Aymerich, Amat y Jover (1907, atual Museu de Ciência e Tecnologia da Catalunha) e a Masía Freixa (1907-1910). arcos parabólicos.[304] Josep Maria Coll i Bacardí teve uma carreira curta devido à sua morte prematura, na qual mostrou uma clara influência da arquitetura vienense: Casa Baumann (1913), Grupo Escolar Torrella (1916).[305] Antoni Pascual Carretero foi arquiteto municipal de Terrassa entre 1904 e 1906, anos em que começou a trabalhar no Mercado da Independência.[306] Melcior Viñals foi também o arquitecto municipal de Terrassa, bem como de Esparraguera e San Vicente dels Horts, num estilo essencialmente eclético, usando o modernismo como mais uma ferramenta dentro do seu património construtivo. Entre as suas obras na cidade egarense destacam-se: a conclusão das obras do Mercado da Independência (1906-1908), da Casa Alegre Sagrera (1911) e dos Almacenes Torras (1914). (1904-1915) e a Antiga Escola Industrial de Artes e Ofícios (1907-1910).[303] Josep Renom foi o arquitecto municipal da cidade, autor de algumas obras modernistas antes de atribuir ao Noucentisme, como a casa Arimon (1911).[309] Um dos símbolos da cidade é a Torre de Água, de Lluís Homs.[310].
No Vallés Oriental centramo-nos na sua capital, Granollers, onde Manuel Raspall trabalhou como arquitecto municipal, como visto anteriormente. Ocupou o mesmo cargo em Cardedeu, La Garriga e Ametlla del Vallés, formando o núcleo modernista desta região. Anteriormente, Simó Cordomí foi o arquitecto municipal de Granollers, autor da Câmara Municipal (1902-1904), em estilo neogótico. Foi sucedido por Jeroni Martorell, autor da casa Blanxart (1904). Outra obra relevante foi o Hospital-Asilo Granollers, de Josep Maria Miró i Guibernau.[311].
Mais para o interior estão as regiões de Alto Panadés, Noya "Noya (Barcelona)"), Bages, Osona e Bergadá. Na primeira, seu centro principal era Villafranca del Panadés, onde Santiago Güell foi arquiteto municipal, com obras caracterizadas por formas onduladas e decoração floral, entre as quais se destacam as Lojas Magí Figueres (1904), a casa Maria Claramunt (1905), a casa Miró (1905), a casa Artur Inglada (1905), a casa Guasch (1905-1909), a casa Ramona Quer. (1906), a casa Torres Casals (1909), a casa Elies Valero (1910) e a Via Asilo Inglada (1914).[312][313] Antoni Pons foi também arquiteto municipal, autor de obras como os Almacenes Jové (1921), a casa Cañas i Mañé (1911) e a casa Rigual Artigas (1912). Eugeni Campllonch, autor da Electra Vilafranquesa (1901), da fachada da Câmara Municipal (1909) e da casa Jané Alegret (1909) tinham a mesma posição.[314] Na região de Noya há exemplos modernistas em sua capital, Igualada, onde Isidre Gili foi arquiteto municipal, autor do Matadero (1902-1905), da casa Serra (1904), da casa Franquesa (1905) e do Cal Ratés (1908). Josep Pausas i Coll, autor das Escolas Ateneo Igualadino (1916-1917) e do Curtume Pelfort (1917), também foi arquiteto municipal. O pólo de atração da arquitetura modernista foi Manresa, importante cidade industrial que cresceu significativamente no século XX. Ignasi Oms i Ponsa foi o arquitecto municipal da cidade, onde construiu obras como a Casa Armengou (1898), a Escola Infantes-Asilo (1901-1911), a Casa Torrents (1905), o Casino (1906), a Casa Lluvià (1908), a Casa Torra (1910) e o Moinho de Farinha La Florinda. (1912-1913).[317] Em Osona a maior parte das obras ocorreu em sua capital, Vic, onde Josep Ylla era mestre de obras municipal, autor da casa Ramon Costa (1906). Outro mestre construtor foi Josep Anton Torner"), autor da casa Vilà (1908). Um dos edifícios mais emblemáticos é a casa Comella, onde está localizado o Casino, obra de Cayetano Buigas (1896). os Desamparados, a capela Nuestra Señora de la Salud, a fábrica Rodergas y Cía, a casa Solanes (1904), o chalé Josep Viladomiu e o Casino Berguedà (1908-1913), autor da Câmara Municipal (1924) e da casa Tomàs Pujol (1925), também atuou como arquiteto municipal.
Na capital Gerona, destaca-se a presença de Rafael Masó, que nos seus primórdios mostrou uma clara influência Gaudiniana, embora posteriormente tenha evoluído para o Noucentisme. incluída em seus projetos de construção, como evidencia uma de suas primeiras obras, a Farmácia Masó (1908). No ano seguinte realizou diversas obras, como a casa Batlle e o Fundo de Pensões em Gerona, o Mas El Soler em San Hilario Sacalm, o Mas La Riba em Vianya e a casa Coll em Borrassá. Entre 1910-1911 construiu uma das suas obras mais emblemáticas, o Moinho Teixidor, que marcou o fim do processo de assimilação do Gaudinismo, estilo que aos poucos simplificou e derivou para uma linha mais classicista. Em 1912 fundou a sociedade Athenea para a promoção da arte e da cultura, para a qual construiu o edifício. Nos anos seguintes as suas obras já apresentam um estilo consolidado: casa Masramon em Olot (1913-1914), casa Ensesa em Gerona (1913-1915), casa Cendra em Anglés (1913-1915), casa Cases em San Felíu de Guixols (1914-1916), edifício dos Correios em Gerona (1915). Sua obra posterior já é totalmente noucentista.[322] Outros artistas que deixaram obras em Gerona foram: Isidre Bosch i Bataller (casa Furest, 1904; Can Noguera, 1914), Joan Roca Pinet (casa Norat, 1912-1913; casa Rigau, 1914-1915; casa Dalmau, 1917), Eugeni Campllonch (casa franquesa, 1901), Josep Martí i Burch) (Bloc Auguet, 1912) e Enric Catà (Destilarias Regàs, 1907-1908; Destilarias Gerunda, 1911-1912).[323].
Na região do Alto Ampurdán, o modernismo desenvolveu-se especialmente na capital, Figueras, onde Josep Azemar desenvolveu um modernismo com raízes medievalizantes influenciadas pela arquitetura popular catalã. Arquiteto municipal da cidade, foi autor de vários edifícios escolares e cooperativos, bem como da casa Moner (1897), do Matadouro municipal (1903-1904), da casa Cusí (1904) e da casa Subirós (1910). Foi também autor da Câmara Municipal de Viladecans (1892).[324] Em Cadaqués encontramos a obra de Salvador Sellés Baró"), autor da casa Can Seriñana (1911).[325].
Em Olot trabalhou Alfred Paluzie, que foi arquiteto municipal, autor do plano de urbanização da cidade (1906),[326] bem como da casa Gaietà Vila (1905), da casa Prat (1907) e da casa Gassiot (1911).[327] Josep Azemar foi o autor da casa Pujador (1911).[328].
Na zona de Ripollés trabalhou Antoni Coll i Fort, autor da casa Buixó em Ripoll (1902-1904), da casa Carles Puig em Campdevánol (1903), da casa Climent Tarré em San Juan de las Abadesas (1912-1915), da casa Vila em Camprodón (1916) ou da casa Pamias em Ribas de Freser (1917).[305] Simó Cordomí foi o autor da casa Can Roig em Camprodón (1900-1901).[329] Jeroni Martorell foi o autor do chalé-refúgio Ull de Ter em Setcasas (1906-1909).[330].
Lérida destacou a obra de Francesc Morera, que foi arquiteto municipal da cidade entre 1907 e 1941. Suas obras incluem: a casa Magí Llorens (1905), a casa Bergós (1908), a casa Xammar (1908), o Matadero (1912, atual Teatro del Escorxador), o Mercado Pla (1913), a casa Nadal (1915) e o Hotel Pal·las (1915).[331][332] Francisco Lamolla, também atuante em Huesca, foi o autor da casa dos Mestres.[333].
Em Balaguer vale destacar a obra de Ignasi de Villalonga Casañés, arquiteto municipal da cidade. Sua obra mais notável é Can Comabella (1918-1921).[334].
Em Tárrega encontra-se a casa Càrcer, de Josep Coll Vilaclara (1909-1910).[335].
Em Solsona merecem destaque a casa Reig Padullés, de Emili Porta Galobart (1928)[336] e o Hotel Sant Roc, de Bernardí Martorell (1915-1929).[337].
Em Cervera, vale destacar a obra do mestre-de-obras Manuel Minguell Rovira"), autor da casa Hermenegildo Colom (1912), dos Almacenes Ca l'Albareda (1915-1918) e da casa Rosendo Güell (1918-1919).[338].
Na província de Tarragona devemos destacar a obra de Josep Maria Jujol, tanto na capital como nas igrejas de Vistabella e Montferri, bem como nas adegas de Cèsar Martinell, como se viu. Na cidade de Tarragona, o arquitecto com obra mais modernista é Josep Maria Pujol i de Barberà, arquitecto municipal entre 1897 e 1939, autor da Reitoria da Universidade Rovira i Virgili (1898), das casas Ripoll (1910), Bofarull (1921) e Dr. (1913) e a Cooperativa Obrera Tarraconense (1917).[339] Ramón Salas Ricomá foi o autor da grade do Balcón del Mediterráneo (1889), da Câmara de Propriedade Urbana (1899) e de sua casa na Rambla Nova (1907),[340] bem como das Escolas Públicas de Falset (1909-1916) e das Escolas Miquel Granell de Amposta (1911-1912).[341].
Um importante centro modernista foi Reus, cidade natal de Gaudí, onde, paradoxalmente, não deixou obras. Além das obras de Domènech i Montaner, Rubió e Sugrañes, já analisadas, destaca-se a obra de Pere Caselles, que foi arquiteto municipal de Reus de 1891 a 1930, onde foi arquiteto de um bom número de obras, entre as quais a casa Punyed (1892), a casa Homdedéu (1893), a casa Munné (1904), a casa Laguna (1904), a casa Banco de Espanha (1904), Estação Enológica (1910), casa Sagarra (1908), casa Tomàs Jordi (1909), casa Grau (1910) e grupos escolares Prat de la Riba (1908-1917) e Pompeu Fabra (1926).[167].
Pablo Monguió, discípulo de Augusto Font Carreras, com quem trabalhou em Tarragona, trabalhou em Tortosa. Entre 1905 e 1908 foi arquiteto municipal da cidade, onde foi autor da casa Camós (1904), do chalé Pallarès (1906), da casa Fontanet (1906-1909), da casa Matheu (1907) e do Matadero (1907-1908, atual Museu Tortosa). Mais tarde trabalhou especialmente em Teruel.[342] Juan Abril Guañabens também foi arquiteto municipal, autor da ampliação de Tortosa (1886), das igrejas de Reparación (1899-1903) e do Rosário (1910-1914) e do cemitério municipal (1900-1923).[324].
Em Valls devemos destacar a obra de Josep Maria Vives Castellet, autor da casa Vives (1916), da Adega Cooperativa Agrícola (1919-1920) e da casa Mercadé (1921).[343].
Em Amposta destaca-se a casa Fàbregas, de Ricard Giralt i Casadesús (1913-1914); e a casa Morales-Talarn (1915-1916), do mestre construtor Joaquim Cabanes Suñer.[344].
De Lluís Domènech i Montaner, além da obra já mencionada em Comillas, devemos destacar fora da Catalunha o Gran Hotel "Gran Hotel (Palma de Mallorca)") de Palma de Mallorca (1901-1903), na sua época o hotel de luxo mais destacado de todo o estado. É um edifício chanfrado, de fachada dupla que se destaca pela rica ornamentação escultórica, com caves diáfanas resolvidas com arcos de carpanel e colunas com fustes angulados, enquanto no chanfro existe uma tribuna hexagonal encimada por frontão "Fronton (arquitetura)") com esculturas de Eusebi Arnau.[351] Outra obra sua fora do Principado foi o Monte de Piedad Alfonso XIII e Caja de Ahorros de Santander (1905-1907), um edifício mais clássico, com duas fachadas chanfradas unidas por uma balaustrada no primeiro andar e uma torre de acabamento no eixo central; O estilo lembra o regionalismo serrano, certamente por imposição do cliente, Claudio López Bru, II Marquês de Comillas.[352].
Outro arquitecto que deixou amostras da sua obra fora da Catalunha foi Enric Sagnier, autor das casas da Calle de la Paz em Valência (1903-1905, com Francisco Mora Berenguer); Fulgenci Torres i Mayans, estilo neogótico; Também em relação aos beneditinos realizou diversas intervenções no santuário de Pueyo (Barbastro) e no mosteiro de Valvanera, em La Rioja "La Rioja (Espanha)");[354] e nas torres de Arbide em San Sebastián (1905), em estilo neogótico.[355].
Isidre Gili foi o autor da casa Garrigosa em Logroño (1902), em estilo neoplateresco com elementos modernistas, como revestimentos cerâmicos e esgrafitos na fachada e escadas.[356].
Fora de Espanha, Eugeni Campllonch foi o autor do Casal de Cataluña de Buenos Aires (1928), num estilo historicista que incluía várias soluções ornamentais do modernismo catalão. Na Argentina, vale citar também Julián García Núñez, natural de Buenos Aires, mas de mãe catalã e que estudou em Barcelona, onde foi discípulo de Domènech i Montaner. Construiu algumas obras em Barcelona, como a casa Brias e, ao regressar ao seu país, foi autor de obras que denotam a influência do modernismo catalão, como a sua própria casa em 1907 ou a sede da Sociedade Beneficente Espanhola (1908). origem do arquiteto.[358].
Outro país com notável presença do modernismo catalão foi Cuba, onde trabalharam vários catalães, como o construtor Mario Rotllant, autor de várias obras em Havana que lembram o estilo de Gaudí, Domènech i Montaner ou Puig i Cadafalch, bem como o franco-belga Art Nouveau e a Sezession vienense (palácio Díaz Blanco, 1910; casa Joan Fradera, 1910; casa Dámaso Gutiérrez, 1913);[359] o construtor Jaume Cruanyas"), autor de diversas obras em Camagüey (Casa Cruanyas, Escola Salesiana de Artes e Ofícios);[360] o construtor Ramón Magriñá"), projetista dos jardins da cervejaria La Tropical em Havana (1906-1912), que denotam a influência do Parque Güell de Gaudí;[255] o mestre construtor Antonio Moya Andreu"), arquiteto de diversas obras de influência Gaudiniana em Camagüey (fábrica de sabão Tibidabo, gruta Casino Campestre, 1924); 1913)
Há alguns arquitectos que, mesmo sendo catalães, desenvolveram praticamente toda a sua obra fora da Catalunha e que, mesmo seguindo um estilo próximo do modernismo catalão, a sua obra não pode ser incluída nela: tal seria o caso de José Grases Riera, dentro do modernismo madrileno; Enrique Nieto, do modernismo de Melilla; ou a presença de Pablo Monguió em Teruel e de Ildefonso Bonells Rexach em Huesca.[364].
Outros expoentes foram: Alexandre de Cabanyes, formado em Barcelona, Paris e Munique. O seu trabalho centrou-se na paisagem de Villanueva i Geltrú, onde viveu numa quinta, com um estilo que mantém um certo eco romântico e uma pulsação algo nervosa, técnica e cor intensa. Vale a pena destacar as suas magníficas paisagens marítimas.[393] Baldomero Gili, formado em La Lonja, Madrid, Munique, Itália e Paris, evoluiu de um certo simbolismo para um impressionismo de paisagens - especialmente da Catalunha e Maiorca - de uma luminosidade sorollesca, que teve grande sucesso em Espanha e na América. Joan Colom i Agustí foi pintor, gravador, ilustrador e desenhista - sobretudo em Papitu—. Como pintor transitou entre o realismo e o impressionismo, enquanto como desenhista e gravador desenvolveu um estilo de linhas fortes e claro-escuros que lembra o modernismo "negro" de alguns artistas pós-modernistas.[393] Pau Roig foi pintor, aquarelista e gravador, colaborador de L'Esquella de la Torratxa. Viveu muito tempo em Paris e Bruxelas, onde desenvolveu um impressionismo de cores requintadas. Iu Pascual transitou entre o modernismo e o impressionismo, sem encontrar um estilo pessoal; A sua produção é igualmente irregular em termos de qualidade, tem obras de grande valor e outras com temas forçados e cores duras. Seu trabalho denota a influência da Escola Olot, que quase poderia ser considerada um expoente tardio.[395].
Outros artistas também devem ser mencionados: Aleix Clapés foi discípulo de Claudio Lorenzale, assim como Eugène Carrière em Paris. Mostrou predileção por temas dramáticos, com uma percepção próxima do expressionismo, pelo que foi por vezes comparado a James Ensor. Colaborou com Gaudí na decoração interior de algumas das suas obras, como o palácio Güell ou a casa Milà. Foi também designer de móveis e dirigiu a revista *Hispania "Hispania (Barcelona)"). Josep Maria Xiró treinou em Barcelona, França e Alemanha. Desenvolveu um simbolismo influenciado pela filosofia nietzschiana, com temáticas fantásticas e literárias, que superavam suas qualidades pictóricas. Ele também foi artista de cartazes e ilustrador de livros. Sua carreira foi interrompida devido à demência.[414] Adrián Gual foi, além de pintor, dramaturgo, cenógrafo, diretor de teatro, decorador, designer de cartazes, ex-escritor de livros, ilustrador e pioneiro do cinema. Iniciado no realismo, dá uma guinada radical em direção a um modernismo de tendência simbolista em 1896 com seu livro ilustrado Nocturno. Caminhante moderado. Sua melhor obra é El dew (1897).[415] Geralmente se concentrava em figuras femininas em paisagens naturais - de preferência lagos -, cercadas de flores e tocando instrumentos musicais.[416] Lluís Masriera destacou-se mais como ourives do que como pintor, mas também desenvolveu uma obra de notável conteúdo simbolista com um tom refinado e decorativo.[415] Seus temas eram muito variáveis, desde retratos e temas religiosos - onde predomina o realismo - até temas totalmente simbolistas, especialmente fadas ou figuras femininas dançantes, bem como flores, borboletas e outros temas recorrentes de simbolismo. Em algumas de suas obras, a cor domina quase completamente a composição, uma cor com aspecto esmaltado próximo às joias que ele também desenhou.[416].
Nesta corrente encontramos uma figura feminina, Lluïsa Vidal, filha do marceneiro Francesc Vidal y Jevellí, foi discípula de Arcadio Mas e estudou em Paris com Eugène Carrière e na Academia Julian.[417] Trabalhou como ilustradora em diversas revistas —especialmente Feminal—, especializada em temas femininos e infantis.[414].
Por último, vale a pena mencionar Joaquín Torres García, pintor uruguaio radicado durante algum tempo em Barcelona, cuja obra serviu de elo entre o modernismo simbolista e o pós-modernismo da geração mais jovem. O seu estilo era classicista, próximo de Puvis de Chavannes, com linhas simples e cores suaves, com tendência para uma composição algo geométrica, que mais tarde conduziria a um certo esquematismo. A sua obra posterior aproximou-se inicialmente do Noucentisme Mediterrâneo e, mais tarde, ao acentuar a sua tendência esquemática, ao construtivismo "Construtivismo (arte)"), com um tom abstracionista.[418].
Nonell centrou-se na figura humana, em cenas um tanto grotescas, de tom patético, com figuras borradas e com certo ar de caricatura, como os seus Cretins que expôs em Paris em 1897. No ano seguinte centrou-se no tema dos repatriados da guerra de Cuba, muitos dos quais tiveram que recorrer à mendicância. Outro de seus temas preferidos era a figura feminina, principalmente das ciganas. A sua obra baseia-se numa pincelada curvilínea, longa e violenta, alternada com toques mais curtos e repetidos.[425] A sua composição aproxima-se do divisionismo, mas não através de pontos, mas sim através de linhas cruzadas - algo que lembra Delacroix -, onde a luz e a sombra desempenham um papel igualmente relevante como a cor, dando volume às figuras, ao mesmo tempo que realçam as linhas grossas de perfis e contornos. Com tudo isso conseguiu captar esteticamente alguns temas feios e angustiantes - os subúrbios marginais -, obtendo um resultado distante de seu drama inicial.
Ricard Canals era amigo de Nonell, com quem partilhou não só a experiência Colla, mas também algumas estadias em Caldas de Bohí (1896) e Paris (1897). Nestes anos, suas obras são bastante semelhantes, influenciando-se mutuamente, dentro do chamado modernismo “negro”, com temática voltada para a marginalidade. Os canais focavam preferencialmente em cenas típicas da Andaluzia, com uma cor mais viva que Nonell, mas com um tom um tanto sarcástico. Quando Nonell regressou a Barcelona, Canals permaneceu em Paris, onde trabalhou para o negociante Paul Durand-Ruel, até 1907, altura em que regressou a Barcelona. Ao retornar, sua obra denota tanto a influência espanhola - Goya sobretudo - quanto a influência francesa, apoiada por influências como Daumier, Steinlein, Degas, Renoir e os Nabis. São obras que se destacam pela cor, luz e atmosfera, num tom de harmonia e sensualidade, com pinceladas livres e nervosas, com grande quantidade de material.[429].
Dos restantes membros do grupo, Ramón Pichot foi uma das figuras centrais do núcleo artístico de Cadaqués e, depois de uma temporada em Barcelona, onde foi frequentador assíduo do Els Quatre Gats, instalou-se em Paris, onde se dedicou - como outros artistas de origem espanhola - a temas hispânicos, de preferência - como Nonell - retratos de ciganos, que evoluíram de um tom sombrio para um maior colorismo, mais atraente para o público. Joaquim Sunyer estudou em La Lonja, onde foi colega de Mir e Nonell. Muito jovem mudou-se para Paris, onde trabalhou como pintor, gravador, desenhista e ilustrador. Suas obras desse período se destacam pela densidade material, atmosferas suaves e um colorido totalmente pós-impressionista. Após seu retorno em 1910, seu trabalho voltou-se para o Noucentisme. Juli Vallmitjana foi ourives, escritora e dramaturga, além de pintora. A sua obra centrou-se, tal como a dos seus companheiros, em temas marginais, personagens suburbanas, personagens que, além da pintura, o serviram nas suas obras escritas.[431].
Outro grupo de artistas foi o que se reuniu na taberna El Rovell de l'Ou ("a gema do ovo"), na rua Hospital de Barcelona, entre os quais se destacaram Pere Ysern, Mariano Pidelaserra, Josep-Víctor Solà e os irmãos Ramón e Julio Borrell, bem como o escultor Emili Fontbona e os ilustradores Cayetano Cornet e Ramón Riera Moliner, a maioria estudantes do Academia Borrell. O grupo editou uma revista manuscrita intitulada Il Tiberio (1896-1898).[432] Xavier Nogués também esteve relacionado com este grupo, com uma obra inicial influenciada pelo sintetismo "Sintetismo (pintura)") Nabí "Nabis (artistas)") e que posteriormente evoluiu para o Noucentismo.[433] Pere Ysern estudou na Academia Borrell e mais tarde residiu por algum tempo em Roma e Paris. Comparado com o resto dos artistas de tendência impressionista, mais interessados na paisagem, mostrou uma predileção pelos temas urbanos - especialmente a atmosfera parisiense e, especialmente, os dançarinos -, com um estilo próximo do divisionismo neo-impressionista, onde se destaca a sua tendência para criar massas de cores claras. Também fez paisagens, especialmente de Maiorca.[391] Pidelaserra evoluiu de um modernismo semelhante ao dos seus colegas para um estilo que misturava influências muito diversas, do impressionismo a um realismo algo arcaizante, bem como a um expressionismo incipiente. As suas séries de paisagens de Montseny foram criadas com a técnica pontilhista, com a qual alcançou, no entanto, um realismo intenso, com um virtuosismo difícil de superar. Apesar de tudo, por razões desconhecidas, deixou de pintar durante muitos anos e, quando a retomou, o seu estilo tinha perdido a vivacidade inicial, com um tom algo primitivista, pobre e hesitante. Nos seus últimos anos, uma nova virada o levou a um expressionismo focado em temas sociais e religiosos.[434].
Outro grupo nessa tendência eram os Els Negres ("os negros"), cujos integrantes, influenciados pela obra de Nonell, defendiam uma arte pouco convencional, com temática urbana e preponderância de tons escuros, principalmente o preto carvão, estilo em que se destacavam tanto na pintura quanto no desenho. Em 1903 realizaram uma exposição em Els Quatre Gats.[435] Entre os seus membros estavam Manuel Ainaud e Joaquim Biosca. O primeiro, autodidata, focou no tema aglomerações de pessoas em eventos populares, como A procissão de San Medin (1907). Logo abandonou a atividade artística e dedicou-se à pedagogia.[436] A Biosca focou em temas marginais e – como Nonell – ciganos. Mais tarde, estabeleceu-se em Paris, onde obteve grande sucesso e foi amigo de Picasso.[437].
Fora destes grupos, vale a pena mencionar, em primeiro lugar, Hermenegildo Anglada Camarasa, um pintor original que se dedicou sobretudo às cenas urbanas, preferencialmente noturnas, onde mostrava o ambiente boémio das festas e espetáculos noturnos, a vida da alta sociedade, com os seus ternos e vestidos luxuosos, com um gosto especial pelos efeitos de iluminação, pelos jogos de luzes e reflexos, sejam eles naturais - da lua e das estrelas - ou luzes artificiais. um estilo artificial e decorativo que nos seus últimos anos evoluiu para obras de grande formato focadas sobretudo em temas folclóricos hispânicos. Influenciado por Toulouse-Lautrec, Klimt e Van Dongen, o trabalho de Anglada é pessoal e diferenciado, difícil de ser agrupado em qualquer uma das tendências modernistas. Caracteriza-se sobretudo pela distribuição aberta do espaço, pelo contraste dos efeitos de luz e dos valores cromáticos, pelo uso abundante de linhas de arabescos e pelo contraste de planos.[440].
Miquel Utrillo foi pintor, desenhista e crítico de arte, amigo e colaborador de Casas e Rusiñol em muitos de seus projetos modernistas e arquiteto do Pueblo Español de Barcelona.[441] Embora tenha estudado engenharia, ingressou no mundo da arte, tanto no aspecto prático quanto teórico, já que foi diretor da revista Quatre Gats. Ele também foi correspondente do La Vanguardia em Paris, onde fez vistas da cidade, como Notre Dame na nevada Paris (1890).[442] Seu primo Antoni Utrillo foi pintor, decorador e cartazista, além de cofundador do Círculo de San Lucas.[443] Foi discípulo de Antonio Caba e estudou como interno em Paris. Fez retratos e obras religiosas, colaborou com inúmeras revistas e criou uma oficina de artes gráficas.[444].
Eveli Torent cultivou um estilo semelhante ao de Anglada. No início frequentou o grupo Els Quatre Gats —onde Picasso fez dele um retrato a carvão—, em cujas instalações expôs em 1900, bem como na Sala Parés, e colaborou nas revistas Luz e Quatre Gats. Mais tarde instalou-se em Paris (1902-1913), onde expôs no Salão de Outono, no Champ de Mars e nos Independentes. Nessa época ele compôs principalmente canções folclóricas espanholas (A los toros, 1903; Une loge aux course de toros, 1904; Tête gitane, 1906). Ao retornar, praticou principalmente o retrato, gênero no qual alcançou fama internacional.
Nicolau Raurich apostou no paisagismo com uma técnica pessoal, que combinava uma cor poderosa de tons contrastantes e quase puros com um material muito espesso, com uma corporeidade que realçava a cor e a luz - dizia-se mesmo dele que era um dos poucos que tinha conseguido captar a essência da luz mediterrânica, superando até as melhores técnicas impressionistas - técnica que abriu caminho à arte do século, tanto figurativa como abstracta. Ele também se destacou em suas pinturas noturnas.[446].
Outros expoentes da nova geração foram: Ricardo Urgell, filho do pintor paisagista da Escola Olot Modesto Urgell, desenvolveu um estilo com temas modernistas e técnica pós-impressionista, focado em cenas de interiores, preferencialmente teatros e music-halls, com um estudo profundo de cor e atmosfera, bem como uma pincelada rica. Francesc d'Assís Galí foi pintor, gravador, cartazista e desenhista, além de pedagogo, atuando como diretor da Escola Superior de Belas Artes. Durante a Segunda República foi diretor-geral de Belas Artes, cargo a partir do qual foi responsável pela salvaguarda das obras do Museu do Prado durante a Guerra Civil. Como pintor transitou entre o simbolismo e o modernismo "negro", sem encontrar um estilo pessoal. Mais tarde, ele migrou para o Noucentisme.[448] Sebastià Junyer[nota 7] foi um pintor, colecionador e membro do Els Quatre Gats. Amigo de Picasso, viajou com ele para Paris. Destacou-se como pintor paisagista - principalmente maiorquino - num estilo decorativo e precioso, que se destaca pela riqueza da sua cor.[449] Claudio Castelucho instalou-se em Paris, onde lecionou na Académie de la Grande Chaumière. Expôs regularmente nos salões desta cidade, sendo o artista catalão que mais participou nestes salões. A sua obra inicial denota a influência de Ramón Casas, mas posteriormente evoluiu para um estilo mais esboçado, em sintonia com o pós-modernismo. Tal como outros artistas residentes na capital francesa, tratou de temas típicos espanhóis (touros, flamenco, ciganos), bem como de paisagens e retratos. Pere Torné foi também pintor paisagista, com estilo baseado na pintura popular catalã, um tanto ingênua, com técnica pós-impressionista. Foi também cartunista e ilustrador e viveu algum tempo em Paris, onde colaborou na revista Le Rire. Mais tarde, evoluiu para o Noucentisme.[448].
Vale citar dois artistas de curta carreira, pois se suicidaram na juventude: Antoni Samarra e Hortensi Güell. O primeiro teve que trabalhar como pedreiro para sobreviver, o que lhe deixou pouco tempo para a arte; Mesmo assim, interagiu com Els Negres —especialmente Ainaud— e desenvolveu um estilo de cores vivas e intensidade luminosa, próximo de um fauvismo incipiente, com linhas gestuais e textura densa. Güell, por outro lado, era de família rica e amigo de Picasso. Desenvolveu um estilo impressionista de tons suaves e brilhantes, mas com temas deprimentes, relacionados à morte e à solidão.[451].
Merece destaque especial José María Sert, sem qualquer ligação específica com os restantes pintores que o rodeiam, criador de uma obra pessoal, de tom decorativo e bombástico, um pouco na linha de Anglada Camarasa. Dedicou-se especialmente ao muralismo, com cenas quase monocromáticas, brincando com sépia e tons dourados ou prateados, lembrando a arte barroca e um certo expressionismo com raízes goyascas.[439] Foi o autor em 1900 da decoração do estabelecimento parisiense de Samuel Bing, Art Nouveau, que deu nome ao movimento na França.[452].
Por fim, cabe destacar nesta corrente o período modernista de Pablo Picasso. Após uma formação académica, entre 1895 e 1900 viveu em Barcelona - também esporadicamente entre 1900 e 1904, alternando com Paris -,[nota 8] onde estagiou em La Lonja e frequentou Els Quatre Gats, onde expôs em 1900, bem como na Sala Parés em 1901. Colaborou com as revistas Pèl & Ploma e Juventude. Seu primeiro concessionário foi o catalão Pere Mañach. Os anos em Barcelona introduziram-no no ambiente vanguardista, já que naquela época a capital catalã era a cidade mais atualizada da arte europeia.[454] Neste sentido, uma das suas primeiras obras num estilo que se pode dizer modernista foi uma série de retratos a carvão que realizou entre 1899 e 1900, emulando os de Ramón Casas que pôde ver na Sala Parés em outubro de 1899.[nota 9] Da mesma forma, ficou profundamente impactado com a exposição que Anglada Camarasa realizou na Sala Parés em maio de 1900, onde pôde conhecer o estilo pós-impressionista que então se praticava na França, cuja influência é denotada nas obras que apresentou em sua segunda exposição em Els Quatre Gats, em julho de 1900, que revelam um cromatismo violento, como Touros (1900). No outono daquele ano fez a sua primeira viagem a Paris.[455] Em 1901 expôs uma série de pastéis na Sala Parés e, no verão, retornou à capital francesa, onde iniciou uma nova etapa de sua carreira: o período azul (1901-1904), marcado pela tristeza e melancolia, derivado do suicídio de seu amigo Carlos Casagemas em 1901. Nessa fase, a influência de Nonell – de quem era vizinho na Rua do Comércio – é evidente. de Barcelona – especialmente em modelagem e contornos simplificados. As suas obras deste período, mais próximas da arte simbolista, centram-se na pobreza e na solidão, bem como na maternidade e na velhice (La vida, 1903; Desamparados, 1903). Sua principal característica estilística é a predominância da cor azul, provavelmente devido à influência dos Noturnos de Whistler, dos tons azul-esverdeados das últimas obras de Burne-Jones e da pintura A Vigília de Santa Genevieve de Puvis de Chavannes, em um azul quase monocromático, bem como a associação simbólica desta cor com a espiritualidade e - na obra de Verlaine e Mallarmé - com a decadência. Pintou também algumas paisagens urbanas de Barcelona, especialmente do bairro Gótico (Terrazas de Barcelona, 1903). Por outro lado, neste período iniciou a amizade com Emili Fontbona, que o apresentou à escultura. Desde 1904, agora radicado permanentemente em Paris, a sua obra afasta-se do modernismo catalão.[457].
Picasso liderou um pequeno grupo que incluía Ricardo Opisso e Carlos Casagemas.[458] O primeiro se destacou mais como desenhista, como se verá mais adiante. Casagemas foi pintor e desenhista, destacado pelos pastéis, num estilo que pode ser incluído no modernismo "negro". Viajou com Picasso para Paris, onde se suicidou, facto que marcou profundamente o pintor málaga.[459].
Capullo truncado
Flor espiritual
Reposo
La ola
Unción
Ele também pertenceu ao Círculo Eusebi Arnau, um autor que evoluiu da anedota naturalista ao modernismo simbolista. Formou-se em La Lonja e, depois de trabalhar numa gráfica, ingressou na oficina Masriera, onde, além de esculturas, fez joias e outros objetos decorativos. Após obter uma bolsa de estudos, viajou para Paris, onde estudou na Academia Julian. Ele também passou um tempo em Florença e Roma. Ao regressar, dedicou-se especialmente à escultura aplicada à arquitetura, trabalhando para arquitetos como Domènech i Montaner, Puig i Cadafalch e Enric Sagnier; O seu trabalho no Palácio da Música Catalã destacou-se acima de tudo. Desenvolveu escultura decorativa focada especialmente nas figuras femininas e na vegetação, temas preferidos do modernismo. Ele combinou seu trabalho escultórico com joias e medalhas. Em sua fase final passou para o neoclassicismo, como quase todos os autores de sua geração.[478] Entre suas obras mais plenamente modernistas vale destacar A onda (1905), Busto de mulher (1907) e No mercado (1908).[479].
Miguel Blay formou-se em Paris e Roma, em estilo acadêmico, embora tenha evoluído para o modernismo em obras como Os Primeiros Resfriados (1892) e Perseguindo a Ilusão (1903).[480] Suas primeiras obras totalmente modernistas foram: Ensueño (1905); Eclosión (1908), onde denota a influência rodiniana; o Monumento a Chávarri em Portugalete, bastante sintonizado com a obra de Meunier; e o Monumento a Silvestre Ochoa em Montevidéu.[481] No Palácio da Música Catalã foi autor em 1909 do grupo escultórico A Canção Popular, que apresenta uma figura feminina que personifica a Canção, rodeada de vários personagens que representam o povo catalão, enquanto acima se ergue a imponente figura de São Jorge.[482] Paralelamente a essas obras, cultivou um tipo de estatuária mais realista e solene, para encomendas oficiais, que absorveu boa parte de seu tempo, limitando a poucos exemplos sua produção modernista.[481] Produziu inúmeras obras em Madrid, onde trabalhou durante algum tempo, como o *Monumento a Alfonso XII "Monumento a Alfonso
Lambert Escaler foi um dos escultores mais puramente modernistas do período de auge deste movimento, mas posteriormente, adaptando-se aos gostos da época, tornou-se mais classicista. Talvez pelo abandono do seu estilo mais pessoal, mais tarde combinou a escultura com outras atividades, principalmente como comediante; Ele também projetou gigantes e cabeças grandes. Trabalhou principalmente em terracota policromada, principalmente figuras femininas com cabelos bagunçados e decoradas com flores, de aspecto melancólico. Em numerosas ocasiões ele colocou esses bustos femininos junto com um espelho.[484].
Dionisio Renart estudou em La Lonja e foi discípulo de Josep Llimona. Da mesma forma, conheceu o trabalho de Rodin durante uma estadia em Paris. Além da escultura, fez cerâmicas, joias, medalhas, ex-libris e outros objetos de design; Ele também se dedicou à astronomia. Suas obras incluem Eva (1906), La Raza e vários monumentos na Espanha e na América.[485] Ele também fez imagens e esculturas funerárias.[486].
Carles Mani foi um artista original, extravagante, rebelde e marginal. Viveu a maior parte da sua vida num ambiente de miséria, o que marcaria a sua obra, uma obra heterodoxa que se insere no modernismo pela sua cronologia, mas é estranha a este movimento. Passou por Paris e Madrid, residindo posteriormente em Barcelona até à sua morte prematura, onde trabalhou para Gaudí na casa Batlló, na casa Milà e na Sagrada Família. A sua obra mais representativa é Los degenerados (1901), uma obra austera, expressiva, de obra inacabada, com desproporção das partes, que mostrava em toda a sua crueza o drama da pobreza e que na sua época causou grande polémica.[77].
Por fim, vale a pena mencionar vários escultores como: Llorenç Matamala, amigo e colaborador de Gaudí, chefe da oficina de escultura da Sagrada Família;[487] Alfons Juyol, que trabalhou para arquitetos como Domènech i Montaner, Puig i Cadafalch e Enric Sagnier;[488] Emili Fontbona, discípulo de Eusebi Arnau, que desenvolveu um estilo mais pessoal, um tanto arcaico, simplista e popular;[489] Antonio Parera, escultor e medalhista, estudou em La Lonja, onde foi discípulo de Jerónimo Suñol, sua obra mais conhecida é La Caridad;[490] ou Josep Maria Barnadas, discípulo de Agapito Vallmitjana e membro do Círculo de San Lucas, autor de obras religiosas e escultura aplicada à arquitetura, para as quais colaborou com Puig i Cadafalch, Sagnier, Doménech Estapá ou Joan Martorell.[491].
Éxtasis
Nocturn Andante Morat
Silenci
Llibre d'horas. Devoções íntimas
Luz
Boires baixes
A outra linha do desenho modernista era mais realista e sintética, seguindo o exemplo dos artistas franceses Toulouse-Lautrec e Steinlein. Seus principais representantes foram Ramón Casas, Ricardo Opisso, Javier Gosé e Joan Cardona, enquanto seu principal meio de divulgação foi a revista Quatre Gats, fundada por Pere Romeu, dirigida por Miquel Utrillo e com Casas como diretor artístico. Casas marcou a linha estética de Quatre Gats e também criou sua própria revista, Pèl & Ploma (1899-1903), da qual foi único ilustrador durante o primeiro ano. Nele tentou apresentar ao público catalão a vida parisiense, com ilustrações da vida urbana da capital francesa, mulheres bonitas e modernas e retratos de protagonistas do momento. A partir do terceiro ano passou a ser uma edição mais luxuosa, com a colaboração de outros artistas. A esta revista seguiu-se a Forma (1904-1906), criada por Casas em conjunto com Miquel Utrillo, dedicada à arte, com formato de luxo. Ele também colaborou na Hispânia com quadrinhos humorísticos, uma faceta menos conhecida sua. Opisso foi um artista autodidata - frequentou apenas um dia na Escuela de la Lonja - e trabalhou na oficina de Gaudí - amigo do pai - como desenhista e responsável pelo arquivo fotográfico. Foi membro do Círculo de São Lucas e, entre 1906 e 1912, viveu em Paris, onde colaborou em diversas revistas com temática centrada na vida boémia. No retorno colaborou com revistas como Cu-Cut!, La Campana de Gracia e L'Esquella de la Torratxa, de temática um tanto sarcástica, focada em cenas urbanas com grandes grupos de pessoas. Ele também ilustrou livros infantis. Gosé estudou em La Lonja com José Luis Pellicer. Colaborou em diversas revistas com desenhos em preto que lhe trouxeram grande sucesso, graças ao qual se estabeleceu em Paris, onde triunfou com um estilo de cores suaves que refletia o mundo da Belle époque, que fez muito sucesso entre o público feminino. Cardona treinou em Barcelona e Paris, onde recebeu influência de Steinlein e Toulouse-Lautrec. Apostou em temas femininos, tanto parisienses como espanhóis, num estilo que lembra Anglada Camarasa, sem atingir o seu talento. Foi também cartunista e colaborou com diversas revistas catalãs e francesas.[520].
Dos demais, vale citar brevemente: Cayetano Cornet, engenheiro além de pintor e desenhista, que se destacou como cartazista e caricaturista, colaborando com revistas como L'Esquella de la Torratxa, Cu-Cut! e Papitu;[360] Josep Pascó, que foi cartunista, cenógrafo, decorador e designer de cartazes, diretor artístico da revista Hispania e colaborador de La Ilustració Catalana;[521] Joan Llaverias, cartunista, aquarelista, cartazista e ex-livreiro, especializado em desenhos de animais;[443] Josep Triadó, pintor, encadernador e ex-livreiro além de cartunista, onde se destacou por sua grande qualidade, foi discípulo de Riquer e principal colaborador de El Gato Negro "El Gato Negro (revista)"), em além de Hispania, La Ilustració Catalana e Salon Album, bem como ilustração de livros (Contes d'uns y altres, 1904; Dafnis e Chloe, 1906);[522] Livro de Joaquín Boires baixes de Josep María Roviralta;[523] Ricardo Marín Llovet, colaborador em diversas revistas e também autor de exlibris;[524] Gaspar Camps, de estilo totalmente modernista graças à sua formação em Paris, foi o introdutor na Catalunha do estilo de Alfons Mucha, de estilo denso e ornamentado;[525] Josep Pey, pintor, decorador e ex-livreiro e também desenhista, destacou-se pelos projetos para a cerâmica de Antoni Serra Fiter; [524] Josep Simont, trabalhou em Paris, Inglaterra, Alemanha e Estados Unidos, onde colaborou nas melhores revistas e jornais, alcançando grande fama; satírico;[527] Luis Bagará, caricaturista com tom político em vários jornais;[527] Josep Maria Junoy, cartunista, escritor, jornalista e crítico de arte - fervoroso defensor da vanguarda -, conhecido por suas ilustrações em Papitu;[528] Marià Andreu, cartunista, pintor, escultor, gravador, decorador e cenógrafo, trabalhou a maior parte de sua vida na França;[529] e Laura Albéniz, filha do músico Isaac Albéniz, especializada em figuras femininas, de estilo um tanto ingênuo, de raiz popular.[529].
Outro género que teve um grande boom foi o exlibris, geralmente sob a forma de água-forte ou fotogravura.[535] Como marca de pertencimento a um livro, os exlibris estavam relacionados com a cultura por excelência, razão pela qual na época do ressurgimento da cultura catalã ganharam grande preponderância, o que levou mesmo à fundação da Associação Barcelona de Exlibris. Como em outras áreas, um dos grupos que mais favoreceu esta pequena arte foi a burguesia.[536] A idade de ouro do exlibris modernista ocorreu entre 1900 e 1907. Nessa época, foram fundadas várias associações como Amigos del Libro y de los Exlibris (1901) e Asociación de Exlibris Ibéricos (1902), bem como uma revista, a Revista Ibérica de Exlibris (1903).[537] Artistas renomados dedicaram-se ao seu design, como Alexandre de Riquer, Josep Triadó e Joaquim Renart. O primeiro foi um dos introdutores do bookplate graças à sua estadia na Inglaterra, onde foi mais utilizado, e à divulgação da revista inglesa The Studio. Fez alguns ex-libris de água-forte, como o de Alfonso XIII (1904), um dos melhores de toda a produção de ex-libris catalã. A maioria de seus desenhos eram de estilo simbolista, com figuras femininas adornadas com flores e livros. Triadó desenvolveu um estilo mais severo, de influência germânica, que colecionou na Edição completa dos ex-libris Triadó. Renart destacou-se pelo estilo sinuoso, com composição cuidada, que compilou no álbum Los exlibris de Renart (1907). Vale destacar também Ramon Casals i Vernis, que estudiosos como Francesc Fontbona apontam como o introdutor do gênero na Catalunha após tê-lo estudado na Bibliothèque Nationale de Paris; Em 1907 ele publicou uma compilação intitulada Cem Exlibris Selecionados. Outros expoentes foram: Alexandre Cardunets, litógrafo, destacado pela riqueza de sua composição; Jaume Llongueras, pintor a meio caminho entre o modernismo e o noucentismo, embora os seus exlibris sejam do período modernista (Exlibris de Joan Llongueras, 1904); Víctor Oliva, impressor, autor de exlibris e ilustrações para livros que realizou em sua própria gráfica, que compilou em 1907 no Anuario Oliva;[539] e Ramón Borrell y Pla, autor de numerosos exlibris de água-forte.[540].
estuccolina
gupsoxilina
Outro recurso comum era a decoração em gesso, realizada desde 1875 com uma nova técnica que utilizava o reboque "Reboque (material)"), que proporcionava maior leveza e acabamentos mais delicados. Destacaram-se nesta técnica a empresa Ávila e o estucador Joan Coll i Molas, bem como Evelio Doria y Cía. house, especialista em tetos, frisos e colunas em novos materiais como duroxyla, pedra gaufré ou mármore regenerado. O uso de papel machê também era comum.[555].
Antoni Gaudí desenhou muitos dos móveis de suas obras, como os do Palácio Güell, onde se destacam uma chaise longue e uma penteadeira; os da casa Batlló, também em carvalho, que se destacam pela ergonomia, pelo design adaptado à anatomia humana; os bancos da cripta da Colônia Güell, simples e austeros, mas de grande engenho e elegância;[564] e o mobiliário litúrgico da Sagrada Família). As suas obras destacam-se pela combinação entre estética e funcionalidade, bem como pela utilização de madeira sem pintura e quase nenhuma moldura, com amplo domínio de volumes e superfícies, bem como um grande conhecimento de técnicas e materiais.[565].
Colaborador regular de Gaudí foi Eudald Puntí, para quem fez os móveis da capela-panteão do palácio Sobrellano do Marquês de Comillas (1878),[566] bem como o mosteiro da capela do Colégio de Jesús-María de Tarragona (1880-1882),[567] as portas de correr da casa Vicens (1883-1885) e o mobiliário e decoração interior do palácio Güell (1886-1889).[568] Com a morte de Puntí, a oficina passou a chamar-se Planas y Casas e, alguns anos depois, Casas y Bardés, que foi uma das principais oficinas de marcenaria do início do século.[569].
Joan Busquets fez designs totalmente modernistas, de forte personalidade, que tiveram grande sucesso. Seu estilo denota influências nórdicas, inglesas e austríacas, assim como de Gaudí.[570] Ele usou pirografia em vez de marchetaria e, em alguns casos, pintura em madeira. Seu estilo era bastante ornamental, com predominância do coup de fouet, ou seja, o formato sinuoso de um "golpe de chicote". Entre as suas obras destacam-se o mobiliário da casa Juncadella (1901) e o da casa Arnús, mais conhecida como "El Pinar" (1902), ambos do arquitecto Enric Sagnier. Foi presidente da Promoção das Artes Decorativas.[571].
Outros expoentes foram: Aleix Clapés, pintor, decorador e designer de móveis, colaborador ocasional de Gaudí, famoso por sua sala feita em 1900 para a família Ibarz de Barcelona, atualmente na Casa-Museu de Gaudí no Parque Güell; com um estilo inspirado na arte nórdica - especialmente flamenga -, como denota a sua arquitetura;[573] outro arquiteto, Josep Maria Jujol, autor de algumas peças para os edifícios que construiu, como os móveis da loja Mañach (1911); Sezession vienense e o arquiteto Jujol;[573] Francesc Simplicio"), discípulo de Vidal Jevellí, criou uma oficina de modernismo um tanto imposto, enquanto em seus últimos anos trabalhou como luthier;[575] Antoni Badrinas, pintor, decorador e marceneiro, estudou na Escola de Artes de Dresden, onde recebeu a influência de Jugendstil, embora posteriormente tenha optado pelo noucentismo;[575] Víctor Masriera, que, como Busquets, utilizou pirografia colorida, com motivos naturalistas.[576].
Devemos ainda destacar: Josep Jordi Guardiola i Bonet, ceramista de estilo algo barroco, cujas peças são reconhecíveis por uma forte tendência ao horror vacui;[583] Enric Bassas, escultor que trabalhou frequentemente com cerâmica e que, apesar de pertencer a uma geração posterior, trabalhou num estilo modernista tardio;[583] Marià Burguès formou-se em Coimbra e Manises, para mais tarde formar uma oficina em Sabadell (Faianç Català), que se destacou pela utilização de novas técnicas e materiais;[586] Hipòlit Monseny") fundou uma oficina em Reus, que forneceu cerâmica para obras como a casa Gasull de Domènech i Montaner e a casa Comalat de Salvador Valeri.[587].
Neste período também aumentou a utilização do mosaico, seja cerâmico, grés, mármore (ou romano), esmalte vítreo (ou veneziano) ou trencadís, utilizado quer como pavimento, quer para revestimento de paredes.[588] Mario Maragliano e Lluís Bru se destacaram neste campo. O primeiro, de origem italiana, fundou uma oficina em Barcelona em 1884, a partir da qual fez mosaicos para diversas igrejas e foi colaborador regular de Domènech i Montaner (Hospital San Pablo, Palácio da Música Catalã), Gaudí (cripta da Sagrada Família) e Puig i Cadafalch (casa Macaya, casa Amatller). Bru começou na área da cenografia, mas, após uma série de contactos profissionais com Domènech i Montaner optou pelos mosaicos, área em que alcançou níveis de excelência. Estudou a técnica em Veneza, depois trabalhou para os melhores arquitectos, como o próprio Domènech ou Puig i Cadafalch. Entre suas obras destacam-se os mosaicos do Hospital de San Pablo e do Palácio da Música Catalã, bem como a cúpula da Rotonda, edifício de Adolfo Ruiz Casamitjana.[590] De referir ainda Gaspar Homar que, além de marceneiro, trabalhou na área do mosaico, como os seus excelentes tectos na sala de jantar da casa Lleó Morera, em mosaico com relevo de porcelana, desenhados por Josep Pey.[581].
Um dos maiores expoentes da utilização da cerâmica e do mosaico é o Palácio da Música Catalã, onde participaram vários ceramistas (Escofet, Cosme Toda, Simó, Pau Pujol, Sanchis, Tarrés i Macià, Cucurny, Josep Orriols, Modest Sunyol, Pascual Ramos, Antoni Vilar) e mosaicistas (Lluís Bru, Mario Maragliano, Leandro e Lluís). Querol). Cerâmicas e mosaicos cobrem quase todo o edifício, desde pisos e paredes até lambris, divisórias, degraus, coroas de flores, arcadas, nervuras de abóbadas, abóbadas, vigas e em torno da claraboia envidraçada da cobertura. O mosaico destaca-se nas paredes e fustes das colunas, bem como no friso superior da fachada. No palco destacam-se as figuras femininas que tocam instrumentos musicais, realizadas na parte inferior em mosaico e na parte superior em relevo escultórico, da autoria de Eusebi Arnau.[591].
Uma das fundições mais relevantes foi a Fundição Artística Masriera y Campins, empresa formada por Frederic Masriera e Antoni Campins. O primeiro foi responsável pela seção de fundição de Vidal Jevellí, onde foi feita a estátua de Cristóvão Colombo "Monumento a Colombo (Barcelona)".[607] Mariera e Campins destacaram-se na técnica da cera perdida, com a qual confeccionaram os chamados "bronze de salão", pequenas peças de linhas escultóricas para decoração, bem como reproduções de esculturas de Eusebi Arnau, Josep Llimona, Miguel Blay ou Josep Reynés. projetos.[607].
Um dos falsificadores mais destacados foi Manuel Ballarín, colaborador de vários arquitectos, especialmente Puig i Cadafalch, para quem criou os elementos de forja das casas Amatller e Terrades; ou Pedro Falqués, para quem fez os candeeiros do Paseo de Gracia acima mencionados.[609] Outros falsificadores renomados foram: Joan Oñós, ferreiro e falsificador, colaborador de Gaudí em diversas de suas obras;[610] Arturo Santamaría"), que fundou uma oficina artística de fundição que fabricava diversas peças para construção, como maçanetas, puxadores e baús, além de elementos decorativos como chaves ornamentais e flores. estampadas;[611] e Ramon Teixé, falsificador e ourives que combinava os dois ofícios na produção de joias de ferro, às vezes combinado com esmalte, num estilo que lembra a obra de Josep Maria Jujol.[612].
Talvez a figura mais eminente da prosa modernista tenha sido Víctor Català, pseudônimo da escritora Caterina Albert. Na juventude cultivou a poesia e o teatro, mas consolidou-se com a narrativa. A maior parte das suas obras situam-se em ambientes rurais, mas são utilizadas como símbolo da luta do ser humano contra o seu destino, razão pela qual não podem ser incluídas num ruralismo tradicional. Suas primeiras obras narrativas foram contos, publicados em coletâneas com diversos títulos: Drames rurals (1902), Ombrívoles (1904) e Caires Vius (1907). Neles ele já mostrava a realidade a partir da visão subjetiva do autor, recorrendo à sugestão e à emotividade, à alegoria e à metáfora. Seus temas centram-se na dor, na doença, na morte, mas também no mal, corporificado em personagens deformados pelo destino cruel, aos quais se opõe a piedade como qualidade redentora. Seu maior sucesso foi o romance Solitud (1905), publicado em fascículos na revista Joventut. Cada um de seus capítulos forma um poema em prosa, com um universo simbólico que analisa a vida humana como uma luta entre o bem e o mal.[644].
Outra escritora notável foi Prudenci Bertrana, fiel modelo do artista modernista: idealista, rebelde, um tanto decadente, amante da natureza e em constante luta com a sociedade. Ainda jovem dedicou-se à pintura, gênero do qual mais tarde se tornou professor. Iniciou sua carreira na literatura aos quarenta anos, colaborando em diversos jornais e revistas. Foi consagrado em 1906 com o romance Josaphat "Josaphat (romance)"), seguido por Nàufregs (1907), Crisàlides (1907) e Proses bàrbares (1911). Na primeira, sua obra-prima, ele articula uma linguagem decadente repleta de símbolos dualistas (campo-cidade, bem-mal, vício-virtude), com uma história eficaz alcançada por meio de imagens, adjetivos e sensações.[645].
Joaquim Ruyra evoluiu do romantismo floral para o modernismo e, finalmente, o noucentismo. Cultivou a prosa, a poesia e o teatro, mas destacou-se sobretudo como contista. Abordou apenas um romance, La gent del mas Aulet, que deixou inacabado, mas com os seus contos e "noveletas" mostrou-se um dos grandes inovadores da prosa catalã. A sua obra centra-se na idealização da natureza, que descreve meticulosamente com toda uma série de recursos estilísticos, povoada por personagens tratadas simbolicamente e submetidas a uma visão fatalista do mundo, onde o sonho e a imaginação assumem especial relevância, com uma linguagem dialectal, expressiva, sensual, rica em imagens. Sua principal obra no período modernista foi Marines i boscatges (1903), publicada na revista Joventut, que traz influências de Poe, Hoffmann e Erckmann-Chatrian, além de Homero, Dante e Shakespeare. É uma coleção de histórias ambientadas no campo ou no mar, que se destaca pelo vigor descritivo e pelos estudos psicológicos dos personagens.[646].
Outros expoentes foram: Enric de Fuentes, romancista, poeta e colaborador em vários jornais e revistas, escreveu os romances psicológicos Tristors (1904), Il·lusions (1905) e Romàntics d'ara (1906);[647] Jaume Massó, narrador, poeta e editor, autor do drama lírico La fada (1897, musicado por Enric Morera) e os romances Desil·lusió (1904) (1903), Quan es fa nosa (1904), Revolta (1906) e La vida i la mort d'en Jordi Fraginals (1912), considerado o melhor romance com aspecto individualista do modernismo; Miguel Servet* (1909) decadentista – e Ildaribal (1915), sua melhor obra, de temática histórica e tom existencial;[653] e Josep Maria Folch i Torres, narrador, dramaturgo e poeta, autor de Lària (1904), drama rural ao estilo de Víctor Català, além de Sobirania (1907), Aigua avall (1907), Joan Endal (1909) e L'ànima en camí (1911), para posteriormente se dedicar à literatura infantil.[654].
L'oda infinita
Poesies
L'Avenç
Diario de Barcelona
Paternal
Excelsior
Estrofes decadentistes
Visions i Cants
El conde Arnau
Na virada do século, Maragall mudou-se para a ala direita do catalãnismo, apresentando-se como um respeitável burguês católico e homem de família. Nestes anos consolidou a sua teoria literária da "palavra viva" (Elogi de la Paraula, discurso na sua tomada de posse como presidente do Ateneu de Barcelona, 1903), pela qual as palavras do poeta significam a Beleza da Natureza, originadora da emoção estética; O poeta é um médium e a palavra é o seu veículo de expressão, sendo a palavra popular a mais “viva”, a que mais transmite emoção. Ampliou esta teoria em Elogio da Poesia (1909), onde acrescentou à poesia um âmbito religioso e moralizante, integrando num todo Poesia, Arte, Beleza e Vida. Ele expressou esse credo em sua coleção de poemas Enllà (1906), impressões do poeta sobre paisagens naturais, nas quais mostra a influência do poeta alemão Novalis —especialmente na segunda parte de El conde Arnau—, bem como novamente de Goethe —em Nausica—. Sua última grande obra foi Seqüències (1911), que inclui seu Canto Espiritual, onde exalta a atitude contemplativa do poeta, que tenta eternizar o "belo momento"; bem como a terceira parte de El conde Arnau, na qual se mostra mais uma vez como um defensor vitalista da individualidade redentora.[659].
Da infinidade de poetas desta época merecem destaque: José Pijoán, poeta e ensaísta, autor de El cançoner (1905), uma compilação de poemas de base tradicional;[660] Magín Morera, poeta em espanhol e catalão, com certa influência maragalliana e temática de base mitológica, entre suas obras destaca-se a compilação Hores lluminoses (1910);[661] Jeroni Zanné, poeta de raízes simbolistas, defensor da ideia wagneriana de arte total e também influenciado por Goethe, Leconte de Lisle e José María de Heredia, cuja carreira inclui a obra Poesies (1908), embora posteriormente tenha evoluído para uma linha mais classicista;[662] Lluís Via, poeta, narrador e dramaturgo, seguiu uma linha vitalista e espontânea de influência maragalliana, como se vê em Esteles (1907), Del cor als llavis (1910), Poesies (1913), Collita (1916) e A mitja veu (1920); Anyoranses (1902), Aplec de contes (1906) e Poema del Bosc (1910);[664] Emili Guanyavents, que combinou influências simbolistas e parnasianas e autores como Mestres, Bécquer, Campoamor e Maeterlinck, em obras como Alades (1897) e Voliaines (1903);[665] Salvador Albert, dramaturgo, ensaísta e poeta de filiação Maragallian, autor de Florida de tardor (1918), Confins (1921) e Òpals (1924);[666] Francesc Pujols, poeta, romancista e dramaturgo, também de influência Maragallian, reuniu seus poemas em Llibre que conté os poemas de Francesc Pujols (1904);[667] Joan Maria Guasch i Miró, igualmente maragaliana em suas canções sobre a natureza, como Joventut (1900), Pirinenques (1910) e Ofrena (1912);[668] Josep Lleonart, poeta, romancista e dramaturgo, sobrinho de Joan Maragall, aspecto herdeiro do romantismo alemão - especialmente Goethe - (Elegies germàniques, 1910) e outra influenciada por seu tio (La merla i altres cants, 1914);[669] Joan Llongueras, poetisa e compositora, evoluiu do Maragallianismo (Lluminoses, 1906; L'estiu al cor, 1928) para a poesia religiosa;[670] Rafael Nogueras, poeta, romancista e dramaturgo, autor de Les tenebroses (1905), um compêndio de poemas de tom coloquial e mensagem moralizante e anarquizante, considerado vanguardista pelos seus efeitos tipográficos;[671] Guillem Tell, poeta de raízes simbolistas e decadentes, com uma artificialidade oposta ao espontaneísmo maragalliano, participou nos Jogos Florais entre 1894 e 1900, ano em que deixou a poesia para se dedicar à profissão de notário;[672] Joan Oliva Bridgman, poeta de tom vitalista influenciado por Apeles Mestres, amigo de Picasso, que ilustrou alguns de seus poemas, entre suas obras estão Brometes, corrandes i altres poesies (1899) e Jovenesa (1906);[673] Antoni Isern, seguidor do esponatenismo maragalliano, como em Sentimentos (1899);
Por último, vale a pena mencionar dois poetas maiorquinos que tiveram grande influência na literatura catalã: Miguel Costa y Llobera e Joan Alcover. A escola maiorquina "Escola de Maiorca (movimento literário)") promoveu um estilo clássico e sereno, com raízes na mitologia insular e na retórica latina, com o desejo de criar um novo quadro estético e ideológico para a poesia, baseado numa linguagem subtil e refinada. Costa y Llobera notou a influência de autores como Victor Hugo, Lamartine, Leconte de Lisle e Giosuè Carducci. Ordenado sacerdote, combinou suas crenças com um mundo pessoal dedicado à cultura selecionada e refinada, desenvolvendo uma poesia racional de perfeição formal, captada em Poesies (1885), De l'agre de la terra (1897), Tradicions i fantasias (1903) e Horacians (1906). Por sua vez, Alcover trabalhou como advogado e cultivou a poesia como hobby, primeiro em espanhol, com um estilo semelhante ao Romantismo, antes de se mudar para o catalão na virada do século. Sua teoria poética é baseada na clareza, na realidade e na sinceridade, com um tom intimista que revela a dor da perda de quatro de seus filhos, além de uma visão idealizada da natureza. Sua maior obra foi Cap al tard (1909).[676] Outros membros mais jovens da escola maiorquina foram Gabriel Alomar e Miguel de los Santos Oliver. A primeira cultivou uma poesia de raízes simbolistas e parnasianas, com influência de Carducci e D'Annunzio, bem como uma influência wagneriana na busca pela musicalidade (A coluna de foc, 1911).[677] Oliver foi poeta, narrador e ensaísta, radicado em Barcelona em 1904, onde se aproximou do catalanismo, com uma poesia herdada do floralismo lúdico da Renaixença com contribuições modernistas, geralmente em forma de romance "Romance (poesia)") ou de balada (Poesias, 1910).[678].
L'alegria que passa
El jardíabanat
Cigales i formigues
Els Jocs Florals de Canprosa
El pati blau
L'Hèroe
El mistic
La bona gent
L'Auca del senyor Esteve
La llei de l'herència
O pintor dos milagres
L'homenatge
La intel·lectual
El despatriat
La casa de l'art
O principal representante da linha naturalista foi Ignasi Iglesias. Esta corrente centrou-se nos conflitos sociais, tomando como ponto de partida o drama das ideias ibseniano.[685] Iglesias focou-se em obras onde o indivíduo está imerso numa sociedade de classes imóvel, com um tom sentimental que o distancia de um naturalismo puro ao estilo Zoliano, que era a sua intenção inicial. Sua primeira obra foi o drama L'argolla (1894), que já mostra a influência ibseniana. Seguiram-se obras dramáticas com fundo amoroso, como Fructidor (1897), Els conscients (1898) e L'alosa (1899), que lhe deram popularidade. Suas obras mais comprometidas socialmente foram El cor del poble (1902), Els vells (1903) e Les garses (1905), focadas nos conflitos operários. Na década de 1910 ele mudou para a comédia de costumes e poemas dramáticos, o que lhe causou uma perda de popularidade.
Outro membro proeminente do teatro modernista foi Adrián Gual, que foi dramaturgo e empresário, diretor de teatro, cenógrafo e ator, além de pintor e cineasta, fundador da companhia Teatre Íntim e diretor da Escola Catalã de Arte Dramática. Durante uma estadia em Paris entre 1900 e 1902 tomou contacto com a obra de dois realizadores vanguardistas, André Antoine e Paul Fort, o primeiro de estilo naturalista e fundador do Théâtre Libre e o segundo, de tom simbolista e criador do Théâtre d'Art. Estas duas tendências fundiram-se em Gual, juntamente com a influência da obra de Maeterlinck, produzindo uma obra com raízes simbolistas e um tom idealista e poético. A sua primeira obra relevante foi Nocturn, Andante morat (1896), onde pretendia uma obra de arte total de tipo wagneriano, reunindo poesia, música e pintura. Em 1898 inaugurou o seu Teatre Íntim com Silenci, um "drama mundano", ao qual se seguiu Blancaflor (1899), de carácter popular. Com Misteri de dolor (1902) afasta-se do simbolismo e mergulha nos costumes rurais, com o objetivo de aliar emoção e sobriedade. La fi de Tomàs Reynald (1904) foi a sua obra mais comercial, seguida pela comédia Els pobres menestrals (1906) e pelo drama poético Donzell qui cerca muller (1910). Mais tarde dedicou-se mais às suas atividades gerenciais e empresariais, bem como à tradução.[687].
Joan Puig i Ferreter foi um representante do modernismo "negro" e anarquista, com duas etapas em sua carreira teatral: na primeira mostrou a influência de autores russos e escandinavos, em dramas de paixão como The Merry Lady (1904), Arrels Mortes (1906), Aigües Enchanted (1908), The Lady in Love (1908), Drama d'humils (1909), O grande Aleix (1911) e La dolça Agnès (1914). No segundo optou pela comédia, um tanto afastada do modernismo.[688].
Josep Pous i Pagès aventurou-se no teatro com dois dramas ibsenianos (Sol ixent, 1902; El mestre nou, 1903), enquanto mais tarde cultivou numerosos géneros, como o drama rural (L'endemà de bodes, 1904), a comédia (Senyora àvia vol marit, 1912; Rei i senyor, 1918), o drama ideológico (Pàtria, 1914), a farsa (Sang blava, 1914) e a tragicomédia (Damià Rocabruna, el bandoler, 1917). Mais tarde, concentrou-se na comédia da alta burguesia: Flacs naixem, flacs vivim (1919), Papallones (1919), No tan sols de pa viu l'home (1919), Quan passando la tragèdia (1920), Tardania (1921), Primera volada (1921).[650].
Outros expoentes do teatro modernista foram: Juli Vallmitjana, autora de pequenas obras de tom tradicional e componente simbólica, ambientadas em locais baixos e frequentadas por ciganos, com uso frequente de gírias (Els oposats, 1906; Els jambus, 1910; Entre ciganos, 1911; Els zin-calós, 1911; La gitana verge, 1912) xinel·laprecio* (1918) e La Ventafocs (1920);[654] Joan Torrendell cultivou o teatro de ideias, com a influência de Ignasi Iglesias (Els encarrilats, 1901; Els dos esperits, 1902);[691] e Pere Cavallé, representante da linha vitalista (Aubada i posta, 1905; A terra, 1918; Els germans Ferrerons, 1918).[692].
Dentro das artes cênicas, a cenografia teve um grande boom, marcada como não poderia ser de outra forma pelo decorativoismo modernista, sendo notáveis os nomes de Francesc Soler Rovirosa, Mauricio Vilomara e Salvador Alarma. O primeiro estudou na Escola de La Lonja e em Paris, onde trabalhou alguns anos na oficina de Charles-Antoine Cambon. Foi o grande inovador da cenografia catalã, sobretudo a nível técnico, introduzindo o conceito de espaço nos cenários, embora em termos de estilo tenha sido mais um herdeiro do realismo. Fez vários cenários para o Gran Teatro del Liceo (Tristán e Isolde "Tristán e Isolde (ópera)"), 1899).[693] Seu discípulo foi Vilomara, que iniciou sua carreira artística como pintor, mas mudou para a cenografia após assistir aos grandes espetáculos do Liceo, onde criaria cenários como os de Lohengrin (1909). Trabalhou em vários teatros de Barcelona e Madrid, com um estilo que se destacava pela composição e técnica de desenho.[694] Alarma pertencia a uma família de decoradores murais e formou-se em La Lonja e em Paris, onde – como Soler – trabalhou na oficina Cambon. Em 1889 associou-se ao tio Miquel Moragas, fundando a empresa Alarma i Moragas. Trabalhou em Barcelona, Madrid, Buenos Aires e Havana, obtendo grande sucesso, com um estilo que se destacava pela cor e luminosidade. Algumas de suas melhores obras foram para o Gran Teatro del Liceo. Também colaborou com os espetáculos organizados por Luis Graner na Sala Mercè e decorou espaços comerciais, como o salão de dança La Paloma (1903) e o Cine Doré (1910). Foi diretor da seção de cenografia do Instituto de Teatro de Barcelona.[695].
The Magic Opal
Henry Clifford "Henry Clifford (ópera)")
Pepita Jiménez "Pepita Jiménez (ópera)")
Merlin "Merlín (Albéniz)")
María del Carmen "María del Carmen (ópera)")
Goyescas "Goyescas (ópera)")
Outros expoentes foram: Enric Morera, que começou na ópera com La fada (1897), no estilo wagneriano. Em 1906 estreou duas obras no Liceo de Barcelona, Bruniselda e Emporium, às quais se seguiram Titaina (1912) e Tassarba (1916). Maruxa (1914) e Balada de Carnaval (1919).[730] Jaime Pahissa escreveu diversas óperas em catalão, como Gal·la Placídia (1913), La morisca (1919), Marianela (1923) e Princess Margarida (1928).[731] Vale citar também Joan Lamote. de Grignon (Hesperia, 1907)[732] e Juan Manén (Giovanna di Napoli, 1903; Acté, 1904).[733].
Neste século, a zarzuela ressurgiu novamente, recuperada pelo novo gosto romântico e pelo ressurgimento nacionalista. Na Catalunha era às vezes chamado de teatre líric català ("teatro lírico catalão"),[734] nome também de uma companhia fundada por Enric Morera que apresentou treze peças no teatro Tívoli em 1901, mas que não obteve o sucesso esperado.[735] Desenvolveu-se especialmente no terceiro quartel do século, época do "grande gênero", obras em três atos influenciados por buf parisiense. Francês.[736] No final do século, estava mais na moda o "gênero pequeno", obras de um ato, com mais recitativos, com certa influência da opereta vienense.[736] Nesta área, vale destacar Amadeo Vives, autor de La balada de la luz (1900), Bohemios (1903) e Doña Francisquita (1923),[730] bem como Enrique Granados, autor de quatro obras com texto de Apeles Mestres (Picarol, 1901; Follet, 1903; Gaziel, 1908; Liliana, 1911).[728] Enric Morera compôs zarzuelas em espanhol (El Tío Juan, 1902; La canción del náufrago, 1903) e catalão (L'alegria que passa, 1899; Els primers freds, 1901; El comte Arnau, 1904; La Santa Espina, 1907; Nit de Reis, 1907).[729] Outros expoentes foram: Isaac Albéniz (San Antonio). de la Florida, 1894),[727] Jaime Pahissa (O prisioneiro de Lleida, 1906),[734] Urbano Fando Rais (Lo somni de la innocència, 1895),[737] Juan B. Lambert (Donzella qui va a la guerra, 1906, com José Sancho Marraco; El foc de Sant Joan, 1907),[738] Joan Gay (El llop pastor, 1901;
contrapás
contrapás
moixiganga
esbarts
Outras obras suas são: o Editorial Montaner y Simón (atual Fundação Antoni Tàpies, 1881-1886), o restaurante da Exposição Universal de 1888 (conhecido como Castillo de los Tres Dragones e atual Museu de Zoologia), o efêmero Hotel Internacional para a mesma exposição, a casa Thomas (1895-1898), a casa Lamadrid (1902), o Hotel España (1903) e o casa Fuster (1908-1911).[143] Em Reus – considerada a segunda capital modernista depois de Barcelona –[144] construiu a casa Navàs (1901), uma mansão de inspiração veneziana, com excelente mobiliário de Gaspar Homar, bem como as casas Rull "Casa Rull (Reus)") (1900) e Gasull (1911), adjacentes à rua San Juan; Da mesma forma, foi o autor dos pavilhões do Instituto Pedro Mata (1899-1919), na periferia da cidade.[144] Outra obra sua em Tarragona foi a Vinícola Cooperativa Espluga de Francolí (1913-1914).[145] Deixou também várias obras em Canet de Mar, de onde veio a sua família materna, como o Ateneu Catalão. (1885-1887), a casa Roura (1889-1892), a renovação do castelo de Santa Florentina (1898-1909) e a casa Domènech (1908-1910, atual Museu Domènech i Montaner).[143] Em Olot foi o autor da casa Solà-Morales (1913-1916).[146].
Seu filho, Pere Domènech i Roura, inicialmente combinou o modernismo com um noucentismo incipiente, como denotado na casa Marco em Reus (1926). Colaborou em algumas obras de seu pai, como a Vinícola Cooperativa Espluga de Francolí, o Hospital San Pablo e o Instituto Pedro Mata.[147].
Na viragem do século entrou finalmente na fase naturalista, na qual aperfeiçoou o seu estilo pessoal, inspirando-se nas formas orgânicas da natureza e pondo em prática toda uma série de novas soluções estruturais provenientes das análises profundas da geometria regulada de Gaudí. Partindo de um certo estilo barroco, suas obras adquiriram grande riqueza estrutural, com formas e volumes desprovidos de rigidez racionalista ou qualquer premissa clássica. Casa Batlló (1904-1906), o chalé Catllaràs (1905) e os jardins Can Artigas em La Pobla de Lillet (1905-1907), a casa Milà (1906-1910) e a cripta da Colônia Güell em Santa Coloma de Cervelló (1908-1918). O Parque Güell foi um projeto de urbanização fracassado de Eusebio Güell, do qual foram construídas apenas duas casas, mas o arquiteto construiu na área de entrada um conjunto de pavilhões de portão e uma escada que leva a um salão hipostilo e a uma praça em forma de teatro grego de grande engenho criativo. colunas em forma de osso e representações de plantas; A fachada é rematada por uma abóbada formada por arcos catenários revestidos a cerâmica vidrada em forma de dragão.[158] A casa Milà ou "la Pedrera" tem fachada em pedra calcária, exceto a parte superior revestida com azulejos brancos; Na cobertura destacam-se as saídas das escadas, encimadas pela cruz gaudiniana de quatro braços, bem como as chaminés, revestidas a cerâmica com formas que sugerem capacetes de soldados.[159].
Nos últimos anos da sua carreira, dedicada quase exclusivamente à Sagrada Família, Gaudí atingiu o culminar do seu estilo naturalista: após a construção da cripta e da abside, ainda em estilo neogótico, concebeu o resto do templo num estilo orgânico, imitando as formas da natureza, onde abundam as formas geométricas reguladas. O templo tem planta em cruz latina, com cinco naves centrais e transepto de três naves, com abside com sete capelas e três fachadas dedicadas ao Nascimento, Paixão e Glória de Jesus, além de dezoito torres. O interior lembra uma floresta, com um conjunto de colunas arborescentes inclinadas, em formato helicoidal, criando uma estrutura ao mesmo tempo simples e resistente.[160].
Sete das obras de Gaudí "Obras de Antoni Gaudí (Patrimônio Mundial)") foram declaradas pela UNESCO como Patrimônio Mundial: em 1984, Parque Güell, Palau Güell e Casa Milà;[161] e, em 2005, a fachada da Natividade, a cripta e abside da Sagrada Família, Casa Vicens, Casa Batlló e cripta da Colônia Güell.[162].
Sem criar uma escola propriamente dita, Gaudí deixou vários discípulos que seguiram seus passos em maior ou menor grau. Em primeiro lugar, devemos mencionar Francisco Berenguer, que foi seu braço direito até à sua morte prematura. Foi um mestre de obras que não obteve o título de arquitecto, pelo que os seus projectos foram assinados por outros arquitectos, entre os quais Miquel Pascual, arquitecto municipal de Gracia, de quem também foi assistente, razão pela qual numerosas das suas obras se encontram em Gracia. Foi autor, entre outras obras, do mercado Libertad (1888-1893), do Real Santuário de San José de la Montaña (1895-1902), da casa Burés (1900-1905), do Centro Moral de Gracia (1904), da Câmara Municipal de Gracia (1905), da Casa-Museu de Gaudí no Parque Güell (1905), da casa Cama (1905) e o Rubinat (1909).[163].
Outro colaborador foi Juan Rubió, arquiteto prolífico que inicialmente praticou um ecletismo gótico, com uso intensivo do tijolo "Agrimensor (construção)") e meticulosidade no projeto,[164] mas, após ser nomeado arquiteto do Conselho Provincial de Barcelona, passou para um classicismo barroco, embora sempre com sobrevivência gaudiana.[165] Entre suas obras em Barcelona, destacam-se: a casa dos Golferichs. (1900-1901), a casa Alemany (1900-1901), a casa Roviralta ou Frare Blanc (1903-1913), a casa Fornells (1903), a casa Pomar (1904-1906), a casa Casacoberta (1907), a casa Manuel Dolcet (1907), a casa Rialp (1908) e a casa Roig (1915-1918).[166] Em Reus, sua cidade natal, foi autor dos Laboratórios Serra (1911-1912) e da casa Serra o Cuadrada (1924-1926),[144] bem como do Dispensário Antituberculose (1926).[167] Também participou da criação da Colônia Güell em Santa Coloma de Cervelló, onde construiu a Cooperativa (com Francisco Berenguer, 1900) e várias casas particulares, como Ca l'Ordal (1894) e Ca l'Espinal (1900). do Dr. (1916-1918) e as Adegas Raventós na mesma localidade (1924-1925),[170] a casa Trinxet (1923-1925)[172] e a casa Puigdomènech em San Felíu de Codinas (1912),[173] o asilo de Santo Cristo em Igualada (1931-1946)[170] e o Igreja Carmen em Manresa (1940-1952).[171].
Talvez o mais talentoso tenha sido Josep Maria Jujol, que trabalhou com Gaudí entre 1907 e 1914, época em que já demonstrava personalidade forte e génio criativo. Desenvolveu um estilo heterodoxo, em que misturava o misticismo católico com um sentido de decoração quase surrealista, com o gosto pela caligrafia, pelas imagens orgânicas - próximas da obra de Joan Miró - e pela mistificação de técnicas e materiais, por vezes próximas da colagem. Lloyd Wright.[175] Outras obras suas em Barcelona são a quinta de Sansalvador (1909-1910), a casa Queralt (1916-1917) e as oficinas Manyach (actual Escola Josep Maria Jujol, 1916-1922). Realizou diversas obras em San Juan Despí, onde foi arquitecto municipal entre 1926 e 1949, entre as quais se destacam a Torre de la Creu (1913), a Masía de Can Negre (1915-1930) e a casa Serra-Xaus (1921-1927). enquanto que, dentro de sua província, construiu a casa Bofarull em Els Pallaresos (1914), a igreja do Sagrado Coração "Iglesia del Sagrado Corazón (Vistabella)") em Vistabella "Vistabella (Tarragona)") (1918-1923) e o santuário da Virgem de Montserrat em Montferri (1926), ambas obras de clara reminiscência Gaudiniana no uso de arcos parabólico.[177] No pós-guerra passou para um academicismo antivanguardista de inspiração franciscana, muito distante de suas obras iniciais.[178].
Domingo Sugrañes foi o sucessor de Berenguer como braço direito de Gaudí; Por outro lado, após a morte do seu professor, foi o novo diretor das obras da Sagrada Família, sendo responsável pelo acabamento da fachada da Natividade. das quais se destacam a casa Miralles (1901) e a casa Sivatte (1914).[181] Foi também autor do Casino Unión Cardonense em Cardona (1916)[182] e da casa Pellicer (1919) e do Mas Llevat (1924-1925) em Reus.[183] A partir da década de 1920 aproximou-se do noucentismo.[184].
Cèsar Martinell foi um dos jovens estudantes que frequentou a oficina de Gaudí, cujos ensinamentos aplicou no seu trabalho, especialmente num conjunto de adegas cooperativas construídas entre 1918 e 1922, que foram declaradas em 2002 Bem Cultural de Interesse Nacional: Cornudella de Montsant e Falset na região de El Priorato "El Priorato (Tarragona)"); Nulos na região do Alto Campo; Barbará e Rocafort de Queralt na região de Cuenca de Barberá; Gandesa e Pinell de Bray nas Terras Altas; e San Guim de Freixanet e Cervera na região de La Segarra.[185] Conhecidas como as "catedrais do vinho", estas vinícolas refletem claramente a influência gaudiana no uso de arcos parabólicos e da abóbada catalã.[186] Foi também o autor da Federación Obrera de Molins de Rey (1918),[187] a casa Can Vivas em Valls, a casa do Paroquiano em Ulldecona (1919-1921) e na casa do Dr. Domingo em Alcover.[188].
Outro desses jovens estudantes foi Joan Bergós, autor de algumas obras de influência Gaudiniana na sua juventude, embora mais tarde tenha transitado para um Noucentismo com tendência Brunelleschiana. Entre estas obras estão: o altar do Sacramento da igreja de San Lorenzo "Iglesia de San Lorenzo (Lérida)") em Lérida (1919); o altar-baldaquino da Sé Nova de Lérida (1924-1925, destruído em 1936) e a casa do Barão de Alpicat na mesma cidade (1921); e a ermida de Santo Antonio em Seo de Urgel (1924).[189].
José Canaleta evoluiu do modernismo ao noucentismo. Realizou vários projetos em Barcelona, Cornellá de Llobregat e Castelldefels. Em Vic construiu vários edifícios, como a casa Fortuny (1910) e a casa Vilaró (1910). Foi o autor do Teatro de la Cooperativa em Roda de Ter (1915).[190].
Jaume Bayó foi o autor da casa Baurier em Barcelona (1910) e da casa Grau em Moncada e Reixach (1903), onde combinou as influências Gaudinianas e Vienenses.[191].
[209].
Outra tendência foi a de alguns arquitetos que, sem serem discípulos diretos de Gaudí, mostraram a sua influência, como Bernardí Martorell, Salvador Valeri e Julio María Fossas. Martorell, sobrinho de Joan Martorell, um dos professores de Gaudí, foi o autor da casa Laplana (1907), do mosteiro de Santa María de Valldonzella (1910) e do convento das Irmãs Oblatas do Santíssimo Redentor (1919-1929), em Barcelona, bem como do cemitério Olius,[210] da igreja Piaristas de Sabadell (1924) e do Colégio Teresiano de Tarragona (1926).[211] Valeri evidenciou a influência gaudiana especialmente no uso da abóbada catalã e do arco parabólico, como visto na torre Sant Jordi (1908) e na casa Comalat (1909-1911) em Barcelona. Foi arquiteto municipal de El Papiol, onde construiu algumas casas de veraneio que lembram. Gaudíesco, como Can Bou (1914).[213] Em San Vicente dels Horts foi o autor da casa Trian (1910-1911) e da fábrica Prats (1915).[214] Fossas mostrou a influência de Gaudí e Juan Rubió, como denotado nas casas Josefa Villanueva (1904-1909) e na casa Mariano Pau (1907) de Barcelona. Foi arquitecto da Secção de Ornamentação e da Secção Técnica de Desenvolvimento Imobiliário da Câmara Municipal de Barcelona, cargos a partir dos quais promoveu vários conjuntos habitacionais.
Outra tendência foi a de influência secessionista, onde vale a pena mencionar Alexandre Soler, Josep Maria Pericas, Eduard Ferrés e Arnau Calvet. Soler foi discípulo de Domènech i Montaner, mas recebeu a influência de Otto Wagner, como pode ser visto na casa Heribert Pons em Barcelona (1907-1909).[216] Em Manresa, onde foi arquitecto municipal, foi autor do Instituto Lluís de Peguera (1907-1927), do Harinera Albareda (1909) e do Casal Regionalista (1918).[217] Foi também o autor da igreja da Sagrada Família de la Bauma em Castellbell e Vilar (1905-1908) e, com Francesc Guàrdia i Vial, criou o Mercado Central de Valência (1910).[218] Pericas reuniu a influência secessionista com a influência gaudiniana, bem como o expressionismo alemão e a escola de Amsterdã, como evidenciado na igreja Carmen em Barcelona (1910-1930). Montserrat.[221] Ferrés mostrou a influência do secessionismo vienense e da Art Nouveau de Victor Horta, interpretada de forma pessoal, como visto nos Almacenes Damians em Barcelona (1917) ou no chalé Clot del Moro em Castellar de Nuch (1904).[222] Foi arquiteto municipal de Vilassar de Mar, onde construiu a casa Sitges Bassa (1899), Ca l'Aldrufeu (atual Museu da Marinha, 1902), o portal de acesso ao cemitério municipal (1902-1908), a reforma da Câmara Municipal (1903), Can Matamala (1916) e a casa Ferrés (1916-1920). Ocupou o mesmo cargo em Mataró, onde construiu a Clínica La Alianza Mataronense (1916-1926), a colônia-jardim El Palau (1924) e as casas baratas do Grupo Goya (1926); da Catalunha (1905); o complexo Funicular Vallvidrera (estação inferior e superior, 1905-1906, com Bonaventura Conill); as casas Francesc Lalanne (1907-1910); e o Mercado Sarriá (1911-1913, com Marceliano Coquillat), todos em Barcelona.[226].
Outros arquitetos modernistas de interesse são:
Eduard Maria Balcells deu especial importância à vidraria, ofício em que teve oficina e que pôs em prática na casa Tosquella (1906).[227] Foi também autor da casa Lluch (1906), da casa Barnils (1908), da casa Mónaco (1910) e da casa Generalife (1913) em San Cugat del Vallés[228] e da torre Montserrat em Cardedeu. Foi arquiteto municipal de Sardañola del Vallés, onde deixou várias obras: a casa Diviu (1905), a Reitoria da igreja de San Martín "Iglesia de San Martín (Sardañola del Vallés)") (1908) e a casa Evarist López (1912) e as Escolas Públicas (1912-1915) e a Câmara Municipal (1920). Sabadell ele era um autor. da Fábrica Sallarés Deu (1914) e do Escritório Genís i Pont (1915).[230].
Manuel Raspall deu especial ênfase à construção em tijolo, ferro e mosaico, bem como ao desenho de vitrais. Discípulo de Domènech i Montaner e Puig i Cadafalch, deixou várias obras no Vallès Oriental, onde foi arquitecto municipal das localidades de Cardedeu, Ametlla del Vallés, La Garriga, Granollers, Caldas de Montbuy e Montmeló: Casa Millet (1908) em Ametlla; Casa Barbey (1910), La Bombonera (1910), chalé Iris (1911) e casa Barraquer (1912-1913) em La Garriga; Quinta Cloelia (1904), casa Golferichs-Rovellat (1908), casa Viader (1917-1922) e cemitério municipal em Cardedeu; casa Clapés (1907-1913), casa Ganduxer (1912), Can Biel (1923), casa Costa (1927) em Granollers. villa Hèlius (1906-1909), a casa Teixidor (1911) e a renovação de El Molino "El Molino (cabaré)") (1913), bem como a praça de touros Monumental (1913, renovada em 1916 por Ignasi Mas e Domingo Sugrañes).[233].
Por sua vez, Ignasi Mas iniciou-se num modernismo em que se destacou o jogo de volumes das fachadas, como nas casas Auriga de San Juan Despí (1910-1911). Depois de alguns anos no exterior, em 1915 foi o responsável pela reforma da praça de touros Monumental - com Domingo Sugrañes - em estilo neo-mudéjar. Gorina (1918) e, em Sitges, a casa Bartomeu Carbonell ou del Reloj (1913-1915).[234].
Adolfo Ruiz Casamitjana foi o autor da torre Andreu ou "a Rotonda" (1906-1918) em Barcelona, uma casa formada por dois corpos retangulares articulados em forma de L, unidos na sua parte central por um corpo cilíndrico encimado por uma torre com cúpula revestida de cerâmica. Também construiu vários edifícios residenciais nos moldes de Enric Sagnier: casa Llorenç Armengol (1900), casa Camprubí (1900-1901), casa Rafel (1911).[237].
Josep Domènech i Mansana, filho de Doménech Estapá, ocupou o cargo de arquitecto do Ministério da Instrução Pública desde 1917, para o qual construiu numerosas escolas em várias cidades catalãs. Foi também arquiteto municipal de Santa María de Palautordera, onde construiu a Câmara Municipal e as Escolas Municipais (1929),[239] bem como de San Celoni, onde construiu a Câmara Municipal (1926), o Matadouro Municipal (1927) e a Térmica (1925-1930);[240] e Esparraguera, onde construiu o Mercado Municipal (1911) e o Matadero (1916).[241].
Andreu Audet destacou-se pela sua arte decorativa, repleta de relevos figurativos e treliças perfuradas, como se vê em obras como a casa Baldomer Rovira (1899), o Hotel Colón (1902, desaparecido), a casa Josep Sabadell (1904) e a Editorial Seguí (1912). Construiu também vários edifícios comerciais e salas de espectáculos, entre os quais se destaca o Teatro Apolo “Teatro”. Apolo (Barcelona)"),[243] bem como o Casino de la Rabassada em San Cugat del Vallés (1899).[244].
Jeroni Granell desenvolveu uma personalidade própria, numa linha mais próxima da Art Nouveau, com especial destaque para a utilização de vitrais e esgrafitos, purificação decorativa e tratamento plano das fachadas: casa Granell (1902-1904), edifícios em Mallorca 219, Roger de Lauria 84, Pádua 75 e Gerona 122, todos entre 1900 e 1903.[245][246].
Em menor medida, merecem destaque arquitetos como: Camilo Oliveras, um dos pioneiros do modernismo, especialmente pela utilização do tijolo aparente e da cerâmica policromada, técnica que desenvolveu na Maternidade Provincial e Casa dos Enjeitados de Barcelona (1883-1924), com o General Guitart.[247] O próprio Guitart foi o autor da Câmara Municipal de Santa Perpetua de Moguda (1892), da Fábrica Armstrong em Palafrugell (1900-1904) e de vários edifícios em San Felíu de Guixols: o casino La Constancia (1888-1898), o asilo Sweis (1904), o casino El Guixolense (1909) e a casa Patxot, bem como a Torre do Governador em Alella (1916).[248] Jaume Torres i Grau foi o autor das casas Ramos (1906-1908) na Plaza de Lesseps de Barcelona, compostas por três edifícios independentes, mas unidos por uma única fachada, que se destaca pelo seu esgrafito.[249] Ferran Romeu fez diversas casas de estilo próximo ao Art Nouveau francês, em Barcelona (casa Carbonell, 1897-1900; casa Conrad Roure, 1901-1902; casa Rabaseda, 1912) e San Cugat del Vallès (Casa Armet, 1898). 1916-1928) (1896-1900) e a casa Gener em Villanueva y Geltrú (1902).[253] Gabriel Borrell foi arquiteto municipal de Sant Feliu de Llobregat, onde construiu vários edifícios residenciais e residenciais, entre os quais se destaca a casa Cahué Raspall (1916); em Barcelona foi autor da casa Vallet (1908), bem como da capela do Colégio de las Teresianas, obra de Gaudí (1908).[254] Miquel Madorell começou num ecletismo classicista, mas no final do século entrou no modernismo, com um certo gosto pela ornamentação floral e vegetal e pela utilização de aplicações em ferro forjado, como denota a casa Santurce (1902-1905); Foi também autor do Ateneo Agrícola de San Sadurní de Noya (1908-1909) e do Círculo Mallorquín de Palma de Maiorca (1913).[255] Josep Amargós foi o autor da Estufa do Parque da Ciudadela (1883-1887), construída para a Exposição Universal. Mais tarde construiu a torre de água Dos Rius em Tibidabo (1902-1905) e o complexo da Sociedade Geral da Água de Barcelona em Cornellá de Llobregat (1905, hoje Museu da Água Agbar). tipo floral. Entre as suas obras destacam-se: a casa Francesc Ferreres (1898), a casa Iglesias (1899), a casa Leandre Bou (1906-1907), a casa Maldonado "Casa Maldonado (Barcelona)") (1913-1914) e a casa Millàs (1915), em Barcelona. Francesc Guàrdia i Vial era genro de Domènech i. Montaner, com quem colaborou no Palácio da Música Catalã. Foi autor do Teatro Principal de Terrasa (1909, com Enric Catà) e do Mercado Central de Valência (1910) com Alexandre Soler. Josep Graner foi um mestre de obras, autor de várias casas em Barcelona (casa Sala Sagristà, 1900; casa Sabata, 1900; casa Emili Ferrusola, 1904-1905; casa Forn, 1905; casas Pascual Coll, 1906-1908; casa Fajol, 1912) e vários edifícios e vilas de verão em Moncada e Reixach (torre Milão, 1889; Fábrica Panisello, 1911-1912; A sua obra mais emblemática é a casa Fajol, que se destaca pela sua coroa de cerâmica em forma de borboleta.[259] Pau Salvat era membro da família Salvat Publishing, para a qual construiu sua sede em 1912-1916. Sua obra destaca-se pelo selo de qualidade, como na casa Oller (1903), onde aplicou amplo repertório modernista, tanto em cerâmica como em ferro forjado, mármore e esgrafito, além de capitéis de figuras zoomórficas e vegetalistas. Em Igualada foi o autor da casa Ratés (1905-1909).[260] Bonaventura Conill foi o autor da casa Matas i Ramis (1903) e do complexo funicular de Vallvidrera (1905, com Arnau Calvet).[261] Marceliano Coquillat foi o arquitecto municipal de San Justo Desvern, onde renovou a quinta Can Ginestar (1904) e construiu a casa Pruna. (1909). Em Barcelona foi autor da Villa Conchita (1912) e da casa Josefina Bonet (1915), bem como do Mercado Sarriá (1911-1913), com Arnau Calvet.[262].
Além dos mencionados, vale a pena recordar, pelo menos brevemente, arquitectos como: Antoni Rovira i Rabassa (casa Codina, 1892; casa Ramon Casas, 1898-1899);[263] Manuel Comas i Thos (casa Jaume Moysi, 1893-1895; casa Viuda Marfà, 1901-1905); e Joaquim Bassegoda (casa Berenguer, 1907; casas Rocamora, 1914-1918);[265] Modest Feu (casa Jaume Estrada, 1906; casa Domènec Vila, 1918);[266] Joan Alsina (casa Oller, 1901; restaurante Pince, 1906; igreja franciscana, 1906, em Barcelona; Fábrica Trinxet, em Hospitalet de Llobregat, 1907; casa Valls-Brufau, 1900, e casa Sabaté, 1903, em Igualada); de Les Franqueses del Vallès, 1912);[242] José Pérez Terraza (casa Francesc Farreras, 1899; torre Ignacio Portabella, 1905);[267] Telm Fernández i Janot (casas Felip, 1901 e 1905-1913);[268] Salvador Soteras (casa Ibarz Bernat, 1901-1904) Sabadell) 1915-1918) e Asilo del Redós de San José e San Pedro em San Pedro de Ribas, 1901;[279] Chalé Miramar em Villanueva y Geltrú, 1913).[280].
Por último, é necessário salientar neste período o interesse dado aos estabelecimentos comerciais, nos quais, a par da estrutura arquitectónica, as artes aplicadas, o design de interiores e a decoração desempenharam um papel essencial. Um bom exemplo disso é: a mercearia Múrria (1898); o Bar Torino, decorado por Antoni Gaudí, Pedro Falqués e Josep Puig i Cadafalch em 1902; a fábrica de massas Antigua Casa Figueras, decorada em 1902 pelo pintor e cenógrafo Antoni Ros i Güell; a farmácia Bolós, decorada em 1902 por Antoni de Falguera; o restaurante Grill Room, do decorador Ricard de Capmany (1902); o forno Sarret (1906); a loja de artes plásticas Casa Teixidor, de Manuel Raspall (1909); a confeitaria Reñé, decorada por Enric Llardent em 1910; a farmácia Puigoriol, de Marià Pau") (1913-1914); e a lingerie El Indio, dos decoradores Vilaró e Valls (1922).[281].
De referir ainda a importância dada à arquitectura funerária, quer na construção ou renovação de cemitérios, quer na construção de panteões "Panteão (arquitectura)") e hipogeus, que eram outra das marcas da burguesia da época, geralmente em conjugação com esculturas dos melhores arquitectos da época, como Josep Llimona, Eusebi Arnau ou Enric Clarasó. Alguns expoentes seriam: o cemitério de Lloret de Mar, de Joaquim Artau") (1896-1901); o cemitério de Vilassar de Mar, de Eduard Ferrés (1908); o cemitério de Castellar del Vallés, de Antoni de Falguera (1911-1916); ou o cemitério de Olíus, de Bernardí Martorell (1916).[282].
• - Casa Trias (1903-1906), de Juli Batllevell, Barcelona.
• - Casas Josefa Villanueva (1904-1909), de Julio María Fossas, Barcelona.
• - Torre Ignacio Portabella (1905), de José Pérez Terraza, Barcelona.
• - Casa Pérez Samanillo, atual Círculo Hípico (1910-1911), de Joan Josep Hervàs, Barcelona.
• - Casas Rocamora (1914-1918), de Bonaventura e Joaquim Bassegoda, Barcelona.
• - Conservatório Municipal de Música de Barcelona (1916-1928), de Antoni de Falguera, Barcelona.
• - Casa Sayrach (1918), de Manuel Sayrach, Barcelona.
O Maresme tem como principal referência a sua capital, Mataró, onde, além da presença de Puig i Cadafalch ou Antoni Gaudí - autor da Cooperativa Obrera Mataronense (1898-1882) -, vale a pena mencionar Emili Cabanyes i Rabassa, que foi arquiteto municipal de Mataró de 1875 a 1892, cargo a partir do qual projetou um plano de expansão e foi autor do Mercado El Rengle (1891), que foi concluída por Puig i Cadafalch, bem como a capela do Sacramento da basílica de Santa Maria "Basílica de Santa María (Mataró)"), em estilo neobizantino (1892).[296] Também vale a pena mencionar Melchor de Palau y Simón, autor do Matadero Municipal (1906-1915). (Barcelona)") encontramos a obra de Ramon Maria Riudor, que evoluiu do neogótico para um modernismo de formas e decoração alegres,[298] como denotado no Casino (1911) e nas casas Artusa (1906), Can Robert (1903-1918) e Can Fatjó (1911-1914).[299] El Masnou apresenta inúmeras vilas de verão, como o Castellet de Ca l'Aymà, de Roc Cot i Cot (1907); a casa Eulália Matas, de Domènec Boada Piera (1900-1901); e a casa Millet Bertran, de Enric Fatjó Torras (1902).[300].
Outro centro do modernismo é Vallés, dividido em duas regiões: Vallés Occidental e Vallés Oriental. Na primeira estão duas importantes cidades que compartilham a capital da região: Terrasa e Sabadell. Em Terrassa, o modernismo foi amplamente divulgado, graças à exposição no Palácio das Indústrias (atual Escola de Engenharia de Tarrasa) em 1904. O modernismo de Tarrassa destaca-se pelos seus exteriores austeros e interiores ricamente ornamentados, especialmente em termos de carpintaria, serralharia, lambris de cerâmica e vitrais chumbados. Nesta cidade, o modernismo perdurou até a década de 1930, mais tarde do que em outros lugares.[301] Entre os arquitetos que deixaram trabalho na cidade, destaca-se Lluís Muncunill, que foi arquiteto municipal, onde exibiu uma obra pessoal que se destaca pelo seu amplo conhecimento de técnicas de construção, tanto tradicionais como modernas.[302] Foi o autor da Câmara Municipal de Tarrasa (1900-1902), a casa Baltasar Gorina. (1902), o Hotel Pompidor (1903), os Armazéns Farnés (1904-1905), o Vapor Aymerich, Amat y Jover (1907, atual Museu de Ciência e Tecnologia da Catalunha) e a Masía Freixa (1907-1910). arcos parabólicos.[304] Josep Maria Coll i Bacardí teve uma carreira curta devido à sua morte prematura, na qual mostrou uma clara influência da arquitetura vienense: Casa Baumann (1913), Grupo Escolar Torrella (1916).[305] Antoni Pascual Carretero foi arquiteto municipal de Terrassa entre 1904 e 1906, anos em que começou a trabalhar no Mercado da Independência.[306] Melcior Viñals foi também o arquitecto municipal de Terrassa, bem como de Esparraguera e San Vicente dels Horts, num estilo essencialmente eclético, usando o modernismo como mais uma ferramenta dentro do seu património construtivo. Entre as suas obras na cidade egarense destacam-se: a conclusão das obras do Mercado da Independência (1906-1908), da Casa Alegre Sagrera (1911) e dos Almacenes Torras (1914). (1904-1915) e a Antiga Escola Industrial de Artes e Ofícios (1907-1910).[303] Josep Renom foi o arquitecto municipal da cidade, autor de algumas obras modernistas antes de atribuir ao Noucentisme, como a casa Arimon (1911).[309] Um dos símbolos da cidade é a Torre de Água, de Lluís Homs.[310].
No Vallés Oriental centramo-nos na sua capital, Granollers, onde Manuel Raspall trabalhou como arquitecto municipal, como visto anteriormente. Ocupou o mesmo cargo em Cardedeu, La Garriga e Ametlla del Vallés, formando o núcleo modernista desta região. Anteriormente, Simó Cordomí foi o arquitecto municipal de Granollers, autor da Câmara Municipal (1902-1904), em estilo neogótico. Foi sucedido por Jeroni Martorell, autor da casa Blanxart (1904). Outra obra relevante foi o Hospital-Asilo Granollers, de Josep Maria Miró i Guibernau.[311].
Mais para o interior estão as regiões de Alto Panadés, Noya "Noya (Barcelona)"), Bages, Osona e Bergadá. Na primeira, seu centro principal era Villafranca del Panadés, onde Santiago Güell foi arquiteto municipal, com obras caracterizadas por formas onduladas e decoração floral, entre as quais se destacam as Lojas Magí Figueres (1904), a casa Maria Claramunt (1905), a casa Miró (1905), a casa Artur Inglada (1905), a casa Guasch (1905-1909), a casa Ramona Quer. (1906), a casa Torres Casals (1909), a casa Elies Valero (1910) e a Via Asilo Inglada (1914).[312][313] Antoni Pons foi também arquiteto municipal, autor de obras como os Almacenes Jové (1921), a casa Cañas i Mañé (1911) e a casa Rigual Artigas (1912). Eugeni Campllonch, autor da Electra Vilafranquesa (1901), da fachada da Câmara Municipal (1909) e da casa Jané Alegret (1909) tinham a mesma posição.[314] Na região de Noya há exemplos modernistas em sua capital, Igualada, onde Isidre Gili foi arquiteto municipal, autor do Matadero (1902-1905), da casa Serra (1904), da casa Franquesa (1905) e do Cal Ratés (1908). Josep Pausas i Coll, autor das Escolas Ateneo Igualadino (1916-1917) e do Curtume Pelfort (1917), também foi arquiteto municipal. O pólo de atração da arquitetura modernista foi Manresa, importante cidade industrial que cresceu significativamente no século XX. Ignasi Oms i Ponsa foi o arquitecto municipal da cidade, onde construiu obras como a Casa Armengou (1898), a Escola Infantes-Asilo (1901-1911), a Casa Torrents (1905), o Casino (1906), a Casa Lluvià (1908), a Casa Torra (1910) e o Moinho de Farinha La Florinda. (1912-1913).[317] Em Osona a maior parte das obras ocorreu em sua capital, Vic, onde Josep Ylla era mestre de obras municipal, autor da casa Ramon Costa (1906). Outro mestre construtor foi Josep Anton Torner"), autor da casa Vilà (1908). Um dos edifícios mais emblemáticos é a casa Comella, onde está localizado o Casino, obra de Cayetano Buigas (1896). os Desamparados, a capela Nuestra Señora de la Salud, a fábrica Rodergas y Cía, a casa Solanes (1904), o chalé Josep Viladomiu e o Casino Berguedà (1908-1913), autor da Câmara Municipal (1924) e da casa Tomàs Pujol (1925), também atuou como arquiteto municipal.
Na capital Gerona, destaca-se a presença de Rafael Masó, que nos seus primórdios mostrou uma clara influência Gaudiniana, embora posteriormente tenha evoluído para o Noucentisme. incluída em seus projetos de construção, como evidencia uma de suas primeiras obras, a Farmácia Masó (1908). No ano seguinte realizou diversas obras, como a casa Batlle e o Fundo de Pensões em Gerona, o Mas El Soler em San Hilario Sacalm, o Mas La Riba em Vianya e a casa Coll em Borrassá. Entre 1910-1911 construiu uma das suas obras mais emblemáticas, o Moinho Teixidor, que marcou o fim do processo de assimilação do Gaudinismo, estilo que aos poucos simplificou e derivou para uma linha mais classicista. Em 1912 fundou a sociedade Athenea para a promoção da arte e da cultura, para a qual construiu o edifício. Nos anos seguintes as suas obras já apresentam um estilo consolidado: casa Masramon em Olot (1913-1914), casa Ensesa em Gerona (1913-1915), casa Cendra em Anglés (1913-1915), casa Cases em San Felíu de Guixols (1914-1916), edifício dos Correios em Gerona (1915). Sua obra posterior já é totalmente noucentista.[322] Outros artistas que deixaram obras em Gerona foram: Isidre Bosch i Bataller (casa Furest, 1904; Can Noguera, 1914), Joan Roca Pinet (casa Norat, 1912-1913; casa Rigau, 1914-1915; casa Dalmau, 1917), Eugeni Campllonch (casa franquesa, 1901), Josep Martí i Burch) (Bloc Auguet, 1912) e Enric Catà (Destilarias Regàs, 1907-1908; Destilarias Gerunda, 1911-1912).[323].
Na região do Alto Ampurdán, o modernismo desenvolveu-se especialmente na capital, Figueras, onde Josep Azemar desenvolveu um modernismo com raízes medievalizantes influenciadas pela arquitetura popular catalã. Arquiteto municipal da cidade, foi autor de vários edifícios escolares e cooperativos, bem como da casa Moner (1897), do Matadouro municipal (1903-1904), da casa Cusí (1904) e da casa Subirós (1910). Foi também autor da Câmara Municipal de Viladecans (1892).[324] Em Cadaqués encontramos a obra de Salvador Sellés Baró"), autor da casa Can Seriñana (1911).[325].
Em Olot trabalhou Alfred Paluzie, que foi arquiteto municipal, autor do plano de urbanização da cidade (1906),[326] bem como da casa Gaietà Vila (1905), da casa Prat (1907) e da casa Gassiot (1911).[327] Josep Azemar foi o autor da casa Pujador (1911).[328].
Na zona de Ripollés trabalhou Antoni Coll i Fort, autor da casa Buixó em Ripoll (1902-1904), da casa Carles Puig em Campdevánol (1903), da casa Climent Tarré em San Juan de las Abadesas (1912-1915), da casa Vila em Camprodón (1916) ou da casa Pamias em Ribas de Freser (1917).[305] Simó Cordomí foi o autor da casa Can Roig em Camprodón (1900-1901).[329] Jeroni Martorell foi o autor do chalé-refúgio Ull de Ter em Setcasas (1906-1909).[330].
Lérida destacou a obra de Francesc Morera, que foi arquiteto municipal da cidade entre 1907 e 1941. Suas obras incluem: a casa Magí Llorens (1905), a casa Bergós (1908), a casa Xammar (1908), o Matadero (1912, atual Teatro del Escorxador), o Mercado Pla (1913), a casa Nadal (1915) e o Hotel Pal·las (1915).[331][332] Francisco Lamolla, também atuante em Huesca, foi o autor da casa dos Mestres.[333].
Em Balaguer vale destacar a obra de Ignasi de Villalonga Casañés, arquiteto municipal da cidade. Sua obra mais notável é Can Comabella (1918-1921).[334].
Em Tárrega encontra-se a casa Càrcer, de Josep Coll Vilaclara (1909-1910).[335].
Em Solsona merecem destaque a casa Reig Padullés, de Emili Porta Galobart (1928)[336] e o Hotel Sant Roc, de Bernardí Martorell (1915-1929).[337].
Em Cervera, vale destacar a obra do mestre-de-obras Manuel Minguell Rovira"), autor da casa Hermenegildo Colom (1912), dos Almacenes Ca l'Albareda (1915-1918) e da casa Rosendo Güell (1918-1919).[338].
Na província de Tarragona devemos destacar a obra de Josep Maria Jujol, tanto na capital como nas igrejas de Vistabella e Montferri, bem como nas adegas de Cèsar Martinell, como se viu. Na cidade de Tarragona, o arquitecto com obra mais modernista é Josep Maria Pujol i de Barberà, arquitecto municipal entre 1897 e 1939, autor da Reitoria da Universidade Rovira i Virgili (1898), das casas Ripoll (1910), Bofarull (1921) e Dr. (1913) e a Cooperativa Obrera Tarraconense (1917).[339] Ramón Salas Ricomá foi o autor da grade do Balcón del Mediterráneo (1889), da Câmara de Propriedade Urbana (1899) e de sua casa na Rambla Nova (1907),[340] bem como das Escolas Públicas de Falset (1909-1916) e das Escolas Miquel Granell de Amposta (1911-1912).[341].
Um importante centro modernista foi Reus, cidade natal de Gaudí, onde, paradoxalmente, não deixou obras. Além das obras de Domènech i Montaner, Rubió e Sugrañes, já analisadas, destaca-se a obra de Pere Caselles, que foi arquiteto municipal de Reus de 1891 a 1930, onde foi arquiteto de um bom número de obras, entre as quais a casa Punyed (1892), a casa Homdedéu (1893), a casa Munné (1904), a casa Laguna (1904), a casa Banco de Espanha (1904), Estação Enológica (1910), casa Sagarra (1908), casa Tomàs Jordi (1909), casa Grau (1910) e grupos escolares Prat de la Riba (1908-1917) e Pompeu Fabra (1926).[167].
Pablo Monguió, discípulo de Augusto Font Carreras, com quem trabalhou em Tarragona, trabalhou em Tortosa. Entre 1905 e 1908 foi arquiteto municipal da cidade, onde foi autor da casa Camós (1904), do chalé Pallarès (1906), da casa Fontanet (1906-1909), da casa Matheu (1907) e do Matadero (1907-1908, atual Museu Tortosa). Mais tarde trabalhou especialmente em Teruel.[342] Juan Abril Guañabens também foi arquiteto municipal, autor da ampliação de Tortosa (1886), das igrejas de Reparación (1899-1903) e do Rosário (1910-1914) e do cemitério municipal (1900-1923).[324].
Em Valls devemos destacar a obra de Josep Maria Vives Castellet, autor da casa Vives (1916), da Adega Cooperativa Agrícola (1919-1920) e da casa Mercadé (1921).[343].
Em Amposta destaca-se a casa Fàbregas, de Ricard Giralt i Casadesús (1913-1914); e a casa Morales-Talarn (1915-1916), do mestre construtor Joaquim Cabanes Suñer.[344].
De Lluís Domènech i Montaner, além da obra já mencionada em Comillas, devemos destacar fora da Catalunha o Gran Hotel "Gran Hotel (Palma de Mallorca)") de Palma de Mallorca (1901-1903), na sua época o hotel de luxo mais destacado de todo o estado. É um edifício chanfrado, de fachada dupla que se destaca pela rica ornamentação escultórica, com caves diáfanas resolvidas com arcos de carpanel e colunas com fustes angulados, enquanto no chanfro existe uma tribuna hexagonal encimada por frontão "Fronton (arquitetura)") com esculturas de Eusebi Arnau.[351] Outra obra sua fora do Principado foi o Monte de Piedad Alfonso XIII e Caja de Ahorros de Santander (1905-1907), um edifício mais clássico, com duas fachadas chanfradas unidas por uma balaustrada no primeiro andar e uma torre de acabamento no eixo central; O estilo lembra o regionalismo serrano, certamente por imposição do cliente, Claudio López Bru, II Marquês de Comillas.[352].
Outro arquitecto que deixou amostras da sua obra fora da Catalunha foi Enric Sagnier, autor das casas da Calle de la Paz em Valência (1903-1905, com Francisco Mora Berenguer); Fulgenci Torres i Mayans, estilo neogótico; Também em relação aos beneditinos realizou diversas intervenções no santuário de Pueyo (Barbastro) e no mosteiro de Valvanera, em La Rioja "La Rioja (Espanha)");[354] e nas torres de Arbide em San Sebastián (1905), em estilo neogótico.[355].
Isidre Gili foi o autor da casa Garrigosa em Logroño (1902), em estilo neoplateresco com elementos modernistas, como revestimentos cerâmicos e esgrafitos na fachada e escadas.[356].
Fora de Espanha, Eugeni Campllonch foi o autor do Casal de Cataluña de Buenos Aires (1928), num estilo historicista que incluía várias soluções ornamentais do modernismo catalão. Na Argentina, vale citar também Julián García Núñez, natural de Buenos Aires, mas de mãe catalã e que estudou em Barcelona, onde foi discípulo de Domènech i Montaner. Construiu algumas obras em Barcelona, como a casa Brias e, ao regressar ao seu país, foi autor de obras que denotam a influência do modernismo catalão, como a sua própria casa em 1907 ou a sede da Sociedade Beneficente Espanhola (1908). origem do arquiteto.[358].
Outro país com notável presença do modernismo catalão foi Cuba, onde trabalharam vários catalães, como o construtor Mario Rotllant, autor de várias obras em Havana que lembram o estilo de Gaudí, Domènech i Montaner ou Puig i Cadafalch, bem como o franco-belga Art Nouveau e a Sezession vienense (palácio Díaz Blanco, 1910; casa Joan Fradera, 1910; casa Dámaso Gutiérrez, 1913);[359] o construtor Jaume Cruanyas"), autor de diversas obras em Camagüey (Casa Cruanyas, Escola Salesiana de Artes e Ofícios);[360] o construtor Ramón Magriñá"), projetista dos jardins da cervejaria La Tropical em Havana (1906-1912), que denotam a influência do Parque Güell de Gaudí;[255] o mestre construtor Antonio Moya Andreu"), arquiteto de diversas obras de influência Gaudiniana em Camagüey (fábrica de sabão Tibidabo, gruta Casino Campestre, 1924); 1913)
Há alguns arquitectos que, mesmo sendo catalães, desenvolveram praticamente toda a sua obra fora da Catalunha e que, mesmo seguindo um estilo próximo do modernismo catalão, a sua obra não pode ser incluída nela: tal seria o caso de José Grases Riera, dentro do modernismo madrileno; Enrique Nieto, do modernismo de Melilla; ou a presença de Pablo Monguió em Teruel e de Ildefonso Bonells Rexach em Huesca.[364].
Outros expoentes foram: Alexandre de Cabanyes, formado em Barcelona, Paris e Munique. O seu trabalho centrou-se na paisagem de Villanueva i Geltrú, onde viveu numa quinta, com um estilo que mantém um certo eco romântico e uma pulsação algo nervosa, técnica e cor intensa. Vale a pena destacar as suas magníficas paisagens marítimas.[393] Baldomero Gili, formado em La Lonja, Madrid, Munique, Itália e Paris, evoluiu de um certo simbolismo para um impressionismo de paisagens - especialmente da Catalunha e Maiorca - de uma luminosidade sorollesca, que teve grande sucesso em Espanha e na América. Joan Colom i Agustí foi pintor, gravador, ilustrador e desenhista - sobretudo em Papitu—. Como pintor transitou entre o realismo e o impressionismo, enquanto como desenhista e gravador desenvolveu um estilo de linhas fortes e claro-escuros que lembra o modernismo "negro" de alguns artistas pós-modernistas.[393] Pau Roig foi pintor, aquarelista e gravador, colaborador de L'Esquella de la Torratxa. Viveu muito tempo em Paris e Bruxelas, onde desenvolveu um impressionismo de cores requintadas. Iu Pascual transitou entre o modernismo e o impressionismo, sem encontrar um estilo pessoal; A sua produção é igualmente irregular em termos de qualidade, tem obras de grande valor e outras com temas forçados e cores duras. Seu trabalho denota a influência da Escola Olot, que quase poderia ser considerada um expoente tardio.[395].
Outros artistas também devem ser mencionados: Aleix Clapés foi discípulo de Claudio Lorenzale, assim como Eugène Carrière em Paris. Mostrou predileção por temas dramáticos, com uma percepção próxima do expressionismo, pelo que foi por vezes comparado a James Ensor. Colaborou com Gaudí na decoração interior de algumas das suas obras, como o palácio Güell ou a casa Milà. Foi também designer de móveis e dirigiu a revista *Hispania "Hispania (Barcelona)"). Josep Maria Xiró treinou em Barcelona, França e Alemanha. Desenvolveu um simbolismo influenciado pela filosofia nietzschiana, com temáticas fantásticas e literárias, que superavam suas qualidades pictóricas. Ele também foi artista de cartazes e ilustrador de livros. Sua carreira foi interrompida devido à demência.[414] Adrián Gual foi, além de pintor, dramaturgo, cenógrafo, diretor de teatro, decorador, designer de cartazes, ex-escritor de livros, ilustrador e pioneiro do cinema. Iniciado no realismo, dá uma guinada radical em direção a um modernismo de tendência simbolista em 1896 com seu livro ilustrado Nocturno. Caminhante moderado. Sua melhor obra é El dew (1897).[415] Geralmente se concentrava em figuras femininas em paisagens naturais - de preferência lagos -, cercadas de flores e tocando instrumentos musicais.[416] Lluís Masriera destacou-se mais como ourives do que como pintor, mas também desenvolveu uma obra de notável conteúdo simbolista com um tom refinado e decorativo.[415] Seus temas eram muito variáveis, desde retratos e temas religiosos - onde predomina o realismo - até temas totalmente simbolistas, especialmente fadas ou figuras femininas dançantes, bem como flores, borboletas e outros temas recorrentes de simbolismo. Em algumas de suas obras, a cor domina quase completamente a composição, uma cor com aspecto esmaltado próximo às joias que ele também desenhou.[416].
Nesta corrente encontramos uma figura feminina, Lluïsa Vidal, filha do marceneiro Francesc Vidal y Jevellí, foi discípula de Arcadio Mas e estudou em Paris com Eugène Carrière e na Academia Julian.[417] Trabalhou como ilustradora em diversas revistas —especialmente Feminal—, especializada em temas femininos e infantis.[414].
Por último, vale a pena mencionar Joaquín Torres García, pintor uruguaio radicado durante algum tempo em Barcelona, cuja obra serviu de elo entre o modernismo simbolista e o pós-modernismo da geração mais jovem. O seu estilo era classicista, próximo de Puvis de Chavannes, com linhas simples e cores suaves, com tendência para uma composição algo geométrica, que mais tarde conduziria a um certo esquematismo. A sua obra posterior aproximou-se inicialmente do Noucentisme Mediterrâneo e, mais tarde, ao acentuar a sua tendência esquemática, ao construtivismo "Construtivismo (arte)"), com um tom abstracionista.[418].
Nonell centrou-se na figura humana, em cenas um tanto grotescas, de tom patético, com figuras borradas e com certo ar de caricatura, como os seus Cretins que expôs em Paris em 1897. No ano seguinte centrou-se no tema dos repatriados da guerra de Cuba, muitos dos quais tiveram que recorrer à mendicância. Outro de seus temas preferidos era a figura feminina, principalmente das ciganas. A sua obra baseia-se numa pincelada curvilínea, longa e violenta, alternada com toques mais curtos e repetidos.[425] A sua composição aproxima-se do divisionismo, mas não através de pontos, mas sim através de linhas cruzadas - algo que lembra Delacroix -, onde a luz e a sombra desempenham um papel igualmente relevante como a cor, dando volume às figuras, ao mesmo tempo que realçam as linhas grossas de perfis e contornos. Com tudo isso conseguiu captar esteticamente alguns temas feios e angustiantes - os subúrbios marginais -, obtendo um resultado distante de seu drama inicial.
Ricard Canals era amigo de Nonell, com quem partilhou não só a experiência Colla, mas também algumas estadias em Caldas de Bohí (1896) e Paris (1897). Nestes anos, suas obras são bastante semelhantes, influenciando-se mutuamente, dentro do chamado modernismo “negro”, com temática voltada para a marginalidade. Os canais focavam preferencialmente em cenas típicas da Andaluzia, com uma cor mais viva que Nonell, mas com um tom um tanto sarcástico. Quando Nonell regressou a Barcelona, Canals permaneceu em Paris, onde trabalhou para o negociante Paul Durand-Ruel, até 1907, altura em que regressou a Barcelona. Ao retornar, sua obra denota tanto a influência espanhola - Goya sobretudo - quanto a influência francesa, apoiada por influências como Daumier, Steinlein, Degas, Renoir e os Nabis. São obras que se destacam pela cor, luz e atmosfera, num tom de harmonia e sensualidade, com pinceladas livres e nervosas, com grande quantidade de material.[429].
Dos restantes membros do grupo, Ramón Pichot foi uma das figuras centrais do núcleo artístico de Cadaqués e, depois de uma temporada em Barcelona, onde foi frequentador assíduo do Els Quatre Gats, instalou-se em Paris, onde se dedicou - como outros artistas de origem espanhola - a temas hispânicos, de preferência - como Nonell - retratos de ciganos, que evoluíram de um tom sombrio para um maior colorismo, mais atraente para o público. Joaquim Sunyer estudou em La Lonja, onde foi colega de Mir e Nonell. Muito jovem mudou-se para Paris, onde trabalhou como pintor, gravador, desenhista e ilustrador. Suas obras desse período se destacam pela densidade material, atmosferas suaves e um colorido totalmente pós-impressionista. Após seu retorno em 1910, seu trabalho voltou-se para o Noucentisme. Juli Vallmitjana foi ourives, escritora e dramaturga, além de pintora. A sua obra centrou-se, tal como a dos seus companheiros, em temas marginais, personagens suburbanas, personagens que, além da pintura, o serviram nas suas obras escritas.[431].
Outro grupo de artistas foi o que se reuniu na taberna El Rovell de l'Ou ("a gema do ovo"), na rua Hospital de Barcelona, entre os quais se destacaram Pere Ysern, Mariano Pidelaserra, Josep-Víctor Solà e os irmãos Ramón e Julio Borrell, bem como o escultor Emili Fontbona e os ilustradores Cayetano Cornet e Ramón Riera Moliner, a maioria estudantes do Academia Borrell. O grupo editou uma revista manuscrita intitulada Il Tiberio (1896-1898).[432] Xavier Nogués também esteve relacionado com este grupo, com uma obra inicial influenciada pelo sintetismo "Sintetismo (pintura)") Nabí "Nabis (artistas)") e que posteriormente evoluiu para o Noucentismo.[433] Pere Ysern estudou na Academia Borrell e mais tarde residiu por algum tempo em Roma e Paris. Comparado com o resto dos artistas de tendência impressionista, mais interessados na paisagem, mostrou uma predileção pelos temas urbanos - especialmente a atmosfera parisiense e, especialmente, os dançarinos -, com um estilo próximo do divisionismo neo-impressionista, onde se destaca a sua tendência para criar massas de cores claras. Também fez paisagens, especialmente de Maiorca.[391] Pidelaserra evoluiu de um modernismo semelhante ao dos seus colegas para um estilo que misturava influências muito diversas, do impressionismo a um realismo algo arcaizante, bem como a um expressionismo incipiente. As suas séries de paisagens de Montseny foram criadas com a técnica pontilhista, com a qual alcançou, no entanto, um realismo intenso, com um virtuosismo difícil de superar. Apesar de tudo, por razões desconhecidas, deixou de pintar durante muitos anos e, quando a retomou, o seu estilo tinha perdido a vivacidade inicial, com um tom algo primitivista, pobre e hesitante. Nos seus últimos anos, uma nova virada o levou a um expressionismo focado em temas sociais e religiosos.[434].
Outro grupo nessa tendência eram os Els Negres ("os negros"), cujos integrantes, influenciados pela obra de Nonell, defendiam uma arte pouco convencional, com temática urbana e preponderância de tons escuros, principalmente o preto carvão, estilo em que se destacavam tanto na pintura quanto no desenho. Em 1903 realizaram uma exposição em Els Quatre Gats.[435] Entre os seus membros estavam Manuel Ainaud e Joaquim Biosca. O primeiro, autodidata, focou no tema aglomerações de pessoas em eventos populares, como A procissão de San Medin (1907). Logo abandonou a atividade artística e dedicou-se à pedagogia.[436] A Biosca focou em temas marginais e – como Nonell – ciganos. Mais tarde, estabeleceu-se em Paris, onde obteve grande sucesso e foi amigo de Picasso.[437].
Fora destes grupos, vale a pena mencionar, em primeiro lugar, Hermenegildo Anglada Camarasa, um pintor original que se dedicou sobretudo às cenas urbanas, preferencialmente noturnas, onde mostrava o ambiente boémio das festas e espetáculos noturnos, a vida da alta sociedade, com os seus ternos e vestidos luxuosos, com um gosto especial pelos efeitos de iluminação, pelos jogos de luzes e reflexos, sejam eles naturais - da lua e das estrelas - ou luzes artificiais. um estilo artificial e decorativo que nos seus últimos anos evoluiu para obras de grande formato focadas sobretudo em temas folclóricos hispânicos. Influenciado por Toulouse-Lautrec, Klimt e Van Dongen, o trabalho de Anglada é pessoal e diferenciado, difícil de ser agrupado em qualquer uma das tendências modernistas. Caracteriza-se sobretudo pela distribuição aberta do espaço, pelo contraste dos efeitos de luz e dos valores cromáticos, pelo uso abundante de linhas de arabescos e pelo contraste de planos.[440].
Miquel Utrillo foi pintor, desenhista e crítico de arte, amigo e colaborador de Casas e Rusiñol em muitos de seus projetos modernistas e arquiteto do Pueblo Español de Barcelona.[441] Embora tenha estudado engenharia, ingressou no mundo da arte, tanto no aspecto prático quanto teórico, já que foi diretor da revista Quatre Gats. Ele também foi correspondente do La Vanguardia em Paris, onde fez vistas da cidade, como Notre Dame na nevada Paris (1890).[442] Seu primo Antoni Utrillo foi pintor, decorador e cartazista, além de cofundador do Círculo de San Lucas.[443] Foi discípulo de Antonio Caba e estudou como interno em Paris. Fez retratos e obras religiosas, colaborou com inúmeras revistas e criou uma oficina de artes gráficas.[444].
Eveli Torent cultivou um estilo semelhante ao de Anglada. No início frequentou o grupo Els Quatre Gats —onde Picasso fez dele um retrato a carvão—, em cujas instalações expôs em 1900, bem como na Sala Parés, e colaborou nas revistas Luz e Quatre Gats. Mais tarde instalou-se em Paris (1902-1913), onde expôs no Salão de Outono, no Champ de Mars e nos Independentes. Nessa época ele compôs principalmente canções folclóricas espanholas (A los toros, 1903; Une loge aux course de toros, 1904; Tête gitane, 1906). Ao retornar, praticou principalmente o retrato, gênero no qual alcançou fama internacional.
Nicolau Raurich apostou no paisagismo com uma técnica pessoal, que combinava uma cor poderosa de tons contrastantes e quase puros com um material muito espesso, com uma corporeidade que realçava a cor e a luz - dizia-se mesmo dele que era um dos poucos que tinha conseguido captar a essência da luz mediterrânica, superando até as melhores técnicas impressionistas - técnica que abriu caminho à arte do século, tanto figurativa como abstracta. Ele também se destacou em suas pinturas noturnas.[446].
Outros expoentes da nova geração foram: Ricardo Urgell, filho do pintor paisagista da Escola Olot Modesto Urgell, desenvolveu um estilo com temas modernistas e técnica pós-impressionista, focado em cenas de interiores, preferencialmente teatros e music-halls, com um estudo profundo de cor e atmosfera, bem como uma pincelada rica. Francesc d'Assís Galí foi pintor, gravador, cartazista e desenhista, além de pedagogo, atuando como diretor da Escola Superior de Belas Artes. Durante a Segunda República foi diretor-geral de Belas Artes, cargo a partir do qual foi responsável pela salvaguarda das obras do Museu do Prado durante a Guerra Civil. Como pintor transitou entre o simbolismo e o modernismo "negro", sem encontrar um estilo pessoal. Mais tarde, ele migrou para o Noucentisme.[448] Sebastià Junyer[nota 7] foi um pintor, colecionador e membro do Els Quatre Gats. Amigo de Picasso, viajou com ele para Paris. Destacou-se como pintor paisagista - principalmente maiorquino - num estilo decorativo e precioso, que se destaca pela riqueza da sua cor.[449] Claudio Castelucho instalou-se em Paris, onde lecionou na Académie de la Grande Chaumière. Expôs regularmente nos salões desta cidade, sendo o artista catalão que mais participou nestes salões. A sua obra inicial denota a influência de Ramón Casas, mas posteriormente evoluiu para um estilo mais esboçado, em sintonia com o pós-modernismo. Tal como outros artistas residentes na capital francesa, tratou de temas típicos espanhóis (touros, flamenco, ciganos), bem como de paisagens e retratos. Pere Torné foi também pintor paisagista, com estilo baseado na pintura popular catalã, um tanto ingênua, com técnica pós-impressionista. Foi também cartunista e ilustrador e viveu algum tempo em Paris, onde colaborou na revista Le Rire. Mais tarde, evoluiu para o Noucentisme.[448].
Vale citar dois artistas de curta carreira, pois se suicidaram na juventude: Antoni Samarra e Hortensi Güell. O primeiro teve que trabalhar como pedreiro para sobreviver, o que lhe deixou pouco tempo para a arte; Mesmo assim, interagiu com Els Negres —especialmente Ainaud— e desenvolveu um estilo de cores vivas e intensidade luminosa, próximo de um fauvismo incipiente, com linhas gestuais e textura densa. Güell, por outro lado, era de família rica e amigo de Picasso. Desenvolveu um estilo impressionista de tons suaves e brilhantes, mas com temas deprimentes, relacionados à morte e à solidão.[451].
Merece destaque especial José María Sert, sem qualquer ligação específica com os restantes pintores que o rodeiam, criador de uma obra pessoal, de tom decorativo e bombástico, um pouco na linha de Anglada Camarasa. Dedicou-se especialmente ao muralismo, com cenas quase monocromáticas, brincando com sépia e tons dourados ou prateados, lembrando a arte barroca e um certo expressionismo com raízes goyascas.[439] Foi o autor em 1900 da decoração do estabelecimento parisiense de Samuel Bing, Art Nouveau, que deu nome ao movimento na França.[452].
Por fim, cabe destacar nesta corrente o período modernista de Pablo Picasso. Após uma formação académica, entre 1895 e 1900 viveu em Barcelona - também esporadicamente entre 1900 e 1904, alternando com Paris -,[nota 8] onde estagiou em La Lonja e frequentou Els Quatre Gats, onde expôs em 1900, bem como na Sala Parés em 1901. Colaborou com as revistas Pèl & Ploma e Juventude. Seu primeiro concessionário foi o catalão Pere Mañach. Os anos em Barcelona introduziram-no no ambiente vanguardista, já que naquela época a capital catalã era a cidade mais atualizada da arte europeia.[454] Neste sentido, uma das suas primeiras obras num estilo que se pode dizer modernista foi uma série de retratos a carvão que realizou entre 1899 e 1900, emulando os de Ramón Casas que pôde ver na Sala Parés em outubro de 1899.[nota 9] Da mesma forma, ficou profundamente impactado com a exposição que Anglada Camarasa realizou na Sala Parés em maio de 1900, onde pôde conhecer o estilo pós-impressionista que então se praticava na França, cuja influência é denotada nas obras que apresentou em sua segunda exposição em Els Quatre Gats, em julho de 1900, que revelam um cromatismo violento, como Touros (1900). No outono daquele ano fez a sua primeira viagem a Paris.[455] Em 1901 expôs uma série de pastéis na Sala Parés e, no verão, retornou à capital francesa, onde iniciou uma nova etapa de sua carreira: o período azul (1901-1904), marcado pela tristeza e melancolia, derivado do suicídio de seu amigo Carlos Casagemas em 1901. Nessa fase, a influência de Nonell – de quem era vizinho na Rua do Comércio – é evidente. de Barcelona – especialmente em modelagem e contornos simplificados. As suas obras deste período, mais próximas da arte simbolista, centram-se na pobreza e na solidão, bem como na maternidade e na velhice (La vida, 1903; Desamparados, 1903). Sua principal característica estilística é a predominância da cor azul, provavelmente devido à influência dos Noturnos de Whistler, dos tons azul-esverdeados das últimas obras de Burne-Jones e da pintura A Vigília de Santa Genevieve de Puvis de Chavannes, em um azul quase monocromático, bem como a associação simbólica desta cor com a espiritualidade e - na obra de Verlaine e Mallarmé - com a decadência. Pintou também algumas paisagens urbanas de Barcelona, especialmente do bairro Gótico (Terrazas de Barcelona, 1903). Por outro lado, neste período iniciou a amizade com Emili Fontbona, que o apresentou à escultura. Desde 1904, agora radicado permanentemente em Paris, a sua obra afasta-se do modernismo catalão.[457].
Picasso liderou um pequeno grupo que incluía Ricardo Opisso e Carlos Casagemas.[458] O primeiro se destacou mais como desenhista, como se verá mais adiante. Casagemas foi pintor e desenhista, destacado pelos pastéis, num estilo que pode ser incluído no modernismo "negro". Viajou com Picasso para Paris, onde se suicidou, facto que marcou profundamente o pintor málaga.[459].
Capullo truncado
Flor espiritual
Reposo
La ola
Unción
Ele também pertenceu ao Círculo Eusebi Arnau, um autor que evoluiu da anedota naturalista ao modernismo simbolista. Formou-se em La Lonja e, depois de trabalhar numa gráfica, ingressou na oficina Masriera, onde, além de esculturas, fez joias e outros objetos decorativos. Após obter uma bolsa de estudos, viajou para Paris, onde estudou na Academia Julian. Ele também passou um tempo em Florença e Roma. Ao regressar, dedicou-se especialmente à escultura aplicada à arquitetura, trabalhando para arquitetos como Domènech i Montaner, Puig i Cadafalch e Enric Sagnier; O seu trabalho no Palácio da Música Catalã destacou-se acima de tudo. Desenvolveu escultura decorativa focada especialmente nas figuras femininas e na vegetação, temas preferidos do modernismo. Ele combinou seu trabalho escultórico com joias e medalhas. Em sua fase final passou para o neoclassicismo, como quase todos os autores de sua geração.[478] Entre suas obras mais plenamente modernistas vale destacar A onda (1905), Busto de mulher (1907) e No mercado (1908).[479].
Miguel Blay formou-se em Paris e Roma, em estilo acadêmico, embora tenha evoluído para o modernismo em obras como Os Primeiros Resfriados (1892) e Perseguindo a Ilusão (1903).[480] Suas primeiras obras totalmente modernistas foram: Ensueño (1905); Eclosión (1908), onde denota a influência rodiniana; o Monumento a Chávarri em Portugalete, bastante sintonizado com a obra de Meunier; e o Monumento a Silvestre Ochoa em Montevidéu.[481] No Palácio da Música Catalã foi autor em 1909 do grupo escultórico A Canção Popular, que apresenta uma figura feminina que personifica a Canção, rodeada de vários personagens que representam o povo catalão, enquanto acima se ergue a imponente figura de São Jorge.[482] Paralelamente a essas obras, cultivou um tipo de estatuária mais realista e solene, para encomendas oficiais, que absorveu boa parte de seu tempo, limitando a poucos exemplos sua produção modernista.[481] Produziu inúmeras obras em Madrid, onde trabalhou durante algum tempo, como o *Monumento a Alfonso XII "Monumento a Alfonso
Lambert Escaler foi um dos escultores mais puramente modernistas do período de auge deste movimento, mas posteriormente, adaptando-se aos gostos da época, tornou-se mais classicista. Talvez pelo abandono do seu estilo mais pessoal, mais tarde combinou a escultura com outras atividades, principalmente como comediante; Ele também projetou gigantes e cabeças grandes. Trabalhou principalmente em terracota policromada, principalmente figuras femininas com cabelos bagunçados e decoradas com flores, de aspecto melancólico. Em numerosas ocasiões ele colocou esses bustos femininos junto com um espelho.[484].
Dionisio Renart estudou em La Lonja e foi discípulo de Josep Llimona. Da mesma forma, conheceu o trabalho de Rodin durante uma estadia em Paris. Além da escultura, fez cerâmicas, joias, medalhas, ex-libris e outros objetos de design; Ele também se dedicou à astronomia. Suas obras incluem Eva (1906), La Raza e vários monumentos na Espanha e na América.[485] Ele também fez imagens e esculturas funerárias.[486].
Carles Mani foi um artista original, extravagante, rebelde e marginal. Viveu a maior parte da sua vida num ambiente de miséria, o que marcaria a sua obra, uma obra heterodoxa que se insere no modernismo pela sua cronologia, mas é estranha a este movimento. Passou por Paris e Madrid, residindo posteriormente em Barcelona até à sua morte prematura, onde trabalhou para Gaudí na casa Batlló, na casa Milà e na Sagrada Família. A sua obra mais representativa é Los degenerados (1901), uma obra austera, expressiva, de obra inacabada, com desproporção das partes, que mostrava em toda a sua crueza o drama da pobreza e que na sua época causou grande polémica.[77].
Por fim, vale a pena mencionar vários escultores como: Llorenç Matamala, amigo e colaborador de Gaudí, chefe da oficina de escultura da Sagrada Família;[487] Alfons Juyol, que trabalhou para arquitetos como Domènech i Montaner, Puig i Cadafalch e Enric Sagnier;[488] Emili Fontbona, discípulo de Eusebi Arnau, que desenvolveu um estilo mais pessoal, um tanto arcaico, simplista e popular;[489] Antonio Parera, escultor e medalhista, estudou em La Lonja, onde foi discípulo de Jerónimo Suñol, sua obra mais conhecida é La Caridad;[490] ou Josep Maria Barnadas, discípulo de Agapito Vallmitjana e membro do Círculo de San Lucas, autor de obras religiosas e escultura aplicada à arquitetura, para as quais colaborou com Puig i Cadafalch, Sagnier, Doménech Estapá ou Joan Martorell.[491].
Éxtasis
Nocturn Andante Morat
Silenci
Llibre d'horas. Devoções íntimas
Luz
Boires baixes
A outra linha do desenho modernista era mais realista e sintética, seguindo o exemplo dos artistas franceses Toulouse-Lautrec e Steinlein. Seus principais representantes foram Ramón Casas, Ricardo Opisso, Javier Gosé e Joan Cardona, enquanto seu principal meio de divulgação foi a revista Quatre Gats, fundada por Pere Romeu, dirigida por Miquel Utrillo e com Casas como diretor artístico. Casas marcou a linha estética de Quatre Gats e também criou sua própria revista, Pèl & Ploma (1899-1903), da qual foi único ilustrador durante o primeiro ano. Nele tentou apresentar ao público catalão a vida parisiense, com ilustrações da vida urbana da capital francesa, mulheres bonitas e modernas e retratos de protagonistas do momento. A partir do terceiro ano passou a ser uma edição mais luxuosa, com a colaboração de outros artistas. A esta revista seguiu-se a Forma (1904-1906), criada por Casas em conjunto com Miquel Utrillo, dedicada à arte, com formato de luxo. Ele também colaborou na Hispânia com quadrinhos humorísticos, uma faceta menos conhecida sua. Opisso foi um artista autodidata - frequentou apenas um dia na Escuela de la Lonja - e trabalhou na oficina de Gaudí - amigo do pai - como desenhista e responsável pelo arquivo fotográfico. Foi membro do Círculo de São Lucas e, entre 1906 e 1912, viveu em Paris, onde colaborou em diversas revistas com temática centrada na vida boémia. No retorno colaborou com revistas como Cu-Cut!, La Campana de Gracia e L'Esquella de la Torratxa, de temática um tanto sarcástica, focada em cenas urbanas com grandes grupos de pessoas. Ele também ilustrou livros infantis. Gosé estudou em La Lonja com José Luis Pellicer. Colaborou em diversas revistas com desenhos em preto que lhe trouxeram grande sucesso, graças ao qual se estabeleceu em Paris, onde triunfou com um estilo de cores suaves que refletia o mundo da Belle époque, que fez muito sucesso entre o público feminino. Cardona treinou em Barcelona e Paris, onde recebeu influência de Steinlein e Toulouse-Lautrec. Apostou em temas femininos, tanto parisienses como espanhóis, num estilo que lembra Anglada Camarasa, sem atingir o seu talento. Foi também cartunista e colaborou com diversas revistas catalãs e francesas.[520].
Dos demais, vale citar brevemente: Cayetano Cornet, engenheiro além de pintor e desenhista, que se destacou como cartazista e caricaturista, colaborando com revistas como L'Esquella de la Torratxa, Cu-Cut! e Papitu;[360] Josep Pascó, que foi cartunista, cenógrafo, decorador e designer de cartazes, diretor artístico da revista Hispania e colaborador de La Ilustració Catalana;[521] Joan Llaverias, cartunista, aquarelista, cartazista e ex-livreiro, especializado em desenhos de animais;[443] Josep Triadó, pintor, encadernador e ex-livreiro além de cartunista, onde se destacou por sua grande qualidade, foi discípulo de Riquer e principal colaborador de El Gato Negro "El Gato Negro (revista)"), em além de Hispania, La Ilustració Catalana e Salon Album, bem como ilustração de livros (Contes d'uns y altres, 1904; Dafnis e Chloe, 1906);[522] Livro de Joaquín Boires baixes de Josep María Roviralta;[523] Ricardo Marín Llovet, colaborador em diversas revistas e também autor de exlibris;[524] Gaspar Camps, de estilo totalmente modernista graças à sua formação em Paris, foi o introdutor na Catalunha do estilo de Alfons Mucha, de estilo denso e ornamentado;[525] Josep Pey, pintor, decorador e ex-livreiro e também desenhista, destacou-se pelos projetos para a cerâmica de Antoni Serra Fiter; [524] Josep Simont, trabalhou em Paris, Inglaterra, Alemanha e Estados Unidos, onde colaborou nas melhores revistas e jornais, alcançando grande fama; satírico;[527] Luis Bagará, caricaturista com tom político em vários jornais;[527] Josep Maria Junoy, cartunista, escritor, jornalista e crítico de arte - fervoroso defensor da vanguarda -, conhecido por suas ilustrações em Papitu;[528] Marià Andreu, cartunista, pintor, escultor, gravador, decorador e cenógrafo, trabalhou a maior parte de sua vida na França;[529] e Laura Albéniz, filha do músico Isaac Albéniz, especializada em figuras femininas, de estilo um tanto ingênuo, de raiz popular.[529].
Outro género que teve um grande boom foi o exlibris, geralmente sob a forma de água-forte ou fotogravura.[535] Como marca de pertencimento a um livro, os exlibris estavam relacionados com a cultura por excelência, razão pela qual na época do ressurgimento da cultura catalã ganharam grande preponderância, o que levou mesmo à fundação da Associação Barcelona de Exlibris. Como em outras áreas, um dos grupos que mais favoreceu esta pequena arte foi a burguesia.[536] A idade de ouro do exlibris modernista ocorreu entre 1900 e 1907. Nessa época, foram fundadas várias associações como Amigos del Libro y de los Exlibris (1901) e Asociación de Exlibris Ibéricos (1902), bem como uma revista, a Revista Ibérica de Exlibris (1903).[537] Artistas renomados dedicaram-se ao seu design, como Alexandre de Riquer, Josep Triadó e Joaquim Renart. O primeiro foi um dos introdutores do bookplate graças à sua estadia na Inglaterra, onde foi mais utilizado, e à divulgação da revista inglesa The Studio. Fez alguns ex-libris de água-forte, como o de Alfonso XIII (1904), um dos melhores de toda a produção de ex-libris catalã. A maioria de seus desenhos eram de estilo simbolista, com figuras femininas adornadas com flores e livros. Triadó desenvolveu um estilo mais severo, de influência germânica, que colecionou na Edição completa dos ex-libris Triadó. Renart destacou-se pelo estilo sinuoso, com composição cuidada, que compilou no álbum Los exlibris de Renart (1907). Vale destacar também Ramon Casals i Vernis, que estudiosos como Francesc Fontbona apontam como o introdutor do gênero na Catalunha após tê-lo estudado na Bibliothèque Nationale de Paris; Em 1907 ele publicou uma compilação intitulada Cem Exlibris Selecionados. Outros expoentes foram: Alexandre Cardunets, litógrafo, destacado pela riqueza de sua composição; Jaume Llongueras, pintor a meio caminho entre o modernismo e o noucentismo, embora os seus exlibris sejam do período modernista (Exlibris de Joan Llongueras, 1904); Víctor Oliva, impressor, autor de exlibris e ilustrações para livros que realizou em sua própria gráfica, que compilou em 1907 no Anuario Oliva;[539] e Ramón Borrell y Pla, autor de numerosos exlibris de água-forte.[540].
estuccolina
gupsoxilina
Outro recurso comum era a decoração em gesso, realizada desde 1875 com uma nova técnica que utilizava o reboque "Reboque (material)"), que proporcionava maior leveza e acabamentos mais delicados. Destacaram-se nesta técnica a empresa Ávila e o estucador Joan Coll i Molas, bem como Evelio Doria y Cía. house, especialista em tetos, frisos e colunas em novos materiais como duroxyla, pedra gaufré ou mármore regenerado. O uso de papel machê também era comum.[555].
Antoni Gaudí desenhou muitos dos móveis de suas obras, como os do Palácio Güell, onde se destacam uma chaise longue e uma penteadeira; os da casa Batlló, também em carvalho, que se destacam pela ergonomia, pelo design adaptado à anatomia humana; os bancos da cripta da Colônia Güell, simples e austeros, mas de grande engenho e elegância;[564] e o mobiliário litúrgico da Sagrada Família). As suas obras destacam-se pela combinação entre estética e funcionalidade, bem como pela utilização de madeira sem pintura e quase nenhuma moldura, com amplo domínio de volumes e superfícies, bem como um grande conhecimento de técnicas e materiais.[565].
Colaborador regular de Gaudí foi Eudald Puntí, para quem fez os móveis da capela-panteão do palácio Sobrellano do Marquês de Comillas (1878),[566] bem como o mosteiro da capela do Colégio de Jesús-María de Tarragona (1880-1882),[567] as portas de correr da casa Vicens (1883-1885) e o mobiliário e decoração interior do palácio Güell (1886-1889).[568] Com a morte de Puntí, a oficina passou a chamar-se Planas y Casas e, alguns anos depois, Casas y Bardés, que foi uma das principais oficinas de marcenaria do início do século.[569].
Joan Busquets fez designs totalmente modernistas, de forte personalidade, que tiveram grande sucesso. Seu estilo denota influências nórdicas, inglesas e austríacas, assim como de Gaudí.[570] Ele usou pirografia em vez de marchetaria e, em alguns casos, pintura em madeira. Seu estilo era bastante ornamental, com predominância do coup de fouet, ou seja, o formato sinuoso de um "golpe de chicote". Entre as suas obras destacam-se o mobiliário da casa Juncadella (1901) e o da casa Arnús, mais conhecida como "El Pinar" (1902), ambos do arquitecto Enric Sagnier. Foi presidente da Promoção das Artes Decorativas.[571].
Outros expoentes foram: Aleix Clapés, pintor, decorador e designer de móveis, colaborador ocasional de Gaudí, famoso por sua sala feita em 1900 para a família Ibarz de Barcelona, atualmente na Casa-Museu de Gaudí no Parque Güell; com um estilo inspirado na arte nórdica - especialmente flamenga -, como denota a sua arquitetura;[573] outro arquiteto, Josep Maria Jujol, autor de algumas peças para os edifícios que construiu, como os móveis da loja Mañach (1911); Sezession vienense e o arquiteto Jujol;[573] Francesc Simplicio"), discípulo de Vidal Jevellí, criou uma oficina de modernismo um tanto imposto, enquanto em seus últimos anos trabalhou como luthier;[575] Antoni Badrinas, pintor, decorador e marceneiro, estudou na Escola de Artes de Dresden, onde recebeu a influência de Jugendstil, embora posteriormente tenha optado pelo noucentismo;[575] Víctor Masriera, que, como Busquets, utilizou pirografia colorida, com motivos naturalistas.[576].
Devemos ainda destacar: Josep Jordi Guardiola i Bonet, ceramista de estilo algo barroco, cujas peças são reconhecíveis por uma forte tendência ao horror vacui;[583] Enric Bassas, escultor que trabalhou frequentemente com cerâmica e que, apesar de pertencer a uma geração posterior, trabalhou num estilo modernista tardio;[583] Marià Burguès formou-se em Coimbra e Manises, para mais tarde formar uma oficina em Sabadell (Faianç Català), que se destacou pela utilização de novas técnicas e materiais;[586] Hipòlit Monseny") fundou uma oficina em Reus, que forneceu cerâmica para obras como a casa Gasull de Domènech i Montaner e a casa Comalat de Salvador Valeri.[587].
Neste período também aumentou a utilização do mosaico, seja cerâmico, grés, mármore (ou romano), esmalte vítreo (ou veneziano) ou trencadís, utilizado quer como pavimento, quer para revestimento de paredes.[588] Mario Maragliano e Lluís Bru se destacaram neste campo. O primeiro, de origem italiana, fundou uma oficina em Barcelona em 1884, a partir da qual fez mosaicos para diversas igrejas e foi colaborador regular de Domènech i Montaner (Hospital San Pablo, Palácio da Música Catalã), Gaudí (cripta da Sagrada Família) e Puig i Cadafalch (casa Macaya, casa Amatller). Bru começou na área da cenografia, mas, após uma série de contactos profissionais com Domènech i Montaner optou pelos mosaicos, área em que alcançou níveis de excelência. Estudou a técnica em Veneza, depois trabalhou para os melhores arquitectos, como o próprio Domènech ou Puig i Cadafalch. Entre suas obras destacam-se os mosaicos do Hospital de San Pablo e do Palácio da Música Catalã, bem como a cúpula da Rotonda, edifício de Adolfo Ruiz Casamitjana.[590] De referir ainda Gaspar Homar que, além de marceneiro, trabalhou na área do mosaico, como os seus excelentes tectos na sala de jantar da casa Lleó Morera, em mosaico com relevo de porcelana, desenhados por Josep Pey.[581].
Um dos maiores expoentes da utilização da cerâmica e do mosaico é o Palácio da Música Catalã, onde participaram vários ceramistas (Escofet, Cosme Toda, Simó, Pau Pujol, Sanchis, Tarrés i Macià, Cucurny, Josep Orriols, Modest Sunyol, Pascual Ramos, Antoni Vilar) e mosaicistas (Lluís Bru, Mario Maragliano, Leandro e Lluís). Querol). Cerâmicas e mosaicos cobrem quase todo o edifício, desde pisos e paredes até lambris, divisórias, degraus, coroas de flores, arcadas, nervuras de abóbadas, abóbadas, vigas e em torno da claraboia envidraçada da cobertura. O mosaico destaca-se nas paredes e fustes das colunas, bem como no friso superior da fachada. No palco destacam-se as figuras femininas que tocam instrumentos musicais, realizadas na parte inferior em mosaico e na parte superior em relevo escultórico, da autoria de Eusebi Arnau.[591].
Uma das fundições mais relevantes foi a Fundição Artística Masriera y Campins, empresa formada por Frederic Masriera e Antoni Campins. O primeiro foi responsável pela seção de fundição de Vidal Jevellí, onde foi feita a estátua de Cristóvão Colombo "Monumento a Colombo (Barcelona)".[607] Mariera e Campins destacaram-se na técnica da cera perdida, com a qual confeccionaram os chamados "bronze de salão", pequenas peças de linhas escultóricas para decoração, bem como reproduções de esculturas de Eusebi Arnau, Josep Llimona, Miguel Blay ou Josep Reynés. projetos.[607].
Um dos falsificadores mais destacados foi Manuel Ballarín, colaborador de vários arquitectos, especialmente Puig i Cadafalch, para quem criou os elementos de forja das casas Amatller e Terrades; ou Pedro Falqués, para quem fez os candeeiros do Paseo de Gracia acima mencionados.[609] Outros falsificadores renomados foram: Joan Oñós, ferreiro e falsificador, colaborador de Gaudí em diversas de suas obras;[610] Arturo Santamaría"), que fundou uma oficina artística de fundição que fabricava diversas peças para construção, como maçanetas, puxadores e baús, além de elementos decorativos como chaves ornamentais e flores. estampadas;[611] e Ramon Teixé, falsificador e ourives que combinava os dois ofícios na produção de joias de ferro, às vezes combinado com esmalte, num estilo que lembra a obra de Josep Maria Jujol.[612].
Talvez a figura mais eminente da prosa modernista tenha sido Víctor Català, pseudônimo da escritora Caterina Albert. Na juventude cultivou a poesia e o teatro, mas consolidou-se com a narrativa. A maior parte das suas obras situam-se em ambientes rurais, mas são utilizadas como símbolo da luta do ser humano contra o seu destino, razão pela qual não podem ser incluídas num ruralismo tradicional. Suas primeiras obras narrativas foram contos, publicados em coletâneas com diversos títulos: Drames rurals (1902), Ombrívoles (1904) e Caires Vius (1907). Neles ele já mostrava a realidade a partir da visão subjetiva do autor, recorrendo à sugestão e à emotividade, à alegoria e à metáfora. Seus temas centram-se na dor, na doença, na morte, mas também no mal, corporificado em personagens deformados pelo destino cruel, aos quais se opõe a piedade como qualidade redentora. Seu maior sucesso foi o romance Solitud (1905), publicado em fascículos na revista Joventut. Cada um de seus capítulos forma um poema em prosa, com um universo simbólico que analisa a vida humana como uma luta entre o bem e o mal.[644].
Outra escritora notável foi Prudenci Bertrana, fiel modelo do artista modernista: idealista, rebelde, um tanto decadente, amante da natureza e em constante luta com a sociedade. Ainda jovem dedicou-se à pintura, gênero do qual mais tarde se tornou professor. Iniciou sua carreira na literatura aos quarenta anos, colaborando em diversos jornais e revistas. Foi consagrado em 1906 com o romance Josaphat "Josaphat (romance)"), seguido por Nàufregs (1907), Crisàlides (1907) e Proses bàrbares (1911). Na primeira, sua obra-prima, ele articula uma linguagem decadente repleta de símbolos dualistas (campo-cidade, bem-mal, vício-virtude), com uma história eficaz alcançada por meio de imagens, adjetivos e sensações.[645].
Joaquim Ruyra evoluiu do romantismo floral para o modernismo e, finalmente, o noucentismo. Cultivou a prosa, a poesia e o teatro, mas destacou-se sobretudo como contista. Abordou apenas um romance, La gent del mas Aulet, que deixou inacabado, mas com os seus contos e "noveletas" mostrou-se um dos grandes inovadores da prosa catalã. A sua obra centra-se na idealização da natureza, que descreve meticulosamente com toda uma série de recursos estilísticos, povoada por personagens tratadas simbolicamente e submetidas a uma visão fatalista do mundo, onde o sonho e a imaginação assumem especial relevância, com uma linguagem dialectal, expressiva, sensual, rica em imagens. Sua principal obra no período modernista foi Marines i boscatges (1903), publicada na revista Joventut, que traz influências de Poe, Hoffmann e Erckmann-Chatrian, além de Homero, Dante e Shakespeare. É uma coleção de histórias ambientadas no campo ou no mar, que se destaca pelo vigor descritivo e pelos estudos psicológicos dos personagens.[646].
Outros expoentes foram: Enric de Fuentes, romancista, poeta e colaborador em vários jornais e revistas, escreveu os romances psicológicos Tristors (1904), Il·lusions (1905) e Romàntics d'ara (1906);[647] Jaume Massó, narrador, poeta e editor, autor do drama lírico La fada (1897, musicado por Enric Morera) e os romances Desil·lusió (1904) (1903), Quan es fa nosa (1904), Revolta (1906) e La vida i la mort d'en Jordi Fraginals (1912), considerado o melhor romance com aspecto individualista do modernismo; Miguel Servet* (1909) decadentista – e Ildaribal (1915), sua melhor obra, de temática histórica e tom existencial;[653] e Josep Maria Folch i Torres, narrador, dramaturgo e poeta, autor de Lària (1904), drama rural ao estilo de Víctor Català, além de Sobirania (1907), Aigua avall (1907), Joan Endal (1909) e L'ànima en camí (1911), para posteriormente se dedicar à literatura infantil.[654].
L'oda infinita
Poesies
L'Avenç
Diario de Barcelona
Paternal
Excelsior
Estrofes decadentistes
Visions i Cants
El conde Arnau
Na virada do século, Maragall mudou-se para a ala direita do catalãnismo, apresentando-se como um respeitável burguês católico e homem de família. Nestes anos consolidou a sua teoria literária da "palavra viva" (Elogi de la Paraula, discurso na sua tomada de posse como presidente do Ateneu de Barcelona, 1903), pela qual as palavras do poeta significam a Beleza da Natureza, originadora da emoção estética; O poeta é um médium e a palavra é o seu veículo de expressão, sendo a palavra popular a mais “viva”, a que mais transmite emoção. Ampliou esta teoria em Elogio da Poesia (1909), onde acrescentou à poesia um âmbito religioso e moralizante, integrando num todo Poesia, Arte, Beleza e Vida. Ele expressou esse credo em sua coleção de poemas Enllà (1906), impressões do poeta sobre paisagens naturais, nas quais mostra a influência do poeta alemão Novalis —especialmente na segunda parte de El conde Arnau—, bem como novamente de Goethe —em Nausica—. Sua última grande obra foi Seqüències (1911), que inclui seu Canto Espiritual, onde exalta a atitude contemplativa do poeta, que tenta eternizar o "belo momento"; bem como a terceira parte de El conde Arnau, na qual se mostra mais uma vez como um defensor vitalista da individualidade redentora.[659].
Da infinidade de poetas desta época merecem destaque: José Pijoán, poeta e ensaísta, autor de El cançoner (1905), uma compilação de poemas de base tradicional;[660] Magín Morera, poeta em espanhol e catalão, com certa influência maragalliana e temática de base mitológica, entre suas obras destaca-se a compilação Hores lluminoses (1910);[661] Jeroni Zanné, poeta de raízes simbolistas, defensor da ideia wagneriana de arte total e também influenciado por Goethe, Leconte de Lisle e José María de Heredia, cuja carreira inclui a obra Poesies (1908), embora posteriormente tenha evoluído para uma linha mais classicista;[662] Lluís Via, poeta, narrador e dramaturgo, seguiu uma linha vitalista e espontânea de influência maragalliana, como se vê em Esteles (1907), Del cor als llavis (1910), Poesies (1913), Collita (1916) e A mitja veu (1920); Anyoranses (1902), Aplec de contes (1906) e Poema del Bosc (1910);[664] Emili Guanyavents, que combinou influências simbolistas e parnasianas e autores como Mestres, Bécquer, Campoamor e Maeterlinck, em obras como Alades (1897) e Voliaines (1903);[665] Salvador Albert, dramaturgo, ensaísta e poeta de filiação Maragallian, autor de Florida de tardor (1918), Confins (1921) e Òpals (1924);[666] Francesc Pujols, poeta, romancista e dramaturgo, também de influência Maragallian, reuniu seus poemas em Llibre que conté os poemas de Francesc Pujols (1904);[667] Joan Maria Guasch i Miró, igualmente maragaliana em suas canções sobre a natureza, como Joventut (1900), Pirinenques (1910) e Ofrena (1912);[668] Josep Lleonart, poeta, romancista e dramaturgo, sobrinho de Joan Maragall, aspecto herdeiro do romantismo alemão - especialmente Goethe - (Elegies germàniques, 1910) e outra influenciada por seu tio (La merla i altres cants, 1914);[669] Joan Llongueras, poetisa e compositora, evoluiu do Maragallianismo (Lluminoses, 1906; L'estiu al cor, 1928) para a poesia religiosa;[670] Rafael Nogueras, poeta, romancista e dramaturgo, autor de Les tenebroses (1905), um compêndio de poemas de tom coloquial e mensagem moralizante e anarquizante, considerado vanguardista pelos seus efeitos tipográficos;[671] Guillem Tell, poeta de raízes simbolistas e decadentes, com uma artificialidade oposta ao espontaneísmo maragalliano, participou nos Jogos Florais entre 1894 e 1900, ano em que deixou a poesia para se dedicar à profissão de notário;[672] Joan Oliva Bridgman, poeta de tom vitalista influenciado por Apeles Mestres, amigo de Picasso, que ilustrou alguns de seus poemas, entre suas obras estão Brometes, corrandes i altres poesies (1899) e Jovenesa (1906);[673] Antoni Isern, seguidor do esponatenismo maragalliano, como em Sentimentos (1899);
Por último, vale a pena mencionar dois poetas maiorquinos que tiveram grande influência na literatura catalã: Miguel Costa y Llobera e Joan Alcover. A escola maiorquina "Escola de Maiorca (movimento literário)") promoveu um estilo clássico e sereno, com raízes na mitologia insular e na retórica latina, com o desejo de criar um novo quadro estético e ideológico para a poesia, baseado numa linguagem subtil e refinada. Costa y Llobera notou a influência de autores como Victor Hugo, Lamartine, Leconte de Lisle e Giosuè Carducci. Ordenado sacerdote, combinou suas crenças com um mundo pessoal dedicado à cultura selecionada e refinada, desenvolvendo uma poesia racional de perfeição formal, captada em Poesies (1885), De l'agre de la terra (1897), Tradicions i fantasias (1903) e Horacians (1906). Por sua vez, Alcover trabalhou como advogado e cultivou a poesia como hobby, primeiro em espanhol, com um estilo semelhante ao Romantismo, antes de se mudar para o catalão na virada do século. Sua teoria poética é baseada na clareza, na realidade e na sinceridade, com um tom intimista que revela a dor da perda de quatro de seus filhos, além de uma visão idealizada da natureza. Sua maior obra foi Cap al tard (1909).[676] Outros membros mais jovens da escola maiorquina foram Gabriel Alomar e Miguel de los Santos Oliver. A primeira cultivou uma poesia de raízes simbolistas e parnasianas, com influência de Carducci e D'Annunzio, bem como uma influência wagneriana na busca pela musicalidade (A coluna de foc, 1911).[677] Oliver foi poeta, narrador e ensaísta, radicado em Barcelona em 1904, onde se aproximou do catalanismo, com uma poesia herdada do floralismo lúdico da Renaixença com contribuições modernistas, geralmente em forma de romance "Romance (poesia)") ou de balada (Poesias, 1910).[678].
L'alegria que passa
El jardíabanat
Cigales i formigues
Els Jocs Florals de Canprosa
El pati blau
L'Hèroe
El mistic
La bona gent
L'Auca del senyor Esteve
La llei de l'herència
O pintor dos milagres
L'homenatge
La intel·lectual
El despatriat
La casa de l'art
O principal representante da linha naturalista foi Ignasi Iglesias. Esta corrente centrou-se nos conflitos sociais, tomando como ponto de partida o drama das ideias ibseniano.[685] Iglesias focou-se em obras onde o indivíduo está imerso numa sociedade de classes imóvel, com um tom sentimental que o distancia de um naturalismo puro ao estilo Zoliano, que era a sua intenção inicial. Sua primeira obra foi o drama L'argolla (1894), que já mostra a influência ibseniana. Seguiram-se obras dramáticas com fundo amoroso, como Fructidor (1897), Els conscients (1898) e L'alosa (1899), que lhe deram popularidade. Suas obras mais comprometidas socialmente foram El cor del poble (1902), Els vells (1903) e Les garses (1905), focadas nos conflitos operários. Na década de 1910 ele mudou para a comédia de costumes e poemas dramáticos, o que lhe causou uma perda de popularidade.
Outro membro proeminente do teatro modernista foi Adrián Gual, que foi dramaturgo e empresário, diretor de teatro, cenógrafo e ator, além de pintor e cineasta, fundador da companhia Teatre Íntim e diretor da Escola Catalã de Arte Dramática. Durante uma estadia em Paris entre 1900 e 1902 tomou contacto com a obra de dois realizadores vanguardistas, André Antoine e Paul Fort, o primeiro de estilo naturalista e fundador do Théâtre Libre e o segundo, de tom simbolista e criador do Théâtre d'Art. Estas duas tendências fundiram-se em Gual, juntamente com a influência da obra de Maeterlinck, produzindo uma obra com raízes simbolistas e um tom idealista e poético. A sua primeira obra relevante foi Nocturn, Andante morat (1896), onde pretendia uma obra de arte total de tipo wagneriano, reunindo poesia, música e pintura. Em 1898 inaugurou o seu Teatre Íntim com Silenci, um "drama mundano", ao qual se seguiu Blancaflor (1899), de carácter popular. Com Misteri de dolor (1902) afasta-se do simbolismo e mergulha nos costumes rurais, com o objetivo de aliar emoção e sobriedade. La fi de Tomàs Reynald (1904) foi a sua obra mais comercial, seguida pela comédia Els pobres menestrals (1906) e pelo drama poético Donzell qui cerca muller (1910). Mais tarde dedicou-se mais às suas atividades gerenciais e empresariais, bem como à tradução.[687].
Joan Puig i Ferreter foi um representante do modernismo "negro" e anarquista, com duas etapas em sua carreira teatral: na primeira mostrou a influência de autores russos e escandinavos, em dramas de paixão como The Merry Lady (1904), Arrels Mortes (1906), Aigües Enchanted (1908), The Lady in Love (1908), Drama d'humils (1909), O grande Aleix (1911) e La dolça Agnès (1914). No segundo optou pela comédia, um tanto afastada do modernismo.[688].
Josep Pous i Pagès aventurou-se no teatro com dois dramas ibsenianos (Sol ixent, 1902; El mestre nou, 1903), enquanto mais tarde cultivou numerosos géneros, como o drama rural (L'endemà de bodes, 1904), a comédia (Senyora àvia vol marit, 1912; Rei i senyor, 1918), o drama ideológico (Pàtria, 1914), a farsa (Sang blava, 1914) e a tragicomédia (Damià Rocabruna, el bandoler, 1917). Mais tarde, concentrou-se na comédia da alta burguesia: Flacs naixem, flacs vivim (1919), Papallones (1919), No tan sols de pa viu l'home (1919), Quan passando la tragèdia (1920), Tardania (1921), Primera volada (1921).[650].
Outros expoentes do teatro modernista foram: Juli Vallmitjana, autora de pequenas obras de tom tradicional e componente simbólica, ambientadas em locais baixos e frequentadas por ciganos, com uso frequente de gírias (Els oposats, 1906; Els jambus, 1910; Entre ciganos, 1911; Els zin-calós, 1911; La gitana verge, 1912) xinel·laprecio* (1918) e La Ventafocs (1920);[654] Joan Torrendell cultivou o teatro de ideias, com a influência de Ignasi Iglesias (Els encarrilats, 1901; Els dos esperits, 1902);[691] e Pere Cavallé, representante da linha vitalista (Aubada i posta, 1905; A terra, 1918; Els germans Ferrerons, 1918).[692].
Dentro das artes cênicas, a cenografia teve um grande boom, marcada como não poderia ser de outra forma pelo decorativoismo modernista, sendo notáveis os nomes de Francesc Soler Rovirosa, Mauricio Vilomara e Salvador Alarma. O primeiro estudou na Escola de La Lonja e em Paris, onde trabalhou alguns anos na oficina de Charles-Antoine Cambon. Foi o grande inovador da cenografia catalã, sobretudo a nível técnico, introduzindo o conceito de espaço nos cenários, embora em termos de estilo tenha sido mais um herdeiro do realismo. Fez vários cenários para o Gran Teatro del Liceo (Tristán e Isolde "Tristán e Isolde (ópera)"), 1899).[693] Seu discípulo foi Vilomara, que iniciou sua carreira artística como pintor, mas mudou para a cenografia após assistir aos grandes espetáculos do Liceo, onde criaria cenários como os de Lohengrin (1909). Trabalhou em vários teatros de Barcelona e Madrid, com um estilo que se destacava pela composição e técnica de desenho.[694] Alarma pertencia a uma família de decoradores murais e formou-se em La Lonja e em Paris, onde – como Soler – trabalhou na oficina Cambon. Em 1889 associou-se ao tio Miquel Moragas, fundando a empresa Alarma i Moragas. Trabalhou em Barcelona, Madrid, Buenos Aires e Havana, obtendo grande sucesso, com um estilo que se destacava pela cor e luminosidade. Algumas de suas melhores obras foram para o Gran Teatro del Liceo. Também colaborou com os espetáculos organizados por Luis Graner na Sala Mercè e decorou espaços comerciais, como o salão de dança La Paloma (1903) e o Cine Doré (1910). Foi diretor da seção de cenografia do Instituto de Teatro de Barcelona.[695].
The Magic Opal
Henry Clifford "Henry Clifford (ópera)")
Pepita Jiménez "Pepita Jiménez (ópera)")
Merlin "Merlín (Albéniz)")
María del Carmen "María del Carmen (ópera)")
Goyescas "Goyescas (ópera)")
Outros expoentes foram: Enric Morera, que começou na ópera com La fada (1897), no estilo wagneriano. Em 1906 estreou duas obras no Liceo de Barcelona, Bruniselda e Emporium, às quais se seguiram Titaina (1912) e Tassarba (1916). Maruxa (1914) e Balada de Carnaval (1919).[730] Jaime Pahissa escreveu diversas óperas em catalão, como Gal·la Placídia (1913), La morisca (1919), Marianela (1923) e Princess Margarida (1928).[731] Vale citar também Joan Lamote. de Grignon (Hesperia, 1907)[732] e Juan Manén (Giovanna di Napoli, 1903; Acté, 1904).[733].
Neste século, a zarzuela ressurgiu novamente, recuperada pelo novo gosto romântico e pelo ressurgimento nacionalista. Na Catalunha era às vezes chamado de teatre líric català ("teatro lírico catalão"),[734] nome também de uma companhia fundada por Enric Morera que apresentou treze peças no teatro Tívoli em 1901, mas que não obteve o sucesso esperado.[735] Desenvolveu-se especialmente no terceiro quartel do século, época do "grande gênero", obras em três atos influenciados por buf parisiense. Francês.[736] No final do século, estava mais na moda o "gênero pequeno", obras de um ato, com mais recitativos, com certa influência da opereta vienense.[736] Nesta área, vale destacar Amadeo Vives, autor de La balada de la luz (1900), Bohemios (1903) e Doña Francisquita (1923),[730] bem como Enrique Granados, autor de quatro obras com texto de Apeles Mestres (Picarol, 1901; Follet, 1903; Gaziel, 1908; Liliana, 1911).[728] Enric Morera compôs zarzuelas em espanhol (El Tío Juan, 1902; La canción del náufrago, 1903) e catalão (L'alegria que passa, 1899; Els primers freds, 1901; El comte Arnau, 1904; La Santa Espina, 1907; Nit de Reis, 1907).[729] Outros expoentes foram: Isaac Albéniz (San Antonio). de la Florida, 1894),[727] Jaime Pahissa (O prisioneiro de Lleida, 1906),[734] Urbano Fando Rais (Lo somni de la innocència, 1895),[737] Juan B. Lambert (Donzella qui va a la guerra, 1906, com José Sancho Marraco; El foc de Sant Joan, 1907),[738] Joan Gay (El llop pastor, 1901;