Eras e estilos pictóricos
Pré-história, Idade Antiga e Idade Média
Desde a descoberta das cavernas de Altamira, teorizou-se sobre a pintura rupestre pré-histórica e suas características cromáticas, que foram preservadas apenas nos casos em que os pigmentos utilizados eram estáveis (principalmente minerais, como o ocre). Estilisticamente, a diferenciação foi estabelecida entre a escola franco-cantábrica, cujas representações são policromadas e realistas, e a escola levantina posterior, cujas representações são monocromáticas e esquematizadas.
;Pintura antiga.
O bicromatismo da cerâmica grega foi obtido pela oposição entre a cor da argila e a do verniz (cerâmica de figuras vermelhas e cerâmica de figuras negras). A pintura grega também utilizou a policromia, mas as suas obras (citadas em testemunhos literários e copiadas na época romana) perderam-se. Mesmo assim, especula-se sobre suas características cromáticas:
Embora esta seja a opinião da maioria dos autores, alguns acreditam que a misteriosa pictura compendiaria mencionada por Petrônio (Satyricon 2, 9) e Plínio (Naturalis Historia, 35, 10, 36) alude a alguma forma abreviada de desenho, o que deixaria os modelos sugeridos ou esboçados.[27].
A verdade é que a opinião de Plínio, característica da busca romana pela virtude na sobriedade e nos costumes tradicionais, era que a pintura dos gregos, para ele já antiga e digna de elogios, usava poucas cores, ou pelo menos poucos pigmentos, enquanto no seu tempo, a riqueza excessiva dos romanos os levava ao abuso; de forma semelhante à forma como os moralistas denunciaram a corrupção dos costumes:
;Pintura cristã primitiva e bizantina.
Pintura paleo-cristã") e sua sucessora, a bizantina, determinaram a trajetória da pintura medieval tanto nos aspectos iconográficos e no simbolismo da cor (manto da Virgem, túnica de Cristo), como nas técnicas (ilustração de manuscritos, afresco, mosaico e têmpera sobre painel) e nos pigmentos preferidos, que vinham da Antiguidade e tinham um preço muito elevado: o ouro pelo amarelo (o outro metal precioso, a prata, de valor cromático muito diferente, tinha menor utilização -Codex Argenteus-), roxo (aquele reservado aos imperadores romanos e príncipes da igreja) para o vermelho, embora hoje o consideremos um tom intermediário entre o azul e o vermelho ("o roxo era considerado uma espécie de vermelho... o pigmento vermelho medieval sinopia também era conhecido como pórfiro"), o nome grego para roxo";... uma tonalidade vermelho escuro ou carmim... muitas vezes está relacionado ao sangue. Plínio diz que “a cor tíria [os fenícios -phoínikes- eram batizados pelos gregos com o mesmo nome da tintura e do molusco que a produziu] é mais apreciada quando tem a cor do sangue coagulado, escura sob a luz refletida e brilhante sob a luz transmitida”. No século, o imperador Ulpiano definiu todos os materiais vermelhos como roxos, exceto aqueles coloridos com corantes coccus ou carmim)[5] e lápis-lazúli (azul ultramarino) para o azul. Outros, introduzidos em épocas diferentes e com preços variáveis consoante a disponibilidade, foram, para o vermelho, o vermelhão ("o melhor pigmento vermelho dos pintores medievais"), o vermelho chumbo, as lacas de alizarina, o carmim; para amarelo, amarelo indiano, gutagamba, amarelo Nápoles, orpimento, amarelo chumbo-estanho")[33] ("o amarelo dos Velhos Mestres"); e para azul (aquele que tinha piores alternativas), índigo, esmalte"),[34] malaquita e azurita.[5].
;Pintura pré-românica, românica e gótica.
século 15
Ao mesmo tempo que se desenvolvia o chamado “Gótico Internacional” por toda a Europa, o Renascimento italiano definiu-se no Quattrocento pela descoberta teórica da perspectiva geométrica enquanto os primitivos flamengos faziam a descoberta artesanal da pintura a óleo, com todos os ganhos que isso permitia, além do detalhe e do rigor (a pasta é mais fluida e seca muito mais lentamente que qualquer outra técnica, permitindo inúmeros retoques), nas nuances cromáticas (maior brilho e possibilidade de vidrados, embora na época o a limitação dos pigmentos disponíveis limitou-os aos azuis, vermelhos e verdes).[43] Aquisições (como a do Tríptico de Portinari) e viagens de artistas (como a de Roger van der Weyden) permitiram o intercâmbio frutífero entre os dois núcleos artísticos. O gosto pela cor tornou-se uma característica distintiva da escola veneziana, beneficiada pela sua localização no maior mercado de produtos exóticos (como os pigmentos) e pelo inconveniente que a humidade permanente da lagoa representava para a pintura a fresco (técnica preferida pela escola florentina-romana).[44][5].
A paleta de cores "Palette (paint)") parece não ter sido utilizada na Antiguidade ou na Idade Média: as cores eram preparadas em pequenos tanques, cujo número varia entre a meia dúzia que aparece num texto inglês do século até às dez ou onze que aparecem numa cena flamenga do século onde está representada a vida de Zeuxis. Boccaccio (De claris mulieribus) descreve uma nas mãos de uma pintora, e dois manuscritos da Borgonha do século apresentam ilustrações com o que parece ser uma paleta nas mãos de duas pintoras, curiosamente também mulheres. Em São Lucas pintando a Virgem[45] de Niklaus Manuel Deutsch (que se sabe ter usado mais de vinte pigmentos diferentes), aparece uma paleta nas mãos do pintor e outra maior que está sendo preparada por seu assistente. Vasari analisa o uso das paletas de Lorenzo di Credi, colega de Leonardo na oficina de Verrocchio, indicando que ele fez um grande número de misturas, graduando-as das mais claras às mais escuras con troppo e veramente soverchio ordine, chegando a ter trinta misturas em sua paleta, para cada uma das quais utilizou um pincel diferente. Testemunhos da época mostram que foram feitos esforços para organizar as cores de forma que houvesse a maior separação possível entre o preto e o branco, e que as misturas geralmente eram feitas antes de serem colocadas na paleta. Paletas tonais com cores preparadas são típicas dos séculos e .[46].
século 16
“A cor de Ticiano, o desenho de Michelangelo”, proclamou Tintoretto como seu ideal pictórico.[49] No entanto, o mestre florentino-romano sempre foi considerado um grande colorista e não apenas “um escultor que pinta”; Se alguma dúvida permanecesse, ela foi esclarecida com as recentes restaurações dos afrescos da Capela Sistina, que resgataram a força das cores originais.
século 17
;Velázquez e Rembrandt, "sobriedade cromática"[5].
Séculos 18, 19 e 20
As inovações técnicas passaram gradativamente a ser utilizadas pelos pintores com aplicações em pigmentos, ligantes ou sua aplicação (redescoberta da encáustica, invenção dos tons pastéis e do lápis - que demoraram a substituir os tradicionais carvão e sanguíneo); mas o predomínio do academicismo na formação e no enquadramento profissional dos pintores fez com que em geral a cor desse lugar ao desenho, existindo mesmo uma procura consciente do “enobrecimento” da pintura com camadas homogeneizadoras de verniz que suavizavam as cores vivas para tons de mel ou madeira. O Rococó é definido como uma arte de espaços privados) ou restringindo-se ao gosto dos próprios artistas, cada vez mais conscientes da sua própria individualidade, que chegaram ao ponto de reivindicar o seu estatuto de "rejeitados" (maldição, Salon des Refusés) e à procura de escândalo (épater le burguesa). A procura de espaços levou ao abandono da oficina como único local de trabalho para procurar a liberdade de criação ao ar livre, perante os modelos da natureza (plen air), o que acabou por produzir transformações decisivas na concepção das cores e da luz.
;A "arma" de Constable e Turner.
Uma anedota que colocou dois concorrentes um contra o outro na exposição anual realizada pela Royal Academy em 1832 foi muito significativa; e que permitiu fazer os retoques finais com as pinturas já penduradas, nos chamados “tempos do verniz”. John Constable, reclamando da audácia de J. M. W. Turner, que havia acrescentado uma impressionante pincelada de minium no meio de sua pintura, resumiu perfeitamente o impacto da nova imagem: [Vejo que] ele esteve aqui, [porque] disparou sua arma.[54] Também significativos são os efeitos de amortecimento da cor que o costume de envernizar tinha, e que além da preservação da tinta visavam o seu “enobrecimento”.
;Goya, cores entre duas épocas.
Tal como outro pintor espanhol decisivo para a arte contemporânea (Picasso, cujos primeiros períodos são nomeados pelas cores -rosa, azul-), as fases da obra de Goya contrapõem-se num marcado contraste cromático: o período em que pintou cartoons para tapeçarias é em tons alegres que se relacionam com o Rococó (quando o jovem pintor protagoniza uma brilhante ascensão profissional e social); na época em que pintou as Pinturas Negras é de tons sombrios que prefiguram estilos muito posteriores até mesmo ao Romantismo (quando está atolado na desesperança pessoal e coletiva - somam-se à sua surdez as catástrofes históricas espanholas, que não são remediadas, mas continuam após a Guerra da Independência-).
;Pintura impressionista, pós-impressionista e vanguardista.
O nome escolhido em 1911 para se referir a um grupo de pintores expressionistas alemães (Der Blaue Reiter “o cavaleiro azul”) foi significativo tanto pela importância dada à cor como pela sua desconexão com a aparência dos objetos representados.
Pinturas de outras civilizações além da ocidental
A partir do huaniao hua") ("pintura de flores e insetos")", desde o século na China),[58] outros tipos de pintura foram desenvolvidos, como o mococromo shuǐ mò huà ou sumi-e ("tinta lavada", tanto na China como no Japão e outros países do Extremo Oriente), que usava a mesma tinta preta da caligrafia chinesa ou japonesa e era considerada uma ocupação de shì dàfū") ("aprendeu funcionários")")[59] e intelectuais.
Na cerâmica pré-colombiana “a técnica mais comum era a pigmentação com cores avermelhadas, marrons, brancas e pretas; de origem vegetal ou mineral, sobre o fundo natural da argila, fixada com pincel e muitas vezes pelo procedimento negativo, em que o corpo do vaso era previamente coberto com resinas ou ceras, para depois limpar e revelar as partes que deviam ser impregnadas com tinta, após o englobe, que era o banho de cor uniforme ao qual o objeto era submetido”. a pintura mural da Mesoamérica: “A cor foi o principal recurso decorativo das artes e arquitetura maia, que desde o período pré-clássico médio” (ca. 900-300 a.C.) começou a exibir fachadas bicromáticas e até policromadas, que pouco depois começaram a ser combinadas com iconografia pintada de alta complexidade.
O chamado azul maia e o verde maia são dois pigmentos obtidos artificialmente, com uma base inorgânica (argilas como a atapulgita ou a saponita) sobre a qual se fixa permanentemente um pigmento orgânico (vegetais, como a seiva das árvores ou a planta índigo), alcançando extraordinária resistência às intempéries e ao ataque ácido.
Os afrescos de Teotihuacán foram feitos sobre uma fina camada de estuque. Os pigmentos eram minerais triturados e o aglutinante era limo de cacto. Os temas mais frequentes eram animais sagrados e cenas de culto, como a realização de ritos de fertilidade pelos governantes.[67].