Artes decorativas são todas as atividades relacionadas à arte ou ao artesanato que visam a produção de objetos com finalidade utilitária e ornamental. Geralmente são obras realizadas com elaboração industrial ou artesanal, mas que buscam uma determinada finalidade estética. O conceito é sinônimo das chamadas artes aplicadas ou artes industriais, às vezes também chamadas de artes menores em oposição às artes principais ou artes plásticas. Em certo sentido, artes decorativas é um termo aplicado preferencialmente às artes industriais, bem como à pintura e à escultura, quando o seu objetivo não é gerar uma obra única e diferenciada, mas sim buscar uma finalidade decorativa e ornamental, com produção geralmente seriada.[1].
As artes decorativas incluem procedimentos e técnicas como a cerâmica, o mosaico, a marcenaria, a ourivesaria, a glíptica, a esmaltação, a incrustação, a serralharia, os têxteis, os estofos, a corioplastia ou a vidraria. Abrange também muitas vezes as artes gráficas (gravura) e a miniatura, bem como algumas obras de arquitetura, pintura e escultura destinadas à ornamentação e concebidas em série, e não como obras individuais.[2].
As artes decorativas estiveram presentes em maior ou menor grau em todos os períodos da história da arte em geral, isoladamente ou em conjunto com outras artes, especialmente a arquitetura. Em muitos casos marcaram de forma decisiva algum período histórico, como a arte bizantina, islâmica ou gótica, de tal forma que não seria possível valorizá-la adequadamente sem a presença deste tipo de realizações. Noutros casos, especialmente o das culturas nómadas, é o único tipo de criação artística realizada por estes povos, como é o caso dos citas ou dos povos germânicos que invadiram o Império Romano. Em muitas culturas, as artes decorativas tiveram um estatuto semelhante ao das restantes artes, como é o caso da cerâmica grega ou da laca chinesa. Vale também a pena valorizar a estreita relação entre as artes decorativas e a cultura popular, que muitas vezes teve neste meio o seu principal meio de expressão.[3].
Conceito
Contenido
Este tipo de técnicas entra dentro del concepto de arte (del latín ars, , y este del griego τέχνη ),[4] una manifestación creativa del ser humano entendida generalmente como cualquier actividad o producto realizado con una finalidad estética y comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, a través de diversos recursos y materiales. El arte es un componente de la cultura, que refleja en su concepción los sustratos económicos y sociales, así como la transmisión de ideas y valores inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo.[5].
Avaliação de escultura ornamental
Introdução
Em geral
Artes decorativas são todas as atividades relacionadas à arte ou ao artesanato que visam a produção de objetos com finalidade utilitária e ornamental. Geralmente são obras realizadas com elaboração industrial ou artesanal, mas que buscam uma determinada finalidade estética. O conceito é sinônimo das chamadas artes aplicadas ou artes industriais, às vezes também chamadas de artes menores em oposição às artes principais ou artes plásticas. Em certo sentido, artes decorativas é um termo aplicado preferencialmente às artes industriais, bem como à pintura e à escultura, quando o seu objetivo não é gerar uma obra única e diferenciada, mas sim buscar uma finalidade decorativa e ornamental, com produção geralmente seriada.[1].
As artes decorativas incluem procedimentos e técnicas como a cerâmica, o mosaico, a marcenaria, a ourivesaria, a glíptica, a esmaltação, a incrustação, a serralharia, os têxteis, os estofos, a corioplastia ou a vidraria. Abrange também muitas vezes as artes gráficas (gravura) e a miniatura, bem como algumas obras de arquitetura, pintura e escultura destinadas à ornamentação e concebidas em série, e não como obras individuais.[2].
As artes decorativas estiveram presentes em maior ou menor grau em todos os períodos da história da arte em geral, isoladamente ou em conjunto com outras artes, especialmente a arquitetura. Em muitos casos marcaram de forma decisiva algum período histórico, como a arte bizantina, islâmica ou gótica, de tal forma que não seria possível valorizá-la adequadamente sem a presença deste tipo de realizações. Noutros casos, especialmente o das culturas nómadas, é o único tipo de criação artística realizada por estes povos, como é o caso dos citas ou dos povos germânicos que invadiram o Império Romano. Em muitas culturas, as artes decorativas tiveram um estatuto semelhante ao das restantes artes, como é o caso da cerâmica grega ou da laca chinesa. Vale também a pena valorizar a estreita relação entre as artes decorativas e a cultura popular, que muitas vezes teve neste meio o seu principal meio de expressão.[3].
Conceito
artis
téchnē
La clasificación del arte ha tenido una evolución paralela al concepto mismo de arte: durante la antigüedad clásica se consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza, de tipo racional y sujeta a reglas, por lo que entraban en esa denominación tanto las actuales bellas artes como la artesanía y las ciencias.[6] En el siglo Galeno dividió el arte en artes liberales y artes vulgares, según si tenían un origen intelectual o manual. En el Renacimiento empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades que requerían no solo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades.[7] En 1746, Charles Batteux estableció en Las bellas artes reducidas a un único principio la concepción actual de bellas artes, donde incluyó la pintura, la escultura, la música, la poesía y la danza, mientras que mantuvo el término «artes mecánicas» para el resto de actividades artísticas, y señaló como actividades entre ambas categorías la arquitectura. Con el tiempo esta lista sufrió variaciones y, a fecha de hoy, no está del todo cerrada, pero en general sentó una base comúnmente aceptada.[8].
Los términos «artes decorativas», «artes aplicadas», «artes industriales» o «artes menores» surgieron por oposición a las «bellas artes» o «artes mayores», aunque a menudo la frontera no está del todo clara.[9] En general, dentro de las artes plásticas la función decorativa se considera secundaria: así, si la pintura tiene por sí sola una autonomía como obra de arte, en su aplicación a un objeto pierde esa singularidad para cumplir una función subordinada, la de embellecer ese objeto. Si la pintura puede representar una visión del mundo en la libertad conceptual del artista, la pintura decorativa se moverá en un círculo cerrado de temas y motivos.[10].
Probablemente la separación entre artes mayores y menores vino de la distinción por parte de la crítica de arte de lo «bello» y lo «útil»: a lo primero se le concedió una categoría más elevada, pues parecía dirigirse más directamente al intelecto y/o el espíritu, mientras que lo segundo tenía una finalidad más práctica y mundana. Esta distinción no dejaba de ser subjetiva, puesto que una actividad como la arquitectura, englobada en las artes mayores, es ciertamente útil, mientras que muchas artes menores, aun siendo útiles, pueden ser bellas.[11].
Aunque las artes decorativas eran consideradas como un arte menor, desde el siglo adquirieron cierta autonomía y, desde entonces, se empezó a valorar más su aspecto estético frente al utilitario y numerosas de sus producciones fueron valoradas como obras de arte con una singularidad propia.[10] Sin embargo, las artes decorativas aplicadas a la industria —más propiamente llamadas hoy día «artes industriales»— se fueron separando de este concepto, por cuanto en este tipo de objetos la decoración es por lo general algo secundario; así, la estética funcionalista tendió a valorar más los objetos por su utilidad, rechazando una decoración a menudo sobreañadida.[10].
El término «artes decorativas» se forjó en el tercer tercio del siglo , principalmente como sustitución del término «artes menores», que resultaba peyorativo.[12] En la génesis de las artes decorativas o industriales están indefectiblemente unidos la practicidad y la estética. Así, la producción de objetos englobados en este término debe tener en cuenta la finalidad del producto (enseres, vestidos, utensilios, mobiliario) tanto como su aspecto formal. Así, no entrarían en esta categoría un objeto utilitario que sea posteriormente decorado o, por el contrario, otro de aspecto artístico que no cumpla una función práctica.[13] Pese a todo, a menudo se han considerado artes decorativas productos con una simple función ornamental, pero producidos en serie, con lo que se alejarían del concepto de obra única del arte con mayúsculas.[14].
Un factor decisivo en la nueva concienciación de las artes decorativas fue la publicación entre 1860 y 1863 del libro Der Stil in den technischen und tectonischen künsten der praktische Aestetik, de Gottfried Semper, donde prestaba una especial atención a las artes decorativas dentro de la historia del arte. Esta obra influyó en el historiador formalista Alois Riegl, quien en sus análisis de la historia del arte en función del estilo incluyó igualmente las artes decorativas. Para Riegl, quien fue conservador del Museo de Artes Decorativas de Viena, las técnicas usadas en la producción artística marcaban la evolución de las formas artísticas.[15].
Terminologia
Ao longo da história, numerosos termos mais ou menos sinónimos foram aplicados às artes relacionadas com a decoração, que, embora possam apresentar algumas diferenças de nuances, geralmente expressam o mesmo conceito:
• - Artes decorativas: o termo afeta a finalidade decorativa deste tipo de artes, uma vez que sua finalidade é ornamentar um espaço específico, por isso são consideradas especialmente ligadas à arquitetura. Em geral, é considerado o termo mais adequado e que confere maior dignidade. Prova disso é que a maioria dos museus dedicados a este tipo de obras são habitualmente designados por Museus de Artes Decorativas.[16].
• - Artes menores: surgiu em confronto com a ideia de grandes artes ou artes plásticas (arquitetura, escultura e pintura), embora seja pejorativa e marque fronteiras que não são reais, pois a pintura e a escultura podem ser consideradas em certos casos como artes decorativas.[17].
• - Artes úteis ou utilitárias: este termo coloca ênfase no aspecto prático deste tipo de realização, que subvaloriza a sua componente estética, ao mesmo tempo que se poderia discutir se a utilidade de algumas artes plásticas como a arquitectura as rebaixaria a este nível.[18].
• - Artes funcionais: de forma semelhante ao anterior, enfatiza-se o aspecto funcional destas obras, o que suscita um debate semelhante, ao qual pode ser acrescentado caso as grandes artes não tenham também uma função.[19].
• - Artes aplicadas: este termo provém da relação entre este tipo de disciplinas artísticas e a sua produção artesanal ou industrial, uma vez que geralmente são criadas através de diversas técnicas e procedimentos especializados que requerem formação profissional ou semiprofissional. Assim, a maioria das escolas onde esses ofícios são aprendidos são geralmente chamadas de Escolas de Artes Aplicadas (ou Ofícios Artísticos).[20].
• - Artes auxiliares: o aspecto secundário deste tipo de disciplinas é aqui enfatizado porque suas produções se destinam a decorar obras “grandes”, preferencialmente espaços arquitetônicos. Novamente, é um termo pejorativo e não abrange todas essas conquistas, que em muitos casos podem ter autonomia própria.[16].
• - Artesanato, ofícios artísticos: este significado centra-se no aspecto produtivo dessas obras em termos do profissionalismo de seus artesãos, na consideração de serem objetos feitos à mão, sem processo mecânico de fabricação. Muito deste conceito vem do movimento Arts and Crafts, que surgiu no Reino Unido no século XIX.[21].
• - Artes manuais: termo raramente utilizado em geral, afeta o artesanato desse tipo de trabalho, o que exclui em muitos casos sua produção mecânica.[21].
• - Artes industriais: ao contrário do anterior, aqui se expressa o processo de mecanização e produção fabril de muitas dessas obras, especialmente a partir da Revolução Industrial. Caberia discutir aqui se esse tipo de fabricação é feita em detrimento do processo criativo do artista ou simplesmente uma ferramenta que auxilia na sua realização. Talvez seja aplicável apenas às obras produzidas em série.[22].
• - Artes suntuárias: o termo suntuário significa “pertencente ou relacionado ao luxo”,[23] por isso é aplicado preferencialmente às artes decorativas feitas com materiais preciosos (ouro, prata, joias).
Fatores determinantes
Vários factores intervêm na génese das obras de arte decorativas. A primeira coisa a ter em conta é o seu criador e a sua consideração como artesão ou como artista. Deixando de lado o facto de muitos artistas (pintores, escultores) terem feito este tipo de trabalho como complemento da sua actividade principal, a maioria dos artesãos que trabalham nesta área o fazem como ofício, após alguns anos de aprendizagem numa oficina, guilda ou escola. Assim, em geral, são considerados artesãos, embora diversas nuances devam ser levadas em conta: Horst Waldemar Janson disse que um artista é um “criador” e um artesão um “fabricante”;[24] No entanto, muitos fabricantes também atuam como criadores quando fazem seus próprios desenhos ou introduzem novidades técnicas ou estilísticas em suas obras. Da mesma forma, muitos artistas fazem suas obras com base em técnicas ou estilos introduzidos por outros anteriormente, sem um exercício de inovação, apenas imitação - tal como a arte acadêmica tem sido muitas vezes censurada -[25] Mesmo assim, como regra geral, o criador de artes decorativas é limitado pelas regras, técnicas e materiais de seu ofício, dentro dos quais ele pode se mover com restrições.[26] Isso significa, segundo Dino Formaggio, que as obras de arte decorativas expressam uma certa "impessoalidade", desde a marca de quem as faz. não é perceptível na maioria dos casos, embora sejam fruto de uma certa “sociabilidade”, pois são produtos do trabalho coletivo derivado da tradição e do artesanato.[27].
Destes artesãos, costumam ser considerados três tipos (segundo René Huyghe): “artesãos tradicionais”, que praticam seu ofício com conhecimentos transmitidos de geração em geração - geralmente dentro da mesma família -, com inovações e contribuições individuais, mas dentro da mesma linha (isso inclui a maioria dos artesãos até o século); “artesãos”, aqueles que não provêm de uma tradição, mas exercem esta atividade de forma voluntária e com formação própria (geralmente já no século); e “artesãos performáticos”, que designariam aqueles trabalhadores que se limitam a exercer seu ofício, sem qualquer ato criativo.[28].
Outros elementos a ter em conta são:
• - Tipo de obras: um primeiro factor a ter em conta é a função e o destino da obra, seja ela religiosa ou secular, cultural ou popular, seja para uma casa, uma empresa, um palácio ou qualquer outro fim.[29].
• - Técnicas e materiais: cada disciplina artística possui determinadas técnicas e materiais de fabricação, que devem ser considerados no resultado final dependendo do objeto que se deseja criar. Muitos desses elementos são determinantes de uma época ou estilo específico, por isso auxiliam no seu estudo e classificação.[30].
• - Forma: a forma marca o ritmo dos volumes e proporções de um determinado espaço, principalmente em peças independentes. Por outro lado, a forma expressa a função do objeto e as suas características temporais, pelo que é um reflexo do estilo e do quadro histórico e social em que foi criado.[31].
• - Sistema decorativo: estabelece o tipo de motivo ornamental de uma peça e a forma como esse motivo se enquadra na sua composição. Os três principais motivos ornamentais são: geométricos, epigráficos e naturalistas (vegetais, animais, humanos ou paisagísticos), que podem apresentar-se tanto isolados como combinados entre si. Dependendo de sua composição, são geradas diversas linguagens expressivas, como a naturalística, se for inspirada na realidade da natureza visível; ou o estilizado, se fizer uma reinterpretação subjetiva da realidade. Ainda dentro da composição deve-se levar em consideração se a ornamentação se limita a um determinado espaço da obra ou o cobre completamente (o chamado horror vacui). Dentro deste espaço, os motivos ornamentais podem ser feitos por repetição, por alternância, simetricamente ou por inversão.[32].
• - Cor e luz: no aspecto estético e formal da obra de arte decorativa, a cor e a luz são decisivas, influenciando a forma do objeto, o material e diversas qualidades como solidez, refração, transparência ou opacidade, reflexo, textura, relevo ou jogo de luz e sombras. Além disso, além das suas qualidades físicas, podem expressar um certo simbolismo, uma vez que as cores são frequentemente associadas a certos conceitos religiosos ou culturais, enquanto a luz é frequentemente associada à divindade e à revelação.[37].
• - Ritmo e equilíbrio: o objectivo das artes decorativas é a ornamentação de um espaço, o que geralmente se consegue com a conjugação de vários elementos. Portanto, um factor a ter em conta é a harmonia entre todas as peças de um determinado espaço, o equilíbrio global e o ritmo espacial em que estão confinadas. Esta harmonização de elementos expressa também conceitos inerentes a uma determinada época, como moda ou estilo, costumes ou pensamentos de uma sociedade.[38].
• - Relação espacial: a maioria das obras de arte decorativas (exceto as isentas) são projetadas para um determinado espaço, o que influencia a sua concepção e realização. Na avaliação deste tipo de obras deve-se considerar se estão ou não no local de origem; Uma destas obras expostas num museu pode ser valorizada pelas suas qualidades intrínsecas, mas ao perder a sua função original perde parte do seu significado.[39].
• - Economia, sociedade e moda: toda obra de arte é reflexo de um momento histórico e social específico, fator determinante na sua gênese produtiva. Na produção destes objectos, os factores económicos que determinam a sua produtividade, as condições sociais que determinam a sua função ou os aspectos de moda e estilo que determinam a sua forma e aparência podem ser decisivos. Estas condições externas juntam-se a outras condições internas, como a técnica, para determinar o processo de produção destas realizações.[40].
• - Influências entre as artes: as diferentes modalidades artísticas – maiores e menores – influenciam-se mutuamente, assim como os artistas. Estas influências são também transmitidas ao longo do tempo, o que se denota na sucessão de períodos de acentuado sotaque classicista com outros de gosto barroco. Geralmente, tem-se percebido mais a influência das artes maiores sobre as menores, mas por vezes também aconteceu o contrário, como a influência das artes decorativas islâmicas na escultura românica espanhola, da gravura na pintura barroca ou da decoração rococó na arquitetura do século na França e na Alemanha.
Classificação e técnicas
Como sistema de revestimento arquitetônico
• - Mosaico e incrustação: mosaico é a técnica de confecção de imagens através da incrustação de pedras duras, seja no chão ou na parede. Quando colocado como pavimento recebe o termo grego lithostroton: o revestimento é aplicado sobre cal, areia ou outros materiais como pedras, seixos, placas de mármore, etc. Existem vários tipos: opus lapilli, pequenos seixos de cores naturais, que por si só compõem o desenho; opus tessellatum, constituído por tesselas, peças quadradas de dois centímetros, com as quais é feita a composição, geralmente de tipo geométrico; opus vermiculatum, também feito com tesselas, mas com contornos diferentes, podendo assim formar vários layouts; opus sectile, formado por lajes de mármore de formato irregular. O mosaico propriamente dito, também denominado opus musivum, é a mesma técnica mas aplicada à decoração mural: é feito com azulejos de pasta vítrea, aplicados na parede preparada com várias camadas de argamassa "Argamassa (construção)"), criando figuras e desenhos. O inlay é uma técnica semelhante às anteriores, pode ser pavimentado ou parietal, ou ainda pode ser aplicado em móveis ou outros objetos. Consiste em embutir finas lajes de pedra colorida e mármore sobre uma superfície compacta, cortadas e encaixadas para formar diversas imagens ou composições. Também pode ser feito em madeira (intarsia), sendo uma técnica comum na marcenaria. Em Carpi, no século XIX, surgiu também uma incrustação de gesso. Outra variante é a incrustação de pedras duras.[42].
• - Vidraria: é realizada sobre cristais cravados em madeira, gesso, ouro ou chumbo, que são encaixados com folhas de chumbo, estanhando-as, com uma camada de massa (branca de pintor com óleo de linhaça). O vitral antigo possui grisaille, óxido férrico líquido, aplicado para desenhar pequenos detalhes com precisão; Por volta de 1340 foi substituído pelo óxido de prata e, a partir de então, o vidro colorido deixou de ser feito, passando a ser colorido sobre vidro branco. O processo de fabricação é faseado: fazer um esboço em papelão, cortar o vidro, pintar, cozer e unir com chumbo.[43].
• - Azulejo: o azulejo é um revestimento cerâmico esmaltado utilizado como revestimento de pisos e paredes. Tal como os tijolos esmaltados, tem a sua origem no Oriente Próximo. Na Espanha, no século XIX, surgiu a variante da telha, com três tipos: corda seca, bacia ou borda. Nesse mesmo século, na Itália, iniciou-se a produção de lajes de majólica, especialmente em Nápoles e Faenza, cujas composições pictóricas tiveram posteriormente grande sucesso em Espanha e Portugal, bem como no México e no Peru.
• - Estuque e gesso: o estuque é feito com pasta de cal (ou gesso branco), pó de mármore, areia lavada e caseína, em diferentes proporções dependendo da época e do local. Suas duas principais aplicações são como revestimento ou como decoração, com diferentes espessuras, geralmente mais compactas para o primeiro caso e mais finas e maleáveis para o segundo. Já o gesso é um sulfato hidratado de cal, que misturado à água forma uma pasta branca, que pode ser utilizada tanto para construção quanto para esculturas e relevos. A principal diferença entre os dois é que o gesso, por não possuir pó de mármore, é mais frágil e de qualidade inferior, embora seu valor decorativo seja semelhante.[45].
Como elemento polivalente de cobertura e compartimentação espacial
• - Carpintaria e marcenaria: as artes em madeira são utilizadas tanto como revestimentos na arquitetura (tetos em caixotões, portas, janelas, varandas, balaústres) – incluindo arquiteturas provisórias como capelardentes e retábulos – quanto em elementos transportáveis (móveis). As duas principais técnicas são a talha e o torneamento: a primeira é realizada com instrumentos cortantes como o buril - em alto, médio, baixo ou vazado relevo - ou em ornamentação incisa; a segunda envolve um processo de manipulação mecânica mais elaborado. Quanto à ornamentação, existem vários procedimentos: intársia, semelhante à incrustação mas em madeira; incrustação (ou marchetaria), uma espécie de incrustação mas mais superficial, feita com cola (nestes casos as peças acrescentadas podem ser de outro tipo de madeira ou outros materiais, predominantemente marfim, osso, madrepérola ou metal); folheado, que consiste em utilizar uma base de madeira grossa e sobrepor outra mais fina e de maior qualidade; lacagem, aplicação da técnica de lacagem em madeira; policromia, sobreposição de madeiras de cores diferentes para criar efeitos cromáticos; douramento, combinação de madeira e folha de ouro; esgrafito, combinação de douramento e policromia; pirografia, que consiste na queima de madeira com metal incandescente; decorado, madeira revestida com couro; e ensaiado, madeira forrada com tecido.[46].
• - Serralharia: o metal (ferro, cobre, bronze) pode ser utilizado sozinho ou banhado sobre madeira, geralmente em elementos de fecho como portas, grades e vedações. O bronze geralmente é fundido e despejado em moldes. O trabalho com o ferro (limonita, pirita ou magnetita) é chamado de forjamento: ele é reduzido com o calor, a partir do qual se produz uma pasta incandescente com a qual são feitos os lingotes. Existem três tipos: ferro fundido, com muito carbono, sílica, enxofre e manganês, não é adequado para forjamento, apenas para fundição em molde; o ferro macio ou forjado, com menos carbono, é mais maleável e dúctil, pode ser forjado, mas é macio e fosco; e o aço, com manganês, tungstênio, cobalto e tungstênio, é mais duro, para instrumentos de corte. A modelagem é feita sem adição ou remoção de material, mas existem várias técnicas alternativas: esticar, alargar, dividir, curvar, tensionar, etc.
• - Artes têxteis: manifestam-se principalmente na tecelagem e no bordado. Um tecido é um trabalho de tear composto por vários fios dispostos em trama "Trama (têxtil)") e urdidura. Os teares podem ser móveis (ou "backstrap") ou fixos (verticais ou horizontais). Dependendo da multiplicidade ou entrelaçamento dos fios, obtêm-se diferentes tipos de tecidos, como tafetá, sarja, cetim, seda, veludo, etc. Esses tecidos podem ser naturais ou estampados, aplicando-se corantes no tecido. Quanto às tipologias, as mais utilizadas nas artes decorativas são os tapetes e tapeçarias e, em menor proporção, as rendas. Bordado é um trabalho em relevo feito com agulha em tecidos já confeccionados.[48].
Artes decorativas isentas
• - Miniatura: é uma espécie de pequena pintura feita em papel, pergaminho ou pergaminho, embora possa ser feita em outros suportes. A técnica mais comum é a lavagem, pigmentos dissolvidos em água de goma ou outros ligantes (goma arábica, clara de ovo, mel). Seu suporte mais comum está em livros, geralmente ilustrações que acompanham o texto escrito.[51].
• - Gravura: é uma impressão obtida através de uma placa ou matriz. Existem diferentes técnicas:
Calcografia: gravação em cobre feita em oco, em diversas técnicas: água-forte "Etching (Técnica de Gravura)"), técnica de gravação que consiste em tratar as partes da placa metálica não protegidas por verniz com "água forte" (ácido nítrico diluído em água); água-tinta, técnica a partir de uma placa de metal revestida com resina, que uma vez aquecida adere à superfície da placa, desenhando posteriormente nesta superfície um tipo especial de tinta, chamada água-tinta; gravação a buril, é feita sobre placa de cobre, com buril, com o qual se delineia o desenho, preenchendo os sulcos com tinta; gravação em ponta seca, nesta técnica o ferro é trabalhado diretamente com ponta de aço, diamante ou rubi, sem recorrer a vernizes ou ácidos, o que resulta em linhas ásperas chamadas “rebarbas”, diferentes dependendo da pressão e do ângulo de incisão, que ao contrário do buril não corta o metal, mas sim o risca; gravura em meio tom (mezzotint), a chapa é trabalhada com raspador multipontas (rocker ou berceau), obtendo-se um grão uniforme através do cruzamento de linhas, distinguindo assim os tons claros dos escuros.
Xilogravura: gravura em madeira (geralmente cerejeira ou buxo), feita sobre desenho traçado na tábua de madeira e entalhada com faca, goiva, cinzel ou buril, esvaziando as brancas da madeira e deixando as pretas em relevo; Em seguida, é entintado com rolo e carimbado, manualmente ou em impressora.
Linogravura: técnica de gravação em relevo semelhante à xilogravura, mas utilizando linóleo em vez de madeira.
Litografia: é uma gravura em calcário, que se faz tratando a superfície com lápis gorduroso para delimitar o desenho e fazendo a gravura segundo dois procedimentos: banho com ácido, para corroer a parte não untada e deixar o desenho em relevo; ou aplicando dois tipos de tinta aquosa e gordurosa, a primeira fixando o fundo e a segunda cobrindo as linhas desenhadas a lápis. Foi inventado por Aloys Senefelder em 1796.
Serigrafia: técnica pela qual as estampas são obtidas filtrando as cores através de um tecido de seda - ou, atualmente, de náilon -, cobrindo com cola as partes que não devem ser filtradas para torná-las impermeáveis. Foi inventado na China "China (região)").[52].
• - Ourivesaria: é a arte de confeccionar objetos decorativos com metais nobres ou pedras preciosas, como ouro, prata, diamante, pérola, âmbar, coral, etc. Existem diversas técnicas e modalidades:
História
Pré-história
A arte pré-histórica é aquela desenvolvida pelos seres humanos primitivos desde a Idade da Pedra (Paleolítico Superior, Mesolítico e Neolítico) até a Idade dos Metais, períodos onde surgiram as primeiras manifestações que podem ser consideradas artísticas pelo ser humano. As primeiras manifestações que poderiam ser consideradas artes decorativas seriam algumas incipientes decorações arquitetônicas e as primeiras obras de cerâmica, bem como a arte têxtil. Destacaram-se as chamadas cerâmicas cardais, decoradas com impressões de conchas (cardium), presentes em vários pontos da Europa Ocidental e Oriental.[68].
O Neolítico deu lugar à Era dos Metais, pois a utilização de elementos como o cobre, o bronze e o ferro representou uma grande transformação material para essas sociedades antigas. A metalurgia do bronze surgiu na Anatólia, de onde se espalhou para Chipre e Creta e, mais tarde, para o resto da Europa. A maioria de suas criações eram arte móvel, preferencialmente joias e armas, decoradas com motivos geométricos abstratos.[69] Na cerâmica surgiram vasos em forma de sino.[70] Na Idade do Ferro destacaram-se as culturas de Hallstatt (Áustria) e La Tène (Suíça), ligadas aos povos celtas.[71].
arte antiga
Podem ser chamadas de criações artísticas da primeira etapa da história, a começar pela invenção da escrita, nas quais se destacam as grandes civilizações do Oriente Próximo: Egito e Mesopotâmia. Abrangeria também as primeiras manifestações artísticas da maioria dos povos e civilizações em todos os continentes. Nesta época surgiram as primeiras grandes cidades, principalmente em quatro áreas delimitadas por grandes rios: o Nilo, o Tigre e o Eufrates, o Indo e o Rio Amarelo.
A arte mesopotâmica desenvolveu-se na área entre os rios Tigre e Eufrates (atual Síria e Iraque), onde desde o 4º milênio aC. C. várias culturas se sucederam, como os sumérios, acadianos, amorreus, assírios, caldeus, etc. Na Mesopotâmia, a falta de pedra levou à construção com tijolo e adobe, materiais pobres que exigiam revestimento para construir um edifício mais ou menos estético, o que foi conseguido com arandelas de cerâmica que decoravam templos e palácios. Aqui as primeiras ferramentas de cerâmica, como a roda e o forno de duas câmaras, foram inventadas por volta de 3.400 aC. C.[73] Destacaram-se também na ourivesaria (tesouros dos túmulos reais de Ur),[74] glípticos e metálicos (portões de Balawat).[75].
No Egito surgiu uma das primeiras grandes civilizações, com obras de arte elaboradas e complexas que já implicam especialização profissional por parte do artista/artesão. Com um sistema político fortemente centralizado e hierárquico, a sua arte era intensamente religiosa e simbólica. Começou por volta de 3000 AC. C., a arte egípcia durou até a conquista de Alexandre, o Grande, embora sua influência tenha persistido na arte copta e bizantina.[76].
Uma das suas maiores manifestações no quadro arquitectónico foi a pintura e o relevo policromado, que decoravam tanto o interior como o exterior dos edifícios, como se vê no palácio de Tell el-Amarna (XVIII dinastia).[77] Os egípcios alcançaram grandes avanços técnicos, especialmente na ourivesaria, como batimento, cinzelamento, gravação, granulação e incrustação de ouro. As joias encontradas na tumba de Tutancâmon são especialmente dignas de nota. (XVIII dinastia), tal como a sua máscara funerária, feita de ouro batido com incrustações de pasta de vidro e lápis-lazúli, quartzo e feldspato. A cerâmica ocorreu em duas vertentes: a cerâmica, feita com roda desde 3200 aC. C. e faiança fina, usada como cobertura arquitetônica.[82] A metalurgia egípcia concentrava-se no cobre e no bronze, já que o ferro não era usado até a época greco-romana.[83] A tecelagem concentrava-se no linho, tanto em roupas quanto em tapeçarias e tapetes.[84].
arte clássica
A arte clássica é a arte desenvolvida na Grécia e Roma antigas, cujos avanços científicos, materiais e estéticos contribuíram para a história da arte com um estilo baseado na natureza e no ser humano, onde prevaleceram a harmonia e o equilíbrio, a racionalidade das formas e volumes, e um sentido de imitação (mimese) da natureza que lançou as bases da arte ocidental, de tal forma que a recorrência às formas clássicas tem sido constante ao longo da história da civilização. ocidental.[85].
As principais manifestações artísticas que marcaram a evolução da arte ocidental desenvolveram-se na Grécia. Após primórdios onde se destacaram as culturas minóica e micênica, a arte grega desenvolveu-se em três períodos: arcaico, clássico e helenístico.[86] As artes decorativas adquiriram pela primeira vez autonomia própria, desligadas do quadro arquitetónico que condicionou as conquistas egípcias ou mesopotâmicas.
Na arte minóica, destacam-se a cerâmica, em duas etapas: a de Kamarés (séculos a.C.) e a "cerâmica dos segundos palácios" (c. 1500 a.C.).[88] Na arte micênica foram produzidas obras de ourivesaria de grande valor artístico, como os vasos de ouro e as máscaras funerárias encontradas nos círculos tumbais de Micenas.[86].
Da própria arte grega destacam-se as cerâmicas decoradas com imagens pictóricas, geralmente alusivas à mitologia grega, mas também a cenas históricas ou mesmo à vida quotidiana, das quais existem duas variantes principais: figuras negras sobre fundo vermelho e figuras vermelhas sobre fundo preto. Menos utilizada foi a técnica do fundo branco, que surgiu em Atenas no século AC. C.[90] Os gregos também se destacaram na ourivesaria, no vidro e no mosaico, com inovações técnicas como o camafeu, surgido em Alexandria no século a.C.. C., ou vidro soprado, que surgiu na mesma cidade no século AC. C.[91].
Com um claro precedente na arte etrusca, a arte romana foi muito influenciada pela arte grega. Graças à expansão do Império Romano, a arte clássica greco-romana alcançou quase todos os cantos da Europa, Norte de África e Médio Oriente, e lançou as bases evolutivas para a arte futura desenvolvida nestas áreas.[92].
Entre as artes decorativas romanas destaca-se o mosaico, geralmente realizado em opus sectile, opus vermiculatum ou opus tessellatum.[93] Destacou-se também a terra sigillata, uma espécie de cerâmica vermelha decorada com estampagem ou com relevos de moldes. Dentro da arquitetura, a pintura ornamental também teve grande importância, como ficou evidente após a descoberta dos restos de Pompéia.[95] Também era comum o uso do estuque, técnica em que se alcançava um alto grau de requinte na modelagem de figuras e molduras.[96] No vidro, generalizou-se a técnica de sopro, com variantes como o sopro em moldes, obtendo-se vidro transparente. Um dos melhores exemplos é o vidro Portland (século XIX).[97] O trabalho da ourivesaria destacou-se pela suntuosidade, com gosto pelos contrastes cromáticos, em peças de grande valor e expertise técnica destinadas apenas às elites com grande poder aquisitivo.[98] No mobiliário, destaca-se o — de origem etrusca —, cama onde os romanos se reclinavam para comer. Os móveis mais utilizados eram: cadeiras com encosto inclinado (), repousa-pés de seção redonda com pés em tesoura () e armários com prateleiras internas fechadas por duas dobradiças.[99] Nos têxteis, destacou-se o uso da seda, importada da China, muitas vezes decorada com desenhos de fios de ouro ().[100].
arte medieval
A queda do Império Romano Ocidental marcou o início da Idade Média na Europa, fase de certo declínio político e social, uma vez que a fragmentação do império em pequenos estados e a dominação social da nova aristocracia militar significou a feudalização de todos os territórios anteriormente administrados pela burocracia imperial. As novas culturas dominantes – de origem germânica – reinterpretaram a arte clássica, enquanto a nova religião, o cristianismo, permeou a maior parte da produção artística medieval.[101].
É a arte dos primórdios do Cristianismo, surgindo no Império Romano, primeiro clandestinamente e depois oficialmente, após a adoção do Cristianismo pelo Imperador Constantino I no ano 313. O mosaico foi desenvolvido de forma notável, como a Pastoral Celestial no Mausoléu de Gala Placidia (século X).[102] Destacou-se também a miniatura, da qual se distinguem duas escolas: a helenística-alexandrina (Roll Joshua, Biblioteca do Vaticano) e a síria (Evangelho de Rábula, Florença).[103] Das restantes artes aplicadas destacaram-se a eboraria (cadeira de Maximiano, Ravena),[104] o vidro, o bronze e a tecelagem, especialmente esta última na arte copta.[105].
Apesar da queda do Império Romano Ocidental, este perdurou no Oriente – conhecido como Império Bizantino – até a conquista de Constantinopla em 1453 pelos turcos otomanos. Herdeira da arte helenística, a arte bizantina reuniu as principais tradições artísticas orientais, das quais foi a porta de entrada para a Europa, onde a arte bizantina influenciou a arte pré-românica e românica.
A arte bizantina herdou dos primeiros cristãos as suas duas tradições musivares, a helenística e a síria: destacam-se os mosaicos de São Demétrio de Salónica "Igreja de São Demétrio (Tessalónica)"), os de Santa Sofia de Constantinopla e os de São Vital de Ravenna. de ouro em abundância e de esmalte cloisonné ou favo de mel, com realizações como a Pala de ouro de San Marcos em Veneza ou o tesouro do Monte Athos.
Os povos germânicos estabeleceram-se no antigo Império Romano Ocidental após a sua queda no ano 476, quando numerosos reinos foram criados governados por várias tribos, como os Ostrogodos na Itália, os Visigodos na Espanha ou os Francos na França, cada um com a sua própria cultura e diversidade de estilos artísticos. As principais realizações destes povos foram a arte móvel, geralmente de caráter suntuoso (fíbulas, armas, esporas, broches de cinto) e com motivos ornamentais distantes do naturalismo, geralmente formas geométricas e entrelaçadas.[110].
Na Península Ibérica, a arte visigótica destacou-se na ourivesaria, especialmente em fíbulas, coroas e cruzes, como as encontradas nos tesouros de Guarrazar (Museu Arqueológico Nacional "Museo Arqueológico Nacional (Espanha)") e Torredonjimeno (Museus Arqueológicos de Madrid, Barcelona e Córdoba), de influência bizantina.
Este é o nome dado aos múltiplos estilos desenvolvidos na Europa desde a coroação de Carlos Magno (ano 800) até cerca do ano 1000, onde o aparecimento do Românico significará a difusão de um mesmo estilo unitário por todo o continente europeu. Este significado é simplesmente uma forma de abranger uma série de estilos independentes com poucos ou nenhuns factores comuns, sendo o único factor unificador o facto de terem sido antecessores da internacionalização do românico.
Arte da Idade Moderna
A arte da Idade Moderna - que não deve ser confundida com a arte moderna, que é frequentemente usada como sinônimo de arte contemporânea - [nota 2] desenvolveu-se entre os séculos e. A Idade Moderna implicou mudanças radicais a nível político, económico, social e cultural: a consolidação dos Estados centralizados levou ao estabelecimento do absolutismo; As novas descobertas geográficas – especialmente o continente americano – abriram uma era de expansão territorial e comercial e marcaram o início do colonialismo; A invenção da imprensa levou a uma maior difusão da cultura, que se abriu a todos os tipos de públicos; A religião perdeu a preponderância que tinha na época medieval, o que foi ajudado pela ascensão do protestantismo; Ao mesmo tempo, o humanismo emergiu como uma nova tendência cultural, dando lugar a uma concepção mais científica do homem e do universo.[141].
O Renascimento foi um estilo surgido na Itália no século (Quattrocento), que se espalhou pelo resto da Europa a partir do final daquele século e início do século (Cinquecento). Os artistas inspiraram-se na arte clássica greco-romana, razão pela qual se falava em "renascimento" artístico após o obscurantismo medieval. Estilo inspirado na natureza, surgiram novos modelos de representação, como o uso da perspectiva. Sem abrir mão da temática religiosa, a representação do ser humano e do seu meio ganhou maior relevância.[141].
As artes decorativas tiveram um grande boom devido ao gosto pelo luxo das novas classes abastadas. Muitos artistas das “grandes artes” produziram obras consideradas decorativas: vários pintores fizeram desenhos para gravuras, como Dürer, Ticiano ou Gentile Bellini; Benvenuto Cellini ou Hans Holbein fazem desenhos de ourives; Rafael faz desenhos para tapeçarias.[142] A tapeçaria se destacou na Flandres, com trabalhos baseados em esboços desenvolvidos por pintores como Quentin Metsys ou Bernard van Orley.[143] O vidro continuou com altos níveis de qualidade em Veneza (Murano). A cerâmica destacou-se na Itália (Gubbio, Faenza, Urbino), França (Bernard Palissy) e Espanha (Talavera de la Reina, Manises,[144] Catalunha).[145].
A ourivesaria foi cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti, Andrea del Verrocchio ou Benvenuto Cellini (saleiro de Francisco I de França). Na Espanha, a família Arfe (Antonio, filho de Enrique, e seu filho Juan) continuou a confecção de ostensórios, agora em estilo plateresco. portas do Batistério de Florença, obra de Lorenzo Ghiberti, ou as portas ao pé da catedral de Pisa, de Giambologna.[125] A grelha continuou em Espanha com motivos platerescos, como na obra do Irmão Francisco de Salamanca "Francisco de Salamanca (rejero)") e Cristóbal de Andino, ou puristas, como a obra de Francisco de Villalpando. Nessa época foi introduzido o uso de esboços para design de móveis (Francesco Salviati "Francesco Salviati (pintor)"). Nesta época continuaram as mesmas tipologias da época medieval, mas com uma decoração de estilo clássico.[149].
arte contemporânea
Entre o final e o início do século, foram lançadas as bases da sociedade contemporânea, marcada no campo político pelo fim do absolutismo e pela instauração de governos democráticos - impulso que teve início com a Revolução Francesa - e, no campo económico, pela Revolução Industrial e pela consolidação do capitalismo, que teria resposta no marxismo e na luta de classes. No campo da arte inicia-se uma dinâmica evolutiva de estilos que se sucedem cronologicamente com velocidade crescente, que culminará no século com uma atomização de estilos e correntes que coexistem e contrastam, influenciam e se confrontam.
Nessa época, o design moderno começou no campo das artes decorativas. A nova era industrial colocou à disposição da população uma infinidade de objetos que antes eram fabricados, construídos em série sem especial interesse na sua ornamentação. Em reação a isso, movimentos como o Arts & Crafts e o modernismo "Modernismo (arte)") revalorizaram mais uma vez o objeto como uma obra singular e iniciaram uma nova forma de fazê-los a partir de um design anterior, o que lhes conferiu, apesar da sua posterior fabricação industrial em muitos casos, um novo valor de origem intelectual. Um dos fatores que levaram à rápida difusão do design foi o grande aumento dos meios de comunicação de massa, juntamente com a celebração de eventos especiais, como exposições mundiais. Estes fatores, aliados ao aumento de um número cada vez maior de público capaz de adquirir obras de arte e artesanato, originaram um ambiente cada vez mais dinâmico e inter-relacionado que conduziu a uma vertente de popularização do gosto, promovendo as tendências da moda que seriam tão importantes no século.[180].
O Romantismo foi um movimento de profunda renovação em todos os campos artísticos, com especial valorização da cultura popular, do exótico e do regresso às desprezadas formas artísticas do passado, especialmente as medievais. Na França coincidiu com o estilo de Restauração "Estilo de Restauração (França)") e o Louis Philippe, no Reino Unido com o primeiro Vitoriano, na Alemanha o Biedermeier e na Espanha com o Fernandino e o primeiro Isabelino.
O estilo da Restauração (1815-1830) sucedeu ao estilo Império, com o qual manteve uma certa linha de continuidade. Sua principal característica estilística continuou sendo o classicismo, embora com linhas mais pesadas e ásperas.[181] Foi sucedido pelo estilo Luis Felipe (1830-1848), que herdou suas premissas mas com um ar mais pesado e ostensivo, mais declaradamente burguês, com móveis de inspiração gótica e renascentista.[182] O estilo vitoriano evoluiu estilisticamente do romantismo para o neogótico e Arts & Crafts, com tendência para ornamentação complexa e ornamentada. e, no mobiliário, uma predileção por curvas e superfícies suaves.[183] Na Alemanha e na Áustria, surgiu o estilo Biedermeier (1820-1840),[nota 5] inspirado em estilos anteriores como o gótico, renascentista, rococó, pompeiano e Luís XVI.[185] Na Espanha, os estilos fernandina e elisabetana foram combinados. Deram sobretudo no mobiliário: o primeiro foi influenciado pela Restauração Francesa e pela Regência Inglesa, embora mais pesado e com maior ênfase na praticidade, e no gosto pelas formas retangulares;[186] o segundo foi inspirado no Biedermeier, com gosto pelo luxo e pela ostentação, embora sem abrir mão do conforto e da funcionalidade.[187].
Arte não ocidental
A arte africana sempre teve um marcado carácter mágico-religioso, destinada mais a ritos e cerimónias das diversas crenças animistas e politeístas africanas do que a fins estéticos, embora existam também produções ornamentais. A maioria das produções no campo das artes decorativas ocorreu em cerâmica, joalheria e tecidos, além de objetos de metalurgia.[240].
Na região sudanesa (da savana costeira ao Chade), destacam-se as urnas funerárias, os vasos de terracota e as joias de bronze (brincos, peitorais, pulseiras e anéis). A arte da madeira era praticada pelos Dogon do Mali, pelos Bobo" do Burkina Faso e pelos Senufo, especialmente bancos com pernas em forma de figuras humanas. [241] Interessantes obras de cerâmica têm sido produzidas na região guineense (Costa do Marfim, Gana, Benin, Nigéria e Camarões), especialmente no Benin, com vasos modelados à mão e precariamente cozidos, de cor vermelha ou caiados com cal e decoração linear. A ourivesaria também se destaca nesta região, especialmente nas tribos Ashanti também faziam objetos de ferro, cobre, bronze e latão. Quanto à madeira, era praticada em todos os tipos de objetos e móveis, especialmente nos tronos e assentos rituais de Camarões e Benin. Outras artes praticadas na região eram a eboraria, a tecelagem e a cestaria. Destaca-se também o trabalho em madeira, presente em máscaras, tambores, cabeceiras, assentos, copos, pentes, baús, béqueres e outros objetos. No tecido Kuba, destaca-se o chamado "veludo Kasai" praticado pelos Bakuba), confeccionado com palma e decorado com quadrados, losangos e triângulos. Na cestaria, são notáveis os cestos de banana dos Bakwele" do Congo.[243].
A arte oceânica é marcada pela multiplicidade de territórios insulares que pontilham o Oceano Pacífico, onde se destacam as ilhas da Austrália e da Nova Zelândia, bem como três áreas principais de ilhas e arquipélagos: Polinésia, Melanésia e Micronésia. A primeira cultura desenvolvida na área foi a Lapita (1500-500 aC), originada na Nova Caledônia e espalhada pela Nova Guiné e Polinésia Ocidental (Ilhas Salomão, Vanuatu, Fiji, Tonga e Samoa, principalmente). Caracteriza-se pelas suas cerâmicas decoradas com motivos dentados feitos com pentes ou pontas, bem como objetos feitos de obsidiana e conchas. Entre 500 AC C. e 500 DC. C. a colonização continuou em direção à Micronésia, Melanésia e Polinésia oriental (Ilhas da Sociedade, Marquesas, Ilha de Páscoa, Havaí), embora nestas fases iniciais não tenham sido encontrados numerosos vestígios, exceto alguns utensílios e contas, principalmente feitos de conchas.[244].
Posteriormente, cada área regional desenvolveu diferentes formas de arte: na Nova Guiné foi produzida uma espécie de cerâmica decorada com espirais incisas, bem como móveis de madeira, mosaicos de penas de pássaros, caixas de bambu e cabaças de pirografia; Nas Ilhas Salomão foram encontrados brincos de concha incrustados com madrepérola, madeira entalhada usada como decoração em canoas e vasos de madeira com desenhos gravados; Na Nova Zelândia, o uso de espirais e era característico de objetos ornamentais, encontrados em madeiras esculpidas usadas em canoas, caixas e baixos-relevos em casas, além de brincos de jade chamados ; Nas Ilhas Samoa destaca-se a produção de tecidos de casca vegetal () decorados com desenhos, geralmente losanges ou xadrez; Nas ilhas havaianas, eram feitas tigelas e pratos de madeira sustentados por cariátides, além de vestidos e capacetes decorados com penas, como o manto do rei Kamehameha, comprimento por largura.[245].
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Referências
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[141] ↑ a b Azcárate Ristori, Pérez Sánchez y Ramírez Domínguez, 1983, pp. 347-348.
[142] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 479-480.
[143] ↑ Morant, 1980, p. 346.
[144] ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez y Ramírez Domínguez, 1983, p. 406-444.
[145] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 163.
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[149] ↑ Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 303.
[150] ↑ Diccionario Enciclopédico Larousse, p. 1393.
[151] ↑ Chilvers, 2007, p. 83.
[152] ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez y Ramírez Domínguez, 1983, pp. 479-480.
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[166] ↑ Morant, 1980, pp. 389-391.
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[239] ↑ Parissien, 2007, pp. 284-296.
[240] ↑ Honour y Fleming, 2002, p. 127.
[241] ↑ Morant, 1980, pp. 45-46.
[242] ↑ Morant, 1980, pp. 46-49.
[243] ↑ Morant, 1980, p. 49.
[244] ↑ Onians, 2008, pp. 50-51.
[245] ↑ Morant, 1980, pp. 42-44.
[246] ↑ Morant, 1980, pp. 50-51.
[247] ↑ Morant, 1980, pp. 53-54.
[248] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 399.
[249] ↑ Morant, 1980, pp. 55-56.
[250] ↑ Honour y Fleming, 2002, pp. 121-126.
[251] ↑ Morant, 1980, pp. 57-58.
[252] ↑ Onians, 2008, pp. 96-97.
[253] ↑ Morant, 1980, pp. 59-60.
[254] ↑ Morant, 1980, pp. 66-74.
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[256] ↑ Morant, 1980, pp. 76-79.
[257] ↑ Morant, 1980, pp. 79-84.
[258] ↑ Morant, 1980, pp. 84-86.
[259] ↑ Morant, 1980, pp. 86-87.
[260] ↑ Morant, 1980, pp. 87-90.
[261] ↑ Morant, 1980, p. 93.
[262] ↑ Onians, 2008, pp. 46-47.
[263] ↑ Morant, 1980, pp. 95-97.
[264] ↑ Morant, 1980, pp. 97-99.
[265] ↑ Stanley-Baker, 2000, pp. 106-108.
[266] ↑ Morant, 1980, p. 101.
[267] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 96.
[268] ↑ Morant, 1980, pp. 101-103.
[269] ↑ Morant, 1980, pp. 105-108.
[270] ↑ Morant, 1980, p. 114.
[271] ↑ Morant, 1980, p. 117.
[272] ↑ Morant, 1980, pp. 117-120.
[273] ↑ Morant, 1980, pp. 120-121.
[274] ↑ Morant, 1980, pp. 121-122.
[275] ↑ Morant, 1980, p. 122.
[276] ↑ Honour y Fleming, 2002, pp. 548-550.
[277] ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez y Ramírez Domínguez, 1983, p. 158.
[278] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 462.
[279] ↑ Morant, 1980, p. 133.
[280] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 348.
[281] ↑ Morant, 1980, pp. 137-141.
[282] ↑ Morant, 1980, pp. 143-145.
[283] ↑ Morant, 1980, pp. 145-146.
[284] ↑ Morant, 1980, pp. 146-147.
[285] ↑ Morant, 1980, p. 147.
[286] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 367-368.
[287] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 204.
Contenido
Este tipo de técnicas entra dentro del concepto de arte (del latín ars, artis, y este del griego τέχνη téchnē),[4] una manifestación creativa del ser humano entendida generalmente como cualquier actividad o producto realizado con una finalidad estética y comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, a través de diversos recursos y materiales. El arte es un componente de la cultura, que refleja en su concepción los sustratos económicos y sociales, así como la transmisión de ideas y valores inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo.[5].
La clasificación del arte ha tenido una evolución paralela al concepto mismo de arte: durante la antigüedad clásica se consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza, de tipo racional y sujeta a reglas, por lo que entraban en esa denominación tanto las actuales bellas artes como la artesanía y las ciencias.[6] En el siglo Galeno dividió el arte en artes liberales y artes vulgares, según si tenían un origen intelectual o manual. En el Renacimiento empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades que requerían no solo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades.[7] En 1746, Charles Batteux estableció en Las bellas artes reducidas a un único principio la concepción actual de bellas artes, donde incluyó la pintura, la escultura, la música, la poesía y la danza, mientras que mantuvo el término «artes mecánicas» para el resto de actividades artísticas, y señaló como actividades entre ambas categorías la arquitectura. Con el tiempo esta lista sufrió variaciones y, a fecha de hoy, no está del todo cerrada, pero en general sentó una base comúnmente aceptada.[8].
Los términos «artes decorativas», «artes aplicadas», «artes industriales» o «artes menores» surgieron por oposición a las «bellas artes» o «artes mayores», aunque a menudo la frontera no está del todo clara.[9] En general, dentro de las artes plásticas la función decorativa se considera secundaria: así, si la pintura tiene por sí sola una autonomía como obra de arte, en su aplicación a un objeto pierde esa singularidad para cumplir una función subordinada, la de embellecer ese objeto. Si la pintura puede representar una visión del mundo en la libertad conceptual del artista, la pintura decorativa se moverá en un círculo cerrado de temas y motivos.[10].
Probablemente la separación entre artes mayores y menores vino de la distinción por parte de la crítica de arte de lo «bello» y lo «útil»: a lo primero se le concedió una categoría más elevada, pues parecía dirigirse más directamente al intelecto y/o el espíritu, mientras que lo segundo tenía una finalidad más práctica y mundana. Esta distinción no dejaba de ser subjetiva, puesto que una actividad como la arquitectura, englobada en las artes mayores, es ciertamente útil, mientras que muchas artes menores, aun siendo útiles, pueden ser bellas.[11].
Aunque las artes decorativas eran consideradas como un arte menor, desde el siglo adquirieron cierta autonomía y, desde entonces, se empezó a valorar más su aspecto estético frente al utilitario y numerosas de sus producciones fueron valoradas como obras de arte con una singularidad propia.[10] Sin embargo, las artes decorativas aplicadas a la industria —más propiamente llamadas hoy día «artes industriales»— se fueron separando de este concepto, por cuanto en este tipo de objetos la decoración es por lo general algo secundario; así, la estética funcionalista tendió a valorar más los objetos por su utilidad, rechazando una decoración a menudo sobreañadida.[10].
El término «artes decorativas» se forjó en el tercer tercio del siglo , principalmente como sustitución del término «artes menores», que resultaba peyorativo.[12] En la génesis de las artes decorativas o industriales están indefectiblemente unidos la practicidad y la estética. Así, la producción de objetos englobados en este término debe tener en cuenta la finalidad del producto (enseres, vestidos, utensilios, mobiliario) tanto como su aspecto formal. Así, no entrarían en esta categoría un objeto utilitario que sea posteriormente decorado o, por el contrario, otro de aspecto artístico que no cumpla una función práctica.[13] Pese a todo, a menudo se han considerado artes decorativas productos con una simple función ornamental, pero producidos en serie, con lo que se alejarían del concepto de obra única del arte con mayúsculas.[14].
Un factor decisivo en la nueva concienciación de las artes decorativas fue la publicación entre 1860 y 1863 del libro Der Stil in den technischen und tectonischen künsten der praktische Aestetik, de Gottfried Semper, donde prestaba una especial atención a las artes decorativas dentro de la historia del arte. Esta obra influyó en el historiador formalista Alois Riegl, quien en sus análisis de la historia del arte en función del estilo incluyó igualmente las artes decorativas. Para Riegl, quien fue conservador del Museo de Artes Decorativas de Viena, las técnicas usadas en la producción artística marcaban la evolución de las formas artísticas.[15].
Terminologia
Ao longo da história, numerosos termos mais ou menos sinónimos foram aplicados às artes relacionadas com a decoração, que, embora possam apresentar algumas diferenças de nuances, geralmente expressam o mesmo conceito:
• - Artes decorativas: o termo afeta a finalidade decorativa deste tipo de artes, uma vez que sua finalidade é ornamentar um espaço específico, por isso são consideradas especialmente ligadas à arquitetura. Em geral, é considerado o termo mais adequado e que confere maior dignidade. Prova disso é que a maioria dos museus dedicados a este tipo de obras são habitualmente designados por Museus de Artes Decorativas.[16].
• - Artes menores: surgiu em confronto com a ideia de grandes artes ou artes plásticas (arquitetura, escultura e pintura), embora seja pejorativa e marque fronteiras que não são reais, pois a pintura e a escultura podem ser consideradas em certos casos como artes decorativas.[17].
• - Artes úteis ou utilitárias: este termo coloca ênfase no aspecto prático deste tipo de realização, que subvaloriza a sua componente estética, ao mesmo tempo que se poderia discutir se a utilidade de algumas artes plásticas como a arquitectura as rebaixaria a este nível.[18].
• - Artes funcionais: de forma semelhante ao anterior, enfatiza-se o aspecto funcional destas obras, o que suscita um debate semelhante, ao qual pode ser acrescentado caso as grandes artes não tenham também uma função.[19].
• - Artes aplicadas: este termo provém da relação entre este tipo de disciplinas artísticas e a sua produção artesanal ou industrial, uma vez que geralmente são criadas através de diversas técnicas e procedimentos especializados que requerem formação profissional ou semiprofissional. Assim, a maioria das escolas onde esses ofícios são aprendidos são geralmente chamadas de Escolas de Artes Aplicadas (ou Ofícios Artísticos).[20].
• - Artes auxiliares: o aspecto secundário deste tipo de disciplinas é aqui enfatizado porque suas produções se destinam a decorar obras “grandes”, preferencialmente espaços arquitetônicos. Novamente, é um termo pejorativo e não abrange todas essas conquistas, que em muitos casos podem ter autonomia própria.[16].
• - Artesanato, ofícios artísticos: este significado centra-se no aspecto produtivo dessas obras em termos do profissionalismo de seus artesãos, na consideração de serem objetos feitos à mão, sem processo mecânico de fabricação. Muito deste conceito vem do movimento Arts and Crafts, que surgiu no Reino Unido no século XIX.[21].
• - Artes manuais: termo raramente utilizado em geral, afeta o artesanato desse tipo de trabalho, o que exclui em muitos casos sua produção mecânica.[21].
• - Artes industriais: ao contrário do anterior, aqui se expressa o processo de mecanização e produção fabril de muitas dessas obras, especialmente a partir da Revolução Industrial. Caberia discutir aqui se esse tipo de fabricação é feita em detrimento do processo criativo do artista ou simplesmente uma ferramenta que auxilia na sua realização. Talvez seja aplicável apenas às obras produzidas em série.[22].
• - Artes suntuárias: o termo suntuário significa “pertencente ou relacionado ao luxo”,[23] por isso é aplicado preferencialmente às artes decorativas feitas com materiais preciosos (ouro, prata, joias).
Fatores determinantes
Vários factores intervêm na génese das obras de arte decorativas. A primeira coisa a ter em conta é o seu criador e a sua consideração como artesão ou como artista. Deixando de lado o facto de muitos artistas (pintores, escultores) terem feito este tipo de trabalho como complemento da sua actividade principal, a maioria dos artesãos que trabalham nesta área o fazem como ofício, após alguns anos de aprendizagem numa oficina, guilda ou escola. Assim, em geral, são considerados artesãos, embora diversas nuances devam ser levadas em conta: Horst Waldemar Janson disse que um artista é um “criador” e um artesão um “fabricante”;[24] No entanto, muitos fabricantes também atuam como criadores quando fazem seus próprios desenhos ou introduzem novidades técnicas ou estilísticas em suas obras. Da mesma forma, muitos artistas fazem suas obras com base em técnicas ou estilos introduzidos por outros anteriormente, sem um exercício de inovação, apenas imitação - tal como a arte acadêmica tem sido muitas vezes censurada -[25] Mesmo assim, como regra geral, o criador de artes decorativas é limitado pelas regras, técnicas e materiais de seu ofício, dentro dos quais ele pode se mover com restrições.[26] Isso significa, segundo Dino Formaggio, que as obras de arte decorativas expressam uma certa "impessoalidade", desde a marca de quem as faz. não é perceptível na maioria dos casos, embora sejam fruto de uma certa “sociabilidade”, pois são produtos do trabalho coletivo derivado da tradição e do artesanato.[27].
Destes artesãos, costumam ser considerados três tipos (segundo René Huyghe): “artesãos tradicionais”, que praticam seu ofício com conhecimentos transmitidos de geração em geração - geralmente dentro da mesma família -, com inovações e contribuições individuais, mas dentro da mesma linha (isso inclui a maioria dos artesãos até o século); “artesãos”, aqueles que não provêm de uma tradição, mas exercem esta atividade de forma voluntária e com formação própria (geralmente já no século); e “artesãos performáticos”, que designariam aqueles trabalhadores que se limitam a exercer seu ofício, sem qualquer ato criativo.[28].
Outros elementos a ter em conta são:
• - Tipo de obras: um primeiro factor a ter em conta é a função e o destino da obra, seja ela religiosa ou secular, cultural ou popular, seja para uma casa, uma empresa, um palácio ou qualquer outro fim.[29].
• - Técnicas e materiais: cada disciplina artística possui determinadas técnicas e materiais de fabricação, que devem ser considerados no resultado final dependendo do objeto que se deseja criar. Muitos desses elementos são determinantes de uma época ou estilo específico, por isso auxiliam no seu estudo e classificação.[30].
• - Forma: a forma marca o ritmo dos volumes e proporções de um determinado espaço, principalmente em peças independentes. Por outro lado, a forma expressa a função do objeto e as suas características temporais, pelo que é um reflexo do estilo e do quadro histórico e social em que foi criado.[31].
• - Sistema decorativo: estabelece o tipo de motivo ornamental de uma peça e a forma como esse motivo se enquadra na sua composição. Os três principais motivos ornamentais são: geométricos, epigráficos e naturalistas (vegetais, animais, humanos ou paisagísticos), que podem apresentar-se tanto isolados como combinados entre si. Dependendo de sua composição, são geradas diversas linguagens expressivas, como a naturalística, se for inspirada na realidade da natureza visível; ou o estilizado, se fizer uma reinterpretação subjetiva da realidade. Ainda dentro da composição deve-se levar em consideração se a ornamentação se limita a um determinado espaço da obra ou o cobre completamente (o chamado horror vacui). Dentro deste espaço, os motivos ornamentais podem ser feitos por repetição, por alternância, simetricamente ou por inversão.[32].
• - Cor e luz: no aspecto estético e formal da obra de arte decorativa, a cor e a luz são decisivas, influenciando a forma do objeto, o material e diversas qualidades como solidez, refração, transparência ou opacidade, reflexo, textura, relevo ou jogo de luz e sombras. Além disso, além das suas qualidades físicas, podem expressar um certo simbolismo, uma vez que as cores são frequentemente associadas a certos conceitos religiosos ou culturais, enquanto a luz é frequentemente associada à divindade e à revelação.[37].
• - Ritmo e equilíbrio: o objectivo das artes decorativas é a ornamentação de um espaço, o que geralmente se consegue com a conjugação de vários elementos. Portanto, um factor a ter em conta é a harmonia entre todas as peças de um determinado espaço, o equilíbrio global e o ritmo espacial em que estão confinadas. Esta harmonização de elementos expressa também conceitos inerentes a uma determinada época, como moda ou estilo, costumes ou pensamentos de uma sociedade.[38].
• - Relação espacial: a maioria das obras de arte decorativas (exceto as isentas) são projetadas para um determinado espaço, o que influencia a sua concepção e realização. Na avaliação deste tipo de obras deve-se considerar se estão ou não no local de origem; Uma destas obras expostas num museu pode ser valorizada pelas suas qualidades intrínsecas, mas ao perder a sua função original perde parte do seu significado.[39].
• - Economia, sociedade e moda: toda obra de arte é reflexo de um momento histórico e social específico, fator determinante na sua gênese produtiva. Na produção destes objectos, os factores económicos que determinam a sua produtividade, as condições sociais que determinam a sua função ou os aspectos de moda e estilo que determinam a sua forma e aparência podem ser decisivos. Estas condições externas juntam-se a outras condições internas, como a técnica, para determinar o processo de produção destas realizações.[40].
• - Influências entre as artes: as diferentes modalidades artísticas – maiores e menores – influenciam-se mutuamente, assim como os artistas. Estas influências são também transmitidas ao longo do tempo, o que se denota na sucessão de períodos de acentuado sotaque classicista com outros de gosto barroco. Geralmente, tem-se percebido mais a influência das artes maiores sobre as menores, mas por vezes também aconteceu o contrário, como a influência das artes decorativas islâmicas na escultura românica espanhola, da gravura na pintura barroca ou da decoração rococó na arquitetura do século na França e na Alemanha.
Classificação e técnicas
Como sistema de revestimento arquitetônico
• - Mosaico e incrustação: mosaico é a técnica de confecção de imagens através da incrustação de pedras duras, seja no chão ou na parede. Quando colocado como pavimento recebe o termo grego lithostroton: o revestimento é aplicado sobre cal, areia ou outros materiais como pedras, seixos, placas de mármore, etc. Existem vários tipos: opus lapilli, pequenos seixos de cores naturais, que por si só compõem o desenho; opus tessellatum, constituído por tesselas, peças quadradas de dois centímetros, com as quais é feita a composição, geralmente de tipo geométrico; opus vermiculatum, também feito com tesselas, mas com contornos diferentes, podendo assim formar vários layouts; opus sectile, formado por lajes de mármore de formato irregular. O mosaico propriamente dito, também denominado opus musivum, é a mesma técnica mas aplicada à decoração mural: é feito com azulejos de pasta vítrea, aplicados na parede preparada com várias camadas de argamassa "Argamassa (construção)"), criando figuras e desenhos. O inlay é uma técnica semelhante às anteriores, pode ser pavimentado ou parietal, ou ainda pode ser aplicado em móveis ou outros objetos. Consiste em embutir finas lajes de pedra colorida e mármore sobre uma superfície compacta, cortadas e encaixadas para formar diversas imagens ou composições. Também pode ser feito em madeira (intarsia), sendo uma técnica comum na marcenaria. Em Carpi, no século XIX, surgiu também uma incrustação de gesso. Outra variante é a incrustação de pedras duras.[42].
• - Vidraria: é realizada sobre cristais cravados em madeira, gesso, ouro ou chumbo, que são encaixados com folhas de chumbo, estanhando-as, com uma camada de massa (branca de pintor com óleo de linhaça). O vitral antigo possui grisaille, óxido férrico líquido, aplicado para desenhar pequenos detalhes com precisão; Por volta de 1340 foi substituído pelo óxido de prata e, a partir de então, o vidro colorido deixou de ser feito, passando a ser colorido sobre vidro branco. O processo de fabricação é faseado: fazer um esboço em papelão, cortar o vidro, pintar, cozer e unir com chumbo.[43].
• - Azulejo: o azulejo é um revestimento cerâmico esmaltado utilizado como revestimento de pisos e paredes. Tal como os tijolos esmaltados, tem a sua origem no Oriente Próximo. Na Espanha, no século XIX, surgiu a variante da telha, com três tipos: corda seca, bacia ou borda. Nesse mesmo século, na Itália, iniciou-se a produção de lajes de majólica, especialmente em Nápoles e Faenza, cujas composições pictóricas tiveram posteriormente grande sucesso em Espanha e Portugal, bem como no México e no Peru.
• - Estuque e gesso: o estuque é feito com pasta de cal (ou gesso branco), pó de mármore, areia lavada e caseína, em diferentes proporções dependendo da época e do local. Suas duas principais aplicações são como revestimento ou como decoração, com diferentes espessuras, geralmente mais compactas para o primeiro caso e mais finas e maleáveis para o segundo. Já o gesso é um sulfato hidratado de cal, que misturado à água forma uma pasta branca, que pode ser utilizada tanto para construção quanto para esculturas e relevos. A principal diferença entre os dois é que o gesso, por não possuir pó de mármore, é mais frágil e de qualidade inferior, embora seu valor decorativo seja semelhante.[45].
Como elemento polivalente de cobertura e compartimentação espacial
• - Carpintaria e marcenaria: as artes em madeira são utilizadas tanto como revestimentos na arquitetura (tetos em caixotões, portas, janelas, varandas, balaústres) – incluindo arquiteturas provisórias como capelardentes e retábulos – quanto em elementos transportáveis (móveis). As duas principais técnicas são a talha e o torneamento: a primeira é realizada com instrumentos cortantes como o buril - em alto, médio, baixo ou vazado relevo - ou em ornamentação incisa; a segunda envolve um processo de manipulação mecânica mais elaborado. Quanto à ornamentação, existem vários procedimentos: intársia, semelhante à incrustação mas em madeira; incrustação (ou marchetaria), uma espécie de incrustação mas mais superficial, feita com cola (nestes casos as peças acrescentadas podem ser de outro tipo de madeira ou outros materiais, predominantemente marfim, osso, madrepérola ou metal); folheado, que consiste em utilizar uma base de madeira grossa e sobrepor outra mais fina e de maior qualidade; lacagem, aplicação da técnica de lacagem em madeira; policromia, sobreposição de madeiras de cores diferentes para criar efeitos cromáticos; douramento, combinação de madeira e folha de ouro; esgrafito, combinação de douramento e policromia; pirografia, que consiste na queima de madeira com metal incandescente; decorado, madeira revestida com couro; e ensaiado, madeira forrada com tecido.[46].
• - Serralharia: o metal (ferro, cobre, bronze) pode ser utilizado sozinho ou banhado sobre madeira, geralmente em elementos de fecho como portas, grades e vedações. O bronze geralmente é fundido e despejado em moldes. O trabalho com o ferro (limonita, pirita ou magnetita) é chamado de forjamento: ele é reduzido com o calor, a partir do qual se produz uma pasta incandescente com a qual são feitos os lingotes. Existem três tipos: ferro fundido, com muito carbono, sílica, enxofre e manganês, não é adequado para forjamento, apenas para fundição em molde; o ferro macio ou forjado, com menos carbono, é mais maleável e dúctil, pode ser forjado, mas é macio e fosco; e o aço, com manganês, tungstênio, cobalto e tungstênio, é mais duro, para instrumentos de corte. A modelagem é feita sem adição ou remoção de material, mas existem várias técnicas alternativas: esticar, alargar, dividir, curvar, tensionar, etc.
• - Artes têxteis: manifestam-se principalmente na tecelagem e no bordado. Um tecido é um trabalho de tear composto por vários fios dispostos em trama "Trama (têxtil)") e urdidura. Os teares podem ser móveis (ou "backstrap") ou fixos (verticais ou horizontais). Dependendo da multiplicidade ou entrelaçamento dos fios, obtêm-se diferentes tipos de tecidos, como tafetá, sarja, cetim, seda, veludo, etc. Esses tecidos podem ser naturais ou estampados, aplicando-se corantes no tecido. Quanto às tipologias, as mais utilizadas nas artes decorativas são os tapetes e tapeçarias e, em menor proporção, as rendas. Bordado é um trabalho em relevo feito com agulha em tecidos já confeccionados.[48].
Artes decorativas isentas
• - Miniatura: é uma espécie de pequena pintura feita em papel, pergaminho ou pergaminho, embora possa ser feita em outros suportes. A técnica mais comum é a lavagem, pigmentos dissolvidos em água de goma ou outros ligantes (goma arábica, clara de ovo, mel). Seu suporte mais comum está em livros, geralmente ilustrações que acompanham o texto escrito.[51].
• - Gravura: é uma impressão obtida através de uma placa ou matriz. Existem diferentes técnicas:
Calcografia: gravação em cobre feita em oco, em diversas técnicas: água-forte "Etching (Técnica de Gravura)"), técnica de gravação que consiste em tratar as partes da placa metálica não protegidas por verniz com "água forte" (ácido nítrico diluído em água); água-tinta, técnica a partir de uma placa de metal revestida com resina, que uma vez aquecida adere à superfície da placa, desenhando posteriormente nesta superfície um tipo especial de tinta, chamada água-tinta; gravação a buril, é feita sobre placa de cobre, com buril, com o qual se delineia o desenho, preenchendo os sulcos com tinta; gravação em ponta seca, nesta técnica o ferro é trabalhado diretamente com ponta de aço, diamante ou rubi, sem recorrer a vernizes ou ácidos, o que resulta em linhas ásperas chamadas “rebarbas”, diferentes dependendo da pressão e do ângulo de incisão, que ao contrário do buril não corta o metal, mas sim o risca; gravura em meio tom (mezzotint), a chapa é trabalhada com raspador multipontas (rocker ou berceau), obtendo-se um grão uniforme através do cruzamento de linhas, distinguindo assim os tons claros dos escuros.
Xilogravura: gravura em madeira (geralmente cerejeira ou buxo), feita sobre desenho traçado na tábua de madeira e entalhada com faca, goiva, cinzel ou buril, esvaziando as brancas da madeira e deixando as pretas em relevo; Em seguida, é entintado com rolo e carimbado, manualmente ou em impressora.
Linogravura: técnica de gravação em relevo semelhante à xilogravura, mas utilizando linóleo em vez de madeira.
Litografia: é uma gravura em calcário, que se faz tratando a superfície com lápis gorduroso para delimitar o desenho e fazendo a gravura segundo dois procedimentos: banho com ácido, para corroer a parte não untada e deixar o desenho em relevo; ou aplicando dois tipos de tinta aquosa e gordurosa, a primeira fixando o fundo e a segunda cobrindo as linhas desenhadas a lápis. Foi inventado por Aloys Senefelder em 1796.
Serigrafia: técnica pela qual as estampas são obtidas filtrando as cores através de um tecido de seda - ou, atualmente, de náilon -, cobrindo com cola as partes que não devem ser filtradas para torná-las impermeáveis. Foi inventado na China "China (região)").[52].
• - Ourivesaria: é a arte de confeccionar objetos decorativos com metais nobres ou pedras preciosas, como ouro, prata, diamante, pérola, âmbar, coral, etc. Existem diversas técnicas e modalidades:
História
Pré-história
A arte pré-histórica é aquela desenvolvida pelos seres humanos primitivos desde a Idade da Pedra (Paleolítico Superior, Mesolítico e Neolítico) até a Idade dos Metais, períodos onde surgiram as primeiras manifestações que podem ser consideradas artísticas pelo ser humano. As primeiras manifestações que poderiam ser consideradas artes decorativas seriam algumas incipientes decorações arquitetônicas e as primeiras obras de cerâmica, bem como a arte têxtil. Destacaram-se as chamadas cerâmicas cardais, decoradas com impressões de conchas (cardium), presentes em vários pontos da Europa Ocidental e Oriental.[68].
O Neolítico deu lugar à Era dos Metais, pois a utilização de elementos como o cobre, o bronze e o ferro representou uma grande transformação material para essas sociedades antigas. A metalurgia do bronze surgiu na Anatólia, de onde se espalhou para Chipre e Creta e, mais tarde, para o resto da Europa. A maioria de suas criações eram arte móvel, preferencialmente joias e armas, decoradas com motivos geométricos abstratos.[69] Na cerâmica surgiram vasos em forma de sino.[70] Na Idade do Ferro destacaram-se as culturas de Hallstatt (Áustria) e La Tène (Suíça), ligadas aos povos celtas.[71].
arte antiga
Podem ser chamadas de criações artísticas da primeira etapa da história, a começar pela invenção da escrita, nas quais se destacam as grandes civilizações do Oriente Próximo: Egito e Mesopotâmia. Abrangeria também as primeiras manifestações artísticas da maioria dos povos e civilizações em todos os continentes. Nesta época surgiram as primeiras grandes cidades, principalmente em quatro áreas delimitadas por grandes rios: o Nilo, o Tigre e o Eufrates, o Indo e o Rio Amarelo.
A arte mesopotâmica desenvolveu-se na área entre os rios Tigre e Eufrates (atual Síria e Iraque), onde desde o 4º milênio aC. C. várias culturas se sucederam, como os sumérios, acadianos, amorreus, assírios, caldeus, etc. Na Mesopotâmia, a falta de pedra levou à construção com tijolo e adobe, materiais pobres que exigiam revestimento para construir um edifício mais ou menos estético, o que foi conseguido com arandelas de cerâmica que decoravam templos e palácios. Aqui as primeiras ferramentas de cerâmica, como a roda e o forno de duas câmaras, foram inventadas por volta de 3.400 aC. C.[73] Destacaram-se também na ourivesaria (tesouros dos túmulos reais de Ur),[74] glípticos e metálicos (portões de Balawat).[75].
No Egito surgiu uma das primeiras grandes civilizações, com obras de arte elaboradas e complexas que já implicam especialização profissional por parte do artista/artesão. Com um sistema político fortemente centralizado e hierárquico, a sua arte era intensamente religiosa e simbólica. Começou por volta de 3000 AC. C., a arte egípcia durou até a conquista de Alexandre, o Grande, embora sua influência tenha persistido na arte copta e bizantina.[76].
Uma das suas maiores manifestações no quadro arquitectónico foi a pintura e o relevo policromado, que decoravam tanto o interior como o exterior dos edifícios, como se vê no palácio de Tell el-Amarna (XVIII dinastia).[77] Os egípcios alcançaram grandes avanços técnicos, especialmente na ourivesaria, como batimento, cinzelamento, gravação, granulação e incrustação de ouro. As joias encontradas na tumba de Tutancâmon são especialmente dignas de nota. (XVIII dinastia), tal como a sua máscara funerária, feita de ouro batido com incrustações de pasta de vidro e lápis-lazúli, quartzo e feldspato. A cerâmica ocorreu em duas vertentes: a cerâmica, feita com roda desde 3200 aC. C. e faiança fina, usada como cobertura arquitetônica.[82] A metalurgia egípcia concentrava-se no cobre e no bronze, já que o ferro não era usado até a época greco-romana.[83] A tecelagem concentrava-se no linho, tanto em roupas quanto em tapeçarias e tapetes.[84].
arte clássica
A arte clássica é a arte desenvolvida na Grécia e Roma antigas, cujos avanços científicos, materiais e estéticos contribuíram para a história da arte com um estilo baseado na natureza e no ser humano, onde prevaleceram a harmonia e o equilíbrio, a racionalidade das formas e volumes, e um sentido de imitação (mimese) da natureza que lançou as bases da arte ocidental, de tal forma que a recorrência às formas clássicas tem sido constante ao longo da história da civilização. ocidental.[85].
As principais manifestações artísticas que marcaram a evolução da arte ocidental desenvolveram-se na Grécia. Após primórdios onde se destacaram as culturas minóica e micênica, a arte grega desenvolveu-se em três períodos: arcaico, clássico e helenístico.[86] As artes decorativas adquiriram pela primeira vez autonomia própria, desligadas do quadro arquitetónico que condicionou as conquistas egípcias ou mesopotâmicas.
Na arte minóica, destacam-se a cerâmica, em duas etapas: a de Kamarés (séculos a.C.) e a "cerâmica dos segundos palácios" (c. 1500 a.C.).[88] Na arte micênica foram produzidas obras de ourivesaria de grande valor artístico, como os vasos de ouro e as máscaras funerárias encontradas nos círculos tumbais de Micenas.[86].
Da própria arte grega destacam-se as cerâmicas decoradas com imagens pictóricas, geralmente alusivas à mitologia grega, mas também a cenas históricas ou mesmo à vida quotidiana, das quais existem duas variantes principais: figuras negras sobre fundo vermelho e figuras vermelhas sobre fundo preto. Menos utilizada foi a técnica do fundo branco, que surgiu em Atenas no século AC. C.[90] Os gregos também se destacaram na ourivesaria, no vidro e no mosaico, com inovações técnicas como o camafeu, surgido em Alexandria no século a.C.. C., ou vidro soprado, que surgiu na mesma cidade no século AC. C.[91].
Com um claro precedente na arte etrusca, a arte romana foi muito influenciada pela arte grega. Graças à expansão do Império Romano, a arte clássica greco-romana alcançou quase todos os cantos da Europa, Norte de África e Médio Oriente, e lançou as bases evolutivas para a arte futura desenvolvida nestas áreas.[92].
Entre as artes decorativas romanas destaca-se o mosaico, geralmente realizado em opus sectile, opus vermiculatum ou opus tessellatum.[93] Destacou-se também a terra sigillata, uma espécie de cerâmica vermelha decorada com estampagem ou com relevos de moldes. Dentro da arquitetura, a pintura ornamental também teve grande importância, como ficou evidente após a descoberta dos restos de Pompéia.[95] Também era comum o uso do estuque, técnica em que se alcançava um alto grau de requinte na modelagem de figuras e molduras.[96] No vidro, generalizou-se a técnica de sopro, com variantes como o sopro em moldes, obtendo-se vidro transparente. Um dos melhores exemplos é o vidro Portland (século XIX).[97] O trabalho da ourivesaria destacou-se pela suntuosidade, com gosto pelos contrastes cromáticos, em peças de grande valor e expertise técnica destinadas apenas às elites com grande poder aquisitivo.[98] No mobiliário, destaca-se o — de origem etrusca —, cama onde os romanos se reclinavam para comer. Os móveis mais utilizados eram: cadeiras com encosto inclinado (), repousa-pés de seção redonda com pés em tesoura () e armários com prateleiras internas fechadas por duas dobradiças.[99] Nos têxteis, destacou-se o uso da seda, importada da China, muitas vezes decorada com desenhos de fios de ouro ().[100].
arte medieval
A queda do Império Romano Ocidental marcou o início da Idade Média na Europa, fase de certo declínio político e social, uma vez que a fragmentação do império em pequenos estados e a dominação social da nova aristocracia militar significou a feudalização de todos os territórios anteriormente administrados pela burocracia imperial. As novas culturas dominantes – de origem germânica – reinterpretaram a arte clássica, enquanto a nova religião, o cristianismo, permeou a maior parte da produção artística medieval.[101].
É a arte dos primórdios do Cristianismo, surgindo no Império Romano, primeiro clandestinamente e depois oficialmente, após a adoção do Cristianismo pelo Imperador Constantino I no ano 313. O mosaico foi desenvolvido de forma notável, como a Pastoral Celestial no Mausoléu de Gala Placidia (século X).[102] Destacou-se também a miniatura, da qual se distinguem duas escolas: a helenística-alexandrina (Roll Joshua, Biblioteca do Vaticano) e a síria (Evangelho de Rábula, Florença).[103] Das restantes artes aplicadas destacaram-se a eboraria (cadeira de Maximiano, Ravena),[104] o vidro, o bronze e a tecelagem, especialmente esta última na arte copta.[105].
Apesar da queda do Império Romano Ocidental, este perdurou no Oriente – conhecido como Império Bizantino – até a conquista de Constantinopla em 1453 pelos turcos otomanos. Herdeira da arte helenística, a arte bizantina reuniu as principais tradições artísticas orientais, das quais foi a porta de entrada para a Europa, onde a arte bizantina influenciou a arte pré-românica e românica.
A arte bizantina herdou dos primeiros cristãos as suas duas tradições musivares, a helenística e a síria: destacam-se os mosaicos de São Demétrio de Salónica "Igreja de São Demétrio (Tessalónica)"), os de Santa Sofia de Constantinopla e os de São Vital de Ravenna. de ouro em abundância e de esmalte cloisonné ou favo de mel, com realizações como a Pala de ouro de San Marcos em Veneza ou o tesouro do Monte Athos.
Os povos germânicos estabeleceram-se no antigo Império Romano Ocidental após a sua queda no ano 476, quando numerosos reinos foram criados governados por várias tribos, como os Ostrogodos na Itália, os Visigodos na Espanha ou os Francos na França, cada um com a sua própria cultura e diversidade de estilos artísticos. As principais realizações destes povos foram a arte móvel, geralmente de caráter suntuoso (fíbulas, armas, esporas, broches de cinto) e com motivos ornamentais distantes do naturalismo, geralmente formas geométricas e entrelaçadas.[110].
Na Península Ibérica, a arte visigótica destacou-se na ourivesaria, especialmente em fíbulas, coroas e cruzes, como as encontradas nos tesouros de Guarrazar (Museu Arqueológico Nacional "Museo Arqueológico Nacional (Espanha)") e Torredonjimeno (Museus Arqueológicos de Madrid, Barcelona e Córdoba), de influência bizantina.
Este é o nome dado aos múltiplos estilos desenvolvidos na Europa desde a coroação de Carlos Magno (ano 800) até cerca do ano 1000, onde o aparecimento do Românico significará a difusão de um mesmo estilo unitário por todo o continente europeu. Este significado é simplesmente uma forma de abranger uma série de estilos independentes com poucos ou nenhuns factores comuns, sendo o único factor unificador o facto de terem sido antecessores da internacionalização do românico.
Arte da Idade Moderna
A arte da Idade Moderna - que não deve ser confundida com a arte moderna, que é frequentemente usada como sinônimo de arte contemporânea - [nota 2] desenvolveu-se entre os séculos e. A Idade Moderna implicou mudanças radicais a nível político, económico, social e cultural: a consolidação dos Estados centralizados levou ao estabelecimento do absolutismo; As novas descobertas geográficas – especialmente o continente americano – abriram uma era de expansão territorial e comercial e marcaram o início do colonialismo; A invenção da imprensa levou a uma maior difusão da cultura, que se abriu a todos os tipos de públicos; A religião perdeu a preponderância que tinha na época medieval, o que foi ajudado pela ascensão do protestantismo; Ao mesmo tempo, o humanismo emergiu como uma nova tendência cultural, dando lugar a uma concepção mais científica do homem e do universo.[141].
O Renascimento foi um estilo surgido na Itália no século (Quattrocento), que se espalhou pelo resto da Europa a partir do final daquele século e início do século (Cinquecento). Os artistas inspiraram-se na arte clássica greco-romana, razão pela qual se falava em "renascimento" artístico após o obscurantismo medieval. Estilo inspirado na natureza, surgiram novos modelos de representação, como o uso da perspectiva. Sem abrir mão da temática religiosa, a representação do ser humano e do seu meio ganhou maior relevância.[141].
As artes decorativas tiveram um grande boom devido ao gosto pelo luxo das novas classes abastadas. Muitos artistas das “grandes artes” produziram obras consideradas decorativas: vários pintores fizeram desenhos para gravuras, como Dürer, Ticiano ou Gentile Bellini; Benvenuto Cellini ou Hans Holbein fazem desenhos de ourives; Rafael faz desenhos para tapeçarias.[142] A tapeçaria se destacou na Flandres, com trabalhos baseados em esboços desenvolvidos por pintores como Quentin Metsys ou Bernard van Orley.[143] O vidro continuou com altos níveis de qualidade em Veneza (Murano). A cerâmica destacou-se na Itália (Gubbio, Faenza, Urbino), França (Bernard Palissy) e Espanha (Talavera de la Reina, Manises,[144] Catalunha).[145].
A ourivesaria foi cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti, Andrea del Verrocchio ou Benvenuto Cellini (saleiro de Francisco I de França). Na Espanha, a família Arfe (Antonio, filho de Enrique, e seu filho Juan) continuou a confecção de ostensórios, agora em estilo plateresco. portas do Batistério de Florença, obra de Lorenzo Ghiberti, ou as portas ao pé da catedral de Pisa, de Giambologna.[125] A grelha continuou em Espanha com motivos platerescos, como na obra do Irmão Francisco de Salamanca "Francisco de Salamanca (rejero)") e Cristóbal de Andino, ou puristas, como a obra de Francisco de Villalpando. Nessa época foi introduzido o uso de esboços para design de móveis (Francesco Salviati "Francesco Salviati (pintor)"). Nesta época continuaram as mesmas tipologias da época medieval, mas com uma decoração de estilo clássico.[149].
arte contemporânea
Entre o final e o início do século, foram lançadas as bases da sociedade contemporânea, marcada no campo político pelo fim do absolutismo e pela instauração de governos democráticos - impulso que teve início com a Revolução Francesa - e, no campo económico, pela Revolução Industrial e pela consolidação do capitalismo, que teria resposta no marxismo e na luta de classes. No campo da arte inicia-se uma dinâmica evolutiva de estilos que se sucedem cronologicamente com velocidade crescente, que culminará no século com uma atomização de estilos e correntes que coexistem e contrastam, influenciam e se confrontam.
Nessa época, o design moderno começou no campo das artes decorativas. A nova era industrial colocou à disposição da população uma infinidade de objetos que antes eram fabricados, construídos em série sem especial interesse na sua ornamentação. Em reação a isso, movimentos como o Arts & Crafts e o modernismo "Modernismo (arte)") revalorizaram mais uma vez o objeto como uma obra singular e iniciaram uma nova forma de fazê-los a partir de um design anterior, o que lhes conferiu, apesar da sua posterior fabricação industrial em muitos casos, um novo valor de origem intelectual. Um dos fatores que levaram à rápida difusão do design foi o grande aumento dos meios de comunicação de massa, juntamente com a celebração de eventos especiais, como exposições mundiais. Estes fatores, aliados ao aumento de um número cada vez maior de público capaz de adquirir obras de arte e artesanato, originaram um ambiente cada vez mais dinâmico e inter-relacionado que conduziu a uma vertente de popularização do gosto, promovendo as tendências da moda que seriam tão importantes no século.[180].
O Romantismo foi um movimento de profunda renovação em todos os campos artísticos, com especial valorização da cultura popular, do exótico e do regresso às desprezadas formas artísticas do passado, especialmente as medievais. Na França coincidiu com o estilo de Restauração "Estilo de Restauração (França)") e o Louis Philippe, no Reino Unido com o primeiro Vitoriano, na Alemanha o Biedermeier e na Espanha com o Fernandino e o primeiro Isabelino.
O estilo da Restauração (1815-1830) sucedeu ao estilo Império, com o qual manteve uma certa linha de continuidade. Sua principal característica estilística continuou sendo o classicismo, embora com linhas mais pesadas e ásperas.[181] Foi sucedido pelo estilo Luis Felipe (1830-1848), que herdou suas premissas mas com um ar mais pesado e ostensivo, mais declaradamente burguês, com móveis de inspiração gótica e renascentista.[182] O estilo vitoriano evoluiu estilisticamente do romantismo para o neogótico e Arts & Crafts, com tendência para ornamentação complexa e ornamentada. e, no mobiliário, uma predileção por curvas e superfícies suaves.[183] Na Alemanha e na Áustria, surgiu o estilo Biedermeier (1820-1840),[nota 5] inspirado em estilos anteriores como o gótico, renascentista, rococó, pompeiano e Luís XVI.[185] Na Espanha, os estilos fernandina e elisabetana foram combinados. Deram sobretudo no mobiliário: o primeiro foi influenciado pela Restauração Francesa e pela Regência Inglesa, embora mais pesado e com maior ênfase na praticidade, e no gosto pelas formas retangulares;[186] o segundo foi inspirado no Biedermeier, com gosto pelo luxo e pela ostentação, embora sem abrir mão do conforto e da funcionalidade.[187].
Arte não ocidental
A arte africana sempre teve um marcado carácter mágico-religioso, destinada mais a ritos e cerimónias das diversas crenças animistas e politeístas africanas do que a fins estéticos, embora existam também produções ornamentais. A maioria das produções no campo das artes decorativas ocorreu em cerâmica, joalheria e tecidos, além de objetos de metalurgia.[240].
Na região sudanesa (da savana costeira ao Chade), destacam-se as urnas funerárias, os vasos de terracota e as joias de bronze (brincos, peitorais, pulseiras e anéis). A arte da madeira era praticada pelos Dogon do Mali, pelos Bobo" do Burkina Faso e pelos Senufo, especialmente bancos com pernas em forma de figuras humanas. [241] Interessantes obras de cerâmica têm sido produzidas na região guineense (Costa do Marfim, Gana, Benin, Nigéria e Camarões), especialmente no Benin, com vasos modelados à mão e precariamente cozidos, de cor vermelha ou caiados com cal e decoração linear. A ourivesaria também se destaca nesta região, especialmente nas tribos Ashanti também faziam objetos de ferro, cobre, bronze e latão. Quanto à madeira, era praticada em todos os tipos de objetos e móveis, especialmente nos tronos e assentos rituais de Camarões e Benin. Outras artes praticadas na região eram a eboraria, a tecelagem e a cestaria. Destaca-se também o trabalho em madeira, presente em máscaras, tambores, cabeceiras, assentos, copos, pentes, baús, béqueres e outros objetos. No tecido Kuba, destaca-se o chamado "veludo Kasai" praticado pelos Bakuba), confeccionado com palma e decorado com quadrados, losangos e triângulos. Na cestaria, são notáveis os cestos de banana dos Bakwele" do Congo.[243].
A arte oceânica é marcada pela multiplicidade de territórios insulares que pontilham o Oceano Pacífico, onde se destacam as ilhas da Austrália e da Nova Zelândia, bem como três áreas principais de ilhas e arquipélagos: Polinésia, Melanésia e Micronésia. A primeira cultura desenvolvida na área foi a Lapita (1500-500 aC), originada na Nova Caledônia e espalhada pela Nova Guiné e Polinésia Ocidental (Ilhas Salomão, Vanuatu, Fiji, Tonga e Samoa, principalmente). Caracteriza-se pelas suas cerâmicas decoradas com motivos dentados feitos com pentes ou pontas, bem como objetos feitos de obsidiana e conchas. Entre 500 AC C. e 500 DC. C. a colonização continuou em direção à Micronésia, Melanésia e Polinésia oriental (Ilhas da Sociedade, Marquesas, Ilha de Páscoa, Havaí), embora nestas fases iniciais não tenham sido encontrados numerosos vestígios, exceto alguns utensílios e contas, principalmente feitos de conchas.[244].
Posteriormente, cada área regional desenvolveu diferentes formas de arte: na Nova Guiné foi produzida uma espécie de cerâmica decorada com espirais incisas, bem como móveis de madeira, mosaicos de penas de pássaros, caixas de bambu e cabaças de pirografia; Nas Ilhas Salomão foram encontrados brincos de concha incrustados com madrepérola, madeira entalhada usada como decoração em canoas e vasos de madeira com desenhos gravados; Na Nova Zelândia, o uso de espirais e era característico de objetos ornamentais, encontrados em madeiras esculpidas usadas em canoas, caixas e baixos-relevos em casas, além de brincos de jade chamados ; Nas Ilhas Samoa destaca-se a produção de tecidos de casca vegetal () decorados com desenhos, geralmente losanges ou xadrez; Nas ilhas havaianas, eram feitas tigelas e pratos de madeira sustentados por cariátides, além de vestidos e capacetes decorados com penas, como o manto do rei Kamehameha, comprimento por largura.[245].
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Referências
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[5] ↑ Tatarkiewicz, 2002, pp. 63-67.
[6] ↑ Tatarkiewicz, 2002, p. 82.
[7] ↑ Tatarkiewicz, 2002, p. 45.
[8] ↑ Tatarkiewicz, 2002, p. 49.
[9] ↑ a b Chilvers, 2007, p. 61.
[10] ↑ a b c Souriau, 1998, p. 417.
[11] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 283.
[12] ↑ Souriau, 1998, p. 419.
[13] ↑ Fatás y Borrás, 1990, pp. 136-137.
[14] ↑ Chilvers, 2007, pp. 61-62.
[15] ↑ Bonet Correa et al., 1982, p. 12.
[16] ↑ a b Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 289.
[17] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 289-290.
[18] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 287-288.
[19] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 288.
[20] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 288-289.
[21] ↑ a b Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 290.
[22] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 290-291.
[23] ↑ Real Academia Española. «suntuario». Diccionario de la lengua española (23.ª edición).: https://dle.rae.es/suntuario
[24] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 294.
[25] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 294-295.
[26] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 295.
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[30] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 299-300.
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[33] ↑ Morant, 1980, pp. 15-16.
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[46] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 350-359.
[47] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 359-365.
[48] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 365-377.
[49] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 377-382.
[50] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 809.
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[52] ↑ Fatás y Borrás, 1990, pp. 122-123.
[53] ↑ Fuga, 2004, pp. 300-358.
[54] ↑ Fuga, 2004, pp. 250-284.
[55] ↑ Fuga, 2004, pp. 212-230.
[56] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 410-411.
[57] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 426-429.
[58] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 430-435.
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[60] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 437-438.
[61] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 173.
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[66] ↑ Bonet Correa et al., 1982, pp. 631-638.
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[71] ↑ Onians, 2008, pp. 30-31.
[72] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 444.
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[80] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 443-444.
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[82] ↑ Morant, 1980, pp. 162-163.
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[90] ↑ de la Plaza Escudero y Morales Gómez, 2015, p. 121.
[91] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 453.
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[99] ↑ a b Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 645.
[100] ↑ Morant, 1980, p. 237.
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[150] ↑ Diccionario Enciclopédico Larousse, p. 1393.
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[166] ↑ Morant, 1980, pp. 389-391.
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[169] ↑ Tarabra, 2009, p. 270.
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[172] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 486-487.
[173] ↑ Morant, 1980, pp. 412-414.
[174] ↑ Morant, 1980, pp. 414-415.
[175] ↑ Morant, 1980, pp. 416-417.
[176] ↑ Morant, 1980, p. 418.
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[178] ↑ Tarabra, 2009, p. 284.
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[182] ↑ Fleming y Honour, 1987, pp. 498-499.
[183] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 866.
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[192] ↑ Dempsey, 2002, pp. 33-37.
[193] ↑ Fleming y Honour, 1987, pp. 44-45.
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[199] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 332.
[200] ↑ Morant, 1980, p. 470.
[201] ↑ Morant, 1980, pp. 461-462.
[202] ↑ a b Morant, 1980, p. 462.
[203] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 299.
[204] ↑ Morant, 1980, p. 472.
[205] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 236.
[206] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 598.
[207] ↑ Morant, 1980, p. 483.
[208] ↑ Morant, 1980, p. 485.
[209] ↑ Morant, 1980, p. 454.
[210] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 491.
[211] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 490.
[212] ↑ Morant, 1980, pp. 463-464.
[213] ↑ Morant, 1980, p. 469.
[214] ↑ Morant, 1980, pp. 474-475.
[215] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 489-490.
[216] ↑ Morant, 1980, p. 456.
[217] ↑ Dempsey, 2002, p. 135.
[218] ↑ Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 59.
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[221] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 671.
[222] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 259.
[223] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 525.
[224] ↑ Dempsey, 2002, p. 130.
[225] ↑ a b Fleming y Honour, 1987, p. 72.
[226] ↑ Dempsey, 2002, pp. 131-132.
[227] ↑ Dempsey, 2002, pp. 130-139.
[228] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 246.
[229] ↑ Fleming y Honour, 1987, pp. 246-247.
[230] ↑ Enciclopedia del Arte Garzanti, pp. 285-286.
[231] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 247.
[232] ↑ Morant, 1980, pp. 501-502.
[233] ↑ Dempsey, 2002, pp. 217-221.
[234] ↑ Dempsey, 2002, pp. 181-182.
[235] ↑ Dempsey, 2002, p. 293.
[236] ↑ Dempsey, 2002, p. 295.
[237] ↑ Dempsey, 2002, pp. 254-255.
[238] ↑ Dempsey, 2002, pp. 269-271.
[239] ↑ Parissien, 2007, pp. 284-296.
[240] ↑ Honour y Fleming, 2002, p. 127.
[241] ↑ Morant, 1980, pp. 45-46.
[242] ↑ Morant, 1980, pp. 46-49.
[243] ↑ Morant, 1980, p. 49.
[244] ↑ Onians, 2008, pp. 50-51.
[245] ↑ Morant, 1980, pp. 42-44.
[246] ↑ Morant, 1980, pp. 50-51.
[247] ↑ Morant, 1980, pp. 53-54.
[248] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 399.
[249] ↑ Morant, 1980, pp. 55-56.
[250] ↑ Honour y Fleming, 2002, pp. 121-126.
[251] ↑ Morant, 1980, pp. 57-58.
[252] ↑ Onians, 2008, pp. 96-97.
[253] ↑ Morant, 1980, pp. 59-60.
[254] ↑ Morant, 1980, pp. 66-74.
[255] ↑ Morant, 1980, pp. 62-63.
[256] ↑ Morant, 1980, pp. 76-79.
[257] ↑ Morant, 1980, pp. 79-84.
[258] ↑ Morant, 1980, pp. 84-86.
[259] ↑ Morant, 1980, pp. 86-87.
[260] ↑ Morant, 1980, pp. 87-90.
[261] ↑ Morant, 1980, p. 93.
[262] ↑ Onians, 2008, pp. 46-47.
[263] ↑ Morant, 1980, pp. 95-97.
[264] ↑ Morant, 1980, pp. 97-99.
[265] ↑ Stanley-Baker, 2000, pp. 106-108.
[266] ↑ Morant, 1980, p. 101.
[267] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 96.
[268] ↑ Morant, 1980, pp. 101-103.
[269] ↑ Morant, 1980, pp. 105-108.
[270] ↑ Morant, 1980, p. 114.
[271] ↑ Morant, 1980, p. 117.
[272] ↑ Morant, 1980, pp. 117-120.
[273] ↑ Morant, 1980, pp. 120-121.
[274] ↑ Morant, 1980, pp. 121-122.
[275] ↑ Morant, 1980, p. 122.
[276] ↑ Honour y Fleming, 2002, pp. 548-550.
[277] ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez y Ramírez Domínguez, 1983, p. 158.
[278] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 462.
[279] ↑ Morant, 1980, p. 133.
[280] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 348.
[281] ↑ Morant, 1980, pp. 137-141.
[282] ↑ Morant, 1980, pp. 143-145.
[283] ↑ Morant, 1980, pp. 145-146.
[284] ↑ Morant, 1980, pp. 146-147.
[285] ↑ Morant, 1980, p. 147.
[286] ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora, 2010, pp. 367-368.
[287] ↑ Fleming y Honour, 1987, p. 204.
• - Corioplastia: o trabalho em couro tem duas modalidades principais: cordovão, cabra curtida ou couro de cabra, que surgiu em Córdoba "Córdoba (Espanha)") no período andaluz, utilizado como complemento de mobiliário; e o guadamecí, pele de carneiro curtida e entalhada, e posteriormente policromada, dourada ou prateada, utilizada como ornamento de retábulos, dosséis e altares ou como revestimento de paredes, cortinas ou móveis, às vezes até como tapetes. Existem várias técnicas para trabalhar o couro: gravura, gofragem, recesso, cinzelamento, talha, estampagem, engomadoria, corte, etc. Bordados, folhas de ouro, prata ou estanho, ou aplicações de ferragens ou pregos podem ser adicionados ao couro, podendo ser policromado com produtos minerais (potássio "Potássio (mineral)") ou químicos (anilinas), ou com tinta a óleo ou têmpera. Outras modalidades são o marrocos, pele de cabra polida mais fina que o cordovão, preferencialmente utilizada em encadernação; e marroquina, pele de carneiro usada especialmente em estofados de móveis.[50].
Camafeu: é a escultura de figuras em relevo sobre pedras duras estratificadas, como ágata "Ágata (mineral)"), sardônica, coral e concha, que geralmente apresentam camadas de cores diversas, o que proporciona intensos contrastes cromáticos.
Cinzelar: consiste em trabalhar o metal precioso com cinzel, fazer decorações vazadas ou acabamentos, com cinzéis de diferentes formatos e espessuras.
Damasceno (ou caixão): o desenho é traçado com ponta fina sobre um suporte de metal, em seguida é feita uma incisão com buris e bisturis e, por fim, é aplicada uma filigrana de metais de diversas cores.
Filigrana "Filigrana (artesanato)"): é praticada com fios de metais preciosos, com os quais a peça é feita trançando ou torcendo os fios até obter o formato desejado.
Fusão: são trabalhos executados em molde, feitos de duas formas: “fusão permanente”, feita com molde bivalve, com a forma já trabalhada, feita de pedra ou terracota; «cera perdida», onde o objeto é modelado em cera, sobre o qual é aplicado um funil com respiradouros, cobrindo-o com giz "Creta (rocha)"), que uma vez seco é aquecido até a expulsão da cera, sendo então preenchido com metal fundido.
Granulação: é um procedimento pelo qual se obtêm minúsculas esferas de ouro com as quais são feitos desenhos geométricos ou decorações.
Nielado: consiste em gravar um desenho em uma folha de metal - geralmente prata -, preenchendo as ranhuras com niello, liga de prata, cobre e chumbo, com enxofre e bórax, que produz uma mistura preta e brilhante.
Opus interrasile: técnica de origem romana que consiste em fazer pequenas incisões nas folhas de metal precioso, desempenhando uma função vazada que confere à obra um aspecto rendado.
Gofragem: é a decoração em relevo feita em placas de ouro, prata ou cobre, trabalhando o verso da placa com martelo e cinzel.[53].
• - Vidro e esmalte: existem vários tipos de vidro: “vidro soda” (o mais básico, feito de sílica), cristal (sílica e chumbo ou óxido de potássio), “vidro calcedônio” (sílica e óxidos metálicos) e “vidro lácteo” (sílica, dióxido de manganês e óxido de estanho). A principal técnica de trabalho é o sopro, onde pode receber qualquer formato e espessura. Quanto à decoração, pode ser pintado, esgrafito, esculpido, com pinça, em filigrana "Filigrana (artesanal)"), etc. O esmalte é uma pasta de vidro (sílica, cal, potássio, chumbo e minium), sobre um suporte metálico, trabalhada segundo diversas técnicas: cloisonné, pequenos filamentos de ouro ou cobre, com os quais se desenha a figura no suporte, para separar o esmalte em divisórias; champlevé, que é feito rebaixando o suporte em alvéolos e escavando o material em concavidades, preenchidas com esmalte; ajouré, superfície dourada onde as formas são recortadas com serras ou limas, preenchendo a parte retirada com esmalte.[54].
• - Cerâmica: é feita com argila, em quatro tipos: argila cozida porosa vermelho-amarelada (cerâmica, terracota, pão de ló); argila cozida porosa branca (faiança); argila cozida não porosa cinzenta, castanha ou castanha (grés); argila branca compacta, não porosa e semitransparente (porcelana). Outras variantes são a majólica e a faiança, ambas feitas de faiança estanhífera: o primeiro termo é usado principalmente na Itália e o segundo no resto da Europa. Pode ser feita manualmente ou mecanicamente - com roda -, depois é cozida no forno - a temperaturas entre 400 e 1300 °C, dependendo do tipo -, e decorada com esmalte ou tinta.[55] A decoração pode ser: requintadas aplicações em relevo feitas com argila; inciso, um desenho desenhado no barro ainda tenro; com moldes, aplicados na superfície macia da argila; polimento realizado em argila cozida; esgrafito, aplicação de diversas cores que depois são rasgadas de acordo com o efeito desejado; e marmorizado, mistura de vários corantes com uma gordura, criando veios na cerâmica.[56].
• - Laca: é um verniz brilhante, espesso e sólido, extraído de resinas minerais ou vegetais e proveniente do Extremo Oriente. Este verniz é aplicado em objetos de diversos materiais: madeira, metal, cerâmica, papel ou couro. A técnica da laca começa com uma primeira aplicação de laca grossa, que é recoberta com várias camadas de laca fina, sendo a última da tonalidade desejada; Em seguida é feita a decoração, que pode ser pintada com pincel, por entalhe ou incisão, com incrustações de outros materiais, ou por pulverização de ouro ou prata; Por fim, é feita uma laca final com várias camadas de laca translúcida.[57].
• - Eboraria: é o trabalho do marfim, obtido dos chifres de elefante. Pode ser aplicado em incrustações e, como trabalho individual, em marfins esculpidos, vazados e pintados. A talha inicia-se com o corte da presa em pedaços ou “barcos”, com os quais o objeto é moldado e posteriormente decorado e, por vezes, policromado. A vazada é semelhante à anterior, com uma técnica mais apurada que imita a talha vazada da madeira. As pinturas eram placas de marfim sobre moldura de madeira, sobre as quais eram aplicados pigmentos com pincel.
• - Jato: o jato é uma substância fóssil, uma variedade de linhita, de cor preta e superfície brilhante. Geralmente são peças pequenas, que são trabalhadas com lima e torno, em relevo ou esculpidas, com fase final de polimento. Estão frequentemente ligados a outras obras de escultura ou ourivesaria, sendo bastante comuns nas artes de luxo.[59].
• - Plumeria: as penas são estruturas queratinosas da pele das aves. Eles normalmente são presos a outros suportes – geralmente tecidos – por costura, colagem ou remendos. Seu principal uso ocorreu na América pré-colombiana.[60].
• - Fabricação de cestos: um dos artesanatos mais antigos do mundo é o de recipientes feitos de fibras vegetais interligadas. A técnica mais antiga é a cestaria em espiral, feita com junco, palha ou fibras torcidas em cordas e enroladas em espiral dando-lhes a forma desejada, geralmente esférica ou ovóide. Outra técnica é o trançado, que é feito enrolando longas pregas costuradas com fibras. Em terceiro lugar, o entrelaçamento é conseguido tecendo as fibras sobre uma estrutura de vime.[61].
• - Leque: este instrumento respiratório tem sido frequentemente objeto de decoração e, em algumas ocasiões, colocado no interior das residências como objeto decorativo. Eles podem ser rígidos, mas a maioria é dobrável. Geralmente são constituídos por uma superfície dobrável (country) de tecido, papel, gaze, renda ou cabrito, com hastes (guias) de madeira, marfim, madrepérola, laca ou concha; As duas hastes nas extremidades são chamadas de lâminas. A parte exposta das hastes (fontes) pode ser decorada com aberturas, douramento ou outras técnicas.[62].
• - Glíptica: é a arte de esculpir pedras preciosas ou semipreciosas para a confecção de carimbos “Selo (selo)”), moedas ou medalhas. Geralmente é feito em camafeu ou gravado, e às vezes em formato redondo, geralmente em pequenos pedaços. O trabalho destas peças é realizado com abrasivos e rebolos de cabeça romba ou cortante.[63].
• - Encadernação: as capas de um livro têm como principal função preservar seu conteúdo de agentes externos, embora muitas vezes tenham sido objeto de ornamentação. A união das dobras pode ser feita com costura, colagem ou outros procedimentos. As capas podem ser de papiro, madeira, couro, couro (dourado, cinzelado ou gofrado), papel machê ou outros materiais, às vezes com aplicações de esmalte, ourivesaria ou eboraria.[64].
• - Relojoaria: este instrumento de medição do tempo tem sido frequentemente objeto de ornamentação e, ao longo do tempo, evoluiu tanto tecnológica como estilisticamente. Existem vários tipos de relógios: relógio de sol, relógio de água, relógio de areia, relógio de anel, suporte, pôster, relógio de pêndulo, relógio de banjo, relógio de caixa alta, relógio de carruagem, relógio de globo, relógio de lanterna, relógio de pedestal, relógio de esqueleto, relógio parlamentar, relógio regulador, etc.
• - Loja de brinquedos: os brinquedos cumprem principalmente a função prática para a qual foram criados, as brincadeiras infantis, mas ocasionalmente têm sido utilizados como objetos ornamentais na decoração de interiores. Construídas em inúmeras tipologias e materiais, a sua função utilitária tem sido muitas vezes um entrave à sua conservação, pelo que também é difícil estabelecer uma evolução histórica. Algumas das modalidades mais utilizadas na decoração têm sido bonecos e casinhas de bonecas, autômatos "Autômatos (mecânicos)"), fantoches e marionetes, soldadinhos de chumbo, cavalos de balanço, pipas "Cometa (brinquedo)"), reproduções de armas, trens e automóveis, etc.[66].
triclinium
cathedra
sella
aurum phrygium
• - Arte carolíngia: é aquela que se desenvolveu no Sacro Império Romano desde a coroação de Carlos Magno no ano 800. A miniatura desenvolveu-se notavelmente, na qual se distinguem várias escolas: a Palatina, a de Tours, a de Reims e a de Saint-Denis. (Milão)"), obra de Vuolvinus).[113].
• - Arte Otoniana: é o nome dado à arte desenvolvida no Sacro Império Romano durante o reinado da dinastia Otoniana (- séculos). A miniatura foi herdeira da arte carolíngia, especialmente da escola de Reims, novamente com influência bizantina. Na ourivesaria, a tradição do esmalte continuou, com obras como o altar de Basileia (Museu Cluny), a cruz da Abadessa Matilda (Essen) e a coroa de Conrado II (Viena).[114]
• - Arte Celta: desenvolvida nas Ilhas Britânicas, desenvolveu-se uma escola em miniatura de influência carolíngia, com principal centro de produção em Winchester (Pontifícia de Saint Aethelwold, Museu Britânico). Na ourivesaria merecem destaque a chamada joia do Rei Alfredo (Ashmolean Museum, Oxford) e a caixa do sino de São Patrício (Museu de Dublin).[115].
• - Arte Viking: o povo da Escandinávia fazia principalmente arte móvel, geralmente armas, fíbulas e cintos, dos quais se destacavam as fíbulas com agulhas longas e as espadas com botão terminal e anéis no punho, decoradas em damasceno, cloisonné e filigrana.[116].
• - Arte asturiana: com a invasão muçulmana da Península Ibérica (711-726) os cristãos foram reduzidos à região das Astúrias. A arte asturiana ocorreu no século XIX, em três fases: pré-Ramirense, Ramirense e pós-Ramirense, dependendo do reinado de Ramiro I (842-850). Destaca-se também a ourivesaria, onde se denota a influência carolíngia (Cruz dos Anjos, Cruz da Vitória e Caixa de Ágatas na Câmara Santa da Catedral de São Salvador em Oviedo).[117].
• - Arte moçárabe: São chamados de moçárabes os cristãos que viviam sob o domínio islâmico e que, ao regressarem ao território reconquistado pelos cristãos, praticavam um tipo de arte com grande influência islâmica. Desenvolveu-se especialmente no século XIX, principalmente a norte do Douro, no alto Ebro, no sul da Galiza, na Cantábria e nos Pirenéus. Vale destacar em miniatura os beatos, ilustrações do Comentário ao Apocalipse do Beato de Liébana, bem como as obras de ourivesaria (cruz de Santiago de Peñalba, Museu Arqueológico de Leão; sino do Abade Sansão, Museu de Córdoba; cálice de Santo Domingo de Silos).[118].
A arte românica representa o primeiro estilo internacional da cultura da Europa Ocidental, com uma identidade totalmente consolidada após a passagem do latim para as línguas vernáculas. De natureza eminentemente religiosa, quase toda a arte românica visava a exaltação e difusão do cristianismo. Surgindo em meados do século, desenvolveu-se fundamentalmente ao longo do século, no final do qual começou a coexistir com o incipiente gótico.[119].
No quadro arquitetónico, a escultura ornamental teve grande relevância, especialmente a do tímpano "Tímpano (arquitetura)") das fachadas das igrejas e a dos capitéis das colunas. O mosaico continuou a ser utilizado especialmente em pavimentos, como o da Ascensão de Alexandre da catedral de Orvieto (1163-1166) ou os signos do zodíaco da basílica de San Miniato in Monte (Florença, 1207).[121] Duas escolas predominaram em miniatura: a italiana, de influência bizantina; e a inglesa, onde se destaca a escola de Winchester.[122].
Nesta época destacava-se a ourivesaria, com uso abundante de ouro e pedras preciosas, como no Relicário dos Três Reis Magos (Catedral de Colônia), obra de Nicolás de Verdún, e no Cálice de Doña Urraca (San Isidoro de León). Também tiveram relevância as obras têxteis, sobretudo os bordados, como a Tapeçaria de Bayeux (séc.) ou a Tapeçaria da Criação da Catedral de Gerona (séc.).[123] A vidraria desenvolveu-se como recinto para aberturas entre finais do século XIX e inícios do século XIX, altura em que também foi objecto de apoio à concretização de programas iconográficos relacionados com o cristianismo.[124] Na serralharia predominou o uso do bronze, como nas portas do cristianismo. a igreja de San Miguel de Hildesheim,[125] ou a catedral de Verona.[126] O ferro era utilizado principalmente nas barras dos coros "Coro (arquitetura)".[127] A simplicidade e o rigor predominavam na marcenaria, correspondendo à religião predominante, o cristianismo, que defendia a pobreza e a austeridade. Proliferaram os baús, servindo para guardar roupas e, ao mesmo tempo, como assentos.[128].
A arte gótica[nota 1] desenvolveu-se entre os séculos XIX e II, época de grande desenvolvimento econômico e cultural. O fim da era feudal significou a consolidação de estados centralizados, com maior predominância das cidades sobre o campo, enquanto um setor crescente da sociedade tinha acesso à cultura, que deixou de ser patrimônio exclusivo da Igreja. A ascensão das universidades levou a um aumento nos estudos científicos, filosóficos e literários e lançou as bases da cultura moderna. As artes decorativas tiveram grande relevância durante o período gótico, favorecidas pelas novas classes urbanas de mercadores e artesãos.[130].
Uma das principais especialidades do gótico eram os vitrais, que acrescentavam à sua função iluminadora um aspecto simbólico da transcendência divina. A evolução da arquitetura gótica permitiu a abertura de grandes janelas que encheram o interior de luz, ganhando transparência e luminosidade.[131] Alguns expoentes foram os vitrais das catedrais de Chartres, Reims, Amiens ou da Sainte-Chapelle em Paris.[132].
A miniatura gótica desenvolveu-se especialmente em França, com miniaturas de rico cromatismo, uso abundante de ouro e orlas de tipo vegetal (Saltério da Rainha Branca de Castela, Biblioteca do Arsenal, Paris).[133] Na ourivesaria destacaram-se especialmente os ostensórios e relicários, onde se destaca o nome de Enrique de Arfe (custódia da Catedral de Córdoba, 1518; ostensório processional da Catedral de Toledo, 1517-1524).[134] A cerâmica destacou-se em Faenza e Manises, e o vidro em Veneza e na Catalunha.[134] Na serralharia destacou-se a oficina de Dinant (Bélgica). Também merecem destaque como obra notável as portas de bronze do Batistério de Florença "Baptistério de San Juan (Florença)"), de Andrea Pisano.
Nesta época a tapeçaria desenvolveu-se significativamente, com duas oficinas principais em Paris e Arras. Uma das melhores produções é a Tapeçaria do Apocalipse (Castelo de Angers, 1375-1379). A partir de finais do século destacaram-se as oficinas flamengas.[136] Na marcenaria gótica, tornou-se moda uma decoração inspirada na arquitetura das catedrais, com ogivas, rosetas e janelas multilobadas.[137] O móvel mais utilizado era a arca, que servia tanto de armário como de banco ou mesa, geralmente em carvalho e armada com ferragens.[138] As primeiras gravuras são deste período. na Europa, feito em xilogravura: o primeiro preservado é o São Cristóvão do Museu Germânico de Nuremberg, de 1423. O entalhe apareceu na década de 1430. A gravura contribuiu para a popularização e barateamento da arte, e permitiu ao artista um novo meio de expressão.[139].
Nesta época, as artes gráficas desenvolveram-se significativamente, especialmente graças à invenção da imprensa. A maioria das técnicas de gravura surgiram ou foram aperfeiçoadas: talhe-doce (água-forte, água-tinta, gravura em buril, gravura em meio-tom ou gravura em ponta seca), linogravura, xilogravura, etc. Na Alemanha, destacou-se o trabalho de Durer, especialista na técnica do buril, embora também tenha feito xilogravuras. Na França, a gravura era praticada pela escola de Fontainebleau. Na Flandres, surgiram gravadores notáveis na cidade de Antuérpia, como os irmãos Wierix ou Hieronymus Cock.[150].
O Barroco[nota 3] desenvolveu-se entre o século e o início do século XIX. Foi uma época de grandes disputas no campo político e religioso, em que surgiu uma divisão entre os países católicos contrarreformistas, onde se instaurou o Estado absolutista, e os países protestantes, de caráter mais parlamentar. A arte tornou-se mais refinada e ornamentada, com a sobrevivência de um certo racionalismo classicista mas com formas mais dinâmicas e eficazes, com gosto pelo surpreendente e anedótico, pelas ilusões e efeitos de ótica.
De uma forma geral, as artes decorativas barrocas destacam-se pela ornamentação, sumptuosidade e carácter pomposo, com predominância da linha curva sobre a recta, gosto pelos contrastes luminosos e efeitos ilusionistas, certo carácter cenográfico e de aparência, rigor no detalhe, utilização de materiais diversos e mistura de técnicas, e gosto pelo exótico que se manifesta na importação de produtos do Extremo Oriente e, mais tarde, na sua imitação (chinoiseries e japoneses).[153] Em alguns países, surgiram variedades estilísticas específicas, como os estilos Luís XIV e Regência "Estilo Regência (França)") na França ou os estilos Jacobino, Restauração, Guilherme e Maria e Rainha Ana na Inglaterra.
As artes decorativas tiveram uma grande expansão no século XIX, principalmente devido ao carácter decorativo e ornamental da arte barroca. Na França, o luxuoso projeto do Palácio de Versalhes levou à criação da Manufacture Royale des Gobelins —dirigida pelo pintor do rei, Charles Le Brun—, onde eram fabricados todos os tipos de objetos decorativos, principalmente móveis, estofados e ourivesaria. A confecção de tapeçarias teve um aumento significativo na sua produção e visava a imitação da pintura, contando com a colaboração em numerosos casos de pintores de renome que produziram cartão para tapeçarias "Carton (art)"), como Simon Vouet, o próprio Le Brun ou Rubens na Flandres. A ourivesaria também atingiu elevados níveis de produção, sobretudo de prata e pedras preciosas. A cerâmica e o vidro continuaram geralmente com as mesmas técnicas de produção do período renascentista: destacaram-se as cerâmicas brancas e azuis de Delft (Holanda) e os vidros polidos e esculpidos da Boémia. Em bronze destacam-se o baldaquino de São Pedro e a cátedra de São Pedro, ambos de Gian Lorenzo Bernini.[156].
Nesta época destacava-se especialmente a marcenaria, que se caracterizava por superfícies onduladas (côncavas e convexas), com volutas e motivos diversos como cartelas e conchas. Na Espanha surgiu o bargueño, um baú retangular com alças, com inúmeras gavetas e compartimentos, além da poltrona chamada frailero (ou missionário na América Latina). No final do século a técnica da marchetaria foi desenvolvida na Holanda. A época de ouro da marcenaria ocorreu na França de Luís, onde foram alcançados elevados níveis de qualidade e requinte, especialmente graças ao trabalho de André-Charles Boulle.[157] As artes gráficas foram amplamente difundidas durante o Barroco, dando continuidade ao boom que este setor teve durante o Renascimento. As técnicas mais utilizadas foram a água-forte e a gravura em ponta seca,[158] No século em que se destacaram Guido Reni, Claude Lorrain, Abraham Bosse, Jacques Bellange, Jacques Callot, Peter Paul Rubens, Lucas Vorsterman I, Anton van Dyck, José de Ribera, Francisco Ribalta, Francisco Herrera, o Velho e, especialmente, Rembrandt.[158].
O Rococó[nota 4] desenvolveu-se no século – coexistindo no início do século com o Barroco e, no final, com o Neoclassicismo – e significou a sobrevivência das principais manifestações artísticas do Barroco, com um sentido mais acentuado de decoração e gosto ornamental, que foram levados a um paroxismo de riqueza, sofisticação e elegância.[160] Estilisticamente, na França ocorreram os estilos Luís XV e Luís. XVI. Em 1766, foi fundada na França a École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, o primeiro centro de formação de renome em artes decorativas.
As artes decorativas tiveram especial relevância, pois o Rococó era uma arte de ar burguês dedicada à ostentação e ao luxo.[161] O design de interiores foi notavelmente desenvolvido, com especial destaque para móveis, espelhos, sedas, tapeçarias e objetos de porcelana. Esta última foi amplamente difundida, especialmente a de Meissen e Sèvres, com delicados motivos ornamentais, de preferência de estilo oriental.[162] Em Espanha, a produção de cerâmica continuou em Talavera, Alcora e Manises, onde se tornou moda uma espécie de pedestal de azulejos com cenas de caça ou paisagens.[163].
O vidro também teve um grande boom, com Veneza ainda na vanguarda da produção, assim como a Boêmia, onde se obteve um vidro transparente e incolor que substituiu o cristal de rocha utilizado desde o Renascimento. A tapeçaria teve um grande centro de produção em Lyon, onde se tornaram moda motivos orientais e exóticos (chineses, indianos, turcos).[164] Na Espanha, ganharam notoriedade as tapeçarias da Real Fábrica de Tapeçarias de Santa Bárbara (criada em 1720), algumas delas desenhadas por Goya.[165] A obra da ourivesaria também teve um centro de divulgação na França, onde se destaca a obra de Goya. Juste-Aurèle Meissonnier.[166] Na serralharia destacam-se as barras de ferro da Place Stanislas em Nancy, obra de Jean Lamour (1750-1758).[167].
Na marcenaria, o francês Louis um de seus melhores expoentes foi Jean-Henri Riesener.[168] No Reino Unido, destacou-se a obra de Thomas Chippendale, que deu origem ao chamado "estilo Chippendale" (segunda metade do século), caracterizado pelo ecletismo "Ecletismo (arte)"), com mistura de elementos góticos, rococó, palladianos e chineses.[169] Nessa época surgiu a litografia, uma nova novidade. tipo de gravura em calcário, inventada por Aloys Senefelder em 1796. Foi utilizada por pintores como Goya, Gainsborough ou Géricault.[170].
A ascensão da burguesia após a Revolução Francesa favoreceu o ressurgimento de formas clássicas, mais puras e austeras, em contraste com os excessos ornamentais do Barroco e do Rococó, identificados com a aristocracia. Este ambiente de valorização do legado clássico greco-romano foi influenciado pela descoberta arqueológica de Pompéia e Herculano, juntamente com a disseminação de uma ideologia de perfeição das formas clássicas levada a cabo por Johann Joachim Winckelmann, que postulou que a beleza perfeita existia na Grécia antiga, o que gerou um mito sobre a perfeição da beleza clássica que ainda hoje condiciona a percepção da arte. de George I, George II e George III - desenvolvido, seguido pelo estilo Regência "Estilo Regência (Reino Unido)"). Seu equivalente nos Estados Unidos era o estilo federal. As artes decorativas regressam aos temas clássicos (louros, guirlandas, esfinges) e ao colorido austero, muitas vezes monocromático, com volumes compactos e formas simples.[172].
Na cerâmica destaca-se o trabalho de Josiah Wedgwood, que criou uma espécie de faiança de cor creme que teve grande sucesso internacional. A porcelana de Sèvres também continuou, desta vez imitando temas antigos. No vidro, a Real Vidraria Francesa de Saint Louis produziu peças de vidro potássico imitando a vidraria da Boémia (façon de Bohême), enquanto na própria Boémia continuou com sucesso a produção de vidraria de alta qualidade, com um estilo mais sóbrio do que na era Rococó. O vidro veneziano também prosperou, especialmente com opalas brancas que imitavam a porcelana.[174] A ourivesaria evoluiu como as demais artes para formas mais austeras e temas de inspiração clássica.[175] Nas artes do metal, destacam-se a grade do Palácio da Justiça de Paris (1783-1785) e a grade do coro de Notre-Dame de Paris (1809).[176].
A marcenaria voltou a formas mais clássicas, representadas principalmente no Reino Unido por Robert Adam, George Hepplewhite e Thomas Sheraton. Em França, com o chamado estilo Directório (1795-1805) houve o regresso a um tipo de mobiliário mais sóbrio, com preponderância do construtivo sobre o decorativo e a utilização das cores puras da madeira face aos tons pastéis do Rococó. O estilo Império desenvolveu-se na França napoleónica, de onde se espalhou pelo resto da Europa, substituindo a sobriedade pela ostentação e luxo, com um estilo suntuoso, com preferência por temas exóticos e orientais, de preferência egípcios (égyptiennerie), devido à campanha napoleónica no Egito (1798-1801).[178].
A arquitetura historicista baseou-se no ecletismo ( "Ecletismo (arte)") e no renascimento de estilos anteriores reinterpretados segundo conceitos modernos, que produziram movimentos como o neo-românico, o neogótico, o neobarroco, etc. Para isso, foram utilizadas frequentemente referências bibliográficas e expoentes museológicos desses estilos. Em 1857 foi fundado o Victoria & Albert Museum de Londres com o objetivo de estabelecer os parâmetros fundamentais para definir as premissas fundamentais do design contemporâneo.[188].
Uma das maiores fontes de inspiração foi o passado medieval, como denota a decoração do Castelo de Neuschwanstein, promovida pelo rei Ludwig II da Baviera.[188] O neogótico surgiu no Reino Unido já em meados do século, mas desenvolveu-se especialmente no século XIX, com variedades locais como os estilos Trovador e Segundo Império na França e o elisabetano na Espanha. Ocorreu especialmente em móveis, mas também em outros detalhes ornamentais aplicados à arquitetura. O neogótico influenciou o modernismo no final do século, especialmente na Catalunha.[189] Um dos maiores teóricos desse movimento foi Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc, enquanto como designer se destacou o arquiteto Augustus Welby Northmore Pugin, que projetou móveis, joias e pratarias baseado estritamente em precedentes medievais.[189] No Reino Unido houve um renascimento do estilo Queen Anne em meados do século, que consistiu no desenvolvimento de reproduções - especialmente móveis e pratarias - desse período, como se pode ver nas cadeiras e mesas de pernas cabriole.[190] Um de seus maiores expoentes foi Edward William Godwin, arquiteto e designer ligado ao movimento estético, muito influenciado pela arte japonesa, a ponto de projetar um tipo de mobiliário denominado "anglo-japonês".[191].
No último terço do século, o movimento britânico Arts & Crafts, promovido por John Ruskin e William Morris, teve especial relevância. Esta corrente defendia uma revalorização do trabalho artesanal e um regresso às formas tradicionais de produção, estipulando que a arte deve ser tão útil quanto bela.[192] Seguindo as abordagens de Ruskin e Morris, Charles Robert Ashbee foi o principal organizador do movimento. Em 1888 fundou a Guilda e Escola de Artesanato em Toynbee Hall (Londres), onde projetou móveis, prataria e serralheria em um estilo próximo ao modernismo.
Arthur Heygate Mackmurdo, fundador da oficina de decoração de interiores Century Guild, trabalhou na órbita de Morris, onde fez móveis que se destacavam pelas linhas e ângulos retos, como sua famosa cadeira de 1881.[195] Em geral, esses artistas abandonaram o neogótico por um estilo mais simples, leve e elegante, inspirado em parte no estilo Queen Anne. Na década de 1890 a influência modernista foi recebida, mas logo depois Philip Webb voltou a um estilo mais rústico e austero. Por volta de 1900, o movimento foi diluído, principalmente devido à contradição gerada pelo facto de a sua produção artesanal encarecer o produto e só poderem vender a uma clientela seleccionada, o que colidia com a sua ideologia próxima do socialismo utópico, enquanto para chegar às massas teriam que recorrer à produção em série, o que contrariava a sua defesa do artesanato manual.
Modernismo "Modernismo (arte)") foi um movimento arquitetônico que surgiu por volta de 1880 em vários países, dependendo de qual recebeu diferentes nomes: Art Nouveau na França, Modern Style no Reino Unido, Jugendstil na Alemanha, Sezession na Áustria, Liberty "Modernismo (arte)") na Itália e modernismo na Espanha, país em que o modernismo catalão se destacou. Perdurou até ao início da Primeira Guerra Mundial.[9] Este estilo, pelo seu carácter ornamental, representou uma grande revitalização das artes decorativas, com uma nova concepção mais centrada no acto criativo e na comparação com as restantes artes plásticas, a tal ponto que os seus criadores propuseram pela primeira vez a “unidade das artes”. O design modernista geralmente propunha a reavaliação das propriedades intrínsecas de cada material, com formas de tipo organicista inspiradas na natureza.[197] Embora teoricamente opostos ao historicismo, foram inspirados em numerosos estilos do passado, especialmente na arte medieval, celta, oriental e rococó. Por outro lado, alguns projetos de Hector Guimard apontavam para a arte abstrata, enquanto Henry Van de Velde, iniciado no modernismo, representa a transição entre o modernismo e o design industrial.[198].
Um claro exemplo de arquiteto preocupado com o design de interiores foi Antoni Gaudí, que desenhou muitos dos móveis de suas obras, tanto civis quanto religiosas, fez desenhos em ferro forjado (como seu famoso dragão dos pavilhões Güell) e inovou no campo do mosaico com sua técnica trencadís, uma espécie de revestimento cerâmico feito com resíduos que ele dispôs em combinações originais e fantasiosas, como seu banco de parque ondulado. Güell.[199] Outros arquitetos que realizaram projetos ornamentais foram Victor Horta, Hector Guimard (criador da grade das estações de metrô de Paris, que se tornou um dos ícones visuais da Art Nouveau),[200] Charles Rennie Mackintosh, Josef Hoffmann e Joseph Maria Olbrich. Também houve referências na pintura e na ilustração, como Alfons Mucha, Koloman Moser e Émile-Victor Prouvé.
Em vidro, Émile Gallé realizou peças incrustadas com folhas de ouro ou prata, placas de mica e fibras de amianto, inspiradas na natureza.[201] Louis Comfort Tiffany foi influenciado por Gallé, do qual inovou técnica e estilisticamente, como em seu Favrile Glass, técnica de vidro soprado e posteriormente iridizado pela exposição a vapores de metal fundido. René Lalique, ourives e vidreiro, criou obras mais simples, distantes das formas sinuosas da moda até então, geralmente com produção em série.[202] Na ourivesaria também se destacou Peter Carl Fabergé, criador de peças de grande fantasia, entre as quais se destacam os seus "ovos de Páscoa", que confeccionou para a família real russa. O mobiliário destacou-se pelo design harmonioso e proporcional, com predominância de formas onduladas. Alguns de seus melhores expoentes foram: Arthur Liberty, Henry Van de Velde, Émile Gallé, Louis Majorelle, Carlo Bugatti e Gaspar Homar.[204] Na cerâmica, destacou-se Auguste Delaherche, autor de vasos de porcelana e grés decorados com vernizes.[205] Em estofados, Hermann Obrist desenhou bordados de formas vegetais que fizeram muito sucesso, especialmente aquele conhecido como O chicote.[206].
No século XIX as artes decorativas tiveram uma rápida evolução, marcada pela utilização de novos materiais e tecnologias mais avançadas. Com uma clara aposta no design como base criativa, neste século o aspecto intelectual destas criações ganhou destaque face à mera realização material tradicionalmente concedida ao artesanato. No entanto, a produção em massa de objetos ornamentais levou especialistas como Gérald Gassiot-Talabot a afirmar que “as artes decorativas estão mortas”, circunstância que remonta à década de 1930, com movimentos como a Bauhaus e os primeiros desenhos industriais. Loewy—, o que afeta o aspecto comercial do produto.[208].
As artes decorativas tradicionais continuaram em maior ou menor grau, embora muitas vezes relegadas ao conceito de artesanato face ao novo desenho industrial. O mosaico renasceu na Itália graças ao trabalho do escultor Gino Severini, que fundou em Paris em 1951 uma oficina que mais tarde se tornou a Escola de Belas Artes Gino Severini. Na cerâmica também foram exploradas novas técnicas e materiais. Como em outras áreas, relacionou-se com artistas de reconhecido prestígio, como Georges Rouault, Raoul Dufy, Pablo Picasso e Joan Miró. Este último, em colaboração com o ceramista Josep Llorens i Artigas, criou grandes murais de cerâmica como os da sede da UNESCO em Paris, da Universidade de Harvard, da Fundação Maeght e do aeroporto de Barcelona.[210].
Os vitrais seguiram dois caminhos: o tradicional e o que utilizou novas técnicas e materiais, como o cimento armado em vez do chumbo e o plástico ou poliéster em vez do vidro.[211] Quanto à vidraria, resistiram os vidros de Murano (Veneza), assim como os vidros da Boêmia, que se esforçaram para se renovar através do vidro lapidado. Na Finlândia, Tapio Wirkkala fabricava vidros com bolhas e, na Suécia, eram feitos vidros com decoração figurativa ou abstrata gravada.[212] Na ourivesaria, o material mais utilizado era o diamante, assim como as pedras preciosas.[213].
O mobiliário seguiu um design mais funcional, com utilização de novos materiais como aço, alumínio e plástico. Alguns expoentes, como a cadeira cantilever de Mart Stam, a poltrona tubular de aço de Marcel Breuer ou a cadeira corola de plástico desenhada por Eero Saarinen, iniciaram o design industrial em móveis. Um exemplo claro do novo mobiliário de design inovador foi a famosa cadeira vermelha e azul de Gerrit Thomas Rietveld (1923), com formas geométricas e cores primárias. A madeira foi mais uma vez revalorizada nos países nórdicos, com artistas como Alvar Aalto, Kaare Klint e Børge Mogensen, bem como nos Estados Unidos com Charles Eames.[214] A tapeçaria tornou-se notavelmente próxima da pintura, pois muitas obras de pintores como Georges Rouault, Pablo Picasso, Georges Braque, Raoul Dufy, Henri Matisse, Fernand Léger e Joan Miró foram trazidas para o tear. Em vez disso, Jean Lurçat renovou a tapeçaria e devolveu-a ao seu conceito inicial, ligado à arquitetura - que é o seu enquadramento original - e longe da pintura.
A gravura foi praticada por numerosos pintores, como Pierre Bonnard, Maurice Denis, André Derain, Max Slevogt, Henri Matisse, Marc Chagall, Vasili Kandinsky, Paul Klee, Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí, Willem de Kooning, Jackson Pollock, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Eduardo Chillida e Antoni Tàpies. Os métodos mais utilizados foram xilogravura, litografia e água-forte, e novas técnicas foram desenvolvidas, como água-tinta colorida e serigrafia, além da impressão offset.[216].
Em 1925, foi realizada em Paris a Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, que foi o ponto de partida do art déco.[nota 6] Na realidade, a exposição de 1925 foi a oficialização de um movimento que vinha fermentando há alguns anos - desde o fim da Primeira Guerra Mundial - como um estilo sucessor do modernismo: em 1919, Louis Süe e André Mare) criaram o Compagnie des Arts Français, caracterizada pelo mobiliário de inspiração tradicional mas pela decoração exuberante Este estilo, que perdurou até o início da Segunda Guerra Mundial, foi uma revolução no design de interiores e nas artes gráficas e industriais. Caracterizou-se pela predileção pelas linhas curvas e pelos floreios simétricos nas artes gráficas, e pelas formas quadradas e geométricas no mobiliário e na decoração de interiores. (Cassandre).[218] No entanto, o aspecto kitsch de muitas de suas produções fez com que ele fosse insultado pelas correntes de vanguarda e somente na década de 1960 ele foi revalorizado por movimentos como a pop art, que buscaram inspiração em algumas de suas obras.[219].
Uma das áreas onde este estilo mais floresceu foi o mobiliário, onde se destacou Jacques Émile Ruhlmann, decorador e designer de mobiliário com grande sentido comercial, sempre atento a captar as últimas tendências da moda.[220] Na ourivesaria destacam-se algumas produções do modernista René Lalique realizadas nesta época, enquanto outro nome notável foi Jean Puiforcat, que fazia peças de prata de elevada qualidade, com um aspecto austero mas luxuoso.[221] Na metalomecânica, merece destaque. ser de Jean Dunand, autor de peças em metal e laca, com desenho geométrico, geralmente vasos incrustados com ouro, prata, esmalte ou outros materiais.[222] Em vidro, Maurice Marinot fazia preferencialmente tigelas e potes de concepção mais ornamental do que prática, com formas escultóricas de aparência sólida, com ou sem cor, às vezes esmaltadas e, ocasionalmente, com desenhos em água-forte.[223].
Um dos movimentos mais inovadores no campo do design foi a Escola Bauhaus[nota 7] que, face à ornamentação excessiva do art déco, introduziu um conceito de design mais racional e funcional, mais adaptado às reais necessidades das pessoas. Esta escola pretendia quebrar as barreiras entre a arte e o artesanato, com uma clara aposta na produção industrial. Nasceu em 1919, quando o arquiteto Walter Gropius assumiu a direção da Escola de Artes e Ofícios de Weimar, que rebatizou de Das Staatliche Bauhaus Weimar. O seu objetivo era “a obra de arte coletiva, o Edifício, dentro da qual não existem barreiras que separem as artes estruturais das artes decorativas”. Os alunos da escola aprenderam teorias de forma e design, bem como oficinas de pedra, madeira, metal, argila, vidro, tecelagem e pintura. Gropius rejeitou a produção industrial, com posicionamento próximo ao movimento Arts & Crafts, e defendeu o trabalho cooperativo, bem como a responsabilidade social do designer. A Bauhaus mudou-se para Dessau em 1925 e para Berlim em 1932. Gropius foi sucedido por Hannes Meyer em 1928, seguido por Ludwig Mies van der Rohe em 1930. A escola foi fechada pelos nazistas em 1933.[225]
O seu design baseou-se na simplicidade, na abstracção geométrica e na utilização de cores primárias e novas tecnologias, como ficou evidente no mobiliário tubular de aço criado por Marcel Breuer, na cadeira Barcelona de Ludwig Mies van der Rohe, no mobiliário conglomerado de Alvar Aalto, ou nos candeeiros desenhados por Marianne Brandt. Nesta escola destacaram-se criadores como László Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer, Johannes Itten, Paul Klee, Josef Albers, Vasili Kandinski, Lilly Reich, Gerhard Marcks e Wilhelm Wagenfeld.[226].
No século, o design industrial conduziu o design de interiores para o caminho da criação intelectual e do design funcional, com um aumento progressivo da experimentação de novos materiais (plástico, fibra de vidro) e maior atenção às necessidades do mercado. Embora não exista uma definição unanimemente aceita, o desenho industrial é geralmente considerado o projeto de produtos projetados para serem fabricados em série por meio de processos mecânicos (linhas de montagem). Intrinsecamente, um desenho industrial deve ser planejado em sua totalidade antes de entrar no processo de fabricação, sem manipulações posteriores.[228].
Na Alemanha, arquitectos e designers como Peter Behrens, Richard Riemerschmid e Bruno Paul, e oficinas e associações como a Deutsche Werkstätten e a Deutsche Werkbund lançaram as bases do design industrial numa fase inicial. Assumiu o controle a Bauhaus, onde o design industrial passou para o campo acadêmico, e seus postulados também foram adotados pela arquitetura racionalista (ou Estilo Internacional). Após o encerramento da Bauhaus pelos nazis em 1933, a maior parte dos seus componentes mudou-se para o Reino Unido ou para os Estados Unidos, países que assumiram a batuta do design industrial. Após a Segunda Guerra Mundial, os ideais da Bauhaus foram retomados na Alemanha por Max Bill, fundador da Hochschule für Gestaltung em Ulm (1951).[229] Em França, o pioneiro foi o arquitecto Le Corbusier, que proclamou a “absoluta autonomia expressiva dos objectos produzidos industrialmente” e apontou como aspectos básicos do novo design a pureza das linhas, a funcionalidade dos materiais e a luminosidade das superfícies. Nos Estados Unidos foi iniciado por Frank Lloyd Wright, até o surgimento do design na década de 1930 com figuras como Henry Dreyfuss, Raymond Loewy e Walter Dorwin Teague. Nessa década, também se estabeleceram alguns mestres da Bauhaus como Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius e László Moholy-Nagy, que ensinaram uma nova geração de designers. Mais tarde destacaram-se Charles Eames, George Nelson e Harry Bertoia.[231].
Mais tarde, na Europa, o desenho industrial teve duas correntes principais: a escandinava e a italiana. A primeira, representada por Arne Jacobsen, Alvar Aalto, Eero Saarinen e Poul Kjærholm, teve as suas raízes na arte popular e baseou-se na naturalidade e simplicidade das formas como premissa fundamental do design. Por sua vez, o design italiano era mais ousado e extravagante, com predileção por cores vivas, utilização de materiais artificiais como resina, plástico e conglomerado, além de aço e materiais mais “nobres” como o mármore. Ele foi representado principalmente por Ettore Sottsass, Joe Colombo e Gae Aulenti.
Desde a Segunda Guerra Mundial, as artes decorativas tradicionais e o design industrial coexistiram com novas correntes da vanguarda artística que ocasionalmente fizeram incursões no campo do design. Um dos estilos artísticos que entrou neste campo foi a pop art, que surgiu no Reino Unido e nos Estados Unidos por volta de 1955 como um movimento de rejeição do expressionismo abstrato, com uma marcada componente de inspiração popular. Destacam-se os móveis projetados por Verner Panton ou da equipe italiana formada por Jonathan de Pas"), Donato d'Urbino") e Paolo Lomazzi"), criadores da cadeira inflável Blow (1967) e do Joe Sofa (1971).[233] Outro movimento interessado no design foi a arte abstrata orgânica, que se caracteriza pelo uso de formas arredondadas inspiradas na natureza. outros objetos de concepção escultórica, como sua famosa mesa de centro com base de madeira e tampo de vidro (1947).[234].
Entre as décadas de 1950 e 1960, surgiu na Itália o chamado estilo Neoliberty, com predominância de linhas curvas, representado por Gae Aulenti, Franco Albini, Vittorio Gregotti e Carlo Mollino. plástico.[236] Entre os anos de 1960 e 1970 houve uma tendência na arquitetura e no design conhecida como “anti-design” (também “contra-design” ou “design radical”), representada pelo estúdio britânico Archigram e pelos italianos Archizoom e Superstudio. Uma de suas melhores criações foi a cadeira Mies da Archizoom (1969).[237].
Desde 1975 predomina a arte pós-moderna, assim chamada em oposição à arte moderna, uma vez que o fracasso dos movimentos de vanguarda é assumido como o fracasso do projeto moderno. Este movimento representa um regresso às formas e estilos de arte tradicionais que, no entanto, são reinterpretados e misturados de forma livre e arbitrária. Destacaram-se designers como Ettore Sottsass, Alessandro Mendini, Michele de Lucchi") e Philippe Starck, assim como nas artes gráficas Wolfgang Weingart"), Neville Brody e Javier Mariscal.[238].
O novo milénio iniciou-se com um fio de continuidade com o século anterior, tanto na sobrevivência das técnicas tradicionais, cada vez mais relegadas à consideração do artesanato, como na evolução do design industrial. Estilisticamente, no início do século a arte pós-moderna continuou a predominar, embora também se tenha notado a influência de movimentos arquitetónicos como a alta tecnologia e o desconstrutivismo. Um fenômeno social da virada do século foi o novo conceito de automontagem de móveis e de venda de produtos de design por catálogo ou em lojas de departamentos, que teve como paradigma a empresa sueca Ikea, fundada em 1943 por Ingvar Kamprad. Em geral, a tendência do novo milênio tem sido a do ecletismo “Ecletismo (arte)”), a mistura de estilos, bem como a busca pela simplicidade e conforto. No design de interiores houve também uma maior preocupação com a sustentabilidade ambiental e um grande boom na utilização de novas tecnologias. Entre os designers mais destacados da transição do século podemos citar Ron Arad “Ron Arad (designer industrial)”), próximo do desconstrutivismo, que fez obras de materiais reciclados com aspecto escultural; e Andrée Putman, designer de estilo eclético que mistura elementos rococó, high-tech e pós-modernos.[239].
horror vacui
hei tiki
tapa
A arte pré-colombiana é chamada de arte produzida no continente americano antes da descoberta da América por Cristóvão Colombo em 1492. Várias culturas floresceram aqui ao longo do tempo, entre as quais se destacam os maias e astecas no México e os incas no Peru.
Uma de suas principais manifestações foi a cerâmica, feita sem roda, em modelagem ou fundição. No México, urnas funerárias e vasos com cabeças em forma de caricatura foram encontrados entre os toltecas, vasos mixtecas, vasos e tripés maias ou máscaras de terracota Totonac. Mas as melhores criações são do Peru, com alguns primeiros expoentes na cultura de Chavín "Chavín (cultura)"), na dos Mochicas, dos Chimús e em Nazca, até chegar aos Maias, entre os quais se destacam as ânforas pontiagudas com duas alças, com decoração pintada de tipo geométrico. A ourivesaria teve grande relevância nas culturas pré-colombianas, especialmente no Peru, onde o trabalho em ouro foi confirmado desde o século AC. C. e a prata a partir do século AC. C.[248] No México destaca-se o tesouro encontrado no túmulo 7 do Monte Albán, onde foi encontrado um peitoral de ouro representando o deus dos mortos Mictlantecuhtli. Na Colômbia, onde há uma boa amostra no Museu do Ouro de Bogotá, destacam-se os peitorais antropomórficos da cultura Quimbaya "Quimbaya (grupo étnico)"), assim como as peças de tumbaga, uma liga de ouro e cobre. A platina foi trabalhada pela primeira vez no Equador.[249] No Peru, surgiu uma notável indústria têxtil, talvez a primeira do mundo – há vestígios do século AC. C.—, fiado em tear com fios de quase duzentas cores diferentes.[250] Foram confeccionadas tapeçarias, gazes e brocados, com motivos ornamentais figurativos e abstratos e geométricos.[251].
Várias tribos viveram na América do Norte adaptadas aos múltiplos habitats deste continente, como regiões árticas, selvas, desertos, florestas e pastagens. Embora cada um tivesse sua idiossincrasia artística, em geral praticavam uma arte moveleira feita com materiais como peles, fibras vegetais, penas, pedra, madeira, cobre, mica, conchas, penas de porco-espinho, etc. Um dos elementos típicos das tribos nômades eram os tipis, tendas geralmente feitas de pele de búfalo e decoradas com emblemas tribais e familiares. A cerâmica foi desenvolvida especialmente no sudoeste americano, com peças notáveis entre a tribo Mimbre, autores de tigelas decoradas com pinturas de pássaros, animais e seres humanos.[252].
A arte chinesa teve uma evolução mais uniforme do que a arte ocidental, com uma bagagem cultural e estética comum a sucessivas etapas artísticas, marcadas pelas dinastias reinantes. Como a maior parte da arte oriental, possui importante conteúdo religioso (principalmente taoísmo, confucionismo e budismo) e comunhão com a natureza. Ao contrário do Ocidente, os chineses valorizavam igualmente a caligrafia, a cerâmica, a seda ou a porcelana, bem como a arquitetura, a pintura ou a escultura, enquanto a arte está totalmente integrada na sua filosofia e cultura. Han (206 AC-220 DC), período das Seis Dinastias (220-618), Tang (618-907), Song (960-1279), Yuan (1280-1368), Ming (1368-1644) e Qing (1644-1911).
Uma das principais expressões das artes decorativas chinesas é a cerâmica: os primeiros vestígios são do Neolítico, por volta de 2500 a.C.. C. No período Shang eram feitos vasos de barro fino decorados por incisão e durante a dinastia Zhou apareceu uma protoporcelana de grés esmaltada com feldspato e caulim impuro. Na era Han, existia um tipo de cerâmica esmaltada com esmalte de chumbo. Durante a dinastia Ming foi produzido um tipo de porcelana branca translúcida de grande perfeição técnica. Finalmente, no período Qing, foram realizadas peças monocromáticas e policromadas, com predileção temática por cenas pitorescas. Destacou-se também o Jade, que é trabalhado na China desde o III milénio a.C.. C., usado como objeto ritual, ornamento, joia, amuleto, decoração de espada ou fivela de cinto.[255].
A ourivesaria é escassa, devido à pobreza do território chinês em ouro e prata. A maior produção foi durante a dinastia Tang, principalmente colares, brincos e pulseiras com abundância de pérolas. A era Song destacou o uso da filigrana, e o Yuan se destacou na ourivesaria. A dinastia Qing manteve os estilos anteriores, em peças de grande sumptuosidade com abundância de pérolas, jade, corais e outros materiais preciosos. Na metalurgia, destacam-se as obras em bronze, das quais foram realizadas realizações notáveis já em 1700 aC. C. Além de óculos, capacetes e armas, foram confeccionados sinos, caldeirões tripé (jue), espelhos, facas e talheres. Na era Zhou, o vidro hu proliferou, com grandes dimensões. No período Han, o bronze tornou-se mais suntuoso, incrustado com materiais preciosos. Durante a dinastia Ming, iniciou-se a decoração de vasos de bronze em esmalte cloisonné.[257].
O mobiliário apresenta duas tipologias principais: o baú ou caixa e a moldura, geralmente de desenho arquitetônico e estrutura retangular, de formas simples e austeras. O Tang tinha móveis mais luxuosos, com incrustações de ouro, prata, madrepérola ou marfim, às vezes laqueadas. Outro grande expoente das artes decorativas chinesas é a laca, fabricada desde o século AC. C. O apogeu da laca ocorreu durante a dinastia Han, período em que a técnica foi aperfeiçoada, às vezes com incrustações de ouro, prata ou madrepérola. Quanto à arte têxtil, destaca-se a seda, descoberta na China no III milénio a.C.. C. Floresceu especialmente a partir da dinastia Han, período em que começou a ser exportado através da Rota da Seda.[260].
A arte japonesa tem sido marcada pela sua insularidade, embora em intervalos tenha sido influenciada por civilizações continentais, especialmente a China e a Coreia. Grande parte da arte produzida no Japão tem sido de tipo religioso: à religião xintoísta, a mais tipicamente japonesa, formada por volta do século XIX, o budismo foi adicionado por volta do século XIX, forjando um sincretismo religioso que perdura até hoje. Tal como a arte chinesa, a arte japonesa está imbuída de um profundo amor pela natureza, que por vezes se traduziu em alguns objectos artísticos numa austeridade decorativa motivada pela sua imitação de objectos naturais. A arte japonesa é dividida em períodos históricos: Jōmon (5000-200 a.C.), Yayoi (200 a.C.-200 d.C.), Kofun (200-600 d.C.), Asuka (552-646), Nara (646-794), Heian (794-1185), Kamakura (1185-1392), Muromachi (1333-1573), Momoyama. (1573-1615), Edo (1615-1868) e Meiji (1865-1911).
No Japão, durante o período Jōmon, foi produzida a cerâmica mais antiga produzida pelo homem (7.000 aC), feita à mão e decorada com incisões ou impressões de corda. No período Kofun (por volta do século II) surge o trabalho com rodas, provavelmente devido à influência coreana. Durante o período Kamakura iniciou-se a produção daquela que seria a cerâmica mais tipicamente japonesa, com um centro de produção de grande relevância, a oficina de Seto "Seto (Aichi)") em Owari. Na era Muromachi, a influência do Zen Budismo levou à criação da cerimônia do chá, o que levou a um grande boom na cerâmica. No período Momoyama, a cerâmica atingiu o auge, sendo Seto um dos primeiros centros de produção. No período Edo, a cerâmica tinha um dos seus maiores centros de produção em Quioto, com influência da arte chinesa e coreana, e foram produzidas as primeiras porcelanas, com um primeiro centro de produção em Arita.[263].
Na serralharia destacaram-se notavelmente no trabalho do bronze, utilizado desde a era Yayoi na confecção de sinos, armas, espelhos e outros objetos litúrgicos e utilitários,[264] enquanto o ferro era utilizado principalmente em armaduras e espadas (katana).[265] A madeira raramente era utilizada para móveis, já que a tradição japonesa é sentar ou esticar-se em esteiras de palha de arroz, embora mesas baixas, baús, estantes, escrivaninhas e outros objetos menores modalidades.[266] Um elemento relevante é o biombo, tela móvel com moldura de madeira e painéis de estofamento, papel, couro, laca ou outros materiais.[267] Assim como na China, a arte japonesa se destacava na laca, que fazia armários, relicários, biombos, caixas e baús, máscaras, instrumentos musicais, etc. Ōgata Kōrin.[268] Na arte têxtil, destaca-se o trabalho em seda, cuja principal tipologia é o kimono.[269].
A arte indiana tem um caráter principalmente religioso, que serve de veículo de transmissão das diferentes religiões que marcaram a Índia: o hinduísmo, o budismo, o islamismo e o cristianismo, principalmente. O subcontinente indiano não tem produzido uma produção tão copiosa em artes decorativas como os vizinhos China ou Japão, por um lado devido à sua história de divisão em pequenos reinos, muitas vezes com ocupações estrangeiras, bem como ao facto de a maioria da população não poder permitir-se a posse de produtos sumptuosos, reservados a uma elite aristocrática; e, por outro lado, pela natureza perecível de muitas das suas produções, especialmente madeira e tecido, em condições climáticas não muito favoráveis, devido às monções.[270].
A cerâmica tem pouca relevância, principalmente os utensílios de barro de carácter utilitário. Os mais notáveis são os vasos pintados da cultura do Indo (Harappa, Mohenjo-Daro). No período Gupta, relevos e azulejos de terracota foram dados para decorar os templos. Já na era Mughal, a porcelana islâmica foi introduzida.[271] A ourivesaria se destacou mais: na cultura do Indo eram encontrados colares e pulseiras de ouro e pérolas. Joias de influência helenística foram encontradas em Gandhāra, feitas por incisão, relevo, favo de mel, incrustação ou filigrana. Na Índia também houve uma grande produção de jade que, ao contrário do chinês, é geralmente incrustado com esmalte ou pedras preciosas engastadas em ouro. O bronze é trabalhado desde a época da cultura do Indo: em Mohenjo-Daro foi encontrada uma estatueta de uma dançarina de bronze vestida com joias. Desde o século AC. C. o aço também foi trabalhado, principalmente em armas, às vezes damasceno em ouro e prata.[273].
A madeira era pouco utilizada na mobília, pois eram mais comuns esteiras ou assentos de cana ou bambu. A presença de mobiliário ocorreu mais na esfera religiosa, especialmente mesas e baús, onde se denota certa influência do Oriente Médio. Na época colonial existia um tipo de mobiliário de estilo indo-português, caracterizado pela utilização de madeiras escuras com incrustações de ouro ou marfim, bem como madeiras indo-holandesas, ébano e lacadas claras. Quanto à tecelagem, a lã e o algodão eram trabalhados em vestidos e tapeçarias, enquanto a seda era importada da China. Vale destacar também do período Mughal a miniatura, que foi luxuosamente desenvolvida em livros. decorados, que eram considerados objetos de grande valor. Um dos melhores miniaturistas foi Basawan, criador do estilo clássico da miniatura mogol, com estilo narrativo.[276].
Com a Hégira de Maomé no ano de 622, surgiu uma nova religião, o Islão, que se espalhou rapidamente do Próximo Oriente através do Norte de África até à Península Ibérica, bem como pela zona dos Balcãs após a queda do Império Bizantino em 1453. Ao longo do tempo, a nova religião reuniu uma grande diversidade de povos e culturas, pelo que a sua arte foi um reflexo desta disparidade, que produziu inúmeras manifestações e variantes. estilística dependendo da região onde foi produzido.[277] Na arte islâmica, as artes decorativas tiveram um grande desenvolvimento, principalmente devido à proibição da representação de seres vivos, o que subtraiu um dos principais motivos da pintura e da escultura. A isto acrescenta-se a consideração da arquitectura como um mero ofício e não como uma arte, razão pela qual as artes decorativas se tornaram a principal manifestação artística islâmica.[278] Os principais períodos históricos e artísticos do Islã foram os períodos omíada, abássida, seljúcida, timúrida, safávida e otomano no Oriente Próximo; Tuluni, Fatímida, Aiúbida e Mamluk no Egito; e Umayyad, Almorávida, Almóada e Nasrid em al-Andalus.[279].
O estuque foi amplamente utilizado na arquitetura, atingindo níveis de grande perfeição técnica, especialmente na era Abássida e no Norte de África, bem como na Espanha muçulmana, onde se encontra na Aljafería de Saragoça e na Alhambra de Granada, e onde influenciou a arte mudéjar. A cerâmica foi herdeira do tijolo esmaltado do Oriente Próximo, ao mesmo tempo que denotava influência chinesa. Destaca-se também a azulejaria, profusamente utilizada nas mesquitas de Istambul. Em al-Andalus produziam-se cerâmicas com reflexo metálico, com especial qualidade nas oficinas de Málaga, Paterna e Manises.[281].
O vidro islâmico era de qualidade muito superior ao fabricado na época na Europa medieval, sendo herdeiro das oficinas de sopro do Egito e da Síria, de tradição helenística.[282] A ourivesaria era escassa, principalmente anéis e brincos, de influência iraniana. A maior parte do mobiliário era destinado à esfera religiosa, como mesas, escrivaninhas para leitura do Alcorão e púlpitos (almimbares). A eboraria também era praticada, especialmente em baús e urnas, como o chamado barco Zamora (964, Museu Arqueológico Nacional "Museo Arqueológico Nacional (Espanha)"), Madrid).[285].
Outra das artes de relevância no mundo islâmico foram os têxteis, herdeiros da arte bizantina e sassânida. Desenvolveram e aperfeiçoaram inúmeras técnicas, como o damasco "Damasco (tecido)"), o tiraz, o veludo e a musselina, em vestidos, tapetes, tapeçarias, tecidos estampados e outros tecidos. Outra área de relevância foi a corioplastia, especialmente em Córdoba "Córdoba (Espanha)"), onde foi criada a técnica cordobana, que juntamente com o guadamecí foram as principais modalidades produzidas na Espanha muçulmana e exportadas para toda a Europa.[287].
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• - Corioplastia: o trabalho em couro tem duas modalidades principais: cordovão, cabra curtida ou couro de cabra, que surgiu em Córdoba "Córdoba (Espanha)") no período andaluz, utilizado como complemento de mobiliário; e o guadamecí, pele de carneiro curtida e entalhada, e posteriormente policromada, dourada ou prateada, utilizada como ornamento de retábulos, dosséis e altares ou como revestimento de paredes, cortinas ou móveis, às vezes até como tapetes. Existem várias técnicas para trabalhar o couro: gravura, gofragem, recesso, cinzelamento, talha, estampagem, engomadoria, corte, etc. Bordados, folhas de ouro, prata ou estanho, ou aplicações de ferragens ou pregos podem ser adicionados ao couro, podendo ser policromado com produtos minerais (potássio "Potássio (mineral)") ou químicos (anilinas), ou com tinta a óleo ou têmpera. Outras modalidades são o marrocos, pele de cabra polida mais fina que o cordovão, preferencialmente utilizada em encadernação; e marroquina, pele de carneiro usada especialmente em estofados de móveis.[50].
Camafeu: é a escultura de figuras em relevo sobre pedras duras estratificadas, como ágata "Ágata (mineral)"), sardônica, coral e concha, que geralmente apresentam camadas de cores diversas, o que proporciona intensos contrastes cromáticos.
Cinzelar: consiste em trabalhar o metal precioso com cinzel, fazer decorações vazadas ou acabamentos, com cinzéis de diferentes formatos e espessuras.
Damasceno (ou caixão): o desenho é traçado com ponta fina sobre um suporte de metal, em seguida é feita uma incisão com buris e bisturis e, por fim, é aplicada uma filigrana de metais de diversas cores.
Filigrana "Filigrana (artesanato)"): é praticada com fios de metais preciosos, com os quais a peça é feita trançando ou torcendo os fios até obter o formato desejado.
Fusão: são trabalhos executados em molde, feitos de duas formas: “fusão permanente”, feita com molde bivalve, com a forma já trabalhada, feita de pedra ou terracota; «cera perdida», onde o objeto é modelado em cera, sobre o qual é aplicado um funil com respiradouros, cobrindo-o com giz "Creta (rocha)"), que uma vez seco é aquecido até a expulsão da cera, sendo então preenchido com metal fundido.
Granulação: é um procedimento pelo qual se obtêm minúsculas esferas de ouro com as quais são feitos desenhos geométricos ou decorações.
Nielado: consiste em gravar um desenho em uma folha de metal - geralmente prata -, preenchendo as ranhuras com niello, liga de prata, cobre e chumbo, com enxofre e bórax, que produz uma mistura preta e brilhante.
Opus interrasile: técnica de origem romana que consiste em fazer pequenas incisões nas folhas de metal precioso, desempenhando uma função vazada que confere à obra um aspecto rendado.
Gofragem: é a decoração em relevo feita em placas de ouro, prata ou cobre, trabalhando o verso da placa com martelo e cinzel.[53].
• - Vidro e esmalte: existem vários tipos de vidro: “vidro soda” (o mais básico, feito de sílica), cristal (sílica e chumbo ou óxido de potássio), “vidro calcedônio” (sílica e óxidos metálicos) e “vidro lácteo” (sílica, dióxido de manganês e óxido de estanho). A principal técnica de trabalho é o sopro, onde pode receber qualquer formato e espessura. Quanto à decoração, pode ser pintado, esgrafito, esculpido, com pinça, em filigrana "Filigrana (artesanal)"), etc. O esmalte é uma pasta de vidro (sílica, cal, potássio, chumbo e minium), sobre um suporte metálico, trabalhada segundo diversas técnicas: cloisonné, pequenos filamentos de ouro ou cobre, com os quais se desenha a figura no suporte, para separar o esmalte em divisórias; champlevé, que é feito rebaixando o suporte em alvéolos e escavando o material em concavidades, preenchidas com esmalte; ajouré, superfície dourada onde as formas são recortadas com serras ou limas, preenchendo a parte retirada com esmalte.[54].
• - Cerâmica: é feita com argila, em quatro tipos: argila cozida porosa vermelho-amarelada (cerâmica, terracota, pão de ló); argila cozida porosa branca (faiança); argila cozida não porosa cinzenta, castanha ou castanha (grés); argila branca compacta, não porosa e semitransparente (porcelana). Outras variantes são a majólica e a faiança, ambas feitas de faiança estanhífera: o primeiro termo é usado principalmente na Itália e o segundo no resto da Europa. Pode ser feita manualmente ou mecanicamente - com roda -, depois é cozida no forno - a temperaturas entre 400 e 1300 °C, dependendo do tipo -, e decorada com esmalte ou tinta.[55] A decoração pode ser: requintadas aplicações em relevo feitas com argila; inciso, um desenho desenhado no barro ainda tenro; com moldes, aplicados na superfície macia da argila; polimento realizado em argila cozida; esgrafito, aplicação de diversas cores que depois são rasgadas de acordo com o efeito desejado; e marmorizado, mistura de vários corantes com uma gordura, criando veios na cerâmica.[56].
• - Laca: é um verniz brilhante, espesso e sólido, extraído de resinas minerais ou vegetais e proveniente do Extremo Oriente. Este verniz é aplicado em objetos de diversos materiais: madeira, metal, cerâmica, papel ou couro. A técnica da laca começa com uma primeira aplicação de laca grossa, que é recoberta com várias camadas de laca fina, sendo a última da tonalidade desejada; Em seguida é feita a decoração, que pode ser pintada com pincel, por entalhe ou incisão, com incrustações de outros materiais, ou por pulverização de ouro ou prata; Por fim, é feita uma laca final com várias camadas de laca translúcida.[57].
• - Eboraria: é o trabalho do marfim, obtido dos chifres de elefante. Pode ser aplicado em incrustações e, como trabalho individual, em marfins esculpidos, vazados e pintados. A talha inicia-se com o corte da presa em pedaços ou “barcos”, com os quais o objeto é moldado e posteriormente decorado e, por vezes, policromado. A vazada é semelhante à anterior, com uma técnica mais apurada que imita a talha vazada da madeira. As pinturas eram placas de marfim sobre moldura de madeira, sobre as quais eram aplicados pigmentos com pincel.
• - Jato: o jato é uma substância fóssil, uma variedade de linhita, de cor preta e superfície brilhante. Geralmente são peças pequenas, que são trabalhadas com lima e torno, em relevo ou esculpidas, com fase final de polimento. Estão frequentemente ligados a outras obras de escultura ou ourivesaria, sendo bastante comuns nas artes de luxo.[59].
• - Plumeria: as penas são estruturas queratinosas da pele das aves. Eles normalmente são presos a outros suportes – geralmente tecidos – por costura, colagem ou remendos. Seu principal uso ocorreu na América pré-colombiana.[60].
• - Fabricação de cestos: um dos artesanatos mais antigos do mundo é o de recipientes feitos de fibras vegetais interligadas. A técnica mais antiga é a cestaria em espiral, feita com junco, palha ou fibras torcidas em cordas e enroladas em espiral dando-lhes a forma desejada, geralmente esférica ou ovóide. Outra técnica é o trançado, que é feito enrolando longas pregas costuradas com fibras. Em terceiro lugar, o entrelaçamento é conseguido tecendo as fibras sobre uma estrutura de vime.[61].
• - Leque: este instrumento respiratório tem sido frequentemente objeto de decoração e, em algumas ocasiões, colocado no interior das residências como objeto decorativo. Eles podem ser rígidos, mas a maioria é dobrável. Geralmente são constituídos por uma superfície dobrável (country) de tecido, papel, gaze, renda ou cabrito, com hastes (guias) de madeira, marfim, madrepérola, laca ou concha; As duas hastes nas extremidades são chamadas de lâminas. A parte exposta das hastes (fontes) pode ser decorada com aberturas, douramento ou outras técnicas.[62].
• - Glíptica: é a arte de esculpir pedras preciosas ou semipreciosas para a confecção de carimbos “Selo (selo)”), moedas ou medalhas. Geralmente é feito em camafeu ou gravado, e às vezes em formato redondo, geralmente em pequenos pedaços. O trabalho destas peças é realizado com abrasivos e rebolos de cabeça romba ou cortante.[63].
• - Encadernação: as capas de um livro têm como principal função preservar seu conteúdo de agentes externos, embora muitas vezes tenham sido objeto de ornamentação. A união das dobras pode ser feita com costura, colagem ou outros procedimentos. As capas podem ser de papiro, madeira, couro, couro (dourado, cinzelado ou gofrado), papel machê ou outros materiais, às vezes com aplicações de esmalte, ourivesaria ou eboraria.[64].
• - Relojoaria: este instrumento de medição do tempo tem sido frequentemente objeto de ornamentação e, ao longo do tempo, evoluiu tanto tecnológica como estilisticamente. Existem vários tipos de relógios: relógio de sol, relógio de água, relógio de areia, relógio de anel, suporte, pôster, relógio de pêndulo, relógio de banjo, relógio de caixa alta, relógio de carruagem, relógio de globo, relógio de lanterna, relógio de pedestal, relógio de esqueleto, relógio parlamentar, relógio regulador, etc.
• - Loja de brinquedos: os brinquedos cumprem principalmente a função prática para a qual foram criados, as brincadeiras infantis, mas ocasionalmente têm sido utilizados como objetos ornamentais na decoração de interiores. Construídas em inúmeras tipologias e materiais, a sua função utilitária tem sido muitas vezes um entrave à sua conservação, pelo que também é difícil estabelecer uma evolução histórica. Algumas das modalidades mais utilizadas na decoração têm sido bonecos e casinhas de bonecas, autômatos "Autômatos (mecânicos)"), fantoches e marionetes, soldadinhos de chumbo, cavalos de balanço, pipas "Cometa (brinquedo)"), reproduções de armas, trens e automóveis, etc.[66].
triclinium
cathedra
sella
aurum phrygium
• - Arte carolíngia: é aquela que se desenvolveu no Sacro Império Romano desde a coroação de Carlos Magno no ano 800. A miniatura desenvolveu-se notavelmente, na qual se distinguem várias escolas: a Palatina, a de Tours, a de Reims e a de Saint-Denis. (Milão)"), obra de Vuolvinus).[113].
• - Arte Otoniana: é o nome dado à arte desenvolvida no Sacro Império Romano durante o reinado da dinastia Otoniana (- séculos). A miniatura foi herdeira da arte carolíngia, especialmente da escola de Reims, novamente com influência bizantina. Na ourivesaria, a tradição do esmalte continuou, com obras como o altar de Basileia (Museu Cluny), a cruz da Abadessa Matilda (Essen) e a coroa de Conrado II (Viena).[114]
• - Arte Celta: desenvolvida nas Ilhas Britânicas, desenvolveu-se uma escola em miniatura de influência carolíngia, com principal centro de produção em Winchester (Pontifícia de Saint Aethelwold, Museu Britânico). Na ourivesaria merecem destaque a chamada joia do Rei Alfredo (Ashmolean Museum, Oxford) e a caixa do sino de São Patrício (Museu de Dublin).[115].
• - Arte Viking: o povo da Escandinávia fazia principalmente arte móvel, geralmente armas, fíbulas e cintos, dos quais se destacavam as fíbulas com agulhas longas e as espadas com botão terminal e anéis no punho, decoradas em damasceno, cloisonné e filigrana.[116].
• - Arte asturiana: com a invasão muçulmana da Península Ibérica (711-726) os cristãos foram reduzidos à região das Astúrias. A arte asturiana ocorreu no século XIX, em três fases: pré-Ramirense, Ramirense e pós-Ramirense, dependendo do reinado de Ramiro I (842-850). Destaca-se também a ourivesaria, onde se denota a influência carolíngia (Cruz dos Anjos, Cruz da Vitória e Caixa de Ágatas na Câmara Santa da Catedral de São Salvador em Oviedo).[117].
• - Arte moçárabe: São chamados de moçárabes os cristãos que viviam sob o domínio islâmico e que, ao regressarem ao território reconquistado pelos cristãos, praticavam um tipo de arte com grande influência islâmica. Desenvolveu-se especialmente no século XIX, principalmente a norte do Douro, no alto Ebro, no sul da Galiza, na Cantábria e nos Pirenéus. Vale destacar em miniatura os beatos, ilustrações do Comentário ao Apocalipse do Beato de Liébana, bem como as obras de ourivesaria (cruz de Santiago de Peñalba, Museu Arqueológico de Leão; sino do Abade Sansão, Museu de Córdoba; cálice de Santo Domingo de Silos).[118].
A arte românica representa o primeiro estilo internacional da cultura da Europa Ocidental, com uma identidade totalmente consolidada após a passagem do latim para as línguas vernáculas. De natureza eminentemente religiosa, quase toda a arte românica visava a exaltação e difusão do cristianismo. Surgindo em meados do século, desenvolveu-se fundamentalmente ao longo do século, no final do qual começou a coexistir com o incipiente gótico.[119].
No quadro arquitetónico, a escultura ornamental teve grande relevância, especialmente a do tímpano "Tímpano (arquitetura)") das fachadas das igrejas e a dos capitéis das colunas. O mosaico continuou a ser utilizado especialmente em pavimentos, como o da Ascensão de Alexandre da catedral de Orvieto (1163-1166) ou os signos do zodíaco da basílica de San Miniato in Monte (Florença, 1207).[121] Duas escolas predominaram em miniatura: a italiana, de influência bizantina; e a inglesa, onde se destaca a escola de Winchester.[122].
Nesta época destacava-se a ourivesaria, com uso abundante de ouro e pedras preciosas, como no Relicário dos Três Reis Magos (Catedral de Colônia), obra de Nicolás de Verdún, e no Cálice de Doña Urraca (San Isidoro de León). Também tiveram relevância as obras têxteis, sobretudo os bordados, como a Tapeçaria de Bayeux (séc.) ou a Tapeçaria da Criação da Catedral de Gerona (séc.).[123] A vidraria desenvolveu-se como recinto para aberturas entre finais do século XIX e inícios do século XIX, altura em que também foi objecto de apoio à concretização de programas iconográficos relacionados com o cristianismo.[124] Na serralharia predominou o uso do bronze, como nas portas do cristianismo. a igreja de San Miguel de Hildesheim,[125] ou a catedral de Verona.[126] O ferro era utilizado principalmente nas barras dos coros "Coro (arquitetura)".[127] A simplicidade e o rigor predominavam na marcenaria, correspondendo à religião predominante, o cristianismo, que defendia a pobreza e a austeridade. Proliferaram os baús, servindo para guardar roupas e, ao mesmo tempo, como assentos.[128].
A arte gótica[nota 1] desenvolveu-se entre os séculos XIX e II, época de grande desenvolvimento econômico e cultural. O fim da era feudal significou a consolidação de estados centralizados, com maior predominância das cidades sobre o campo, enquanto um setor crescente da sociedade tinha acesso à cultura, que deixou de ser patrimônio exclusivo da Igreja. A ascensão das universidades levou a um aumento nos estudos científicos, filosóficos e literários e lançou as bases da cultura moderna. As artes decorativas tiveram grande relevância durante o período gótico, favorecidas pelas novas classes urbanas de mercadores e artesãos.[130].
Uma das principais especialidades do gótico eram os vitrais, que acrescentavam à sua função iluminadora um aspecto simbólico da transcendência divina. A evolução da arquitetura gótica permitiu a abertura de grandes janelas que encheram o interior de luz, ganhando transparência e luminosidade.[131] Alguns expoentes foram os vitrais das catedrais de Chartres, Reims, Amiens ou da Sainte-Chapelle em Paris.[132].
A miniatura gótica desenvolveu-se especialmente em França, com miniaturas de rico cromatismo, uso abundante de ouro e orlas de tipo vegetal (Saltério da Rainha Branca de Castela, Biblioteca do Arsenal, Paris).[133] Na ourivesaria destacaram-se especialmente os ostensórios e relicários, onde se destaca o nome de Enrique de Arfe (custódia da Catedral de Córdoba, 1518; ostensório processional da Catedral de Toledo, 1517-1524).[134] A cerâmica destacou-se em Faenza e Manises, e o vidro em Veneza e na Catalunha.[134] Na serralharia destacou-se a oficina de Dinant (Bélgica). Também merecem destaque como obra notável as portas de bronze do Batistério de Florença "Baptistério de San Juan (Florença)"), de Andrea Pisano.
Nesta época a tapeçaria desenvolveu-se significativamente, com duas oficinas principais em Paris e Arras. Uma das melhores produções é a Tapeçaria do Apocalipse (Castelo de Angers, 1375-1379). A partir de finais do século destacaram-se as oficinas flamengas.[136] Na marcenaria gótica, tornou-se moda uma decoração inspirada na arquitetura das catedrais, com ogivas, rosetas e janelas multilobadas.[137] O móvel mais utilizado era a arca, que servia tanto de armário como de banco ou mesa, geralmente em carvalho e armada com ferragens.[138] As primeiras gravuras são deste período. na Europa, feito em xilogravura: o primeiro preservado é o São Cristóvão do Museu Germânico de Nuremberg, de 1423. O entalhe apareceu na década de 1430. A gravura contribuiu para a popularização e barateamento da arte, e permitiu ao artista um novo meio de expressão.[139].
Nesta época, as artes gráficas desenvolveram-se significativamente, especialmente graças à invenção da imprensa. A maioria das técnicas de gravura surgiram ou foram aperfeiçoadas: talhe-doce (água-forte, água-tinta, gravura em buril, gravura em meio-tom ou gravura em ponta seca), linogravura, xilogravura, etc. Na Alemanha, destacou-se o trabalho de Durer, especialista na técnica do buril, embora também tenha feito xilogravuras. Na França, a gravura era praticada pela escola de Fontainebleau. Na Flandres, surgiram gravadores notáveis na cidade de Antuérpia, como os irmãos Wierix ou Hieronymus Cock.[150].
O Barroco[nota 3] desenvolveu-se entre o século e o início do século XIX. Foi uma época de grandes disputas no campo político e religioso, em que surgiu uma divisão entre os países católicos contrarreformistas, onde se instaurou o Estado absolutista, e os países protestantes, de caráter mais parlamentar. A arte tornou-se mais refinada e ornamentada, com a sobrevivência de um certo racionalismo classicista mas com formas mais dinâmicas e eficazes, com gosto pelo surpreendente e anedótico, pelas ilusões e efeitos de ótica.
De uma forma geral, as artes decorativas barrocas destacam-se pela ornamentação, sumptuosidade e carácter pomposo, com predominância da linha curva sobre a recta, gosto pelos contrastes luminosos e efeitos ilusionistas, certo carácter cenográfico e de aparência, rigor no detalhe, utilização de materiais diversos e mistura de técnicas, e gosto pelo exótico que se manifesta na importação de produtos do Extremo Oriente e, mais tarde, na sua imitação (chinoiseries e japoneses).[153] Em alguns países, surgiram variedades estilísticas específicas, como os estilos Luís XIV e Regência "Estilo Regência (França)") na França ou os estilos Jacobino, Restauração, Guilherme e Maria e Rainha Ana na Inglaterra.
As artes decorativas tiveram uma grande expansão no século XIX, principalmente devido ao carácter decorativo e ornamental da arte barroca. Na França, o luxuoso projeto do Palácio de Versalhes levou à criação da Manufacture Royale des Gobelins —dirigida pelo pintor do rei, Charles Le Brun—, onde eram fabricados todos os tipos de objetos decorativos, principalmente móveis, estofados e ourivesaria. A confecção de tapeçarias teve um aumento significativo na sua produção e visava a imitação da pintura, contando com a colaboração em numerosos casos de pintores de renome que produziram cartão para tapeçarias "Carton (art)"), como Simon Vouet, o próprio Le Brun ou Rubens na Flandres. A ourivesaria também atingiu elevados níveis de produção, sobretudo de prata e pedras preciosas. A cerâmica e o vidro continuaram geralmente com as mesmas técnicas de produção do período renascentista: destacaram-se as cerâmicas brancas e azuis de Delft (Holanda) e os vidros polidos e esculpidos da Boémia. Em bronze destacam-se o baldaquino de São Pedro e a cátedra de São Pedro, ambos de Gian Lorenzo Bernini.[156].
Nesta época destacava-se especialmente a marcenaria, que se caracterizava por superfícies onduladas (côncavas e convexas), com volutas e motivos diversos como cartelas e conchas. Na Espanha surgiu o bargueño, um baú retangular com alças, com inúmeras gavetas e compartimentos, além da poltrona chamada frailero (ou missionário na América Latina). No final do século a técnica da marchetaria foi desenvolvida na Holanda. A época de ouro da marcenaria ocorreu na França de Luís, onde foram alcançados elevados níveis de qualidade e requinte, especialmente graças ao trabalho de André-Charles Boulle.[157] As artes gráficas foram amplamente difundidas durante o Barroco, dando continuidade ao boom que este setor teve durante o Renascimento. As técnicas mais utilizadas foram a água-forte e a gravura em ponta seca,[158] No século em que se destacaram Guido Reni, Claude Lorrain, Abraham Bosse, Jacques Bellange, Jacques Callot, Peter Paul Rubens, Lucas Vorsterman I, Anton van Dyck, José de Ribera, Francisco Ribalta, Francisco Herrera, o Velho e, especialmente, Rembrandt.[158].
O Rococó[nota 4] desenvolveu-se no século – coexistindo no início do século com o Barroco e, no final, com o Neoclassicismo – e significou a sobrevivência das principais manifestações artísticas do Barroco, com um sentido mais acentuado de decoração e gosto ornamental, que foram levados a um paroxismo de riqueza, sofisticação e elegância.[160] Estilisticamente, na França ocorreram os estilos Luís XV e Luís. XVI. Em 1766, foi fundada na França a École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, o primeiro centro de formação de renome em artes decorativas.
As artes decorativas tiveram especial relevância, pois o Rococó era uma arte de ar burguês dedicada à ostentação e ao luxo.[161] O design de interiores foi notavelmente desenvolvido, com especial destaque para móveis, espelhos, sedas, tapeçarias e objetos de porcelana. Esta última foi amplamente difundida, especialmente a de Meissen e Sèvres, com delicados motivos ornamentais, de preferência de estilo oriental.[162] Em Espanha, a produção de cerâmica continuou em Talavera, Alcora e Manises, onde se tornou moda uma espécie de pedestal de azulejos com cenas de caça ou paisagens.[163].
O vidro também teve um grande boom, com Veneza ainda na vanguarda da produção, assim como a Boêmia, onde se obteve um vidro transparente e incolor que substituiu o cristal de rocha utilizado desde o Renascimento. A tapeçaria teve um grande centro de produção em Lyon, onde se tornaram moda motivos orientais e exóticos (chineses, indianos, turcos).[164] Na Espanha, ganharam notoriedade as tapeçarias da Real Fábrica de Tapeçarias de Santa Bárbara (criada em 1720), algumas delas desenhadas por Goya.[165] A obra da ourivesaria também teve um centro de divulgação na França, onde se destaca a obra de Goya. Juste-Aurèle Meissonnier.[166] Na serralharia destacam-se as barras de ferro da Place Stanislas em Nancy, obra de Jean Lamour (1750-1758).[167].
Na marcenaria, o francês Louis um de seus melhores expoentes foi Jean-Henri Riesener.[168] No Reino Unido, destacou-se a obra de Thomas Chippendale, que deu origem ao chamado "estilo Chippendale" (segunda metade do século), caracterizado pelo ecletismo "Ecletismo (arte)"), com mistura de elementos góticos, rococó, palladianos e chineses.[169] Nessa época surgiu a litografia, uma nova novidade. tipo de gravura em calcário, inventada por Aloys Senefelder em 1796. Foi utilizada por pintores como Goya, Gainsborough ou Géricault.[170].
A ascensão da burguesia após a Revolução Francesa favoreceu o ressurgimento de formas clássicas, mais puras e austeras, em contraste com os excessos ornamentais do Barroco e do Rococó, identificados com a aristocracia. Este ambiente de valorização do legado clássico greco-romano foi influenciado pela descoberta arqueológica de Pompéia e Herculano, juntamente com a disseminação de uma ideologia de perfeição das formas clássicas levada a cabo por Johann Joachim Winckelmann, que postulou que a beleza perfeita existia na Grécia antiga, o que gerou um mito sobre a perfeição da beleza clássica que ainda hoje condiciona a percepção da arte. de George I, George II e George III - desenvolvido, seguido pelo estilo Regência "Estilo Regência (Reino Unido)"). Seu equivalente nos Estados Unidos era o estilo federal. As artes decorativas regressam aos temas clássicos (louros, guirlandas, esfinges) e ao colorido austero, muitas vezes monocromático, com volumes compactos e formas simples.[172].
Na cerâmica destaca-se o trabalho de Josiah Wedgwood, que criou uma espécie de faiança de cor creme que teve grande sucesso internacional. A porcelana de Sèvres também continuou, desta vez imitando temas antigos. No vidro, a Real Vidraria Francesa de Saint Louis produziu peças de vidro potássico imitando a vidraria da Boémia (façon de Bohême), enquanto na própria Boémia continuou com sucesso a produção de vidraria de alta qualidade, com um estilo mais sóbrio do que na era Rococó. O vidro veneziano também prosperou, especialmente com opalas brancas que imitavam a porcelana.[174] A ourivesaria evoluiu como as demais artes para formas mais austeras e temas de inspiração clássica.[175] Nas artes do metal, destacam-se a grade do Palácio da Justiça de Paris (1783-1785) e a grade do coro de Notre-Dame de Paris (1809).[176].
A marcenaria voltou a formas mais clássicas, representadas principalmente no Reino Unido por Robert Adam, George Hepplewhite e Thomas Sheraton. Em França, com o chamado estilo Directório (1795-1805) houve o regresso a um tipo de mobiliário mais sóbrio, com preponderância do construtivo sobre o decorativo e a utilização das cores puras da madeira face aos tons pastéis do Rococó. O estilo Império desenvolveu-se na França napoleónica, de onde se espalhou pelo resto da Europa, substituindo a sobriedade pela ostentação e luxo, com um estilo suntuoso, com preferência por temas exóticos e orientais, de preferência egípcios (égyptiennerie), devido à campanha napoleónica no Egito (1798-1801).[178].
A arquitetura historicista baseou-se no ecletismo ( "Ecletismo (arte)") e no renascimento de estilos anteriores reinterpretados segundo conceitos modernos, que produziram movimentos como o neo-românico, o neogótico, o neobarroco, etc. Para isso, foram utilizadas frequentemente referências bibliográficas e expoentes museológicos desses estilos. Em 1857 foi fundado o Victoria & Albert Museum de Londres com o objetivo de estabelecer os parâmetros fundamentais para definir as premissas fundamentais do design contemporâneo.[188].
Uma das maiores fontes de inspiração foi o passado medieval, como denota a decoração do Castelo de Neuschwanstein, promovida pelo rei Ludwig II da Baviera.[188] O neogótico surgiu no Reino Unido já em meados do século, mas desenvolveu-se especialmente no século XIX, com variedades locais como os estilos Trovador e Segundo Império na França e o elisabetano na Espanha. Ocorreu especialmente em móveis, mas também em outros detalhes ornamentais aplicados à arquitetura. O neogótico influenciou o modernismo no final do século, especialmente na Catalunha.[189] Um dos maiores teóricos desse movimento foi Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc, enquanto como designer se destacou o arquiteto Augustus Welby Northmore Pugin, que projetou móveis, joias e pratarias baseado estritamente em precedentes medievais.[189] No Reino Unido houve um renascimento do estilo Queen Anne em meados do século, que consistiu no desenvolvimento de reproduções - especialmente móveis e pratarias - desse período, como se pode ver nas cadeiras e mesas de pernas cabriole.[190] Um de seus maiores expoentes foi Edward William Godwin, arquiteto e designer ligado ao movimento estético, muito influenciado pela arte japonesa, a ponto de projetar um tipo de mobiliário denominado "anglo-japonês".[191].
No último terço do século, o movimento britânico Arts & Crafts, promovido por John Ruskin e William Morris, teve especial relevância. Esta corrente defendia uma revalorização do trabalho artesanal e um regresso às formas tradicionais de produção, estipulando que a arte deve ser tão útil quanto bela.[192] Seguindo as abordagens de Ruskin e Morris, Charles Robert Ashbee foi o principal organizador do movimento. Em 1888 fundou a Guilda e Escola de Artesanato em Toynbee Hall (Londres), onde projetou móveis, prataria e serralheria em um estilo próximo ao modernismo.
Arthur Heygate Mackmurdo, fundador da oficina de decoração de interiores Century Guild, trabalhou na órbita de Morris, onde fez móveis que se destacavam pelas linhas e ângulos retos, como sua famosa cadeira de 1881.[195] Em geral, esses artistas abandonaram o neogótico por um estilo mais simples, leve e elegante, inspirado em parte no estilo Queen Anne. Na década de 1890 a influência modernista foi recebida, mas logo depois Philip Webb voltou a um estilo mais rústico e austero. Por volta de 1900, o movimento foi diluído, principalmente devido à contradição gerada pelo facto de a sua produção artesanal encarecer o produto e só poderem vender a uma clientela seleccionada, o que colidia com a sua ideologia próxima do socialismo utópico, enquanto para chegar às massas teriam que recorrer à produção em série, o que contrariava a sua defesa do artesanato manual.
Modernismo "Modernismo (arte)") foi um movimento arquitetônico que surgiu por volta de 1880 em vários países, dependendo de qual recebeu diferentes nomes: Art Nouveau na França, Modern Style no Reino Unido, Jugendstil na Alemanha, Sezession na Áustria, Liberty "Modernismo (arte)") na Itália e modernismo na Espanha, país em que o modernismo catalão se destacou. Perdurou até ao início da Primeira Guerra Mundial.[9] Este estilo, pelo seu carácter ornamental, representou uma grande revitalização das artes decorativas, com uma nova concepção mais centrada no acto criativo e na comparação com as restantes artes plásticas, a tal ponto que os seus criadores propuseram pela primeira vez a “unidade das artes”. O design modernista geralmente propunha a reavaliação das propriedades intrínsecas de cada material, com formas de tipo organicista inspiradas na natureza.[197] Embora teoricamente opostos ao historicismo, foram inspirados em numerosos estilos do passado, especialmente na arte medieval, celta, oriental e rococó. Por outro lado, alguns projetos de Hector Guimard apontavam para a arte abstrata, enquanto Henry Van de Velde, iniciado no modernismo, representa a transição entre o modernismo e o design industrial.[198].
Um claro exemplo de arquiteto preocupado com o design de interiores foi Antoni Gaudí, que desenhou muitos dos móveis de suas obras, tanto civis quanto religiosas, fez desenhos em ferro forjado (como seu famoso dragão dos pavilhões Güell) e inovou no campo do mosaico com sua técnica trencadís, uma espécie de revestimento cerâmico feito com resíduos que ele dispôs em combinações originais e fantasiosas, como seu banco de parque ondulado. Güell.[199] Outros arquitetos que realizaram projetos ornamentais foram Victor Horta, Hector Guimard (criador da grade das estações de metrô de Paris, que se tornou um dos ícones visuais da Art Nouveau),[200] Charles Rennie Mackintosh, Josef Hoffmann e Joseph Maria Olbrich. Também houve referências na pintura e na ilustração, como Alfons Mucha, Koloman Moser e Émile-Victor Prouvé.
Em vidro, Émile Gallé realizou peças incrustadas com folhas de ouro ou prata, placas de mica e fibras de amianto, inspiradas na natureza.[201] Louis Comfort Tiffany foi influenciado por Gallé, do qual inovou técnica e estilisticamente, como em seu Favrile Glass, técnica de vidro soprado e posteriormente iridizado pela exposição a vapores de metal fundido. René Lalique, ourives e vidreiro, criou obras mais simples, distantes das formas sinuosas da moda até então, geralmente com produção em série.[202] Na ourivesaria também se destacou Peter Carl Fabergé, criador de peças de grande fantasia, entre as quais se destacam os seus "ovos de Páscoa", que confeccionou para a família real russa. O mobiliário destacou-se pelo design harmonioso e proporcional, com predominância de formas onduladas. Alguns de seus melhores expoentes foram: Arthur Liberty, Henry Van de Velde, Émile Gallé, Louis Majorelle, Carlo Bugatti e Gaspar Homar.[204] Na cerâmica, destacou-se Auguste Delaherche, autor de vasos de porcelana e grés decorados com vernizes.[205] Em estofados, Hermann Obrist desenhou bordados de formas vegetais que fizeram muito sucesso, especialmente aquele conhecido como O chicote.[206].
No século XIX as artes decorativas tiveram uma rápida evolução, marcada pela utilização de novos materiais e tecnologias mais avançadas. Com uma clara aposta no design como base criativa, neste século o aspecto intelectual destas criações ganhou destaque face à mera realização material tradicionalmente concedida ao artesanato. No entanto, a produção em massa de objetos ornamentais levou especialistas como Gérald Gassiot-Talabot a afirmar que “as artes decorativas estão mortas”, circunstância que remonta à década de 1930, com movimentos como a Bauhaus e os primeiros desenhos industriais. Loewy—, o que afeta o aspecto comercial do produto.[208].
As artes decorativas tradicionais continuaram em maior ou menor grau, embora muitas vezes relegadas ao conceito de artesanato face ao novo desenho industrial. O mosaico renasceu na Itália graças ao trabalho do escultor Gino Severini, que fundou em Paris em 1951 uma oficina que mais tarde se tornou a Escola de Belas Artes Gino Severini. Na cerâmica também foram exploradas novas técnicas e materiais. Como em outras áreas, relacionou-se com artistas de reconhecido prestígio, como Georges Rouault, Raoul Dufy, Pablo Picasso e Joan Miró. Este último, em colaboração com o ceramista Josep Llorens i Artigas, criou grandes murais de cerâmica como os da sede da UNESCO em Paris, da Universidade de Harvard, da Fundação Maeght e do aeroporto de Barcelona.[210].
Os vitrais seguiram dois caminhos: o tradicional e o que utilizou novas técnicas e materiais, como o cimento armado em vez do chumbo e o plástico ou poliéster em vez do vidro.[211] Quanto à vidraria, resistiram os vidros de Murano (Veneza), assim como os vidros da Boêmia, que se esforçaram para se renovar através do vidro lapidado. Na Finlândia, Tapio Wirkkala fabricava vidros com bolhas e, na Suécia, eram feitos vidros com decoração figurativa ou abstrata gravada.[212] Na ourivesaria, o material mais utilizado era o diamante, assim como as pedras preciosas.[213].
O mobiliário seguiu um design mais funcional, com utilização de novos materiais como aço, alumínio e plástico. Alguns expoentes, como a cadeira cantilever de Mart Stam, a poltrona tubular de aço de Marcel Breuer ou a cadeira corola de plástico desenhada por Eero Saarinen, iniciaram o design industrial em móveis. Um exemplo claro do novo mobiliário de design inovador foi a famosa cadeira vermelha e azul de Gerrit Thomas Rietveld (1923), com formas geométricas e cores primárias. A madeira foi mais uma vez revalorizada nos países nórdicos, com artistas como Alvar Aalto, Kaare Klint e Børge Mogensen, bem como nos Estados Unidos com Charles Eames.[214] A tapeçaria tornou-se notavelmente próxima da pintura, pois muitas obras de pintores como Georges Rouault, Pablo Picasso, Georges Braque, Raoul Dufy, Henri Matisse, Fernand Léger e Joan Miró foram trazidas para o tear. Em vez disso, Jean Lurçat renovou a tapeçaria e devolveu-a ao seu conceito inicial, ligado à arquitetura - que é o seu enquadramento original - e longe da pintura.
A gravura foi praticada por numerosos pintores, como Pierre Bonnard, Maurice Denis, André Derain, Max Slevogt, Henri Matisse, Marc Chagall, Vasili Kandinsky, Paul Klee, Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí, Willem de Kooning, Jackson Pollock, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Eduardo Chillida e Antoni Tàpies. Os métodos mais utilizados foram xilogravura, litografia e água-forte, e novas técnicas foram desenvolvidas, como água-tinta colorida e serigrafia, além da impressão offset.[216].
Em 1925, foi realizada em Paris a Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, que foi o ponto de partida do art déco.[nota 6] Na realidade, a exposição de 1925 foi a oficialização de um movimento que vinha fermentando há alguns anos - desde o fim da Primeira Guerra Mundial - como um estilo sucessor do modernismo: em 1919, Louis Süe e André Mare) criaram o Compagnie des Arts Français, caracterizada pelo mobiliário de inspiração tradicional mas pela decoração exuberante Este estilo, que perdurou até o início da Segunda Guerra Mundial, foi uma revolução no design de interiores e nas artes gráficas e industriais. Caracterizou-se pela predileção pelas linhas curvas e pelos floreios simétricos nas artes gráficas, e pelas formas quadradas e geométricas no mobiliário e na decoração de interiores. (Cassandre).[218] No entanto, o aspecto kitsch de muitas de suas produções fez com que ele fosse insultado pelas correntes de vanguarda e somente na década de 1960 ele foi revalorizado por movimentos como a pop art, que buscaram inspiração em algumas de suas obras.[219].
Uma das áreas onde este estilo mais floresceu foi o mobiliário, onde se destacou Jacques Émile Ruhlmann, decorador e designer de mobiliário com grande sentido comercial, sempre atento a captar as últimas tendências da moda.[220] Na ourivesaria destacam-se algumas produções do modernista René Lalique realizadas nesta época, enquanto outro nome notável foi Jean Puiforcat, que fazia peças de prata de elevada qualidade, com um aspecto austero mas luxuoso.[221] Na metalomecânica, merece destaque. ser de Jean Dunand, autor de peças em metal e laca, com desenho geométrico, geralmente vasos incrustados com ouro, prata, esmalte ou outros materiais.[222] Em vidro, Maurice Marinot fazia preferencialmente tigelas e potes de concepção mais ornamental do que prática, com formas escultóricas de aparência sólida, com ou sem cor, às vezes esmaltadas e, ocasionalmente, com desenhos em água-forte.[223].
Um dos movimentos mais inovadores no campo do design foi a Escola Bauhaus[nota 7] que, face à ornamentação excessiva do art déco, introduziu um conceito de design mais racional e funcional, mais adaptado às reais necessidades das pessoas. Esta escola pretendia quebrar as barreiras entre a arte e o artesanato, com uma clara aposta na produção industrial. Nasceu em 1919, quando o arquiteto Walter Gropius assumiu a direção da Escola de Artes e Ofícios de Weimar, que rebatizou de Das Staatliche Bauhaus Weimar. O seu objetivo era “a obra de arte coletiva, o Edifício, dentro da qual não existem barreiras que separem as artes estruturais das artes decorativas”. Os alunos da escola aprenderam teorias de forma e design, bem como oficinas de pedra, madeira, metal, argila, vidro, tecelagem e pintura. Gropius rejeitou a produção industrial, com posicionamento próximo ao movimento Arts & Crafts, e defendeu o trabalho cooperativo, bem como a responsabilidade social do designer. A Bauhaus mudou-se para Dessau em 1925 e para Berlim em 1932. Gropius foi sucedido por Hannes Meyer em 1928, seguido por Ludwig Mies van der Rohe em 1930. A escola foi fechada pelos nazistas em 1933.[225]
O seu design baseou-se na simplicidade, na abstracção geométrica e na utilização de cores primárias e novas tecnologias, como ficou evidente no mobiliário tubular de aço criado por Marcel Breuer, na cadeira Barcelona de Ludwig Mies van der Rohe, no mobiliário conglomerado de Alvar Aalto, ou nos candeeiros desenhados por Marianne Brandt. Nesta escola destacaram-se criadores como László Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer, Johannes Itten, Paul Klee, Josef Albers, Vasili Kandinski, Lilly Reich, Gerhard Marcks e Wilhelm Wagenfeld.[226].
No século, o design industrial conduziu o design de interiores para o caminho da criação intelectual e do design funcional, com um aumento progressivo da experimentação de novos materiais (plástico, fibra de vidro) e maior atenção às necessidades do mercado. Embora não exista uma definição unanimemente aceita, o desenho industrial é geralmente considerado o projeto de produtos projetados para serem fabricados em série por meio de processos mecânicos (linhas de montagem). Intrinsecamente, um desenho industrial deve ser planejado em sua totalidade antes de entrar no processo de fabricação, sem manipulações posteriores.[228].
Na Alemanha, arquitectos e designers como Peter Behrens, Richard Riemerschmid e Bruno Paul, e oficinas e associações como a Deutsche Werkstätten e a Deutsche Werkbund lançaram as bases do design industrial numa fase inicial. Assumiu o controle a Bauhaus, onde o design industrial passou para o campo acadêmico, e seus postulados também foram adotados pela arquitetura racionalista (ou Estilo Internacional). Após o encerramento da Bauhaus pelos nazis em 1933, a maior parte dos seus componentes mudou-se para o Reino Unido ou para os Estados Unidos, países que assumiram a batuta do design industrial. Após a Segunda Guerra Mundial, os ideais da Bauhaus foram retomados na Alemanha por Max Bill, fundador da Hochschule für Gestaltung em Ulm (1951).[229] Em França, o pioneiro foi o arquitecto Le Corbusier, que proclamou a “absoluta autonomia expressiva dos objectos produzidos industrialmente” e apontou como aspectos básicos do novo design a pureza das linhas, a funcionalidade dos materiais e a luminosidade das superfícies. Nos Estados Unidos foi iniciado por Frank Lloyd Wright, até o surgimento do design na década de 1930 com figuras como Henry Dreyfuss, Raymond Loewy e Walter Dorwin Teague. Nessa década, também se estabeleceram alguns mestres da Bauhaus como Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius e László Moholy-Nagy, que ensinaram uma nova geração de designers. Mais tarde destacaram-se Charles Eames, George Nelson e Harry Bertoia.[231].
Mais tarde, na Europa, o desenho industrial teve duas correntes principais: a escandinava e a italiana. A primeira, representada por Arne Jacobsen, Alvar Aalto, Eero Saarinen e Poul Kjærholm, teve as suas raízes na arte popular e baseou-se na naturalidade e simplicidade das formas como premissa fundamental do design. Por sua vez, o design italiano era mais ousado e extravagante, com predileção por cores vivas, utilização de materiais artificiais como resina, plástico e conglomerado, além de aço e materiais mais “nobres” como o mármore. Ele foi representado principalmente por Ettore Sottsass, Joe Colombo e Gae Aulenti.
Desde a Segunda Guerra Mundial, as artes decorativas tradicionais e o design industrial coexistiram com novas correntes da vanguarda artística que ocasionalmente fizeram incursões no campo do design. Um dos estilos artísticos que entrou neste campo foi a pop art, que surgiu no Reino Unido e nos Estados Unidos por volta de 1955 como um movimento de rejeição do expressionismo abstrato, com uma marcada componente de inspiração popular. Destacam-se os móveis projetados por Verner Panton ou da equipe italiana formada por Jonathan de Pas"), Donato d'Urbino") e Paolo Lomazzi"), criadores da cadeira inflável Blow (1967) e do Joe Sofa (1971).[233] Outro movimento interessado no design foi a arte abstrata orgânica, que se caracteriza pelo uso de formas arredondadas inspiradas na natureza. outros objetos de concepção escultórica, como sua famosa mesa de centro com base de madeira e tampo de vidro (1947).[234].
Entre as décadas de 1950 e 1960, surgiu na Itália o chamado estilo Neoliberty, com predominância de linhas curvas, representado por Gae Aulenti, Franco Albini, Vittorio Gregotti e Carlo Mollino. plástico.[236] Entre os anos de 1960 e 1970 houve uma tendência na arquitetura e no design conhecida como “anti-design” (também “contra-design” ou “design radical”), representada pelo estúdio britânico Archigram e pelos italianos Archizoom e Superstudio. Uma de suas melhores criações foi a cadeira Mies da Archizoom (1969).[237].
Desde 1975 predomina a arte pós-moderna, assim chamada em oposição à arte moderna, uma vez que o fracasso dos movimentos de vanguarda é assumido como o fracasso do projeto moderno. Este movimento representa um regresso às formas e estilos de arte tradicionais que, no entanto, são reinterpretados e misturados de forma livre e arbitrária. Destacaram-se designers como Ettore Sottsass, Alessandro Mendini, Michele de Lucchi") e Philippe Starck, assim como nas artes gráficas Wolfgang Weingart"), Neville Brody e Javier Mariscal.[238].
O novo milénio iniciou-se com um fio de continuidade com o século anterior, tanto na sobrevivência das técnicas tradicionais, cada vez mais relegadas à consideração do artesanato, como na evolução do design industrial. Estilisticamente, no início do século a arte pós-moderna continuou a predominar, embora também se tenha notado a influência de movimentos arquitetónicos como a alta tecnologia e o desconstrutivismo. Um fenômeno social da virada do século foi o novo conceito de automontagem de móveis e de venda de produtos de design por catálogo ou em lojas de departamentos, que teve como paradigma a empresa sueca Ikea, fundada em 1943 por Ingvar Kamprad. Em geral, a tendência do novo milênio tem sido a do ecletismo “Ecletismo (arte)”), a mistura de estilos, bem como a busca pela simplicidade e conforto. No design de interiores houve também uma maior preocupação com a sustentabilidade ambiental e um grande boom na utilização de novas tecnologias. Entre os designers mais destacados da transição do século podemos citar Ron Arad “Ron Arad (designer industrial)”), próximo do desconstrutivismo, que fez obras de materiais reciclados com aspecto escultural; e Andrée Putman, designer de estilo eclético que mistura elementos rococó, high-tech e pós-modernos.[239].
horror vacui
hei tiki
tapa
A arte pré-colombiana é chamada de arte produzida no continente americano antes da descoberta da América por Cristóvão Colombo em 1492. Várias culturas floresceram aqui ao longo do tempo, entre as quais se destacam os maias e astecas no México e os incas no Peru.
Uma de suas principais manifestações foi a cerâmica, feita sem roda, em modelagem ou fundição. No México, urnas funerárias e vasos com cabeças em forma de caricatura foram encontrados entre os toltecas, vasos mixtecas, vasos e tripés maias ou máscaras de terracota Totonac. Mas as melhores criações são do Peru, com alguns primeiros expoentes na cultura de Chavín "Chavín (cultura)"), na dos Mochicas, dos Chimús e em Nazca, até chegar aos Maias, entre os quais se destacam as ânforas pontiagudas com duas alças, com decoração pintada de tipo geométrico. A ourivesaria teve grande relevância nas culturas pré-colombianas, especialmente no Peru, onde o trabalho em ouro foi confirmado desde o século AC. C. e a prata a partir do século AC. C.[248] No México destaca-se o tesouro encontrado no túmulo 7 do Monte Albán, onde foi encontrado um peitoral de ouro representando o deus dos mortos Mictlantecuhtli. Na Colômbia, onde há uma boa amostra no Museu do Ouro de Bogotá, destacam-se os peitorais antropomórficos da cultura Quimbaya "Quimbaya (grupo étnico)"), assim como as peças de tumbaga, uma liga de ouro e cobre. A platina foi trabalhada pela primeira vez no Equador.[249] No Peru, surgiu uma notável indústria têxtil, talvez a primeira do mundo – há vestígios do século AC. C.—, fiado em tear com fios de quase duzentas cores diferentes.[250] Foram confeccionadas tapeçarias, gazes e brocados, com motivos ornamentais figurativos e abstratos e geométricos.[251].
Várias tribos viveram na América do Norte adaptadas aos múltiplos habitats deste continente, como regiões árticas, selvas, desertos, florestas e pastagens. Embora cada um tivesse sua idiossincrasia artística, em geral praticavam uma arte moveleira feita com materiais como peles, fibras vegetais, penas, pedra, madeira, cobre, mica, conchas, penas de porco-espinho, etc. Um dos elementos típicos das tribos nômades eram os tipis, tendas geralmente feitas de pele de búfalo e decoradas com emblemas tribais e familiares. A cerâmica foi desenvolvida especialmente no sudoeste americano, com peças notáveis entre a tribo Mimbre, autores de tigelas decoradas com pinturas de pássaros, animais e seres humanos.[252].
A arte chinesa teve uma evolução mais uniforme do que a arte ocidental, com uma bagagem cultural e estética comum a sucessivas etapas artísticas, marcadas pelas dinastias reinantes. Como a maior parte da arte oriental, possui importante conteúdo religioso (principalmente taoísmo, confucionismo e budismo) e comunhão com a natureza. Ao contrário do Ocidente, os chineses valorizavam igualmente a caligrafia, a cerâmica, a seda ou a porcelana, bem como a arquitetura, a pintura ou a escultura, enquanto a arte está totalmente integrada na sua filosofia e cultura. Han (206 AC-220 DC), período das Seis Dinastias (220-618), Tang (618-907), Song (960-1279), Yuan (1280-1368), Ming (1368-1644) e Qing (1644-1911).
Uma das principais expressões das artes decorativas chinesas é a cerâmica: os primeiros vestígios são do Neolítico, por volta de 2500 a.C.. C. No período Shang eram feitos vasos de barro fino decorados por incisão e durante a dinastia Zhou apareceu uma protoporcelana de grés esmaltada com feldspato e caulim impuro. Na era Han, existia um tipo de cerâmica esmaltada com esmalte de chumbo. Durante a dinastia Ming foi produzido um tipo de porcelana branca translúcida de grande perfeição técnica. Finalmente, no período Qing, foram realizadas peças monocromáticas e policromadas, com predileção temática por cenas pitorescas. Destacou-se também o Jade, que é trabalhado na China desde o III milénio a.C.. C., usado como objeto ritual, ornamento, joia, amuleto, decoração de espada ou fivela de cinto.[255].
A ourivesaria é escassa, devido à pobreza do território chinês em ouro e prata. A maior produção foi durante a dinastia Tang, principalmente colares, brincos e pulseiras com abundância de pérolas. A era Song destacou o uso da filigrana, e o Yuan se destacou na ourivesaria. A dinastia Qing manteve os estilos anteriores, em peças de grande sumptuosidade com abundância de pérolas, jade, corais e outros materiais preciosos. Na metalurgia, destacam-se as obras em bronze, das quais foram realizadas realizações notáveis já em 1700 aC. C. Além de óculos, capacetes e armas, foram confeccionados sinos, caldeirões tripé (jue), espelhos, facas e talheres. Na era Zhou, o vidro hu proliferou, com grandes dimensões. No período Han, o bronze tornou-se mais suntuoso, incrustado com materiais preciosos. Durante a dinastia Ming, iniciou-se a decoração de vasos de bronze em esmalte cloisonné.[257].
O mobiliário apresenta duas tipologias principais: o baú ou caixa e a moldura, geralmente de desenho arquitetônico e estrutura retangular, de formas simples e austeras. O Tang tinha móveis mais luxuosos, com incrustações de ouro, prata, madrepérola ou marfim, às vezes laqueadas. Outro grande expoente das artes decorativas chinesas é a laca, fabricada desde o século AC. C. O apogeu da laca ocorreu durante a dinastia Han, período em que a técnica foi aperfeiçoada, às vezes com incrustações de ouro, prata ou madrepérola. Quanto à arte têxtil, destaca-se a seda, descoberta na China no III milénio a.C.. C. Floresceu especialmente a partir da dinastia Han, período em que começou a ser exportado através da Rota da Seda.[260].
A arte japonesa tem sido marcada pela sua insularidade, embora em intervalos tenha sido influenciada por civilizações continentais, especialmente a China e a Coreia. Grande parte da arte produzida no Japão tem sido de tipo religioso: à religião xintoísta, a mais tipicamente japonesa, formada por volta do século XIX, o budismo foi adicionado por volta do século XIX, forjando um sincretismo religioso que perdura até hoje. Tal como a arte chinesa, a arte japonesa está imbuída de um profundo amor pela natureza, que por vezes se traduziu em alguns objectos artísticos numa austeridade decorativa motivada pela sua imitação de objectos naturais. A arte japonesa é dividida em períodos históricos: Jōmon (5000-200 a.C.), Yayoi (200 a.C.-200 d.C.), Kofun (200-600 d.C.), Asuka (552-646), Nara (646-794), Heian (794-1185), Kamakura (1185-1392), Muromachi (1333-1573), Momoyama. (1573-1615), Edo (1615-1868) e Meiji (1865-1911).
No Japão, durante o período Jōmon, foi produzida a cerâmica mais antiga produzida pelo homem (7.000 aC), feita à mão e decorada com incisões ou impressões de corda. No período Kofun (por volta do século II) surge o trabalho com rodas, provavelmente devido à influência coreana. Durante o período Kamakura iniciou-se a produção daquela que seria a cerâmica mais tipicamente japonesa, com um centro de produção de grande relevância, a oficina de Seto "Seto (Aichi)") em Owari. Na era Muromachi, a influência do Zen Budismo levou à criação da cerimônia do chá, o que levou a um grande boom na cerâmica. No período Momoyama, a cerâmica atingiu o auge, sendo Seto um dos primeiros centros de produção. No período Edo, a cerâmica tinha um dos seus maiores centros de produção em Quioto, com influência da arte chinesa e coreana, e foram produzidas as primeiras porcelanas, com um primeiro centro de produção em Arita.[263].
Na serralharia destacaram-se notavelmente no trabalho do bronze, utilizado desde a era Yayoi na confecção de sinos, armas, espelhos e outros objetos litúrgicos e utilitários,[264] enquanto o ferro era utilizado principalmente em armaduras e espadas (katana).[265] A madeira raramente era utilizada para móveis, já que a tradição japonesa é sentar ou esticar-se em esteiras de palha de arroz, embora mesas baixas, baús, estantes, escrivaninhas e outros objetos menores modalidades.[266] Um elemento relevante é o biombo, tela móvel com moldura de madeira e painéis de estofamento, papel, couro, laca ou outros materiais.[267] Assim como na China, a arte japonesa se destacava na laca, que fazia armários, relicários, biombos, caixas e baús, máscaras, instrumentos musicais, etc. Ōgata Kōrin.[268] Na arte têxtil, destaca-se o trabalho em seda, cuja principal tipologia é o kimono.[269].
A arte indiana tem um caráter principalmente religioso, que serve de veículo de transmissão das diferentes religiões que marcaram a Índia: o hinduísmo, o budismo, o islamismo e o cristianismo, principalmente. O subcontinente indiano não tem produzido uma produção tão copiosa em artes decorativas como os vizinhos China ou Japão, por um lado devido à sua história de divisão em pequenos reinos, muitas vezes com ocupações estrangeiras, bem como ao facto de a maioria da população não poder permitir-se a posse de produtos sumptuosos, reservados a uma elite aristocrática; e, por outro lado, pela natureza perecível de muitas das suas produções, especialmente madeira e tecido, em condições climáticas não muito favoráveis, devido às monções.[270].
A cerâmica tem pouca relevância, principalmente os utensílios de barro de carácter utilitário. Os mais notáveis são os vasos pintados da cultura do Indo (Harappa, Mohenjo-Daro). No período Gupta, relevos e azulejos de terracota foram dados para decorar os templos. Já na era Mughal, a porcelana islâmica foi introduzida.[271] A ourivesaria se destacou mais: na cultura do Indo eram encontrados colares e pulseiras de ouro e pérolas. Joias de influência helenística foram encontradas em Gandhāra, feitas por incisão, relevo, favo de mel, incrustação ou filigrana. Na Índia também houve uma grande produção de jade que, ao contrário do chinês, é geralmente incrustado com esmalte ou pedras preciosas engastadas em ouro. O bronze é trabalhado desde a época da cultura do Indo: em Mohenjo-Daro foi encontrada uma estatueta de uma dançarina de bronze vestida com joias. Desde o século AC. C. o aço também foi trabalhado, principalmente em armas, às vezes damasceno em ouro e prata.[273].
A madeira era pouco utilizada na mobília, pois eram mais comuns esteiras ou assentos de cana ou bambu. A presença de mobiliário ocorreu mais na esfera religiosa, especialmente mesas e baús, onde se denota certa influência do Oriente Médio. Na época colonial existia um tipo de mobiliário de estilo indo-português, caracterizado pela utilização de madeiras escuras com incrustações de ouro ou marfim, bem como madeiras indo-holandesas, ébano e lacadas claras. Quanto à tecelagem, a lã e o algodão eram trabalhados em vestidos e tapeçarias, enquanto a seda era importada da China. Vale destacar também do período Mughal a miniatura, que foi luxuosamente desenvolvida em livros. decorados, que eram considerados objetos de grande valor. Um dos melhores miniaturistas foi Basawan, criador do estilo clássico da miniatura mogol, com estilo narrativo.[276].
Com a Hégira de Maomé no ano de 622, surgiu uma nova religião, o Islão, que se espalhou rapidamente do Próximo Oriente através do Norte de África até à Península Ibérica, bem como pela zona dos Balcãs após a queda do Império Bizantino em 1453. Ao longo do tempo, a nova religião reuniu uma grande diversidade de povos e culturas, pelo que a sua arte foi um reflexo desta disparidade, que produziu inúmeras manifestações e variantes. estilística dependendo da região onde foi produzido.[277] Na arte islâmica, as artes decorativas tiveram um grande desenvolvimento, principalmente devido à proibição da representação de seres vivos, o que subtraiu um dos principais motivos da pintura e da escultura. A isto acrescenta-se a consideração da arquitectura como um mero ofício e não como uma arte, razão pela qual as artes decorativas se tornaram a principal manifestação artística islâmica.[278] Os principais períodos históricos e artísticos do Islã foram os períodos omíada, abássida, seljúcida, timúrida, safávida e otomano no Oriente Próximo; Tuluni, Fatímida, Aiúbida e Mamluk no Egito; e Umayyad, Almorávida, Almóada e Nasrid em al-Andalus.[279].
O estuque foi amplamente utilizado na arquitetura, atingindo níveis de grande perfeição técnica, especialmente na era Abássida e no Norte de África, bem como na Espanha muçulmana, onde se encontra na Aljafería de Saragoça e na Alhambra de Granada, e onde influenciou a arte mudéjar. A cerâmica foi herdeira do tijolo esmaltado do Oriente Próximo, ao mesmo tempo que denotava influência chinesa. Destaca-se também a azulejaria, profusamente utilizada nas mesquitas de Istambul. Em al-Andalus produziam-se cerâmicas com reflexo metálico, com especial qualidade nas oficinas de Málaga, Paterna e Manises.[281].
O vidro islâmico era de qualidade muito superior ao fabricado na época na Europa medieval, sendo herdeiro das oficinas de sopro do Egito e da Síria, de tradição helenística.[282] A ourivesaria era escassa, principalmente anéis e brincos, de influência iraniana. A maior parte do mobiliário era destinado à esfera religiosa, como mesas, escrivaninhas para leitura do Alcorão e púlpitos (almimbares). A eboraria também era praticada, especialmente em baús e urnas, como o chamado barco Zamora (964, Museu Arqueológico Nacional "Museo Arqueológico Nacional (Espanha)"), Madrid).[285].
Outra das artes de relevância no mundo islâmico foram os têxteis, herdeiros da arte bizantina e sassânida. Desenvolveram e aperfeiçoaram inúmeras técnicas, como o damasco "Damasco (tecido)"), o tiraz, o veludo e a musselina, em vestidos, tapetes, tapeçarias, tecidos estampados e outros tecidos. Outra área de relevância foi a corioplastia, especialmente em Córdoba "Córdoba (Espanha)"), onde foi criada a técnica cordobana, que juntamente com o guadamecí foram as principais modalidades produzidas na Espanha muçulmana e exportadas para toda a Europa.[287].