A história da arquitetura renascentista, como esta, costuma ser dividida em dois grandes períodos denominados em italiano pelo número de centenas de anos:[1]​.

• - Quattrocento ou século, início do Renascimento, época em que se destacam as figuras de Filippo Brunelleschi e Leon Battista Alberti. É uma arquitetura que aspira ao Classicismo e que lança as bases teóricas para a canonização do estilo, que caracterizará o período seguinte.

• - Cinquecento ou século, por sua vez dividido em duas fases:

• Fase de conclusão ou maturidade: Renascimento Médio, Pleno ou Alto, que abrange o primeiro quartel do século (até o saque de Roma em 1527). Nesse período, os principais arquitetos italianos participaram dos diversos projetos de início das obras da Basílica de São Pedro (Donato Bramante, Rafael Sanzio, Antonio da Sangallo o Jovem e posteriormente Michelangelo).

• Fase do Maneirismo: Renascimento tardio ou Baixo Renascimento, de meados do século ao início do século (em que se inicia a arquitetura barroca). Nesta fase, seguindo a maniera de Michelangelo, as individualidades dos arquitetos começam a se impor ao projeto teórico clássico. Destacam-se mestres como Giulio Romano, Jacopo Vignola, Giorgio Vasari, Giacomo della Porta e Andrea Palladio.

Fundamentos gerais do Renascimento

A Arquitetura Renascentista estava intimamente relacionada com uma visão de mundo daquele período apoiada em dois pilares essenciais: classicismo e humanismo. Peter Murray, na sua obra Arquitetura Renascentista, destaca que os arquitetos desta época não só imitaram as formas da antiguidade greco-romana, mas também teorizaram e sistematizaram a prática arquitetónica através do uso de proporções matemáticas e simetria. Isto permitiu uma reinterpretação consciente do legado clássico, que não era simplesmente uma réplica, mas uma nova compreensão do espaço e da forma. Foram recuperados elementos como colunas, arcos e frontões, buscando um equilíbrio harmonioso e estético que refletisse os ideais de beleza da época.

Refira-se que os ideais e valores renascentistas não podiam surgir completamente desligados da herança medieval que o precedeu, no entanto, os conceitos que fundamentam este estilo arquitectónico foram construídos na ruptura consciente e efectiva da produção artística da Idade Média, especialmente do estilo gótico.

As seguintes características gerais podem ser analisadas:

• - Busca do ideal clássico: através do classicismo, os homens da Renascença olharam para o mundo greco-romano como modelo para a sua sociedade contemporânea, procurando aplicar na realidade material quotidiana o que consideravam pertencer a um mundo mais idílico do que real. Neste sentido, a arquitetura, em particular, procurou concretizar conceitos clássicos como o de beleza, surgindo assim a teorização e organização do movimento, com base na arquitetura clássica grega e romana.

• - Visão profana sobre temas religiosos: valores clássicos, do ponto de vista do cristianismo, de enorme influência neste período (levando em conta que o Renascimento surgiu na Itália, onde a presença da Igreja Católica foi decisiva para a arte), eram considerados de natureza pagã e pecaminosa.

• - Influência da natureza: a natureza era vista como a criação suprema da obra de Deus e o elemento mais próximo da perfeição (outro ideal que deveria ser buscado através da estética clássica). Assim, passamos da busca pela inspiração na natureza para a inspiração nas formas da própria natureza, como propõem os clássicos, tornando-se um valor autônomo.

• - Antropocentrismo e humanismo: além da natureza como criação perfeita, o olhar se volta para o ser humano: o teocentrismo medieval é deixado para trás para entrar no antropocentrismo. O homem é analisado, ao invés de ser criado à imagem e semelhança de Deus, como medida e referência do Universo. Assim, será o objeto central da manifestação artística, com importância ainda maior do que durante a antiguidade clássica.

A importância da perspectiva

Um dado importante na definição da espacialidade do Renascimento é a incorporação da perspectiva como instrumento do projeto arquitetônico e a noção de design como forma de conhecimento.

A principal ruptura com o espaço medieval ocorreu quando os arquitetos renascentistas começaram a projetar em seus edifícios um empreendimento em que as regras de projeto fossem facilmente assimiladas pelos seus usuários. A partir de uma análise objectiva do espaço, presidida por um certo sentido empírico, chegam a conclusões que irão impor o ritmo próprio do edifício e da sua envolvente.

O domínio da linguagem clássica, para transmitir estes efeitos úteis nos edifícios, torna possível o estudo da perspectiva. Como resultado, surge uma arquitetura inserida em um espaço prospectivo, apreendido integralmente pelo observador e cujas relações proporcionais são mostradas de forma analítica e objetiva.

Estas novas relações espaciais são especialmente evidentes em comparação com o espaço presente nas catedrais góticas. Neles, a intenção arquitetônica é que o observador, desde o momento em que entra no edifício, seja dominado pelo espaço e instintivamente eleve o olhar para o topo, buscando assim um movimento ascendente em busca da figura de Deus. Ou seja, toda a monumentalidade deste espaço gótico tem uma função, entre outras, que é possuir a vontade do indivíduo e determinar os seus desejos, a função da sua estadia e a utilização do edifício. No espaço renascentista, a intenção é precisamente o oposto: o edifício não domina o indivíduo, mas sim o indivíduo reflete e gere a sua espacialidade. O conceito de uma arquitetura feita à medida de Deus é transferido para o de uma arquitetura feita à medida do homem.

O tratado da Renascença

A recuperação da ideologia da arquitectura clássica, introduzida pela cultura do Renascimento, deve necessariamente ter transcendido a mera observação da realidade. A arquitetura produzida pelos artistas renascentistas, humanistas em geral, procurou manter uma imagem erudita e literária, para além da mera reprodução de ruínas greco-romanas. Os arquitetos sempre criaram em busca de um modelo ideal, em detrimento dos modelos existentes (com grande número de ruínas, principalmente na Itália). Esses modelos ideais ou idealizados foram sistematizados e expressos teoricamente, o que deu origem aos tratados de arquitetura clássica da época.

Sem dúvida, para a criação do modelo teórico, a observação das ruínas foi a inspiração predominante dos primeiros arquitetos renascentistas italianos, mas à medida que o Renascimento evoluiu, os estudiosos passaram sistematicamente de oferecer ou recuperar os cânones e obras técnicas do classicismo para escrever os seus próprios tratados sobre o estilo, que embora baseado no classicismo, tornou-se efetivamente anti-clássico.

A preservação dos dez livros do De Architectura do arquiteto romano Marco Vitrúvio, do século a.C., é notável pela formação de tratados renascentistas. C., fundamental para a divulgação das ideias de cânone e de ordem. Este foi o único tratado do período clássico que sobreviveu após a queda de Roma, durante a Idade Média, tendo sido copiado e preservado, geralmente de forma fragmentada, nas bibliotecas dos mosteiros. Portanto, à medida que os volumes foram copiados e traduzidos, os desenhos e desenhos que compunham os tratados foram perdidos, de modo que o conteúdo do tratado tornou-se confuso e às vezes contraditório ao longo do tempo. Por isso, grande parte do esforço dos escritores renascentistas seria recuperar o conteúdo perdido, buscando sua consumação para aventurar padrões que de forma alguma existiam no texto original.

O tratado Vitruviano, como única grande referência teórica da arquitectura clássica, e apesar da sua falta de conteúdo, serviu de base a todos os principais estudos realizados durante o Renascimento. Por exemplo, uma obra claramente derivada de Vitruviano são os dez livros de Leon Battista Alberti, conhecidos como De re aedificatoria.

A par da inspiração vitruviana, um elemento que caracterizará os principais tratados renascentistas (especialmente aqueles que foram escritos nos primeiros momentos do Renascimento) é o facto de os seus autores procurarem, por vezes com uma preocupação maior do que o desejo de investigação, posicionar o arquitecto como uma figura tipicamente pertencente à elite fundamental em qualquer estrutura social. Tal determinação em relação à profissão claramente não é um caso de mero “corporativismo” daqueles escritores, mas um fenômeno absolutamente ligado à ascensão social que sofre o artesão convertido em (veja as próximas seções para uma análise mais aprofundada desta situação). Nesse sentido, os tratados servem efetivamente como meio de propaganda do novo profissional, em oposição à visão tradicional (que associava inexoravelmente o arquiteto a atividades manuais e, portanto, populares e antiintelectuais). A confirmação dessa modificação na categoria dos arquitetos como artistas nobres e intelectuais, diferentes dos “meros artesãos de origem popular” também fica evidente quando se verifica para quem esses tratados foram escritos: em geral, eram dedicados à nobreza (ou a um nobre em particular), tinham um estilo refinado e abordavam questões diretamente de interesse público dos príncipes que compunham a estrutura política italiana.

Contenido

La arquitectura renacentista se desarrolla a partir del siglo principalmente en Italia. Es común atribuir el lugar de génesis a la ciudad italiana de Florencia, ciudad donde el gótico apenas había penetrado, en el momento de la construcción de la cúpula de la catedral de Santa María del Fiore proyectada por Filippo Brunelleschi. Tal episodio no solo es un mero cambio en el perfil estilístico que predominaba en el escenario arquitectónico florentino, sino la demostración clara de la ruptura que vendría posteriormente en la propia forma de producir la arquitectura, abriendo camino para, no solo redescubrir el clasicismo, sino también para la promoción de la tratadística y para una teorización inédita sobre el tema. Son muchos los estudiosos que afirman que Brunelleschi construyó, de hecho, no solo una cúpula, sino el concepto de un nuevo tipo de arquitecto: altera las reglas de la construcción civil iniciando un proceso que, gradualmente, separará al proyectista del constructor.

Un hecho a destacar en la producción de Brunelleschi es que se manifiesta más importancia en el campo de la construcción que en el del estilo. Se asimila esto cuando se observa la obra en su conjunto, percibiéndose que, a pesar de querer seguir la canonización clásica, se produce un edificio que no es completamente comprometido con dichas reglas clásicas. Esto es causado por la carencia del arquitecto de conocimiento profundo de las normas clásicas, al que accedía más por la observación de las ruinas romanas existentes que por el estudio de los tratados.

Asimismo, Brunelleschi inicia una tradición que se separa al arquitecto de los antiguos gremios medievales y cuya profesionalización es cada vez más patente en la época, afirmándose como intelectuales alejados de la construcción propiamente dicha. Muchos críticos que analizan el fenómeno desde una óptica marxista identifican aquí el momento en el que la incipiente burguesía toma de las clases populares el dominio de los medios de producción (dejando éstas de poder construir y pasarán a poder diseñar), posibilitando así un proceso de explotación del proletariado por el capital "Capital (economía)"), que se recrudecerá durante la Revolución industrial.

Momento inicial: a cúpula de Santa María del Fiore

A catedral de Santa Maria del Fiore, em Florença, foi inicialmente executada em estilo românico tardio, mas a sua construção durou várias gerações (foi iniciada em 1296 e com a morte de Brunelleschi, em 1446, ainda não tinha sido concluída). Não foi um edifício planeado: a sua concepção e construção foram realizadas em paralelo. Embora existisse um plano geral para a sua forma e distribuição interna, os detalhes construtivos, como era comum na prática construtiva medieval, foram sendo resolvidos à medida que a construção avançava, na própria obra. Portanto, embora já existisse a necessidade de construir uma grande cúpula sobre um determinado ponto da igreja, a sua forma não havia sido decidida de antemão. Quando chegou a hora de erguê-lo, os artesãos florentinos encontraram-se com um vão de 40 metros, impossível de cobrir com as técnicas tradicionais de construção.

A solução encontrada em 1418, quando a República de Florença já mostrava claras intenções de manifestar o seu poder económico na arquitetura da cidade - com a qual a catedral se tornou, portanto, quase um cartão de visita - foi promover uma espécie de concurso de ideias para a conclusão do templo, que envolvia, claro, a solução do problema da cúpula. Filippo Brunelleschi, que era, na época, um artesão relativamente renomado, aceitou o desafio. Para isso, decidiu viajar para Roma em busca de inspiração. Roma, nesse período, era o local do mundo onde as ruínas da antiguidade clássica eram mais visíveis, quase integradas na paisagem. A principal fonte de inspiração de Brunelleschi foi o Panteão de Agripa: uma estrutura de diâmetro semelhante ao de Santa Maria dei Fiori, encimada por uma cúpula em arco completo. Brunelleschi não só observou a solução construtiva utilizada no Panteão, mas também começou a estudar as relações estilísticas, proporcionais e formais entre os diferentes elementos que compunham aquele espaço. E foi de facto esta atitude que deu origem ao espírito do Renascimento: um indivíduo observa uma determinada realidade através do desejo e da intenção com que interfere naquela realidade antiga para procurar soluções úteis e aplicáveis ​​à realidade moderna. Brunelleschi não tinha pleno conhecimento da teoria clássica, mas reconheceu um modelo estilístico que usaria para construir e conceber sua própria arquitetura.

Ao retornar a Florença, repleto dessa experiência com o mundo clássico, Brunelleschi propôs uma solução para a catedral florentina: uma grande cúpula de 42 metros encimada por uma lanterna, com base em suas pesquisas em Roma. Mas não se limitou a reproduzir o modelo romano, mas propôs uma forma totalmente inovadora: a sua cúpula seria a primeira com tambor octogonal na história da arquitectura. Esta cúpula tem uma função estética (bela mas austera, sem dar sensação de peso), mas também uma função ideológica: representa a unidade cristã. Para sua construção, Brunelleschi utilizou um conjunto de cúpulas duplas, uma interna e outra externa, formadas por duas camadas construídas com dois fios de tijolo separados por um fio de tijolo em ângulo reto, que avançam em forma de espiral que torna o conjunto mais rígido ao mesmo tempo em que configura um espaço como uma câmara de ar que dá leveza à cúpula, ao mesmo tempo que desenha fios direcionadores e encimada por uma lanterna.

O Quattrocento: o domínio da linguagem clássica

Brunelleschi, portanto, permanecerá na história da arte como o responsável por ter traçado o caminho que praticamente todos os arquitetos renascentistas seguiriam para criar suas obras. Como já foi dito, porém, o arquitecto florentino não tinha pleno conhecimento das diferentes ordens sistematizadas na linguagem clássica, o que se torna evidente quando acaba por criar a sua própria linguagem arquitectónica, na qual os elementos clássicos aparecem mas não respondem ao estilo antigo.

Os arquitetos que seguiram esse método delineado por Brunelleschi foram, no entanto, responsáveis ​​pela recuperação integral da linguagem clássica. O domínio do classicismo foi de facto alcançado ao longo do século (embora a sua sistematização definitiva só tenha ocorrido com a publicação do tratado de Sebastiano Serlio no século seguinte) e encontrou a sua figura mais paradigmática em Donato Bramante. Nessa altura (especialmente depois de Alberti ter apresentado a sua teoria da arquitectura no seu tratado De re aedificatoria) as formas constitutivas da arquitectura grega e romana como possibilidades composicionais já eram conhecidas de forma mais fiável, e tanto as suas soluções concretas como a síntese espacial típica da arquitectura clássica eram, em geral, conhecidas. Assim, os arquitectos renascentistas tinham à sua disposição todo o potencial criativo oferecido pela linguagem e técnica clássica e pelo espírito do seu tempo. A linguagem arquitetônica do Renascimento foi expressa não através de cópias dos clássicos, mas sim de seu aprimoramento.

Dois arquitetos de palácios florentinos também se destacaram nesta época: Michelozzo (Palácio Medici Riccardi, 1444) e Bernardo Rossellino (Palácio Rucellai, 1446-1451 - baseado em projeto inicial de Alberti-); e outros em torno do núcleo veneziano, como Pietro Lombardo.

• - Basílica de San Lorenzo em Florença, reforma iniciada em 1419, Filippo Brunelleschi.

• - Capela Pazzi, 1441, última obra de Brunelleschi.

• - Fachada de Santa María Novella, Leon Battista Alberti, Florença, 1458-1470.

• - Templo Malatestiano de Rimini, Alberti, por volta de 1450.

Bramante e a fase madura do Renascimento

É precisamente na obra de Donato Bramante que este espírito se concretiza de forma mais completa, o que faz dele a figura que representa a passagem do Quattrocento ao Cinquecento, naquela que se costuma chamar de fase madura do Renascimento. Bramante conseguiu demonstrar, através dos seus projetos em palácios ou igrejas, que não só conhecia as possibilidades da linguagem clássica, mas também compreendia as características e a atmosfera do seu tempo, pois foi capaz de aplicar conhecimentos antigos a uma forma nova, inédita, marcante e, sobretudo, clássica. Seu Tempietto ou Templete de San Pietro in Montorio, em Roma (1502-1510), é praticamente uma releitura (embora não uma cópia) dos templos de planta circular central, por sua vez derivados do grego tholos, típico de um determinado período da arquitetura romana (por exemplo, o Templo de Vesta, na mesma cidade de Roma). O modesto tempietto é quase um modelo base do gigantesco projeto (em construção desde 1506) da cúpula de São Pedro, com uma cúpula (42,5 metros) de dimensões comparáveis ​​à do Panteão (43,44 metros), à de Hagia Sophia em Constantinopla (32 metros) e à de Brunelleschi em Florença (41 metros). Mais tarde, na era barroca, o arquiteto inglês Christopher Wren, por sua vez, releria a obra de Bramante e Michelangelo e proporia uma nova forma na Catedral de São Paulo em Londres (32 metros, 1676), e Francisco Cabezas e Francesco Sabatini fizeram o mesmo na era neoclássica em San Francisco el Grande "San Francisco el Grande (Madrid)") (Madrid, 33 metros, 1760-1784); demonstrando o potencial do processo de criação renascentista (que vai da estética dos edifícios ao pensamento arquitetônico), para se adaptar a novos estilos em épocas posteriores.

Bramante também popularizou outra forma profundamente clássica que mais tarde foi desenvolvida e explorada. Inspirou-se nos arcos triunfais romanos e brilhou pelas características composicionais aplicadas aos projetos de palácios e vilas, peças-chave do Renascimento na arquitetura civil.

A imagem principal deste estilo bramantino encontra-se nas tríades de aberturas adornadas com arcos, dois dos quais à mesma altura e com o maior central, o chamado sistema ordem mais arco, baseado na combinação da ordem arquitetônica clássica e do arco semicircular. Diante do problema, então, de conectar duas entidades espacialmente semelhantes, mas de dimensões diferentes em uma mesma unidade, a solução foi utilizar dois sistemas de ordem mais arco de dimensões diferentes seguindo a regra de que o extrados do arco do sistema de menor dimensão fosse tangente à moldura inferior do entablamento de ordem maior.

A superação dos clássicos, mantendo sempre a busca pelo classicismo típico do período, ocorreu especialmente na medida em que os arquitetos propuseram soluções espaciais clássicas para novos projetos (como em grandes palácios, diferentes das construções romanas, ou em novas catedrais ou basílicas). Elementos como abóbadas e cúpulas foram aproveitados de uma nova forma, e foram utilizadas as ordens (jônicas, coríntias, etc.) características da arquitetura da Antiguidade.

O Cinquecento: a superação do classicismo

À medida que o domínio da linguagem clássica evoluiu, um certo sentido de libertação formal das regras restritas do classicismo cresceu nos arquitetos renascentistas, de modo que o eventual desejo de melhoria (que sempre existiu em maior ou menor grau) deixou de ser um elemento fundamental para ser fruto da nova produção destes autores. Tal fenômeno, já considerado como um anúncio do movimento estético que, anos depois, se concretizaria no Barroco, ganharia força especialmente nas primeiras décadas do século. O Cinquecento foi uma época em que a intenção de sistematizar o conhecimento dos cânones clássicos foi completamente superada, através dos tratados de Sebastiano Serlio ou Jacopo Vignola. Assim, os elementos composicionais do classicismo deixaram de ser utilizados nos edifícios como experimentação “em busca do clássico”, mas sim a partir da sua plena consciência, em “busca da sua inovação”.

No início, as regras clássicas de composição foram seguidas fielmente, mas ampliando enormemente seu escopo de aplicação. As regras clássicas foram aplicadas especialmente às grandes obras públicas, aos grandes palácios e aos templos religiosos (edifícios considerados “nobres”, dignos de receber o status de arquitetura segundo o ponto de vista clássico). Portanto, surgiram novas combinações de elementos. Andrea Palladio foi o principal expoente desta nova forma de trabalhar a linguagem clássica, como fica evidente nos seus projetos de "villas "Villa (Town)")" nos arredores das cidades italianas. A arquitetura de Palladio era tão peculiar e marcante em relação à de seus antecessores que seu método de trabalho acabou criando um novo estilo: o Palladianismo. Este estilo caracteriza-se pela aplicação do piso central em projetos residenciais (como moradias) e por um certo tipo de ornamentação sintética (denominada arquitetura de superfície), entre outros fundamentos. O próprio Palladio foi autor de um tratado bastante completo sobre arquitetura clássica, no qual explicou sua forma de pensar e sua perspectiva sobre o assunto.

Maneirismo: os grandes mestres e o fim do Renascimento

O Maneirismo foi o movimento artístico produzido durante o Cinquecento e cuja formação ocorreu nas primeiras décadas do século e se estendeu até o início do século. Evidencia a intenção por parte dos arquitetos, humanistas e artistas do período de uma arte que, embora em essência seguisse o classicismo, tinha um conteúdo bastante anticlássico. No maneirismo, portanto, a inovação construtiva desenvolve-se em confronto com a arquitetura clássica, já plenamente conhecida.

Passado o impulso do tratado, que conferia uma certa homogeneidade à arquitectura através da imposição de certas regras, surgiu uma nova geração de arquitectos, fortemente individualistas, que na verdade representa uma ponte entre o Renascimento e o Barroco.

A actividade arquitectónica de Michelangelo marcou o culminar e a superação do classicismo da fase madura ou de Bramante, podendo ser descrita como mais clássica na Basílica de São Pedro ou no Palácio Farnese e mais maneirista (por exemplo na famosa escadaria da Biblioteca Laurentiana). À semelhança do que aconteceu na pintura ou na escultura (onde a imitação da sua maniera é mais clara), os arquitectos italianos de meados do século, alguns deles deixando Roma aquando do saque e espalhando-se pelas restantes cidades italianas, procuraram desafiar os cânones clássicos. Os principais expoentes deste novo estilo foram, além do já citado Andrea Palladio e do núcleo veneziano, Giulio Romano (Palácio do Chá, Mântua, 1534), Bartolomeo Ammannati (renovação do Palácio Pitti, 1558-1570), Antonio Sangallo, o Jovem (Villa Farnese, Caprarola, 1559), Vasari (Galeria Uffizi, Florença, 1560-1581), ou Jacopo Vignola com a Igreja de Gesù (1568), esta em Roma, sede e modelo exportado das numerosas igrejas jesuítas da cada vez mais influente Companhia de Jesus, cuja fachada se deve a Giacomo della Porta (1578, que mais tarde inspirou Carlo Maderno).

Em suas obras são constantes as referências a elementos composicionais clássicos, mas de forma “desconstruída” e quase irônica. Eles convertem padrões decorativos de janelas que deveriam ser colocadas do lado de fora para o interior, brincam com os efeitos de ilusão de ótica proporcionados pela perspectiva, através de volumes de tamanhos incomuns, etc. O mesmo significado, levado ao extremo, foram os extravagantes jardins da Villa das Maravilhas, hoje Parco dei Mostri (Bosco Sacro di Bomarzo) em Bomarzo, no Lácio, do arquiteto e designer de jardins Pirro Ligorio.

O aprofundamento das características das construções maneiristas foi o germe do nascimento do Barroco, que se considerado superficialmente como uma ruptura do ideal clássico proposto pelo Renascimento, constituiu na verdade a reação ao seu esgotamento, já anunciado pelo Maneirismo.

• - Palazzo Tè, Mântua. Júlio Romano, 1534.

El lenguaje arquitectónico propio del Renacimiento italiano no desplazó a las formas tardogóticas predominantes en el resto de Europa hasta bien entrado el siglo . Los contactos internacionales en las esferas económica, política y militar, intensificados a partir de los ya abundantes desde la Baja Edad Media, los viajes de los artistas demandados por las diversas cortes, así como la decisiva difusión de documentos e imágenes gracias a la imprenta y al grabado permitieron un intercambio de información decisivo.

Paradójicamente, la asimilación de las ideas anticlásicas forjadas en el Manierismo (que más que la fase final del Renacimiento puede considerase un estilo nuevo y opuesto) fue lo que causó el definitivo triunfo del gusto italiano. La tratadística clásica estaba ya plenamente desarrollada, de forma que los arquitectos de fuera de Italia pudieron dominar en general las reglas compositivas clásicas y su teoría, lo que ya les permitía tomarse ciertas licencias creativas. De esta forma, la introducción del Renacimiento en Europa fue en gran medida un eclecticismo entre las pervivencias medievales y rasgos post-renacentistas; además de diferir en cada país, según la distinta forma en que la influencia italiana dotó de elementos nuevos a su contexto propio de base medieval.

Arquitetura renascentista na Espanha

Na Espanha, o Renascimento começou a se inserir nas formas góticas nas últimas décadas do século. O desenvolvimento do Renascimento foi produzido principalmente por arquitectos locais, embora ligados à tradicional relação artística hispano-flamenga. Vários deles tinham até origens familiares no norte da Europa. Soma-se a isso que a política italiana, central para a Coroa de Aragão desde o século XIX, também se tornou uma prioridade em Castela com o casamento dos Reis Católicos.

Foi forjada uma arquitetura com características próprias e muito pronunciadas, que incluía influências do mudéjar local, do gótico extravagante do norte e da arquitetura italiana. Este eclético estilo espanhol, de caracterização controversa, recebeu o nome de “plateresco” pelas fachadas extremamente decoradas de seus edifícios, que foram comparadas ao intrincado e detalhado trabalho dos ourives.

Com o passar das décadas, a influência do gótico diminuiu, atingindo um estilo mais refinado e ortodoxo do ponto de vista das formas clássicas. O purismo caracteriza-se por uma maior austeridade decorativa, que se limita a alguns elementos específicos, geralmente de inspiração greco-romana. Há um certo cansaço da exuberância decorativa italianizada de meados do século e impõem-se edifícios com um aspecto mais sereno, harmonioso e equilibrado. Alguns arquitectos conseguem reciclar a sua produção gótica tardia para iniciar este novo estilo: é o caso, por exemplo, de Alonso de Covarrubias, Rodrigo Gil de Hontañón e Pedro de Ibarra. Além da Meseta, onde desenvolveram a sua obra, localizava-se na Andaluzia um extraordinário centro de produção renascentista, onde se encontravam as figuras de Diego de Siloé (Catedral de Granada e Sacra Capilla del Salvador de Úbeda), Pedro Machuca (o mais decididamente clássico, com a sua ousada intervenção na Alhambra de Granada: o Palácio de Carlos V), Andrés de Vandelvira (catedrais de Jaén e Baeza) e Diego de Riaño (Cidade de Sevilha). Conselho).

A influência da literatura italiana, especialmente de Sebastiano Serlio, permitiu que esta época fosse chamada de fase Serliana. É notável que Espanha tenha sido o primeiro país a desenvolver a sua própria literatura arquitetónica dentro dos cânones renascentistas, com Diego de Sagredo (Las Medidas del Romano, 1526).

Em meados do século, a iniciação do Mosteiro de San Lorenzo de El Escorial como símbolo do poder de Filipe II por Juan Bautista de Toledo (falecido em 1567) e Juan de Herrera marcou o aparecimento de um novo estilo, caracterizado pela predominância de elementos construtivos, ausência de decoração, linhas retas e volumes cúbicos. Significa também o triunfo definitivo dos postulados maneiristas vindos de Itália, com o contributo da sobriedade castelhana.

Este estilo, mais tarde denominado "Herreriano" em homenagem a Juan de Herrera, dominou a arquitetura espanhola durante quase um século, e entre os seus seguidores estavam figuras relevantes como Francisco de Mora, Juan Gómez de Mora e Juan Gómez de Trasmonte.

Os conceitos arquitetônicos e urbanísticos do Renascimento espanhol foram levados para as colônias espanholas na América onde encontraram terreno fértil para sua difusão dada a extensa urbanização ocorrida ao longo de três séculos e que recebeu também o impacto de estilos posteriores como o Barroco e o Neoclássico.

Arquitetura renascentista em Portugal

Em Portugal o estilo manuelino é a contribuição portuguesa para o Renascimento; embora a sua estética, que combina elementos renascentistas e góticos tardios de forma semelhante ao plateresco elisabetano castelhano, esteja muito distante do classicismo. Um motivo decorativo frequentemente repetido, a corda torcida do navio, é interpretado como uma referência explícita às façanhas dos navegadores portugueses, que lideraram a Era dos Descobrimentos e permitiram a extraordinária expansão política e económica que transformou o reino numa potência mundial.

Exemplos da arquitetura renascentista portuguesa são as catedrais de Leiría e Portalegre, o Colégio dos Jesuítas de Évora e a Igreja de São Roque em Lisboa.

Arquitetura renascentista na Alemanha

O Renascimento na Alemanha foi inspirado por filósofos e artistas alemães como Johannes Reuchlin e Albrecht Dürer, que visitaram a Itália. Estruturas notáveis ​​deste período com arquitetura renascentista incluem a residência Landshut, o Castelo de Heidelberg, o Castelo de Joanisburgo em Aschaffenburg, a Câmara Municipal de Augsburg e a Fortaleza de Lichtenau. Em julho de 1567, o conselho municipal de Colônia aprovou um projeto de estilo renascentista de Wilhelm Vernukken para a Câmara Municipal, apresentando uma loggia de dois andares. Igreja de São Miguel "Igreja de São Miguel (Munique)"), em Munique, é a maior igreja renascentista localizada ao norte dos Alpes. Foi construído pelo duque Guilherme V da Baviera entre 1583 e 1597 como centro espiritual da Contra-Reforma e foi inspirado na igreja de Il Gesù em Roma. O arquiteto é desconhecido.

Arquitetura renascentista na Europa Oriental

A distância desta área da Itália diluiu a influência do Renascimento, mas existem exemplos valiosos de edifícios que combinam elementos renascentistas com a tradição arquitetónica local. Na Hungria, as casas de estilo italiano foram construídas antes da segunda metade do século. O rei húngaro Matthias Corvinus contratou construtores e escultores italianos, um dos quais, Aristóteles Fioravanti, viajou da Hungria a Moscou para construir a Catedral da Dormição (Catedral de Moscou) (1475-1479) no Kremlin de Moscou. Sob o reinado de Luís II da Hungria e da Boémia, foi construída a capela Bakócz da Catedral de Esztergom, um exemplo de decoração renascentista. Outras obras influenciadas pelo Renascimento na Europa Oriental são, na Polónia, o Castelo Wawel, a Capela de Sigismundo em Cracóvia e as cidades de Zamość e Tarnów; na Lituânia, o Palácio Real e as igrejas de São Miguel e Santo Estêvão em Vilnius; e na República Tcheca, a cidade de Telč, palácio de verão da Rainha Ana (Belvedere "Jardim Real (Praga)")) do Castelo de Praga ou Castelo de Český Krumlov.

Arquitetura renascentista na Inglaterra

Na Inglaterra, as formas da Renascença italiana levarão muito mais tempo para prevalecer do que na Espanha ou na França. Durante o período final do século e ao longo do século, desenvolveu-se o chamado estilo Tudor, uma extensão do gótico com marcadas características locais inglesas. No final do século e início do século XIX, a chamada arquitectura elisabetana significou uma abertura às influências externas, entre as quais as italianas, mas também as da arquitectura holandesa.

Somente em meados do século é que prevaleceram as formas clássicas, baseadas principalmente na obra de Iñigo Jones (1573-1652), que estudou na Itália e foi influenciado por Palladio. De volta à Inglaterra, Jones projetou edifícios como a Casa da Rainha de Greenwich "Greenwich (London)") (1616) e a Casa de Banquetes no Palácio de Whitehall (1619). Estas construções de linhas simples e simétricas foram revolucionárias num país onde os edifícios ainda eram concebidos com janelas divididas, forros e torreões.

Hatfield House foi inteiramente encomendada por Robert Cecil, primeiro conde de Salisbury, entre 1607 e 1611, e é o exemplo perfeito de arquitetura de transição entre os estilos Tudor e Renascentista. O edifício combina uma ala Tudor, com janelas gradeadas e telhado com ameias, e duas alas claramente influenciadas pelas fachadas dos palazzi italianos. A sua fachada central, originalmente em forma de loggia aberta, foi atribuída a Inigo Jones, embora o pórtico central de estilo jacobino provavelmente torne esta atribuição falsa. No interior, a escadaria elaboradamente esculpida mostra a influência italiana na ornamentação inglesa.

O trabalho de Jones foi continuado, já dentro do classicismo do período barroco, por mestres como Christopher Wren com seu projeto da Catedral de São Paulo em Londres e de muitos edifícios públicos e igrejas londrinas que foram construídos após o Grande Incêndio de Londres de 1666. A devastação da cidade foi uma oportunidade única para uma nova geração de arquitetos que seguiram a arquitetura clássica, que construíram em uma escala maior do que provavelmente já havia sido construída em uma cidade.

Arquitetos posteriores, como o veneziano Giacomo Leoni, durante o século seguinte, adaptaram e modificaram o estilo para ajustá-lo à paisagem e ao gosto inglês, preservando o gosto pela influência italiana nos edifícios. Lyme Hall em Cheshire é um excelente exemplo desta tendência.

A influência da arquitetura renascentista italiana[10]​ sobreviveu especialmente na esfera anglo-saxônica, em decorrência do Palladianismo, forma peculiar de interpretação da arquitetura de Palladio, que manteria o classicismo até a chegada de estilos mais modernos como o Neoclassicismo. Durante o século 19, um historicismo neo-renascentista especialmente importante ocorreu no Reino Unido e na América do Norte.

Arquitetura renascentista na Rússia

O príncipe Ivan III introduziu a arquitetura renascentista na Rússia convidando vários arquitetos da Itália, que trouxeram consigo novas técnicas de construção e alguns elementos do estilo renascentista, ao mesmo tempo que seguiram os projetos tradicionais da arquitetura russa. Em 1475, o arquiteto italiano Aristóteles Fioravanti realizou uma reconstrução da Catedral da Dormição "Catedral da Dormição (Moscou)"), localizada no Kremlin de Moscou, que foi danificada por um terremoto.

• - História das cúpulas renascentistas italianas.

• - Arquitetura renascentista francesa.

• - Arquitetura renascentista veneziana.

• - Plateresco.

• - Estilo manuelino.

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• - O Wikimedia Commons hospeda uma categoria multimídia sobre Arquitetura Renascentista.

• - Este trabalho contém uma tradução parcial derivada de «Arquitetura Renascentista» da Wikipédia em inglês, especificamente desta versão de 10 de dezembro de 2015, publicada por seus editores sob a Licença de Documentação Livre GNU e a Licença Internacional Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0.

A história da arquitetura renascentista, como esta, costuma ser dividida em dois grandes períodos denominados em italiano pelo número de centenas de anos:[1]​.

• - Quattrocento ou século, início do Renascimento, época em que se destacam as figuras de Filippo Brunelleschi e Leon Battista Alberti. É uma arquitetura que aspira ao Classicismo e que lança as bases teóricas para a canonização do estilo, que caracterizará o período seguinte.

• - Cinquecento ou século, por sua vez dividido em duas fases:

• Fase de conclusão ou maturidade: Renascimento Médio, Pleno ou Alto, que abrange o primeiro quartel do século (até o saque de Roma em 1527). Nesse período, os principais arquitetos italianos participaram dos diversos projetos de início das obras da Basílica de São Pedro (Donato Bramante, Rafael Sanzio, Antonio da Sangallo o Jovem e posteriormente Michelangelo).

• Fase do Maneirismo: Renascimento tardio ou Baixo Renascimento, de meados do século ao início do século (em que se inicia a arquitetura barroca). Nesta fase, seguindo a maniera de Michelangelo, as individualidades dos arquitetos começam a se impor ao projeto teórico clássico. Destacam-se mestres como Giulio Romano, Jacopo Vignola, Giorgio Vasari, Giacomo della Porta e Andrea Palladio.

Fundamentos gerais do Renascimento

A Arquitetura Renascentista estava intimamente relacionada com uma visão de mundo daquele período apoiada em dois pilares essenciais: classicismo e humanismo. Peter Murray, na sua obra Arquitetura Renascentista, destaca que os arquitetos desta época não só imitaram as formas da antiguidade greco-romana, mas também teorizaram e sistematizaram a prática arquitetónica através do uso de proporções matemáticas e simetria. Isto permitiu uma reinterpretação consciente do legado clássico, que não era simplesmente uma réplica, mas uma nova compreensão do espaço e da forma. Foram recuperados elementos como colunas, arcos e frontões, buscando um equilíbrio harmonioso e estético que refletisse os ideais de beleza da época.

Refira-se que os ideais e valores renascentistas não podiam surgir completamente desligados da herança medieval que o precedeu, no entanto, os conceitos que fundamentam este estilo arquitectónico foram construídos na ruptura consciente e efectiva da produção artística da Idade Média, especialmente do estilo gótico.

As seguintes características gerais podem ser analisadas:

• - Busca do ideal clássico: através do classicismo, os homens da Renascença olharam para o mundo greco-romano como modelo para a sua sociedade contemporânea, procurando aplicar na realidade material quotidiana o que consideravam pertencer a um mundo mais idílico do que real. Neste sentido, a arquitetura, em particular, procurou concretizar conceitos clássicos como o de beleza, surgindo assim a teorização e organização do movimento, com base na arquitetura clássica grega e romana.

• - Visão profana sobre temas religiosos: valores clássicos, do ponto de vista do cristianismo, de enorme influência neste período (levando em conta que o Renascimento surgiu na Itália, onde a presença da Igreja Católica foi decisiva para a arte), eram considerados de natureza pagã e pecaminosa.

• - Influência da natureza: a natureza era vista como a criação suprema da obra de Deus e o elemento mais próximo da perfeição (outro ideal que deveria ser buscado através da estética clássica). Assim, passamos da busca pela inspiração na natureza para a inspiração nas formas da própria natureza, como propõem os clássicos, tornando-se um valor autônomo.

• - Antropocentrismo e humanismo: além da natureza como criação perfeita, o olhar se volta para o ser humano: o teocentrismo medieval é deixado para trás para entrar no antropocentrismo. O homem é analisado, ao invés de ser criado à imagem e semelhança de Deus, como medida e referência do Universo. Assim, será o objeto central da manifestação artística, com importância ainda maior do que durante a antiguidade clássica.

A importância da perspectiva

Um dado importante na definição da espacialidade do Renascimento é a incorporação da perspectiva como instrumento do projeto arquitetônico e a noção de design como forma de conhecimento.

A principal ruptura com o espaço medieval ocorreu quando os arquitetos renascentistas começaram a projetar em seus edifícios um empreendimento em que as regras de projeto fossem facilmente assimiladas pelos seus usuários. A partir de uma análise objectiva do espaço, presidida por um certo sentido empírico, chegam a conclusões que irão impor o ritmo próprio do edifício e da sua envolvente.

O domínio da linguagem clássica, para transmitir estes efeitos úteis nos edifícios, torna possível o estudo da perspectiva. Como resultado, surge uma arquitetura inserida em um espaço prospectivo, apreendido integralmente pelo observador e cujas relações proporcionais são mostradas de forma analítica e objetiva.

Estas novas relações espaciais são especialmente evidentes em comparação com o espaço presente nas catedrais góticas. Neles, a intenção arquitetônica é que o observador, desde o momento em que entra no edifício, seja dominado pelo espaço e instintivamente eleve o olhar para o topo, buscando assim um movimento ascendente em busca da figura de Deus. Ou seja, toda a monumentalidade deste espaço gótico tem uma função, entre outras, que é possuir a vontade do indivíduo e determinar os seus desejos, a função da sua estadia e a utilização do edifício. No espaço renascentista, a intenção é precisamente o oposto: o edifício não domina o indivíduo, mas sim o indivíduo reflete e gere a sua espacialidade. O conceito de uma arquitetura feita à medida de Deus é transferido para o de uma arquitetura feita à medida do homem.

O tratado da Renascença

A recuperação da ideologia da arquitectura clássica, introduzida pela cultura do Renascimento, deve necessariamente ter transcendido a mera observação da realidade. A arquitetura produzida pelos artistas renascentistas, humanistas em geral, procurou manter uma imagem erudita e literária, para além da mera reprodução de ruínas greco-romanas. Os arquitetos sempre criaram em busca de um modelo ideal, em detrimento dos modelos existentes (com grande número de ruínas, principalmente na Itália). Esses modelos ideais ou idealizados foram sistematizados e expressos teoricamente, o que deu origem aos tratados de arquitetura clássica da época.

Sem dúvida, para a criação do modelo teórico, a observação das ruínas foi a inspiração predominante dos primeiros arquitetos renascentistas italianos, mas à medida que o Renascimento evoluiu, os estudiosos passaram sistematicamente de oferecer ou recuperar os cânones e obras técnicas do classicismo para escrever os seus próprios tratados sobre o estilo, que embora baseado no classicismo, tornou-se efetivamente anti-clássico.

A preservação dos dez livros do De Architectura do arquiteto romano Marco Vitrúvio, do século a.C., é notável pela formação de tratados renascentistas. C., fundamental para a divulgação das ideias de cânone e de ordem. Este foi o único tratado do período clássico que sobreviveu após a queda de Roma, durante a Idade Média, tendo sido copiado e preservado, geralmente de forma fragmentada, nas bibliotecas dos mosteiros. Portanto, à medida que os volumes foram copiados e traduzidos, os desenhos e desenhos que compunham os tratados foram perdidos, de modo que o conteúdo do tratado tornou-se confuso e às vezes contraditório ao longo do tempo. Por isso, grande parte do esforço dos escritores renascentistas seria recuperar o conteúdo perdido, buscando sua consumação para aventurar padrões que de forma alguma existiam no texto original.

O tratado Vitruviano, como única grande referência teórica da arquitectura clássica, e apesar da sua falta de conteúdo, serviu de base a todos os principais estudos realizados durante o Renascimento. Por exemplo, uma obra claramente derivada de Vitruviano são os dez livros de Leon Battista Alberti, conhecidos como De re aedificatoria.

A par da inspiração vitruviana, um elemento que caracterizará os principais tratados renascentistas (especialmente aqueles que foram escritos nos primeiros momentos do Renascimento) é o facto de os seus autores procurarem, por vezes com uma preocupação maior do que o desejo de investigação, posicionar o arquitecto como uma figura tipicamente pertencente à elite fundamental em qualquer estrutura social. Tal determinação em relação à profissão claramente não é um caso de mero “corporativismo” daqueles escritores, mas um fenômeno absolutamente ligado à ascensão social que sofre o artesão convertido em (veja as próximas seções para uma análise mais aprofundada desta situação). Nesse sentido, os tratados servem efetivamente como meio de propaganda do novo profissional, em oposição à visão tradicional (que associava inexoravelmente o arquiteto a atividades manuais e, portanto, populares e antiintelectuais). A confirmação dessa modificação na categoria dos arquitetos como artistas nobres e intelectuais, diferentes dos “meros artesãos de origem popular” também fica evidente quando se verifica para quem esses tratados foram escritos: em geral, eram dedicados à nobreza (ou a um nobre em particular), tinham um estilo refinado e abordavam questões diretamente de interesse público dos príncipes que compunham a estrutura política italiana.

Contenido

La arquitectura renacentista se desarrolla a partir del siglo principalmente en Italia. Es común atribuir el lugar de génesis a la ciudad italiana de Florencia, ciudad donde el gótico apenas había penetrado, en el momento de la construcción de la cúpula de la catedral de Santa María del Fiore proyectada por Filippo Brunelleschi. Tal episodio no solo es un mero cambio en el perfil estilístico que predominaba en el escenario arquitectónico florentino, sino la demostración clara de la ruptura que vendría posteriormente en la propia forma de producir la arquitectura, abriendo camino para, no solo redescubrir el clasicismo, sino también para la promoción de la tratadística y para una teorización inédita sobre el tema. Son muchos los estudiosos que afirman que Brunelleschi construyó, de hecho, no solo una cúpula, sino el concepto de un nuevo tipo de arquitecto: altera las reglas de la construcción civil iniciando un proceso que, gradualmente, separará al proyectista del constructor.

Un hecho a destacar en la producción de Brunelleschi es que se manifiesta más importancia en el campo de la construcción que en el del estilo. Se asimila esto cuando se observa la obra en su conjunto, percibiéndose que, a pesar de querer seguir la canonización clásica, se produce un edificio que no es completamente comprometido con dichas reglas clásicas. Esto es causado por la carencia del arquitecto de conocimiento profundo de las normas clásicas, al que accedía más por la observación de las ruinas romanas existentes que por el estudio de los tratados.

Asimismo, Brunelleschi inicia una tradición que se separa al arquitecto de los antiguos gremios medievales y cuya profesionalización es cada vez más patente en la época, afirmándose como intelectuales alejados de la construcción propiamente dicha. Muchos críticos que analizan el fenómeno desde una óptica marxista identifican aquí el momento en el que la incipiente burguesía toma de las clases populares el dominio de los medios de producción (dejando éstas de poder construir y pasarán a poder diseñar), posibilitando así un proceso de explotación del proletariado por el capital "Capital (economía)"), que se recrudecerá durante la Revolución industrial.

Momento inicial: a cúpula de Santa María del Fiore

A catedral de Santa Maria del Fiore, em Florença, foi inicialmente executada em estilo românico tardio, mas a sua construção durou várias gerações (foi iniciada em 1296 e com a morte de Brunelleschi, em 1446, ainda não tinha sido concluída). Não foi um edifício planeado: a sua concepção e construção foram realizadas em paralelo. Embora existisse um plano geral para a sua forma e distribuição interna, os detalhes construtivos, como era comum na prática construtiva medieval, foram sendo resolvidos à medida que a construção avançava, na própria obra. Portanto, embora já existisse a necessidade de construir uma grande cúpula sobre um determinado ponto da igreja, a sua forma não havia sido decidida de antemão. Quando chegou a hora de erguê-lo, os artesãos florentinos encontraram-se com um vão de 40 metros, impossível de cobrir com as técnicas tradicionais de construção.

A solução encontrada em 1418, quando a República de Florença já mostrava claras intenções de manifestar o seu poder económico na arquitetura da cidade - com a qual a catedral se tornou, portanto, quase um cartão de visita - foi promover uma espécie de concurso de ideias para a conclusão do templo, que envolvia, claro, a solução do problema da cúpula. Filippo Brunelleschi, que era, na época, um artesão relativamente renomado, aceitou o desafio. Para isso, decidiu viajar para Roma em busca de inspiração. Roma, nesse período, era o local do mundo onde as ruínas da antiguidade clássica eram mais visíveis, quase integradas na paisagem. A principal fonte de inspiração de Brunelleschi foi o Panteão de Agripa: uma estrutura de diâmetro semelhante ao de Santa Maria dei Fiori, encimada por uma cúpula em arco completo. Brunelleschi não só observou a solução construtiva utilizada no Panteão, mas também começou a estudar as relações estilísticas, proporcionais e formais entre os diferentes elementos que compunham aquele espaço. E foi de facto esta atitude que deu origem ao espírito do Renascimento: um indivíduo observa uma determinada realidade através do desejo e da intenção com que interfere naquela realidade antiga para procurar soluções úteis e aplicáveis ​​à realidade moderna. Brunelleschi não tinha pleno conhecimento da teoria clássica, mas reconheceu um modelo estilístico que usaria para construir e conceber sua própria arquitetura.

Ao retornar a Florença, repleto dessa experiência com o mundo clássico, Brunelleschi propôs uma solução para a catedral florentina: uma grande cúpula de 42 metros encimada por uma lanterna, com base em suas pesquisas em Roma. Mas não se limitou a reproduzir o modelo romano, mas propôs uma forma totalmente inovadora: a sua cúpula seria a primeira com tambor octogonal na história da arquitectura. Esta cúpula tem uma função estética (bela mas austera, sem dar sensação de peso), mas também uma função ideológica: representa a unidade cristã. Para sua construção, Brunelleschi utilizou um conjunto de cúpulas duplas, uma interna e outra externa, formadas por duas camadas construídas com dois fios de tijolo separados por um fio de tijolo em ângulo reto, que avançam em forma de espiral que torna o conjunto mais rígido ao mesmo tempo em que configura um espaço como uma câmara de ar que dá leveza à cúpula, ao mesmo tempo que desenha fios direcionadores e encimada por uma lanterna.

O Quattrocento: o domínio da linguagem clássica

Brunelleschi, portanto, permanecerá na história da arte como o responsável por ter traçado o caminho que praticamente todos os arquitetos renascentistas seguiriam para criar suas obras. Como já foi dito, porém, o arquitecto florentino não tinha pleno conhecimento das diferentes ordens sistematizadas na linguagem clássica, o que se torna evidente quando acaba por criar a sua própria linguagem arquitectónica, na qual os elementos clássicos aparecem mas não respondem ao estilo antigo.

Os arquitetos que seguiram esse método delineado por Brunelleschi foram, no entanto, responsáveis ​​pela recuperação integral da linguagem clássica. O domínio do classicismo foi de facto alcançado ao longo do século (embora a sua sistematização definitiva só tenha ocorrido com a publicação do tratado de Sebastiano Serlio no século seguinte) e encontrou a sua figura mais paradigmática em Donato Bramante. Nessa altura (especialmente depois de Alberti ter apresentado a sua teoria da arquitectura no seu tratado De re aedificatoria) as formas constitutivas da arquitectura grega e romana como possibilidades composicionais já eram conhecidas de forma mais fiável, e tanto as suas soluções concretas como a síntese espacial típica da arquitectura clássica eram, em geral, conhecidas. Assim, os arquitectos renascentistas tinham à sua disposição todo o potencial criativo oferecido pela linguagem e técnica clássica e pelo espírito do seu tempo. A linguagem arquitetônica do Renascimento foi expressa não através de cópias dos clássicos, mas sim de seu aprimoramento.

Dois arquitetos de palácios florentinos também se destacaram nesta época: Michelozzo (Palácio Medici Riccardi, 1444) e Bernardo Rossellino (Palácio Rucellai, 1446-1451 - baseado em projeto inicial de Alberti-); e outros em torno do núcleo veneziano, como Pietro Lombardo.

• - Basílica de San Lorenzo em Florença, reforma iniciada em 1419, Filippo Brunelleschi.

• - Capela Pazzi, 1441, última obra de Brunelleschi.

• - Fachada de Santa María Novella, Leon Battista Alberti, Florença, 1458-1470.

• - Templo Malatestiano de Rimini, Alberti, por volta de 1450.

Bramante e a fase madura do Renascimento

É precisamente na obra de Donato Bramante que este espírito se concretiza de forma mais completa, o que faz dele a figura que representa a passagem do Quattrocento ao Cinquecento, naquela que se costuma chamar de fase madura do Renascimento. Bramante conseguiu demonstrar, através dos seus projetos em palácios ou igrejas, que não só conhecia as possibilidades da linguagem clássica, mas também compreendia as características e a atmosfera do seu tempo, pois foi capaz de aplicar conhecimentos antigos a uma forma nova, inédita, marcante e, sobretudo, clássica. Seu Tempietto ou Templete de San Pietro in Montorio, em Roma (1502-1510), é praticamente uma releitura (embora não uma cópia) dos templos de planta circular central, por sua vez derivados do grego tholos, típico de um determinado período da arquitetura romana (por exemplo, o Templo de Vesta, na mesma cidade de Roma). O modesto tempietto é quase um modelo base do gigantesco projeto (em construção desde 1506) da cúpula de São Pedro, com uma cúpula (42,5 metros) de dimensões comparáveis ​​à do Panteão (43,44 metros), à de Hagia Sophia em Constantinopla (32 metros) e à de Brunelleschi em Florença (41 metros). Mais tarde, na era barroca, o arquiteto inglês Christopher Wren, por sua vez, releria a obra de Bramante e Michelangelo e proporia uma nova forma na Catedral de São Paulo em Londres (32 metros, 1676), e Francisco Cabezas e Francesco Sabatini fizeram o mesmo na era neoclássica em San Francisco el Grande "San Francisco el Grande (Madrid)") (Madrid, 33 metros, 1760-1784); demonstrando o potencial do processo de criação renascentista (que vai da estética dos edifícios ao pensamento arquitetônico), para se adaptar a novos estilos em épocas posteriores.

Bramante também popularizou outra forma profundamente clássica que mais tarde foi desenvolvida e explorada. Inspirou-se nos arcos triunfais romanos e brilhou pelas características composicionais aplicadas aos projetos de palácios e vilas, peças-chave do Renascimento na arquitetura civil.

A imagem principal deste estilo bramantino encontra-se nas tríades de aberturas adornadas com arcos, dois dos quais à mesma altura e com o maior central, o chamado sistema ordem mais arco, baseado na combinação da ordem arquitetônica clássica e do arco semicircular. Diante do problema, então, de conectar duas entidades espacialmente semelhantes, mas de dimensões diferentes em uma mesma unidade, a solução foi utilizar dois sistemas de ordem mais arco de dimensões diferentes seguindo a regra de que o extrados do arco do sistema de menor dimensão fosse tangente à moldura inferior do entablamento de ordem maior.

A superação dos clássicos, mantendo sempre a busca pelo classicismo típico do período, ocorreu especialmente na medida em que os arquitetos propuseram soluções espaciais clássicas para novos projetos (como em grandes palácios, diferentes das construções romanas, ou em novas catedrais ou basílicas). Elementos como abóbadas e cúpulas foram aproveitados de uma nova forma, e foram utilizadas as ordens (jônicas, coríntias, etc.) características da arquitetura da Antiguidade.

O Cinquecento: a superação do classicismo

À medida que o domínio da linguagem clássica evoluiu, um certo sentido de libertação formal das regras restritas do classicismo cresceu nos arquitetos renascentistas, de modo que o eventual desejo de melhoria (que sempre existiu em maior ou menor grau) deixou de ser um elemento fundamental para ser fruto da nova produção destes autores. Tal fenômeno, já considerado como um anúncio do movimento estético que, anos depois, se concretizaria no Barroco, ganharia força especialmente nas primeiras décadas do século. O Cinquecento foi uma época em que a intenção de sistematizar o conhecimento dos cânones clássicos foi completamente superada, através dos tratados de Sebastiano Serlio ou Jacopo Vignola. Assim, os elementos composicionais do classicismo deixaram de ser utilizados nos edifícios como experimentação “em busca do clássico”, mas sim a partir da sua plena consciência, em “busca da sua inovação”.

No início, as regras clássicas de composição foram seguidas fielmente, mas ampliando enormemente seu escopo de aplicação. As regras clássicas foram aplicadas especialmente às grandes obras públicas, aos grandes palácios e aos templos religiosos (edifícios considerados “nobres”, dignos de receber o status de arquitetura segundo o ponto de vista clássico). Portanto, surgiram novas combinações de elementos. Andrea Palladio foi o principal expoente desta nova forma de trabalhar a linguagem clássica, como fica evidente nos seus projetos de "villas "Villa (Town)")" nos arredores das cidades italianas. A arquitetura de Palladio era tão peculiar e marcante em relação à de seus antecessores que seu método de trabalho acabou criando um novo estilo: o Palladianismo. Este estilo caracteriza-se pela aplicação do piso central em projetos residenciais (como moradias) e por um certo tipo de ornamentação sintética (denominada arquitetura de superfície), entre outros fundamentos. O próprio Palladio foi autor de um tratado bastante completo sobre arquitetura clássica, no qual explicou sua forma de pensar e sua perspectiva sobre o assunto.

Maneirismo: os grandes mestres e o fim do Renascimento

O Maneirismo foi o movimento artístico produzido durante o Cinquecento e cuja formação ocorreu nas primeiras décadas do século e se estendeu até o início do século. Evidencia a intenção por parte dos arquitetos, humanistas e artistas do período de uma arte que, embora em essência seguisse o classicismo, tinha um conteúdo bastante anticlássico. No maneirismo, portanto, a inovação construtiva desenvolve-se em confronto com a arquitetura clássica, já plenamente conhecida.

Passado o impulso do tratado, que conferia uma certa homogeneidade à arquitectura através da imposição de certas regras, surgiu uma nova geração de arquitectos, fortemente individualistas, que na verdade representa uma ponte entre o Renascimento e o Barroco.

A actividade arquitectónica de Michelangelo marcou o culminar e a superação do classicismo da fase madura ou de Bramante, podendo ser descrita como mais clássica na Basílica de São Pedro ou no Palácio Farnese e mais maneirista (por exemplo na famosa escadaria da Biblioteca Laurentiana). À semelhança do que aconteceu na pintura ou na escultura (onde a imitação da sua maniera é mais clara), os arquitectos italianos de meados do século, alguns deles deixando Roma aquando do saque e espalhando-se pelas restantes cidades italianas, procuraram desafiar os cânones clássicos. Os principais expoentes deste novo estilo foram, além do já citado Andrea Palladio e do núcleo veneziano, Giulio Romano (Palácio do Chá, Mântua, 1534), Bartolomeo Ammannati (renovação do Palácio Pitti, 1558-1570), Antonio Sangallo, o Jovem (Villa Farnese, Caprarola, 1559), Vasari (Galeria Uffizi, Florença, 1560-1581), ou Jacopo Vignola com a Igreja de Gesù (1568), esta em Roma, sede e modelo exportado das numerosas igrejas jesuítas da cada vez mais influente Companhia de Jesus, cuja fachada se deve a Giacomo della Porta (1578, que mais tarde inspirou Carlo Maderno).

Em suas obras são constantes as referências a elementos composicionais clássicos, mas de forma “desconstruída” e quase irônica. Eles convertem padrões decorativos de janelas que deveriam ser colocadas do lado de fora para o interior, brincam com os efeitos de ilusão de ótica proporcionados pela perspectiva, através de volumes de tamanhos incomuns, etc. O mesmo significado, levado ao extremo, foram os extravagantes jardins da Villa das Maravilhas, hoje Parco dei Mostri (Bosco Sacro di Bomarzo) em Bomarzo, no Lácio, do arquiteto e designer de jardins Pirro Ligorio.

O aprofundamento das características das construções maneiristas foi o germe do nascimento do Barroco, que se considerado superficialmente como uma ruptura do ideal clássico proposto pelo Renascimento, constituiu na verdade a reação ao seu esgotamento, já anunciado pelo Maneirismo.

• - Palazzo Tè, Mântua. Júlio Romano, 1534.

El lenguaje arquitectónico propio del Renacimiento italiano no desplazó a las formas tardogóticas predominantes en el resto de Europa hasta bien entrado el siglo . Los contactos internacionales en las esferas económica, política y militar, intensificados a partir de los ya abundantes desde la Baja Edad Media, los viajes de los artistas demandados por las diversas cortes, así como la decisiva difusión de documentos e imágenes gracias a la imprenta y al grabado permitieron un intercambio de información decisivo.

Paradójicamente, la asimilación de las ideas anticlásicas forjadas en el Manierismo (que más que la fase final del Renacimiento puede considerase un estilo nuevo y opuesto) fue lo que causó el definitivo triunfo del gusto italiano. La tratadística clásica estaba ya plenamente desarrollada, de forma que los arquitectos de fuera de Italia pudieron dominar en general las reglas compositivas clásicas y su teoría, lo que ya les permitía tomarse ciertas licencias creativas. De esta forma, la introducción del Renacimiento en Europa fue en gran medida un eclecticismo entre las pervivencias medievales y rasgos post-renacentistas; además de diferir en cada país, según la distinta forma en que la influencia italiana dotó de elementos nuevos a su contexto propio de base medieval.

Arquitetura renascentista na Espanha

Na Espanha, o Renascimento começou a se inserir nas formas góticas nas últimas décadas do século. O desenvolvimento do Renascimento foi produzido principalmente por arquitectos locais, embora ligados à tradicional relação artística hispano-flamenga. Vários deles tinham até origens familiares no norte da Europa. Soma-se a isso que a política italiana, central para a Coroa de Aragão desde o século XIX, também se tornou uma prioridade em Castela com o casamento dos Reis Católicos.

Foi forjada uma arquitetura com características próprias e muito pronunciadas, que incluía influências do mudéjar local, do gótico extravagante do norte e da arquitetura italiana. Este eclético estilo espanhol, de caracterização controversa, recebeu o nome de “plateresco” pelas fachadas extremamente decoradas de seus edifícios, que foram comparadas ao intrincado e detalhado trabalho dos ourives.

Com o passar das décadas, a influência do gótico diminuiu, atingindo um estilo mais refinado e ortodoxo do ponto de vista das formas clássicas. O purismo caracteriza-se por uma maior austeridade decorativa, que se limita a alguns elementos específicos, geralmente de inspiração greco-romana. Há um certo cansaço da exuberância decorativa italianizada de meados do século e impõem-se edifícios com um aspecto mais sereno, harmonioso e equilibrado. Alguns arquitectos conseguem reciclar a sua produção gótica tardia para iniciar este novo estilo: é o caso, por exemplo, de Alonso de Covarrubias, Rodrigo Gil de Hontañón e Pedro de Ibarra. Além da Meseta, onde desenvolveram a sua obra, localizava-se na Andaluzia um extraordinário centro de produção renascentista, onde se encontravam as figuras de Diego de Siloé (Catedral de Granada e Sacra Capilla del Salvador de Úbeda), Pedro Machuca (o mais decididamente clássico, com a sua ousada intervenção na Alhambra de Granada: o Palácio de Carlos V), Andrés de Vandelvira (catedrais de Jaén e Baeza) e Diego de Riaño (Cidade de Sevilha). Conselho).

A influência da literatura italiana, especialmente de Sebastiano Serlio, permitiu que esta época fosse chamada de fase Serliana. É notável que Espanha tenha sido o primeiro país a desenvolver a sua própria literatura arquitetónica dentro dos cânones renascentistas, com Diego de Sagredo (Las Medidas del Romano, 1526).

Em meados do século, a iniciação do Mosteiro de San Lorenzo de El Escorial como símbolo do poder de Filipe II por Juan Bautista de Toledo (falecido em 1567) e Juan de Herrera marcou o aparecimento de um novo estilo, caracterizado pela predominância de elementos construtivos, ausência de decoração, linhas retas e volumes cúbicos. Significa também o triunfo definitivo dos postulados maneiristas vindos de Itália, com o contributo da sobriedade castelhana.

Este estilo, mais tarde denominado "Herreriano" em homenagem a Juan de Herrera, dominou a arquitetura espanhola durante quase um século, e entre os seus seguidores estavam figuras relevantes como Francisco de Mora, Juan Gómez de Mora e Juan Gómez de Trasmonte.

Os conceitos arquitetônicos e urbanísticos do Renascimento espanhol foram levados para as colônias espanholas na América onde encontraram terreno fértil para sua difusão dada a extensa urbanização ocorrida ao longo de três séculos e que recebeu também o impacto de estilos posteriores como o Barroco e o Neoclássico.

Arquitetura renascentista em Portugal

Em Portugal o estilo manuelino é a contribuição portuguesa para o Renascimento; embora a sua estética, que combina elementos renascentistas e góticos tardios de forma semelhante ao plateresco elisabetano castelhano, esteja muito distante do classicismo. Um motivo decorativo frequentemente repetido, a corda torcida do navio, é interpretado como uma referência explícita às façanhas dos navegadores portugueses, que lideraram a Era dos Descobrimentos e permitiram a extraordinária expansão política e económica que transformou o reino numa potência mundial.

Exemplos da arquitetura renascentista portuguesa são as catedrais de Leiría e Portalegre, o Colégio dos Jesuítas de Évora e a Igreja de São Roque em Lisboa.

Arquitetura renascentista na Alemanha

O Renascimento na Alemanha foi inspirado por filósofos e artistas alemães como Johannes Reuchlin e Albrecht Dürer, que visitaram a Itália. Estruturas notáveis ​​deste período com arquitetura renascentista incluem a residência Landshut, o Castelo de Heidelberg, o Castelo de Joanisburgo em Aschaffenburg, a Câmara Municipal de Augsburg e a Fortaleza de Lichtenau. Em julho de 1567, o conselho municipal de Colônia aprovou um projeto de estilo renascentista de Wilhelm Vernukken para a Câmara Municipal, apresentando uma loggia de dois andares. Igreja de São Miguel "Igreja de São Miguel (Munique)"), em Munique, é a maior igreja renascentista localizada ao norte dos Alpes. Foi construído pelo duque Guilherme V da Baviera entre 1583 e 1597 como centro espiritual da Contra-Reforma e foi inspirado na igreja de Il Gesù em Roma. O arquiteto é desconhecido.

Arquitetura renascentista na Europa Oriental

A distância desta área da Itália diluiu a influência do Renascimento, mas existem exemplos valiosos de edifícios que combinam elementos renascentistas com a tradição arquitetónica local. Na Hungria, as casas de estilo italiano foram construídas antes da segunda metade do século. O rei húngaro Matthias Corvinus contratou construtores e escultores italianos, um dos quais, Aristóteles Fioravanti, viajou da Hungria a Moscou para construir a Catedral da Dormição (Catedral de Moscou) (1475-1479) no Kremlin de Moscou. Sob o reinado de Luís II da Hungria e da Boémia, foi construída a capela Bakócz da Catedral de Esztergom, um exemplo de decoração renascentista. Outras obras influenciadas pelo Renascimento na Europa Oriental são, na Polónia, o Castelo Wawel, a Capela de Sigismundo em Cracóvia e as cidades de Zamość e Tarnów; na Lituânia, o Palácio Real e as igrejas de São Miguel e Santo Estêvão em Vilnius; e na República Tcheca, a cidade de Telč, palácio de verão da Rainha Ana (Belvedere "Jardim Real (Praga)")) do Castelo de Praga ou Castelo de Český Krumlov.

Arquitetura renascentista na Inglaterra

Na Inglaterra, as formas da Renascença italiana levarão muito mais tempo para prevalecer do que na Espanha ou na França. Durante o período final do século e ao longo do século, desenvolveu-se o chamado estilo Tudor, uma extensão do gótico com marcadas características locais inglesas. No final do século e início do século XIX, a chamada arquitectura elisabetana significou uma abertura às influências externas, entre as quais as italianas, mas também as da arquitectura holandesa.

Somente em meados do século é que prevaleceram as formas clássicas, baseadas principalmente na obra de Iñigo Jones (1573-1652), que estudou na Itália e foi influenciado por Palladio. De volta à Inglaterra, Jones projetou edifícios como a Casa da Rainha de Greenwich "Greenwich (London)") (1616) e a Casa de Banquetes no Palácio de Whitehall (1619). Estas construções de linhas simples e simétricas foram revolucionárias num país onde os edifícios ainda eram concebidos com janelas divididas, forros e torreões.

Hatfield House foi inteiramente encomendada por Robert Cecil, primeiro conde de Salisbury, entre 1607 e 1611, e é o exemplo perfeito de arquitetura de transição entre os estilos Tudor e Renascentista. O edifício combina uma ala Tudor, com janelas gradeadas e telhado com ameias, e duas alas claramente influenciadas pelas fachadas dos palazzi italianos. A sua fachada central, originalmente em forma de loggia aberta, foi atribuída a Inigo Jones, embora o pórtico central de estilo jacobino provavelmente torne esta atribuição falsa. No interior, a escadaria elaboradamente esculpida mostra a influência italiana na ornamentação inglesa.

O trabalho de Jones foi continuado, já dentro do classicismo do período barroco, por mestres como Christopher Wren com seu projeto da Catedral de São Paulo em Londres e de muitos edifícios públicos e igrejas londrinas que foram construídos após o Grande Incêndio de Londres de 1666. A devastação da cidade foi uma oportunidade única para uma nova geração de arquitetos que seguiram a arquitetura clássica, que construíram em uma escala maior do que provavelmente já havia sido construída em uma cidade.

Arquitetos posteriores, como o veneziano Giacomo Leoni, durante o século seguinte, adaptaram e modificaram o estilo para ajustá-lo à paisagem e ao gosto inglês, preservando o gosto pela influência italiana nos edifícios. Lyme Hall em Cheshire é um excelente exemplo desta tendência.

A influência da arquitetura renascentista italiana[10]​ sobreviveu especialmente na esfera anglo-saxônica, em decorrência do Palladianismo, forma peculiar de interpretação da arquitetura de Palladio, que manteria o classicismo até a chegada de estilos mais modernos como o Neoclassicismo. Durante o século 19, um historicismo neo-renascentista especialmente importante ocorreu no Reino Unido e na América do Norte.

Arquitetura renascentista na Rússia

O príncipe Ivan III introduziu a arquitetura renascentista na Rússia convidando vários arquitetos da Itália, que trouxeram consigo novas técnicas de construção e alguns elementos do estilo renascentista, ao mesmo tempo que seguiram os projetos tradicionais da arquitetura russa. Em 1475, o arquiteto italiano Aristóteles Fioravanti realizou uma reconstrução da Catedral da Dormição "Catedral da Dormição (Moscou)"), localizada no Kremlin de Moscou, que foi danificada por um terremoto.

• - História das cúpulas renascentistas italianas.

• - Arquitetura renascentista francesa.

• - Arquitetura renascentista veneziana.

• - Plateresco.

• - Estilo manuelino.

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• - O Wikimedia Commons hospeda uma categoria multimídia sobre Arquitetura Renascentista.

• - Este trabalho contém uma tradução parcial derivada de «Arquitetura Renascentista» da Wikipédia em inglês, especificamente desta versão de 10 de dezembro de 2015, publicada por seus editores sob a Licença de Documentação Livre GNU e a Licença Internacional Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0.