Escultura românica corresponde à prática da escultura na época da arte românica que se expandiu pela Europa entre o século XX e - e em algumas partes até à primeira metade do [1] -, e que, tal como aconteceu com a pintura, nessa época estava intimamente relacionada com a arquitectura religiosa, ligação que se manteve ao longo da Idade Média. A Igreja Católica - que nessa altura se orientava, por um lado, pelas orientações da Ordem de Cluny e, por outro, pelo aumento dos percursos de peregrinação, principalmente os do Caminho de Santiago e da abadia de Santa Fé de Conques[Su. 1] — confiou à escultura uma função educativa, a de difundir a fé, ilustrando uma população analfabeta com relevos de pedra compreensíveis, mostrando passagens do Antigo Testamento e ensinando aos monges e fiéis a vida dos apóstolos e santos. No início do período românico, para teólogos como Rabano Mauro, os bons artesãos deviam instruir com simplicidade e entusiasmar com a expressão vigorosa da sua arte.[2] O conceito de artista não foi definido como tal, mas foi chamado de artifex theoricus que lia, entendia e projetava as manifestações para construir e fazer as obras e o artifex practicus, o pictor ou o magister operis que era quem trabalhava com a "arte" e finalmente materializava a obra.[3] Os temas iconográficos mais representados foram as Maiestas Domini e o Juízo Final.[Su. 2] Inspirou-se nos baixos-relevos e nos capitéis romanos, mas sobretudo nas imagens que eram consultadas em manuscritos iluminados e em objetos de ourivesaria; Embora os motivos romanos tenham sido ocasionalmente reproduzidos, em geral foi um novo começo e não uma continuação da Antiguidade.
Primeiro foram decorados os capitéis das criptas, reaproveitando alguns da Antiguidade, e depois foram esculpidos capitéis de pilares e colunas "Coluna (arquitetura)") que separavam as naves "Nave (arquitetura)") das igrejas e posteriormente nos claustros. A escultura sobre capitéis difundiu-se a partir do ano 1000, embora seu início tenha sido tímido: nas igrejas italianas da primeira metade do século foi adotado o modelo coríntio, mais ou menos estilizado (capital com palmetas). Em outros lugares (Borgonha, Catalunha) experimentaram capitéis entrelaçados e folhas de acanto. Mas logo apareceram animais e figuras antropomórficas, embora permanecessem raros antes de 1050 (Abadia de Fleury). A Basílica de San Sernín de Toulouse (segunda metade do século) preserva 260 capitéis românicos.[4].
Avaliação de capitais históricas
Introdução
Em geral
Escultura românica corresponde à prática da escultura na época da arte românica que se expandiu pela Europa entre o século XX e - e em algumas partes até à primeira metade do [1] -, e que, tal como aconteceu com a pintura, nessa época estava intimamente relacionada com a arquitectura religiosa, ligação que se manteve ao longo da Idade Média. A Igreja Católica - que nessa altura se orientava, por um lado, pelas orientações da Ordem de Cluny e, por outro, pelo aumento dos percursos de peregrinação, principalmente os do Caminho de Santiago e da abadia de Santa Fé de Conques[Su. 1] — confiou à escultura uma função educativa, a de difundir a fé, ilustrando uma população analfabeta com relevos de pedra compreensíveis, mostrando passagens do Antigo Testamento e ensinando aos monges e fiéis a vida dos apóstolos e santos. No início do período românico, para teólogos como Rabano Mauro, os bons artesãos deviam instruir com simplicidade e entusiasmar com a expressão vigorosa da sua arte.[2] O conceito de artista não foi definido como tal, mas foi chamado de artifex theoricus que lia, entendia e projetava as manifestações para construir e fazer as obras e o artifex practicus, o pictor ou o magister operis que era quem trabalhava com a "arte" e finalmente materializava a obra.[3] Os temas iconográficos mais representados foram as Maiestas Domini e o Juízo Final.[Su. 2] Inspirou-se nos baixos-relevos e nos capitéis romanos, mas sobretudo nas imagens que eram consultadas em manuscritos iluminados e em objetos de ourivesaria; Embora os motivos romanos tenham sido ocasionalmente reproduzidos, em geral foi um novo começo e não uma continuação da Antiguidade.
Primeiro foram decorados os capitéis das criptas, reaproveitando alguns da Antiguidade, e depois foram esculpidos capitéis de pilares e colunas "Coluna (arquitetura)") que separavam as naves "Nave (arquitetura)") das igrejas e posteriormente nos claustros. A escultura sobre capitéis difundiu-se a partir do ano 1000, embora seu início tenha sido tímido: nas igrejas italianas da primeira metade do século foi adotado o modelo coríntio, mais ou menos estilizado (capital com palmetas). Em outros lugares (Borgonha, Catalunha) experimentaram capitéis entrelaçados e folhas de acanto. Mas logo apareceram animais e figuras antropomórficas, embora permanecessem raros antes de 1050 (Abadia de Fleury). A Basílica de San Sernín de Toulouse (segunda metade do século) preserva 260 capitéis românicos.[4].
O final do século e do século foi um período de experimentação levado a cabo por numerosos centros artísticos da Europa Ocidental, como o norte de Espanha, Toulouse, Itália, o Loire... cada um desenvolvendo um carácter próprio, que se irradiará mais ou menos, misturando-se com outras influências antes de formar uma corrente mais estruturada no século seguinte, em torno de três categorias principais de motivos: plantas e entrelaçamentos, animais e figuras humanas. A constituição da cronologia das obras suscitou inúmeras controvérsias entre os historiadores da arte ao longo do século.[5].
Um grande impulso para a produção da nova escultura foi o percurso de peregrinação a Compostela para visitar o túmulo do apóstolo Santiago - descoberto por volta do ano 820 entre os vestígios de uma povoação romana - que no século já estava plenamente consolidado a ponto de empreender a construção da nova catedral de Santiago em 1075. Novas igrejas foram construídas ao longo do percurso sob a organização da Ordem de Cluny. Estes templos foram construídos em locais de passagem neste período de fervor religioso, para acolhimento espiritual dos peregrinos e exposição de relíquias. França e o norte de Espanha são também locais onde se podem ver exemplos da primeira produção de escultura românica aplicada à arquitectura. Ao longo dos diferentes percursos até Santiago foram difundidas sugestões técnicas, estilísticas e iconográficas através de oficinas itinerantes de construção.
No final do século, no sul de França (Cluny, Autun, Vézelay, Moissac, Toulouse), bem como no norte de Itália e no norte de Espanha, os tímpanos, capitéis e paredes dos portais começaram a ser ricamente decorados com ornamentos e figuras tratadas com grande realismo. A escultura já era um componente importante nas fachadas das igrejas, no estilo dos antigos arcos triunfais.[6] A escultura torna-se então monumental, as primeiras esculturas monumentais que foram apresentadas desde o século XIX, período em que as peças redondas (peças tridimensionais) deixaram de ser esculpidas, embora tenha sido observado um aumento na produção de pequenas esculturas e trabalhos em metal durante o período pré-românico.
O relevo foi utilizado como a melhor técnica para a narração de cenas impressionantes, onde o volume ajudava a criar uma sensação de realismo maior do que simples superfícies pintadas, retratando cenas como a Visão do Apocalipse e esculpindo em cada superfície o espírito do conceito de um Deus vingativo presente no Antigo Testamento; Eles também estavam repletos não apenas de figuras bíblicas como evangelistas, apóstolos e anjos, mas de séries de criaturas monstruosas, que não foram esquecidas diante de sua visão: demônios e criaturas compostas de corpos desproporcionais e horríveis que davam medo da tortura do inferno confrontado com o reino de Deus.[7] Seu objetivo não era imitar a natureza e a realidade.[8] Iconograficamente, o Deus forte, governante e juiz é o foco da escultura monumental; Locais pictóricos subordinados eram frequentemente ocupados com temas moralizantes nos quais demônios e criaturas míticas também desempenhavam seu papel.[9].
Não são conhecidos muitos nomes de escultores românicos, com destaque para o Mestre de Cabestany, Bernard Gilduin"), Gislebertus, Unbertus, Gofridus e Gilabertus de Toulouse, em França; Wiligelmo, Niccòlo e Antelami, em Itália; Arnau Cadell, Leodegarius, Micaelis e Ramón de Bianya, em Espanha. Esculturas e grupos românicos de destaque em França são: fachada de Notre-Dame la Grande de Poitiers, considerada uma obra-prima da arte românica, o lintel de Sant Genís, a escultura românica mais antiga, a igreja de São Trófimo "Igreja de São Trófimo (Arles)") em Arles (portal, 1180-1190), a abadia de Saint-Benoît-sur-Loire (torre-pórtico), abadia de Moissac (portal sul, ca. 1120 e claustro em 1100), Catedral de Autun (portal oeste, c.1130-1135), Catedral de Santa Maria de Olorón (portal oeste, ca. 1130), Abadia de Charlieu") (portal norte, ca. 1170, Catedral de Angoulême (fachada, 1115-1130); Abadia de Beaulieu-sur-Dordogne") (tímpano).
• - Esculturas românicas em França.
• - Detalhe da fachada de Notre-Dame la Grande de Poitiers (segundo quartel do século).
• - Tímpano da igreja abacial de Vézelay (c. 1120-1130).
• - Portal de São Trófimo de Arles "Igreja de São Trófimo (Arles)").
• - Capital da Ressurreição da Abadia de Mozac").
Além da pedra, a madeira foi um material importante para a construção de igrejas, especialmente no norte da Europa, e para a escultura de imagens devocionais ou de altar gratuitas, raramente trabalhadas em pedra. A madeira policromada e o marfim foram os materiais mais utilizados, por vezes revestidos com metais de bronze ou prata (crucifixos e pequenas imagens).[Su. 3] Os relicários também eram revestidos de metais.
Os trabalhos em bronze tiveram especial importância em peças litúrgicas, portas de igrejas, pias batismais e lápides. Para a parte superior dos túmulos, uma nova tipologia se difundiu desde o norte da França em meados do século: a aplicação da figura do defunto sobre o caixão em posição reclinada. Um dos primeiros túmulos com a efígie do falecido de carácter românico foi o do Abade Isarn da Abadia de São Vítor em Marselha.
Características da escultura românica
As principais características da escultura românica são as seguintes:
• - Finalidade didática e não artística. As obras são feitas sob encomenda e sempre com a função de narrar ou educar sobre temas religiosos.
• - Estilização e desproporção das figuras em busca de um antinaturalismo que diviniza as figuras que aparecem.
• - Perspectiva incorreta, a relação entre o tamanho lógico da figura e o fundo é diferente da realidade. Nos relevos, as diferenças de tamanho mostram a importância da figura representada.
Composição simétrica.
No tímpano, a composição tem sempre a figura de Cristo como eixo da representação.
A expressão das figuras às vezes é muito exagerada e outras vezes muito plana.
Os mesmos motivos e temas são sempre repetidos.
O resultado final do trabalho é muito áspero e rígido.
Nas esculturas em conjunto, todas as figuras são mostradas na mesma altura para representar a igualdade diante de Deus.
Nas esculturas pintadas são utilizadas cores vívidas e brilhantes.[10].
A escultura românica surgiu em França, sem se desenvolver com a perfeição da arquitectura, seguiu os mesmos passos e evoluções da escultura grega, contribuindo para a sua formação e desenvolvimento as mesmas causas da arquitectura. Por esta razão, os elementos romanos deveriam ser seus componentes junto com os elementos do norte, bizantinos, persas da dinastia sassânida e os elementos árabes como estão na arquitetura. Inspirou-se frequentemente em desenhos e figuras de códices e tapeçarias regionais do Oriente.
Abraça o desenvolvimento (que não tem) desta escultura ao longo dos séculos e (com os seus antecedentes carolíngios do século) introduzindo-se em boa parte do e gradualmente dá origem ao gótico, sem se separar dele por uma linha divisória perfeita. Como ponte entre um e outro, nos últimos anos do século e na primeira metade do estilo que se pode chamar de transicional, que tenta imitar um pouco a realidade da Natureza e dá às suas obras maior vida e movimento sem que o artista se desvie completamente das convenções e maneirismos anteriores. E tal é a variedade resultante desta transição, aumentada pela habilidade ou inexperiência dos escultores, pelas influências de diferentes escolas, que não é raro combinar na mesma localidade e da mesma data relevos ou estátuas muito dignas de apreciação e elogio com outras de gosto reprovável e sem qualquer valor artístico.
Especificando ainda o carácter da escultura românica que se constitui na imitação de modelos bizantinos ou romanos de estilo decadente mas feita com mão latina e frequentemente sob a influência do gosto persa ou árabe. Caracteriza-se também por uma certa rigidez das formas, falta de expressão adequada (por vezes exagerada) nas figuras, esquecimento do cânone escultórico na forma humana, simetria forçada.
Dinâmica de imitação de modelos, série de leis ou regras gerais que se encontram frequentemente nas obras românicas. Entre elas destaca-se a Lei de adaptação ao enquadramento enunciada por Henri Focillon e que subordina o desenvolvimento escultórico ao espaço arquitetónico destinado para o efeito. O resultado serão cenas em que os personagens se adaptam a esse espaço, às vezes contraindo ou esticando, sem levar em conta outras considerações mais naturalistas. Outra regra geral é a isocefalia que encontramos em alguns grupos de figuras todas colocadas com as cabeças na mesma altura.
Na escultura românica e mesmo na escultura gótica, sejam obras em pedra, marfim ou madeira, a policromia era muito comum, sempre sóbria na vivacidade das cores, ainda que a pintura tenha desaparecido com a ação do tempo em quase todos os exemplares ou tenha sido substituída por decorações mais modernas.
As principais obras da escultura românica são hoje admiradas nos relevos de capitéis muito variados e nos magníficos portais e elegantes cornijas de muitos edifícios da época, em cujas fachadas estão representadas cenas bíblicas e figuras alegóricas (entre elas, os chamados bestiários e as personificações dos signos do zodíaco, etc.) juntamente com imagens de Santos em grande relevo. Além disso, a escultura românica era praticada na talha de curiosos dípticos de marfim, crucifixos funerários (de marfim e bronze) e estátuas da Virgem Maria (em pedra e madeira, só elas já banhadas em bronze) que se conservam nos seus santuários ou em Museus e, por fim, a referida escultura era engenhosa na decoração de urnas ou caixões para guardar relíquias e jóias, de ricas capas para livros litúrgicos, de fontais ou antipêndios para altares "Altar (religião)"), fontes e túmulos de pedra com relevos, etc. Desde a invasão dos bárbaros, o cultivo de glípticos em pedras finas foi quase completamente esquecido no Ocidente, mas as gemas anteriormente esculpidas pelos gregos e romanos foram utilizadas, aplicando-as sem estudo em objetos preciosos e decorativos, especialmente anéis. Havia, no entanto, algumas talhas com inscrições ou alguma figura tosca, como a esmeralda do Tesouro de Guarrazar, e grande utilização de finas pedras em forma de cabochão para objetos de serralharia.
Aplicativo e tema
Contenido
La aplicación escultórica en la arquitectura se ejecutó en la parte delantera de las fachadas, especialmente en las portaladas de los templos, donde el creyente recibía el mayor impacto visual. Se utilizó el relieve como la mejor técnica para la narración de escenas impresionantes, donde el volumen ayudaba a crear una mayor sensación de realismo que las simples superficies pintadas. Con este fin, el tímpano "Tímpano (arquitectura)"), el semicírculo sobre la entrada, tuvo un papel muy importante, y fue donde se representaron escenas como la Visión del Apocalipsis o del Juicio Final. También se esculpieron escenas en las arquivoltas de los arcos "Arco (arquitectura)") que enmarcaban la puerta y la profundizaban, y en los canecillos o puntas de las vigas bajo el alero "Alero (arquitectura)"). Estas escenas, dentro del espíritu del concepto de Dios vengativo") presente en el Antiguo Testamento, también se llenaron no sólo de figuras bíblicas como los evangelistas, apóstoles y ángeles, sino con series de criaturas monstruosas, que ante su visión no se olvidaban: demonios y criaturas compuestas de cuerpos desproporcionados y horribles que daban temor a la tortura del Infierno").[11].
Según Henri Focillon, a finales del siglo en Europa hubo un regreso a una profunda religiosidad, causada parcialmente por el miedo a la profecía anunciada por san Juan en su libro del Apocalipsis, con un supuesto fin del mundo. Así, Focillon destacó la repercusión que tuvo esta circunstancia en la creación de una iconografía apocalíptica, donde las escenas escultóricas se adaptaban al espacio de la arquitectura, proponiendo su «ley de Adaptación al marco» de un esquema geométrico sencillo y dentro de unos espacios preconcebidos para ello.
Las «madres de Dios con el niño» fueron muy representadas por toda Cataluña y por el sur de Francia aunque, en cuanto al valor iconográfico, la imagen más importante del románico fue el Cristo Majestad "Majestad (crucifijo)"). Entre los numerosos ejemplos destacan el Cristo que hay en Santa Faz de Lucca, el de la catedral de Milán, el Cristo de Mig Aran y la Majestad de Batlló.[12] La imagen más frecuente era la de Cristo completamente frontal que se mostraba sentado en un trono (Maiestas Domini) para juzgar a los hombres, dentro de una aureola almendrada (mandorla) que significa la Gloria "Gloria (religión)"); los pies solían reposar sobre una semiesfera que representa la Tierra, su mano derecha levantada para bendecir, manifiesta su poder (Dextera Domini) mientras su mano izquierda sostiene el Libro de la Vida que da testimonio de su naturaleza. Normalmente se disponía rodeado por el Tetramorfo, es decir los símbolos de los Cuatro Evangelistas y en algunos casos de los veinticuatro ancianos del Apocalipsis. Se representaba también la psicostasis o pesaje de las almas para escoger a los elegidos que gozarán de Dios eternamente o los condenados al infierno.[Su. 2].
En lo que se refiere al modo de representación, el objetivo no era mostrar la realidad visible, pero sí lo invisible e intocable, aprovechando gran parte de la mímica de las figuras como un medio de comunicación. El principal objetivo no era el tratamiento volumétrico, sino el valor simbólico de las figuras y el contenido de su mensaje. La proporción entre las figuras fue otro factor secundario, se hacían las dimensiones dependiendo más de su importancia jerárquica o del espacio disponible para la realización del relieve, más que guardando la relación que las figuras poseían entre sí. Los cuerpos eran delgados, los gestos expresivos, y los diferentes elementos del relieve se adaptaban al espacio arquitectónico, e incluso casi se agolpaban para encajar en pequeños espacios.[13].
También en el interior de la iglesia se exponían algunos relieves de escultura en los arcos ciegos (arcos en relieve, adosados a la pared), sobre todo en los capiteles de las columnas, donde la libertad imaginativa y la profusión de figuras fantásticas llevará al máximo el tema burlesco. Los capiteles empezaron por representar una decoración de inspiración clásica con temas de vegetación o dibujos geométricos con multitud de animales fantásticos, para pasar después al figurativo, con escenas de la Antigüedad, de la Biblia y sobre temas profanos, que podían estar parados al largo de un ciclo en el deambulatorio y en el claustro. Uno de los puntos culminantes de la escultura románica interior de los templos, era la imagen de Cristo crucificado en majestad realizado en madera con una intensa policromía y colocado sobre el altar.[14].
La escultura pequeña existía también, pero en número reducido, realizada en marfil o madera, y podía estar recubierta de oro o de plata (crucifijos y pequeñas imágenes). La obra en bronce fue de especial importancia en las piezas litúrgicas, las puertas de las iglesias, pilas bautismales y lápidas de tumbas. Para la parte superior de las tumbas, una nueva tipología se fue extendiendo desde el norte de Francia a mediados del siglo : la aplicación de la figura del difunto sobre el ataúd en posición yacente. Una de las primeras tumbas con la efigie del difunto con carácter románico fue la del abad Isarn") (1048) de la abadía de San Víctor de Marsella.[HUA 1].
Técnica
A aprendizagem técnica das artes na época românica fazia-se através da prática e principalmente da comunicação oral entre mestres e aprendizes. No entanto, existem alguns manuscritos de tratados, como um preservado na Biblioteca Capitular de Lucca, de autor anônimo e conhecido com o título de Compositiones ad tingenda musiva et alia, certamente com base neste texto foi escrito o chamado Mappae Clavicula com mais expansões. Concedido a um certo Heráclio, é o tratado para conseguir cores para uma pintura sobre tela. Para a confecção de miniaturas"), o manuscrito era 'De coloribus et artibus Romanorum.[Su. 4] O monge Teófilo (c.1100) escreveu um tratado sobre as artes chamado Scheduladiversarum artium no qual indica e dá conselhos para a fabricação de todos os tipos de objetos em metalurgia.[15].
Fachadas
Lintéis
Como ponto de partida desta escultura monumental, toma-se geralmente uma das primeiras decorações das fachadas francesas, um lintel da abadia de Saint-Genís-des-Fontaines, datado de 1020 segundo a inscrição medieval em latim visível numa das faces.[16][n. 1] O entalhe é feito com bisel, basicamente em dois planos, inicia-se a técnica das dobras revisadas: cada dobra dos vestidos é ligeiramente levantada na seguinte. É emoldurado por uma borda de palmetas. Na parte central, no meio, há uma bênção Maiestas Domini dentro de uma mandorla que é carregada por anjos ajoelhados. Em ambos os lados há séries de três apóstolos emoldurados por arcos em ferradura.[17].
É semelhante ao lintel do mosteiro de Sant Andreu de Sureda, que apresenta ao centro o Cristo ressuscitado (com um nimbo contendo uma cruz), rodeado por uma mandorla com as letras Alfa e Ômega. Em ambos os lados de Cristo estão serafins segurando a mandorla e anjos com três pares de asas. Há também dois personagens (quatro no total) cuja identidade é desconhecida (talvez sejam os evangelistas ou apóstolos). O lintel é de mármore branco e os caracteres são circundados por uma orla com motivos orientais.[18].
Antes de realizar o grande tímpano do portal oeste da catedral de Autun (c.1130), Gislebertus esculpiu o lintel do portal lateral representando Eva deitada e com o tronco voltado para o observador, o que constitui uma das esculturas românicas mais sugestivas, uma vez que a atitude é completamente inusitada para a época, provocando a transformação da cena do pecado original num jogo sensual.
• - Imagens de vergas românicas.
• - Verga do portal do lado esquerdo de Pieve di San Giovanni (Campiglia Marittima)&action=edit&redlink=1 "Pieve di San Giovanni (Campiglia Marittima) (ainda não redigido)"), atribuído ao Mestre Mateo (responsável pela construção de todo o edifício), representando uma cena de caça ao javali (talvez Meleagro "Meleagro (mitologia)") caçando o javali calidônio "Calidon (mitologia)") que simboliza a vitória de Cristo e de seus fiéis sobre o diabo (antes de 1075).
• - Verga da abadia de Saint-Genís-des-Fontaines (1120).
• - Verga do Mosteiro de Sant Andreu de Sureda.
• - Verga de Eva de Gislebertus, na catedral de Autun (ca. 1130).
Tímpanos
Os primórdios do desenvolvimento dos grandes portais foram lentos e modestos, tendo que superar o bom entendimento entre as duas guildas participantes, os entalhadores e os mestres-de-obras. O principal centro nas últimas duas décadas do século localizava-se principalmente em Toulouse.[HUA 1] A oficina mais importante de Toulouse por volta de 1090, foi dirigida por Bernard Gilduin e entre suas obras estão alguns relevos de mármore no deambulatório da basílica de São Sernin, entre eles um Maiestas Domini.[n. 2] Sua evolução dentro da talha pode ser observada na porta conhecida como Porte de Miégeville (1100-1118), da mesma igreja, onde a Ascensão de Cristo está representada no tímpano com representações nas duas faces da lateral do portal em tamanho natural de São Pedro e Tiago Maior. Durante esta fase, os trabalhadores de Toulouse deverão ter-se deslocado para a catedral de Santiago de Compostela, pois há indícios de trabalhos semelhantes nos pórticos dos transeptos deste templo. Existem também esculturas com estilo semelhante aos pórticos da basílica de San Isidoro em León e da catedral de Jaca, e esta série de obras pode ser chamada de “escultura de peregrinação”.
Outra igreja de peregrinação do Languedoc com um tímpano colossal foi Santa Fé de Conques, com a representação do Juízo Final (c. 1135). As figuras têm a mesma forma estilizada das do tímpano do Apocalipse da abadia de Moissac, construída entre 1100 e 1125. Esta abadia foi uma das muitas que deram continuidade às orientações artísticas do mosteiro de Saint Pierre de Cluny na Borgonha, o seu tímpano é caracterizado por uma escultura muito expressiva, com Cristo dominando toda a representação em posição frontal, que embora a disposição geral respeite a simetria, os personagens Eles têm posições assimétricas. Os detalhes nos vestidos e decorações são tratados com muita maestria que produz efeitos naturalistas. Embora não existam vestígios do tímpano ocidental de Cluny, os pórticos de Autun feitos por Gislebertus e da abadia de Vézelay por um mestre anónimo, são exemplos evidentes das grandes obras românicas realizadas em França.[20].
• - tímpanos românicos em França.
• - Tímpano oeste da Abadia de Charlieu").
• - Tímpano da porta de Miègeville) da Basílica de Saint Sernin em Toulouse.
• - Tímpano da abadia de Saint-Pierre de Moissac.
• - O tímpano de Sainte-Foy de Conques.
• - Tímpano de Saint-Pierre de Carennac").
• - O tímpano da catedral de Autun.
• - Tímpano da Abadia de Beaulieu-sur-Dordogne").
O românico de Castela e Leão foi rico em capas artísticas, historiadas ou com ornamentação geométrica e vegetal, a começar pelas consideradas mais antigas: a Portada del Cordero e a Portada del Perdón, ambas na colegiada de San Isidoro de León. O tímpano do Cordeiro é o primeiro conhecido do reino de Leão, contendo diversas cenas escultóricas,[21] é datado por volta do ano 1100. O Sacrifício de Isaque é representado com o cordeiro místico segurado por dois anjos e em ambos os lados de outros dois anjos carregando os símbolos da Paixão de Jesus. À direita você vê Sara na porta e dois servos que Abraão levou, um andando a cavalo e o outro tirando os sapatos porque entrará em um lugar sagrado. Abraão, também descalço, ouve a voz que vem do céu, simbolizada na Dextera Domini. No lado esquerdo estão outras duas figuras do Gênesis: Ismael com arco e sua mãe Hagar: «E Deus estava com o menino; e ele cresceu, e viveu no deserto, e era atirador de arco e flecha" (Gênesis 21:20).[22] Essas representações dos personagens de Ismael com Hagar só ocorrem na Península Ibérica do século I.[23].
O outro tímpano do Perdão desta basílica mostra três relevos com as cenas da Ascensão onde Cristo é ajudado por dois apóstolos em sua ascensão ao céu, no centro dos quais a Descida é tratada com grande realismo e à direita está a Ressurreição com o túmulo vazio de Cristo, guardado por um anjo e com as três Marias. Estes temas da autoria do Maestro Esteban foram amplamente difundidos pelos escultores do Caminho de Santiago que, ao regressarem, os levaram para França.[24].
Em Santo Domingo de Soria existe um dos tímpanos mais originais, quatro arquivoltas de aduelas esculpidas coroam o frontão "Frontón (arquitetura)") em que se vê na sua parte central o pantocrator, com a sua mandorla oval e os quatro evangelistas (tetramorfos), além de José e Maria completando a cena. A singularidade deste pantocrator é que é um dos únicos cinco exemplares no mundo (todos na Península Ibérica) da iconografia românica denominada trinitat paternitas, ou seja, Deus Pai é representado com Cristo sentado sobre ele.[n. 3].
Os arcos descarregam sobre capitéis artísticos sustentados por colunas anexas que, por sua vez, repousam sobre um banco contínuo. Os capitéis retratam cenas do Antigo Testamento, desde a gênese da Terra e das estrelas que povoam o universo, até a criação de Adão a partir de uma figura de barro e a de Eva a partir de uma costela de barro. Na arquivolta interior estão representados os vinte e quatro anciãos do Apocalipse (dois por aduela), todos portando diversos instrumentos musicais em atitudes de serenidade beatífica. A segunda arquivolta retrata o massacre dos santos inocentes, cujo autor, Herodes, é avisado ao seu ouvido por um demônio alado. A terceira arquivolta apresenta uma sucessão de eventos evangélicos, como a Assunção, a Visitação, a Anunciação, o Nascimento de Jesus e a Adoração dos Magos, etc. Por fim, a última arquivolta contém episódios da Paixão e da Ressurreição. A fachada de Nossa Senhora de Poitiers possivelmente serviu de modelo para a de São Domingos e é possível que mestres poitiers tenham estado envolvidos na sua construção. A verdade é que este frontispício, cuja fachada se encontra magnificamente conservada devido ao facto de ter sido instalada recentemente uma cobertura, representa uma das maiores conquistas do românico espanhol.[Su. 5].
A escultura românica tardia encontra-se no alpendre e no tímpano da Glória da Sé Catedral de Santiago de Compostela onde o tratamento da figura humana é muito menos rígido e com um estilo de transição do românico para o gótico. Todo o pórtico está repleto de imagens de horror vacui (são duzentas esculturas). O trabalho foi realizado pelo Maestro Mateo e é presidido pelos Maiestas Domini acompanhados pelo tetramorfo e rodeados pelos anciãos do Apocalipse. No montante está a imagem do apóstolo Santiago e servindo de fuste das colunas estão os demais profetas e apóstolos. O autor assinou a obra: “No ano de 1188 da Encarnação do Senhor, Mestre Mateo dirigiu a obra desde o início”.
• - Tímpanos românicos em Espanha.
• - Porta do Cordero em San Isidoro de León.
• - Porta do Perdão em San Isidoro de León.
• - Tímpano de Santa María la Real, Sangüesa.
• - Tímpano de Santo Domingo de Soria.
Na Itália, desenvolveram-se diversas escolas nas quais a influência da Roma Antiga foi muito marcante. Uma obra do final do século foi a cadeira de mármore[n. 4] da igreja de San Nicolás de Bari (Bari&action=edit&redlink=1 "Bari (Apulia) (ainda não escrito)")), inspirado em modelos de obras romanas. Esta cadeira faz parte de uma série que pode ser encontrada em toda a Campânia, onde vários artistas se dedicaram à decoração dos pórticos ou elementos interiores das igrejas. Estas cadeiras ou assentos eram geralmente apoiados em figuras de atlantes "Atlante (coluna)"), humanos, elefantes ou leões e é normal encontrar estes mesmos suportes por baixo das colunas dos pórticos, estes pórticos evoluíram até adquirirem maiores dimensões até se tornarem grandes átrios "Atrium (arquitetura)") como na Catedral de Modena.[HUA 2].
Destacaram-se dois grandes escultores românicos italianos, Wiligelmo de Modena e Niccolò, o primeiro da chamada escola da Emília), foi um escultor muito expressivo e com grande influência da Antiguidade. Ele trabalhou na Catedral de Modena. encontrado em Ferrara e Verona.[HUA 2].
De todas as escolas italianas, a mais influente foi a da Lombardia, que se caracterizou pela exuberante decoração dos alpendres, cobrindo fachadas inteiras como a de San Miguel de Pavia), misturando ornamentos vegetais, animais, monstros e temas religiosos. Na Toscana, o mestre Gulielmo trabalhou em Pisa com um estilo relacionado à escola da Provença. Nas suas fachadas, os pórticos são ladeados por estátuas situadas em nichos de estilo romano e os lintéis transformam-se em frisos contínuos ao longo de toda a fachada. Esta escola fazia arquivoltas muito ornamentadas e esculpidas em formato radial.[HUA 3].
• - Cátedra Episcopal (ca.1098) em Sant Nicolau de Bari.
• - Presidente de San Sabino.
• - Leões estilóforos "Estiloforo (arquitetura)") de Wiligelmo de Modena na entrada da Catedral de Modena.
• - Detalhe do tímpano em Ferrara de Nicló.
Este método foi rapidamente adotado na Inglaterra, onde as aduelas radiais se tornaram a forma preferida de decorar arcos, sistema que continuou ao longo do século. As fontes da escultura românica inglesa vieram da Lombardia e do oeste da França, mas com tradições locais com estilos zoomórficos vikings; Em geral, sua escultura não era monumental, mas sim feita com pequenos detalhes.[HUA 4].
Fachadas de triunfo
Os chamados portais esculpidos são aqueles que aparecem como um arco triunfal com composições lineares cobrindo toda a entrada. Pouco depois de 1100, estimulados pela redescoberta da Antiguidade, da escultura românica do norte de Itália, Toulouse e noroeste de Espanha, os escultores conseguiram conquistar a fachada para transformá-la numa grande exposição de escultura monumental em diferentes formas. Um exemplo particularmente marcante, apesar dos numerosos restauros "Restauração (arte)") que teve desde a Idade Média, é a fachada da catedral de Angoulême, que reproduz uma visão escatológica distribuída por toda a fachada.[BDG 2].
A fachada da Abadia de Saint-Gilles pode ser considerada um verdadeiro “livro de pedra”, dirigido aos fiéis, muitas vezes analfabetos na época da sua construção. Feita pelos monges da abadia entre 1120 e 1160, a fachada continua a ser uma reconhecida obra-prima da arte românica na Provença. A decoração da fachada é composta por três portais, sendo o central maior que os laterais. O portal esquerdo apresenta uma Adoração dos Magos no tímpano e a Entrada em Jerusalém na verga; O portal central apresenta um Cristo em Majestade representado no tímpano e no friso inferior, que se estende pelas paredes laterais, entre as portas, encontram-se diversas cenas relacionadas com a Paixão; O portal direito apresenta uma Crucificação no tímpano, e abaixo, diversas cenas relativas a episódios posteriores à Ressurreição de Cristo (Noli me tangere, Mulheres santas no túmulo, Aparição aos apóstolos...). Entre as três portas encontram-se uma série de colunas recuperadas da época romana, e entre elas, várias figuras de grande porte: São Miguel, Os Doze Apóstolos e a Luta de Anjos e Demônios. Na parte inferior, próximo ao chão, estão personagens do Antigo Testamento, além de cenas não religiosas. Os elementos de decoração arquitetônica são inspirados na arte antiga: capitéis coríntios, base canelada, ovais e centauros.[26].
A observação da Antiguidade junta-se à visionária iconografia românica no portal ocidental da igreja de São Trófimo "Igreja de São Trófimo (Arles)") em Arles, que, voltada para a fachada da igreja, combina o tema da visão apocalíptica com o do Juízo Final, e a sua estrutura arquitetónica dá grande relevo às arquitraves e ao friso, bem como à colunata que serve de moldura às grandes estátuas. O portal de San Tróphimo em Arles atinge o seu desenvolvimento românico por volta de 1190 e acima dele é possível ver o percurso seguido pelos escultores em busca de uma representação monumental da fachada triunfal. Com a magnífica fachada da Abadia de Saint-Gilles, é uma das melhores coleções de arte românica esculpida da Provença. O alpendre apresenta diversos elementos decorativos: pilastras caneladas, capitéis com folhas de acanto, frisos gregos, faixas de folhas de palmeira, baixos-relevos decorados com volutas. A ordem do portal é inspirada na arte antiga e evoca um verdadeiro arco triunfal romano que se abre para a abadia. A influência da arte antiga, especialmente a dos primeiros sarcófagos cristãos, encontra-se no estilo das figuras e nos motivos florais da decoração. Os motivos decorativos determinam temas relacionados com o Antigo Testamento, bem como as feras e criaturas malignas que estão associadas aos dois padroeiros da catedral: Santo Estêvão e São Trófimo. A estrutura geral é semelhante à de Saint-Gilles, mas aqui foi reduzida a uma única porta.[27].
Capitais
Los capiteles son una de las muestras más importantes de la escultura románica y conducen a un mundo rico en simbología.[30] La piedra esculpida era, en muchas ocasiones, un eficaz vehículo de comunicación entre la iglesia y los fieles y con su impacto visual ayudaba a convertir los templos en «el reino de Dios en la tierra»[30] Así, los artesanos escultores tenían la misión de instruir con sencillez y emocionar con su arte.[30] Los capiteles, con profusión de temas y donde el artista tenía más libertad creativa, cumplían plenamente estas funciones.[30]
La escultura románica estaba integrada en la arquitectura formando un todo, siendo las portadas "Portada (arquitectura)") y los capiteles dos claros ejemplos.[30] El escultor, por tanto, debía albergar su obra en espacios reducidos aprovechando la piedra al máximo.[30] Esta «exigencia» provocaba que la escultura no se preocupara por representar imágenes fidedignas de la realidad y a menudo aparecen figuras desproporcionadas, aplastadas, contorsionadas u ocupando varias caras de los capiteles.[30].
La falta de espacio era una de las razones de ese «antinaturalismo» que caracteriza a la escultura —y también a la pintura— del románico.[30] Pero no la única: el objetivo principal del artista no era el tratamiento proporcionado y fidedigno de las figuras, sino su valor simbólico y el contenido del mensaje que querían transmitir al espectador.[30] Esta forma de entender el arte propio del románico deriva de un concepto clásico, el neoplatonismo,[30] una creencia que defendía que el mundo natural tan sólo era una apariencia que escondía la realidad verdadera y trascendente de Dios. Difundido por San Agustín, el neoplatonismo tuvo una influencia decisiva en la configuración del arte medieval.[30].
La creación del hombre, el pecado original, la natividad o el juicio final son algunos de los temas representados en lo que se conoce como capiteles historiados.[30] Pero sin duda, lo que más llama la atención es el rico, y a veces fantasmagórico, repertorio del bestiario medieval.[30] Procedente del mundo clásico, romano de Oriente y persa, el cristianismo lo hizo suyo atribuyendo virtudes o pecados a los diferentes animales reales o fantásticos que formaban parte.[30].
Así, entre los animales que representaban al bien se encontraban las aves, a menudo comparadas con el alma que se eleva hacia el cielo, el león o el grifo.[30] Al otro lado de la balanza, el mono —caricatura grotesca del hombre—, la serpiente —símbolo universal del pecado—, la liebre y el conejo —por su fertilidad— el jabalí y el chivo. Dragones, arpías, basiliscos, sirenas y centauros completaban el repertorio de bestias enemigas del hombre y de Dios.[30].
século 10
Na segunda metade do século, a decoração arquitetónica dos edifícios religiosos era geralmente muito simples. Algumas placas relevadas decoradas "Relevo (escultura)"), impostas com molduras e alguns capitéis reaproveitados de épocas anteriores. Em grandes edifícios, grandes pilares retangulares "Pilar (arquitetura)") eram colocados como elementos de separação entre a nave e os corredores laterais, por isso era muito difícil encontrar grandes capitéis, uma vez que só eram colocados em colunas menores de "Coluna (arquitetura)" para igrejas ou criptas menores. As primeiras experiências de talha de capitéis representaram um dos aspectos essenciais na transição para a escultura românica monumental durante a primeira metade do século.
No norte da Itália, os primeiros capitéis com pouca ornamentação encontram-se em criptas e deambulatórios como na Abadia de Sant'Antimo em Montalcino (Siena) e na Basílica de Santo Stefano em Verona. Durante a segunda metade do século (cerca de 1038 na catedral de Caorle) um conjunto de capitéis caracteriza-se pela imitação fiel e direta dos antigos modelos coríntios observados nas basílicas do Adriático, entre Veneza (Sant Nicolò no Lido) e Trieste (catedral de San Giusto). Esta tendência continua no ambulatório de Tournus e Issoudun, antes do final do século, bem como na Catedral de Clermont-Ferrand em Auvergne.[BDG 4].
século 11
Folhas de acanto foram esculpidas e representadas junto com volutas curvadas para trás nos cantos e nas faces dos capitéis. Quase ao mesmo tempo, no sul de França e na Catalunha, procuravam-se meios técnicos para resolver o problema de adaptação dos motivos utilizados nos relevos (entrelaçamento, palmetas e rosetas) às superfícies da capital. A partir do final do primeiro terço do século, nas abadias de San Filiberto de Tournus e San Pedro de Roda, surgiram nas imagens coríntias uma série de capitéis que mostravam o relevo superficial pré-românico dando lugar ao biselado e com sulco profundo. Um segundo grupo de capitéis com proporções mais próximas das formas cúbicas apresenta desenhos semelhantes a cestos com folhagens: San Pedro de Roda, Santa Fe de Conques e Aurillac. As ligações com trabalhos anteriores sobre relevos românicos aparecem mais claramente nos capitéis esculpidos da igreja de Sant Martí del Canigó em Conflent, datados do início do século.[BDG 5].
• - Capital com vegetação na abadia de San Filiberto de Tournus.
• - Folhas de acanto em Santa Fé de Conques.
• - Adão e Eva na Basílica de Nossa Senhora de Port Clermont-Ferrand.
• - Capital de Sant Martí del Canigó.
A transição da decoração vegetal para a figurativa foi investigada por Henri Focillon, que destacou o papel da figura que contribuiu para formar o estilo da arte românica, e comparou-os com os capitéis da arte otoniana na igreja de Vignory adornados com motivos geométricos, vegetais e animais, que mostram a técnica e uma preocupação da obra semelhante, aos observados no sul da França. Desde o início do século, a Borgonha teve monumentos de grande importância: Abadia de Cluny, Romainmôtier, Abadia de San Filiberto de Tournus, San Benigno de Dijon, esta igreja teve um papel muito importante durante as duas primeiras décadas do século, devido às obras encomendadas pelo abade de origem italiana Guglielmo da Volpiano), hoje ainda preserva a cripta com alguns capitéis com decoração de monstros, máscaras e figuras: o seu carácter inovador torna-os um dos o mais marcante neste estilo. Em Paris, os capitéis de Saint Germain des Prés (no Musée de Cluny), contrastam com estas séries anteriores pela monumentalidade de Cristo em majestade nelas representada.[BDG 6] A bacia do rio Loire era uma área geográfica com grande atividade artística. com folhas de acanto e palmeta e com inscrição do escultor: "Ubertus me fecit". Em outras séries, figuras humanas aparecem com representação de histórias da Bíblia, a Anunciação, a Visitação de Maria e a Fuga para o Egito.[BDG 7] A relação entre os capitéis do átrio de São Benoît e os da Abadia de Méobecq em comparação com os de Santo Hilário o Grande em Poitiers"), São Martinho de Tours e Maillezais levantam interessantes problemas metodológicos da cronologia da escultura românica na França.[BDG 7].
• - Homem de oração na capital de São Benigno de Dijon.
século 12
À medida que o tempo avança, os temas escultóricos representam temas reais e fantásticos, assim os temas cristãos se misturam com toda uma série de bestiários, monstros de leões com cabeça de águia ou pássaros com corpo de mulher, sereias aladas e centauros em representações monstruosas com o propósito de sua interpretação como bem e mal, sem esquecer os temas obscenos. Os capitéis de muitos claustros são modelos destas séries históricas, como se pode ver no mosteiro de Santo Domingo de Silos em Burgos, no mosteiro de Sant Cugat na Catalunha e no claustro de Elna em Roussillon. Toda essa imaginação transbordante chegou ao fim com o texto escrito por São Bernardo de Claraval no século contra as capitais historiadas.[Su. 7].
• - A dúvida de São Tomé no mosteiro de Santo Domingo de Silos.
• - Capital com os Três Magos na Catedral de Elna.
• - Lavando os pés de Cristo aos apóstolos no mosteiro de Sant Cugat.
• - Músicos e menestréis no mosteiro de Sant Cugat.
imagens de culto
En el período románico la madera fue uno de los materiales más empleados para la elaboración de las imágenes para el interior de los templos. Las esculturas representando a Cristo Majestad y la Virgen María con el Niño llamada Sedes sapientiae, eran las representaciones más numerosas que se hacían para venerar en cada iglesia. Casi todas se han datado a partir del siglo o principios del .[Su. 3]
Los artesanos especializados en trabajo de madera en el período románico y, a juzgar por el tratado del monje Teófilo: «no debían confundirse con los que trabajaban otros materiales». Étienne Boileau, en el siglo en su Livre des métiers, ilustra la creciente especialización que separaba a los carpinteros de los tallistas asociados a los santcristos. Los cristos de madera se realizaban a partir de dos o tres piezas, dos troncos se ensambaban para formar la cruz, una única pieza era utilizada para el cuerpo y otras dos para los brazos. De acuerdo con el Livre des métiers, el encaje era una de las principales cualidades de los artesanos de la madera. En cuanto la obra estaba tallada, se preparaba para recibir la policromía, lo que demuestra claramente las relaciones que existían entre los creadores de imágenes y los pintores, salvo que ambos trabajos fueran realizados por las mismas personas. Se sabe que en muchas de las abadías románicas había talleres de talla de madera junto a los de pintura. La mayoría de estas imágenes estaban destinadas a ser policromadas, pero también a muchas de ellas se las cubrió con una capa metálica, si los recursos económicos lo permitían. Muchas de estas imágenes estaban realizadas para su uso como un relicario. Así, el busto relicario de san Baudime en Saint-Nectaire (Puy-de-Dôme) está realizado sobre una base de madera cubierta con hojas doradas de cobre repujado, con la cabeza y las manos de fundición de cobre (finales del siglo ). El busto de san Cesario de Arlés conservado en la iglesia de Maurs (Cantal), recibió una capa de plata y cobre dorado en el cuerpo solamente, mientras que la cabeza y las manos fueron pintadas directamente sobre la madera.[BDG 9].
Cristo em Majestade
A imagem do Cristo crucificado, na Idade Média, era representada em vários tipos de iconografia: com o tronco nu e com o perizônio ou saia curta amarrada na cintura e morreu na cruz com os olhos fechados e o rosto com drama e certa tensão e o Cristo em Majestade que aparece na cruz com a longa túnica até os pés, justa na cintura e triunfante, com a particularidade de ter os olhos abertos e sem nenhum sinal de dor. Esta representação foi a mais abundante no Ocidente ao longo do século, seguindo o protótipo do Cristo romano oriental.
Representa a imortalidade, sem sofrimento humano, mas triunfa como Deus, nem aparece com a coroa de espinhos. Se algum deles for coroado, é com a coroa real. A anatomia segue a verticalidade da madeira que forma a cruz, as mãos estão abertas com os dedos esticados e os membros pregados cada um individualmente (quatro pregos).
Entre as imagens em madeira de Cristos em Majestade destacam-se a do Volto Santo de Lucca), a da Catedral de Braunschweig de 1173 (assinada pelo seu autor Imervard, no cinto da túnica), a da catedral de Milão, a preservada no Museu de Arte Sacra de San Gimignano. Na região de Mosa e Renânia, o Cristo de Notre Dame de Tongres e o de São Jorge de Colônia mostram uma tradição Ottoniana.[BDG 10].
Ocorreram em grande número nos vales dos Pirenéus, onde se destaca o Cristo de Mig Aran, preservado na igreja de Viella no Vale de Aran, e a Majestade Batlló, imagem de madeira policromada do século XIX, que representa Cristo crucificado, na atitude de Cristo Majestade ou triunfante, sem vestígios de sofrimento. É uma das amostras mais interessantes do imaginário medieval deste tipo iconográfico na Catalunha. Parece que a sua introdução na Catalunha se deveu aos pisanos, quando estes chegaram por volta do ano 1114 para ajudar o conde Ramón Berenguer III de Barcelona na sua luta pela conquista das Ilhas Baleares.[31].
Mãe de Deus com o Menino
Durante o Românico, a imagem mais característica da Mãe de Deus "Maria (mãe de Jesus)") é representada sentada num trono, vestida com túnica, manto e geralmente com uma coroa&action=edit&redlink=1 "Coroa (ornamento) (ainda não escrita)"), o Menino está de joelhos, olhando ambas as imagens de frente, em versões posteriores é vista com o Menino já sentado sobre o joelho esquerdo e com uma atitude menos hierática. Parece que não há comunicação entre os dois personagens, é até difícil encontrar alguma escultura em que eles apenas se toquem, as mãos da mãe estão em posição aberta como que para proteger o Filho mas sem realmente esfregá-lo. Esta representação de Maria como o Trono da Sabedoria coincide com o dogma da Encarnação. A partir de 1200, a rigidez começou a desaparecer em favor da expressão de sentimentos ternos entre mãe e filho. Estas estátuas eram objetos de grande veneração e adoração, e a piedade dos fiéis atribuía-lhes milagres. Quase sempre também eram usados como relicários e eram colocados no altar, mas também em procissões.[BDG 11].
Os escultores de Roussillon produziram uma grande série de imagens sentadas durante a segunda metade do século, entre as quais a Mãe de Deus de Cornellà de Conflent. Na igreja de Saint-Nectaire existe uma Vierge à l'Enfant, em madeira policromada. Esta virgem "Sedes Sapientiae" é conhecida pelo nome Notre-Dame du Mont Cornadore, ela encarna o trono da Sabedoria eterna. O grande número de mães de Deus catalãs em torno das oficinas Seo de Urgel e Gerona aparecem como extensões destas imagens. Destacam-se obras como a imagem da Virgem de Montserrat do mosteiro de Montserrat do século XIX, feita em madeira de choupo e faia, com 95 centímetros de altura e dourada policromada, e a imagem em pedra, a imagem da Mare de Déu do Claustro da Catedral de Solsona, do mestre Gilabert de Tolosa"), com grande virtuosismo e precisão de detalhes. A imagem mede 105 cm de altura. Outros tipos de Imagens podem ser encontradas no norte da Espanha, Borgonha, Itália, Suíça e Alemanha, especialmente as Virgens Otonianas de Colônia, Hildesheim, Paderborn e Frankfurt, e outras nos países escandinavos. Muitas dessas obras estão relacionadas à escultura monumental em pedra.[BDG 12].
Descendências
Os grupos de “descendentes” foram obrigados a ocupar as absides das igrejas, numa distribuição horizontal. Dependendo da região, Cristo apareceu em diferentes momentos da descida da cruz, em alguns ainda estava pregado, em outros tinha apenas a mão direita ou a cabeça e o corpo separado da cruz. Na Itália, dois grupos são preservados na sua totalidade, o da catedral de San Lorenzo in Volterra e o da catedral de Tivoli").[BDG 13].
Estas esculturas pertencem a um momento de grande florescimento imagético ocorrido na Catalunha durante o século e constituem um dos mais singulares e excelentes grupos escultóricos românicos. Mais de metade destas obras foram realizadas nas zonas dos Pirenéus distribuídas pelos condados comtats de Pallars, Ribagorça e Urgell e muitas delas devem-se ao patrocínio e supervisão do baronato de Erill nos tempos de São Ramón, bispo de Roda (1104-1126).[32].
A igreja de Santa Eulália "Igreja de Santa Eulália (Erill la Vall)") de Erill la Vall no vale do Boí, possuía originalmente um conjunto de talha românica policromada que representava o tema da Descida. Foram descobertas e divulgadas em 1907. As sete figuras representam Cristo, José de Arimateia, Nicodemos, os dois ladrões Dimas e Gestas e Maria com João Baptista. São feitos de madeira de choupo; Suas vestimentas correspondem ao que é tradicional para esses personagens. No interior do templo existe uma reprodução do conjunto escultórico enquanto as imagens originais se encontram no Museu Episcopal de Vic e no Museu Nacional de Arte da Catalunha. Quatro imagens são preservadas do descendente de Santa Maria de Taüll, Cristo, Maria, Nicodemos e um dos ladrões. Em Durro eles também preservam o Nicodemos de outro descendente.[33].
Embora o nome dos escultores não seja conhecido, através de algum documento foi possível conhecer o processo de algumas obras, como a Descida do mosteiro de San Juan de las Abadesses, para a qual uma pessoa chamada Dulcet adquiriu a madeira de nogueira e abeto e encomendou ao Cônego Ripoll Tarascó "a imagem do Salvador crucificado com os ladrões além de outras quatro figuras", certamente embora não tenha sido seu autor, o cônego foi quem criou a iconografia do grupo escultural.[Su. 8].
• - Catedral de Volterra.
• - Tivoli Cathedral&action=edit&redlink=1 "Tivoli (cidade) (ainda não redigida)").
• - Reprodução da Descida de Erill la Vall.
• - Mosteiro de San Juan de las Abadesses.
artes suntuárias
Las artes suntuarias en piezas de talla de marfil, bronce o de oro (pilas bautismales, recipientes para el ritual de lavado de manos, arcas e imágenes para las reliquias, objetos litúrgicos), estuvieron con frecuencia decoradas con motivos figurativos u ornamentales escultóricos y fueron encargos de reyes y obispos que representaban no sólo el gusto artístico de la época, sino por encima de todo el poder de los comitentes.[Su. 9].
En los países germánicos no se observa el mismo tipo de evolución de España o Francia en relación con la escultura. En esa región tuvo un mayor impacto la producción de piezas metálicas, especialmente con el taller de bronce de Hildesheim del siglo , de tradición otónica. El obispo Bernward, que controlaba su producción acuñó el nombre de un estilo de piezas relacionadas con las ceremonias litúrgicas. Para la iglesia de San Miguel de Hildesheim se realizaron, entre otros objetos, las puertas de bronce y la pila bautismal. Los talleres más famosos en las regiones del Mosa y del Rin fueron los de Renier de Huy, Godofred de Huy y Nicolás de Verdún.[Su. 10].
Otra de las pilas bautismales en bronce más célebres es la que se encuentra en San Bartolomé de Lieja encargada por el abad Hellinus (1107-1118) y realizada por Renier de Huy, trabajada en alto relieve con gestos y movimientos naturalistas y pliegues suaves en sus vestimentas, con un estilo muy cercano al clásico. Este proceso encaminado al naturalismo propio de la región del Mosa fue extendiéndose por las zonas del norte de Francia e Inglaterra. Otro artista de la misma región Nicolás de Verdún, realizó en Klosterneuburg, a orillas de Viena, un púlpito en 1181 con veintiuna escenas del Antiguo y Nuevo Testamento en esmalte (en el siglo se convirtió en un retablo de altar) y un arca relicario que se conserva en la catedral de Tournai.[HUA 5].
• - Pila bautismal de bronce circa 1230, iglesia de San Miguel de Hildesheim.
• - Pila bautismal para Renier de Huy en San Bartolomé de Lieja.
• - Arca relicario de Nicolas de Verdun, que se conserva en la catedral de Tournai.
• - Candelabro en bronce para la catedral de Gloucester (ca. 1104/1113) (Victoria and Albert Museum).
portas de bronze
As portas de bronze fizeram parte de uma das principais obras de arte românica da Idade Média. Foram obras cobiçadas por todos os grandes centros religiosos; são encontrados de Veneza à Sicília e nos países do norte da Europa. As portas romanas orientais de Veneza, Salerno e da Basílica de São Paulo Fora dos Muros em Roma são feitas com incrustações de prata. A obra de Barisano de Trani assinada nas catedrais de Trani") (portal central, c.1185), e Monreale (portal norte, c. 1190) e na atribuída a Ravello (1179), que se caracteriza pela presença de relevos obtidos por acabamento a frio e aplicados sobre a base de madeira, mostram as influências árabes e romanas do Oriente. No norte da Itália, as portas de San Zeno de Verona são constituídas por tetos de madeira e foram feitas por diferentes mestres em um claro estilo românico; apresentam uma iconografia focada principalmente no Antigo e no Novo Testamento, mas também incluem temas apocalípticos e a história de São Zenão.[BDG 14]
Entre o patrocínio do Bispo Bernward, estavam as portas de bronze da igreja de São Miguel em Hildesheim decoradas com dezesseis cenas do Antigo e do Novo Testamento com 4,5 metros de altura, foi uma das melhores obras fundidas da época, feita em 1015 e colocada pelo Bispo Godehard, após a morte de Bernward em 1022.[HUA 6].
A porta da Catedral de Trani caracteriza-se pela leveza do desenho, confirmada pela pequena dimensão das figuras e pela importância das molduras dos trinta e dois painéis; vinte são feitos com figuras de santos individuais, como se fossem ícones de "Ícones (religião)" romanos orientais; Dragões e leões aparecem combinados com a iconografia religiosa da Virgem e dos Apóstolos.
• - Portas românicas em bronze esculpido.
• - Catedral de Tróia, Apúlia (1119), porta com poucos trabalhos escultóricos.
• - A porta norte da Catedral de Monreale (c.1190), da autoria de Barisano de Trani, é composta por vinte e oito painéis representando quarenta e duas figuras, apresentando maior intenção escultórica do que nas portas anteriores.
• - Porta da catedral de San Pantaleón em Ravello (1179), encomendada por Sergio Muscettola; No painel central da terceira fila da folha esquerda da porta encontra-se uma inscrição com a data incluída. Aqui você pode ver figuras de arqueiros e malabaristas que também são encontrados em Trani. As molduras divisórias dos painéis são ricamente decoradas. Há cenas do Antigo e do Novo Testamento.
• - Catedral de Trani.
Ourivesaria escultural
O campo artístico da ourivesaria românica desempenhou um papel muito notável, não só no nascimento e desenvolvimento da escultura monumental, mas também na formação de artistas. A reputação dos ourives ultrapassou fronteiras e as suas obras foram muitas vezes utilizadas como modelos. Foi dito de Godefroid de Huy que: "...ele não tinha igual no campo da ourivesaria, que em várias regiões havia feito muitos relicários e objetos para reis."[BDG 15].
A gofragem era uma das técnicas mais utilizadas pelos ourives, pois era a técnica que melhor se utilizava sobre base de madeira para relicários e pequenos retábulos. A obra busto-relicário teve, sem dúvida, grande impacto no florescimento da escultura românica. No Llibre dels Miracles de Saint Foy, escrito por volta de 1014 por Bernardo, professor da escola episcopal de Angers, há um magnífico testemunho:.
Marfim
A arte específica de talhar marfim teve um grande desenvolvimento na época românica, especialmente nas zonas de influência carolíngia, e mostrou sobretudo o poder de quem encomendava as obras, principalmente em grandes mosteiros ou encomendadas por figuras poderosas.
No tratado De diversis artibus")[34] (c.1100) há uma descrição dos utensílios de oficina: "As limas também são feitas de aço puro: existem as grandes, as médias, as de quatro faces, as de três faces e as redondas", bem como o processo de entalhe do osso: "Para esculpir o osso, primeiro torne áspero um pedaço deste material do tamanho desejado e cubra-o com gesso; em seguida, desenhe as figuras com mini tal e conforme desejar obtê-las posteriormente, para que fiquem bem visíveis, depois, com cinzéis diferentes, reduza o fundo até a profundidade estimada..."[Su 11]
Quando um bispo ou abade de um mosteiro viajava normalmente levava consigo um altar portátil e dos objetos de um altar, um dos mais importantes era o Crucifixo que geralmente era feito de metal ou marfim. Alguns exemplares de alta qualidade são preservados, como o encontrado na abadia de Bury Saint Edmunds, na Inglaterra, e hoje guardado no Metropolitan Museum de Nova York.[HUA 7].
Na Península Ibérica existe desde o século uma grande oficina de talha e ourivesaria em marfim no mosteiro de San Isidoro de León, de que grande exemplo é o Crucifixo de D. Fernando e D. Sancha datado por volta do ano 1063.[Su. 12] Acredita-se que tenha sido a primeira da Idade Média hispânica com a representação da imagem de Cristo, pois era costume que as cruzes, fossem elas de materiais nobres, como ouro ou marfim ou simplesmente madeira, fossem feitas sem imagens. A imagem de Cristo está esculpida em marfim e é de volume pleno e está representada viva, com a cabeça ligeiramente inclinada para a direita com rosto oval, onde se destacam os grandes olhos abertos com as pupilas incrustadas de pedra azeviche.[n. 5] Ele tem barba e bigode com cabelos ondulados e pés perfurados por uma unha individual cada. Na parte posterior do corpo, como era comum, possui um orifício para servir de relicário.[35].
• - Equipe pastoral do Bispo em marfim de morsa (1120-1130) Inglaterra.
• - Placa relevada em marfim (séculos XII-XIII) de Veneza.
• - Tabernáculo (c.1180) em bronze, esmalte e marfim da região do Baixo Reno (Alemanha).
As oficinas artísticas
No norte da Itália houve uma expansão durante o chamado românico lombardo realizada pelos magistri comacini. Estes escultores moviam-se em grupos com muita facilidade e existem obras documentadas nos Alpes, Lácio, Alemanha, Dinamarca e Suécia. No início do século trabalhavam em todo o território catalão, principalmente sob o patrocínio do Abade Oliba. A maioria de suas esculturas são decoradas com figuras zoomórficas, animais, grifos e vegetais. As figuras humanas são estranhas e de aparência irreal. Fernando Galtier Martí, da Universidade de Saragoça, realizou um estudo (2008), onde explica o desenvolvimento da obra dos mestres Comacini, comparando a grande semelhança entre as torres sineiras das igrejas deste período no Lácio e as construídas na Catalunha. suas obras em Languedoc, Catalunha, Navarra e Itália.[37].
Uma das escolas escultóricas mais exuberantes localizava-se na região oeste da França, nas regiões de Poitou, Saintonge e Angoumois e também em algumas outras províncias vizinhas. A decoração com esculturas foi realizada em capitéis de colunas nos pórticos e frisos, e nas arquivoltas esculpidas nas aduelas radiais com elementos repetitivos como a igreja de Notre Dame la Grande em Poitiers. Este método foi seguido por professores da Espanha e da Inglaterra.[HUA 3].
Em geral, os artistas românicos permaneceram anónimos, mas alguns deles deixaram a sua assinatura ou são encontrados documentos (em casos mais isolados) com o seu nome, como em alguns versos de Módena, que dizem o nome do escultor Wiligelmo de Módena (c.1099), autor dos relevos da catedral:
Outras vezes o mesmo artista é representado em obra, como fez Arnau Cadell num capitel do claustro do mosteiro de Sant Cugat: "Hec Est Arnalli sculptoris forma catelli qui claustrum tale construxit perpetuale" (Esta é a imagem do escultor Arnau Cadell que mandou construir este claustro para a posteridade). Na porta da igreja de Santa María la Real, na localidade de Zangoza, uma estátua-coluna que representa a Mãe de Deus com um livro aberto nas mãos mostra esta inscrição: "Leodegarius me fecit" (Leodegarius me fez). Da mesma forma, em outra capital da colegiada de Saint-Pierre em Chauvigny (Vienne "Vienne (departamento)") aparece: «Godfridus me fecit», ou no portal da igreja de Revilla de Santullán em Palencia juntamente com a representação do escultor em trabalho lê-se: «Micaelis me fecit». Ramón de Bianya assinou dois túmulos do claustro de Elna em Roussillon com: «R. de Bia, me fecit", a obra deste escultor está estilisticamente relacionada com a do escultor italiano Benedetto Antelami, autor da Descida da Cruz da catedral de Parma onde fez a inscrição: "Em 1178, o escultor executou esta obra no segundo mês, este escultor Benedetto Antelami." [BDG 14] Há indícios de outro escultor românico que trabalhou na catedral de Santiago de Santiago. Compostela, em San Isidoro de León, e na catedral de Pamplona:.
Os professores geralmente recebiam uma remuneração em dinheiro, acrescentando a manutenção: “ao refeitório, como qualquer monge” e bens em espécie. Sabe-se que Mestre Esteban recebeu do Bispo de Pamplona uma casa, com terreno e uma vinha, a quem também foi entregue: “sessenta medidas de trigo, vinho e cevada para que os agricultores que trabalham essas terras durante a sua vida possam entregá-las em sua casa todos os anos”. [Su. 13].
Clientes
A glória da criação de obras durante o período românico não era apenas para o artifex practicus mas para o artifex theoricus (patrono), normalmente o abade de um mosteiro, bispo, reis ou senhores da nobreza eram as pessoas que encomendavam e pagavam pela criação de obras de arte desde grandes construções até oferendas de peças litúrgicas, são nomeados em inscrições, documentos e crónicas, por exemplo o abade Odilón que foi comparado ao imperador Augusto por “converter da madeira em mármore” o claustro da grande abadia de Cluny no séc.; Como disse Henri Focillon: "...os monges Cluniacs foram os propagadores deste movimento no Languedoc, na Borgonha, na Ilha de França e em Espanha."[40]
O Abade Oliba de Ripoll e Bispo de Vic, Dom Gelmírez, teve grande fama como construtor. “Foi um exemplo de promoção eclesiástica na zona ocidental da Galiza com a construção de cerca de sessenta igrejas e a quase conclusão das obras da catedral de Compostela.
A condessa Ermesenda de Carcassonne foi uma cliente que contribuiu para a construção da catedral de Gerona e de vários mosteiros. O rei Fernando I de Leão e a sua esposa Sancha I de Leão foram um exemplo de mecenas no início do século. Entre suas obras destaca-se o edifício com a escultura da Basílica de San Isidoro de León. Além da glória terrena que isso lhes trouxe, a intenção dos clientes era garantir o paraíso.[Su. 14] O visconde catalão Bermon foi ao Abade Oliba para reconstruir o patrimônio de San Vicente de Cardona") e para aumentar a comunidade de cânones, porque como o visconde confessa em seu testamento: "...é muito difícil ser isento de culpa quem foi sublimado pela riqueza ou pelo poder secular...". O bispo Bernward de Hildesheim também escreveu em seu testamento sobre a criação de templos românicos:[41].
Europa românica: escolas regionais
Hasta los últimos años del siglo no parece que hubiera escuelas propiamente dichas de escultura románica, las cuales sólo alcanzaron importancia y desarrollo en el decurso del siglo . Pero antes de dichos siglos se habían formado ya en Occidente notables centros de artes decorativas y suntuarias, sobre todo, de orfebrería con carácter propio o derivado del arte bizantino que muy bien pueden admitirse, al menos, como precursores de las escuelas de escultura románica. Consideradas en su conjunto, se distinguen las siguientes.
Escola irlandesa e anglo-saxônica
Esta escola existe desde o século e caracteriza-se pelos entrelaçamentos e ornamentos caligráficos que a partir da escrita dos códices passaram a servir como motivos ornamentais na escultura. Chegada a época românica, cultivou relevos com figuras alongadas semelhantes às da escultura francesa.
França
As escolas francesas foram formadas ao longo do século. Entre as mais notáveis, podem ser distinguidas pelo menos sete escolas:
• - A da Ilha de França, de escultura rudimentar até à segunda metade desse século e que se distingue nos capitéis pela utilização de cabeças com grandes bigodes mas bastante finas e elegantes com pequenas dobras nos painéis no início da era da arte gótica. Destacam-se as estátuas da Catedral de Chartres, de transição gótica.
• - A da Normandia, com suas figuras de pouco relevo e sua ornamentação de linhas em zigue-zague e dragões entrelaçados.
• - A de Poitou e Saintonge, com a sua esplêndida ornamentação de folhagens serpentinas e alegorias e personificações, sobretudo, nas fachadas das igrejas, em cujos portais aparecem séries de santos e anciãos do Apocalipse no tímpano ou nas arquivoltas. Vale destacar a rica fachada de Nossa Senhora da Grande de Poitiers e de Nossa Senhora de Saintes.
• - A de Auvergne, com os seus relevos muito proeminentes, a sua expressão viva através da incorrecção do desenho e das suas alegorias nos capitéis.
• - A de Toulouse e Languedoc, com suas figuras alongadas e de grande movimento, seus personagens em pé com as pernas cruzadas e com seus panos com dobras horizontais no peito e outras onduladas ou recortadas, mas muito movimentadas na extremidade inferior da roupa. Destacam-se nesta escola os relevos históricos do claustro da abadia de Moissac e os relevos da fachada da sua igreja com os seus semelhantes de Santo Estêvão e Santo Saturnino de Toulouse.
• - A da Provença, com as suas reminiscências clássicas na ornamentação e as suas imitações das escolas de Toulouse e do Norte apesar de ter sido considerada (sem fundamento) como a mais influente da época. Destacam-se as estátuas da fachada de São Giles e São Trófimo "Igreja de São Trófimo (Arles)") em Arles.
• - A da Borgonha, finalmente com a sua extraordinária expressão nas atitudes dramáticas das personagens e com os seus panos de dobras muito finas, terminando em redemoinhos que parecem inspirados nos desenhos de caligrafia tão comuns nos códices da época. Os relevos que adornam os portais da catedral de Autun e da abadia de Vézelay são famosos nesta escola.
Em todas as escolas acima mencionadas foram esculpidas efígies da Virgem, geralmente representando-a sentada no seu trono e com o Menino de joelhos. Muitos deles, especialmente em Auvergne, eram revestidos com uma placa de cobre ou prata, sendo a imagem feita de madeira.
Península Itálica
A escola italiana desenvolveu-se do final do século até meados do século. Foi chamado de ítalo-bizantino porque as produções de Constantinopla e as da escola carolíngia serviram de modelo. Antes dessa época, e especialmente desde o início do século, a escultura própria da Itália desapareceu, recebendo-a dos bizantinos. Os seus principais monumentos são as portas de bronze com relevos em diversas catedrais, bem como alguns relevos em cadeiras e púlpitos de mármore, embora este material fosse pouco utilizado para esculturas fora da Itália na época românica. Destacam-se também alguns marfins e preciosos frontais de altar. Especialmente rico é o frontal prateado da Cittá di Castello, bastante emancipado do bizantinismo, e também o díptico ou retábulo de marfim da catedral de Salerno, além de outros anteriores de inspiração bizantina.
Europa Central
A escultura alemã do século (em comparação com a francesa) prestou mais atenção ao mobiliário do interior da igreja. Para a arte românica em metal, identificam-se três focos regionais: a escultura em bronze e a ourivesaria da região do Meuse (Liège), que também teve força estilística na arte da cantaria e apontou para o período gótico; A Renânia (Colônia), no século II, forneceu os mais magníficos relicários em forma de pequenos edifícios decorados com figuras; Baixa Saxônia (Hildesheim, Magdeburg, Braunschweig) cuja conquista especial foi mais uma vez a fundição de bronze, sendo notáveis a coluna, a fonte e os portões de Hildesheim. Destacam-se também os relevos metálicos nas portas da igreja de Santa María del Capitol (Colônia) "Igreja de Santa Maria do Capitólio (Colônia)") e os da Catedral de Augsburgo, ambos do século XIX.
Em pedra, destacam-se a igreja de Santa Cecília (Colônia)&action=edit&redlink=1 "Igreja de Santa Cecília (Colônia) (ainda não escrita)") e a igreja de San Pantaleón (Colônia) "Igreja de San Pantaleón (Colônia)").
• - Esculturas românicas na Alemanha.
• - Portas de bronze da Catedral de Augsburg (995-1006), hoje no Museu Diocesano de Santa Afra em Augsburg.
• - Batismo de Cristo na pia batismal de Reiner von Huy"), Lüttich, 1107-1118.
• - Detalhe do túmulo cúbico e estritamente estilizado do Arcebispo Friedrich von Wettin") († 1152) de uma fundição em Magdeburg.
• - O Leão de Braunschweig"), 1166, a primeira figura vazada em bronze fundido desde a Antiguidade.
A escola alemã desenvolveu-se desde o século XIX, devido ao impulso que Carlos Magno deu às artes e chamou de carolíngia pelo mesmo motivo. Continuou com algum florescimento e sob o império dos otonianos no século em que pode ser considerado constituído por um caráter germânico próprio, dois séculos antes dos franceses. Distingue-se pelas suas obras em bronze (opus teutonicum) e pelo seu bizantinismo, não exagerado, mas preservando uma certa fisionomia clássica. Foram trabalhados antipêndios, com figuras esmaltadas planas ou ligeiramente salientes, mas com cabeças em alto relevo em vários exemplares, estética copiada dos bizantinos e também seguida em Espanha (Silos) e noutras nações durante a época românica. Muito célebres, entre outras peças, são o marfim carolíngio de Frankfurt que representa a celebração da Missa (século), as portas de bronze com relevos da Catedral de Hildesheim, que representam cenas do Gênesis, e o precioso antipêndio ou altar de ouro com imagens que pertenceu à Catedral de Basileia por munificência do Imperador Henrique II, o Santo, que, com as referidas portas, remonta ao início do século. A partir da segunda metade do século e no estilo românico de transição, foram esculpidos belos cofres para relíquias e outros objetos de serralheria, adornados com imagens em relevo, cinzelados, esmaltes e pedras, sendo o centro artístico de tais produções a cidade de Colônia "Colônia (Renânia do Norte-Vestfália)"). Daqui a célebre escola de Colônia ou Rhinian tomou seu nome e caráter e a e a dos restos mortais de Carlos Magno do início do século, feitas de prata e bronze dourado, foram suas obras. Na escultura monumental, do mesmo período, são famosas as da catedral de Bamberg e as de Münster, Magdeburg, etc., com muito movimento com dobras rodopiantes e a atitude dos personagens representados conversando entre si.
Referências
[1] ↑ Se cita que se realizó por orden del abad Guillermo en el año veinticuatro del reinado de Robert, rey. Haciendo referencia a su reinado entre 996 y 1031, por lo que se puede datar en el año 1020.
[2] ↑ Se cree que debió de inspirarse en algún trabajo en marfil como modelo.
[3] ↑ Los cinco sitios donde se encuentra esta iconografía románica son las iglesias de Santo Domingo de Soria, Santo Domingo de la Calzada, San Nicolás de Tudela, el monasterio de Santo Domingo de Silos y en la catedral de Santiago de Compostela.
[4] ↑ Asiento con espaldero, ocupado por el obispo en los templos.
[5] ↑ Los ojos de azabache son una característica del taller de marfil de León.
[6] ↑ Sureda, 1988, pp. 100.
[7] ↑ a b Sureda, 1988, pp. 148-149.
[8] ↑ a b Sureda, 1988, p. 132.
[9] ↑ Sureda, 1988, p. 109.
[10] ↑ Sureda, 1988, p. 190.
[11] ↑ Sureda, 1988, p. 174.
[12] ↑ Sureda, 1988, p. 166.
[13] ↑ Sureda, 1988, p. 133.
[14] ↑ Sureda, 1988, p. 136.
[15] ↑ Sureda, 1988, p. 210.
[16] ↑ Sureda, 1988, pp. 126-127.
[17] ↑ Sureda, 1988, p. 205.
[18] ↑ Sureda, 1988, p. 30.
[19] ↑ a b Sureda, 1988, p. 32.
[20] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 37.
[21] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 49.
[22] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 50.
[23] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 30.
[24] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 31.
[25] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 32-33.
[26] ↑ a b Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 34.
[27] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 36.
[28] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 86.
[29] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 91.
[30] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 87.
[31] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 88.
[32] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 90.
[33] ↑ a b Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 84.
[34] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 97.
[35] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 96.
[36] ↑ a b Sarpe, 1984, p. 647.
[37] ↑ a b Sarpe, 1984, p. 649.
[38] ↑ a b Sarpe, 1984, p. 650.
[39] ↑ Sarpe, 1984, p. 651.
[40] ↑ Sarpe, 1984, p. 655.
[41] ↑ Sarpe, 1984, p. 632.
[42] ↑ Sarpe, 1984, p. 653.
[43] ↑ De Vecci/Cerchiari, 1999.
[44] ↑ Sureda, Joan, 1988: pàg.20.
[45] ↑ Sureda, Joan, 1988: pàg.28.
[46] ↑ Georges Duby, Jean-Luc Daval, La Sculpture…, p. 276.
[47] ↑ Marcel Durliat, « La sculpture du XI×10{{{1}}} siècle en occident », en Bulletin Monumental, 1994-2, p. 129-213 (leer en línea).
[48] ↑ Georges Duby, Jean-Luc Daval, La Sculpture…, p. 266.
[74] ↑ Boix i Pociello, Jordi (1996). Castell d'Erill (o d'Erillcastell), a Catalunya romànica. XVI. La Ribagorça. Barcelona: Enciclopèdia Catalana. ISBN 84-412-2511-7.
[76] ↑ Theophilus (presbítero) (1847). Theophili, qui et Rugerus, presbyteri et monachi, libri III. de diversis artibus: seu, Diversarum artium schedula (en inglés). J. Murray. Consultado el 10 de diciembre de 2010. . Traducción al inglés de 1847 de la obra en latín de Teófilo Presbítero de 1125 donde se describen diversas técnicas artísticas.: http://books.google.cat/books?id=wo4EAAAAYAAJ
[84] ↑ Aunque hay quienes creen que el término es una popularización del latín cum machinis, es decir 'equipado con instrumentos mecánicos'). El término «maestri comacini» se refiere a menudo a equipos de constructores que realizaban grandes obras de construcción con ayuda de máquinas. Sin embargo, está documentada una constante migración de trabajadores procedentes de Como a lo largo de la Edad Media, desplazándose a muchas regiones de Europa para crear obras de importante importancia técnica.
[85] ↑ Emilia-Romagna, Touring Editore, pag. 40.
O final do século e do século foi um período de experimentação levado a cabo por numerosos centros artísticos da Europa Ocidental, como o norte de Espanha, Toulouse, Itália, o Loire... cada um desenvolvendo um carácter próprio, que se irradiará mais ou menos, misturando-se com outras influências antes de formar uma corrente mais estruturada no século seguinte, em torno de três categorias principais de motivos: plantas e entrelaçamentos, animais e figuras humanas. A constituição da cronologia das obras suscitou inúmeras controvérsias entre os historiadores da arte ao longo do século.[5].
Um grande impulso para a produção da nova escultura foi o percurso de peregrinação a Compostela para visitar o túmulo do apóstolo Santiago - descoberto por volta do ano 820 entre os vestígios de uma povoação romana - que no século já estava plenamente consolidado a ponto de empreender a construção da nova catedral de Santiago em 1075. Novas igrejas foram construídas ao longo do percurso sob a organização da Ordem de Cluny. Estes templos foram construídos em locais de passagem neste período de fervor religioso, para acolhimento espiritual dos peregrinos e exposição de relíquias. França e o norte de Espanha são também locais onde se podem ver exemplos da primeira produção de escultura românica aplicada à arquitectura. Ao longo dos diferentes percursos até Santiago foram difundidas sugestões técnicas, estilísticas e iconográficas através de oficinas itinerantes de construção.
No final do século, no sul de França (Cluny, Autun, Vézelay, Moissac, Toulouse), bem como no norte de Itália e no norte de Espanha, os tímpanos, capitéis e paredes dos portais começaram a ser ricamente decorados com ornamentos e figuras tratadas com grande realismo. A escultura já era um componente importante nas fachadas das igrejas, no estilo dos antigos arcos triunfais.[6] A escultura torna-se então monumental, as primeiras esculturas monumentais que foram apresentadas desde o século XIX, período em que as peças redondas (peças tridimensionais) deixaram de ser esculpidas, embora tenha sido observado um aumento na produção de pequenas esculturas e trabalhos em metal durante o período pré-românico.
O relevo foi utilizado como a melhor técnica para a narração de cenas impressionantes, onde o volume ajudava a criar uma sensação de realismo maior do que simples superfícies pintadas, retratando cenas como a Visão do Apocalipse e esculpindo em cada superfície o espírito do conceito de um Deus vingativo presente no Antigo Testamento; Eles também estavam repletos não apenas de figuras bíblicas como evangelistas, apóstolos e anjos, mas de séries de criaturas monstruosas, que não foram esquecidas diante de sua visão: demônios e criaturas compostas de corpos desproporcionais e horríveis que davam medo da tortura do inferno confrontado com o reino de Deus.[7] Seu objetivo não era imitar a natureza e a realidade.[8] Iconograficamente, o Deus forte, governante e juiz é o foco da escultura monumental; Locais pictóricos subordinados eram frequentemente ocupados com temas moralizantes nos quais demônios e criaturas míticas também desempenhavam seu papel.[9].
Não são conhecidos muitos nomes de escultores românicos, com destaque para o Mestre de Cabestany, Bernard Gilduin"), Gislebertus, Unbertus, Gofridus e Gilabertus de Toulouse, em França; Wiligelmo, Niccòlo e Antelami, em Itália; Arnau Cadell, Leodegarius, Micaelis e Ramón de Bianya, em Espanha. Esculturas e grupos românicos de destaque em França são: fachada de Notre-Dame la Grande de Poitiers, considerada uma obra-prima da arte românica, o lintel de Sant Genís, a escultura românica mais antiga, a igreja de São Trófimo "Igreja de São Trófimo (Arles)") em Arles (portal, 1180-1190), a abadia de Saint-Benoît-sur-Loire (torre-pórtico), abadia de Moissac (portal sul, ca. 1120 e claustro em 1100), Catedral de Autun (portal oeste, c.1130-1135), Catedral de Santa Maria de Olorón (portal oeste, ca. 1130), Abadia de Charlieu") (portal norte, ca. 1170, Catedral de Angoulême (fachada, 1115-1130); Abadia de Beaulieu-sur-Dordogne") (tímpano).
• - Esculturas românicas em França.
• - Detalhe da fachada de Notre-Dame la Grande de Poitiers (segundo quartel do século).
• - Tímpano da igreja abacial de Vézelay (c. 1120-1130).
• - Portal de São Trófimo de Arles "Igreja de São Trófimo (Arles)").
• - Capital da Ressurreição da Abadia de Mozac").
Além da pedra, a madeira foi um material importante para a construção de igrejas, especialmente no norte da Europa, e para a escultura de imagens devocionais ou de altar gratuitas, raramente trabalhadas em pedra. A madeira policromada e o marfim foram os materiais mais utilizados, por vezes revestidos com metais de bronze ou prata (crucifixos e pequenas imagens).[Su. 3] Os relicários também eram revestidos de metais.
Os trabalhos em bronze tiveram especial importância em peças litúrgicas, portas de igrejas, pias batismais e lápides. Para a parte superior dos túmulos, uma nova tipologia se difundiu desde o norte da França em meados do século: a aplicação da figura do defunto sobre o caixão em posição reclinada. Um dos primeiros túmulos com a efígie do falecido de carácter românico foi o do Abade Isarn da Abadia de São Vítor em Marselha.
Características da escultura românica
As principais características da escultura românica são as seguintes:
• - Finalidade didática e não artística. As obras são feitas sob encomenda e sempre com a função de narrar ou educar sobre temas religiosos.
• - Estilização e desproporção das figuras em busca de um antinaturalismo que diviniza as figuras que aparecem.
• - Perspectiva incorreta, a relação entre o tamanho lógico da figura e o fundo é diferente da realidade. Nos relevos, as diferenças de tamanho mostram a importância da figura representada.
Composição simétrica.
No tímpano, a composição tem sempre a figura de Cristo como eixo da representação.
A expressão das figuras às vezes é muito exagerada e outras vezes muito plana.
Os mesmos motivos e temas são sempre repetidos.
O resultado final do trabalho é muito áspero e rígido.
Nas esculturas em conjunto, todas as figuras são mostradas na mesma altura para representar a igualdade diante de Deus.
Nas esculturas pintadas são utilizadas cores vívidas e brilhantes.[10].
A escultura românica surgiu em França, sem se desenvolver com a perfeição da arquitectura, seguiu os mesmos passos e evoluções da escultura grega, contribuindo para a sua formação e desenvolvimento as mesmas causas da arquitectura. Por esta razão, os elementos romanos deveriam ser seus componentes junto com os elementos do norte, bizantinos, persas da dinastia sassânida e os elementos árabes como estão na arquitetura. Inspirou-se frequentemente em desenhos e figuras de códices e tapeçarias regionais do Oriente.
Abraça o desenvolvimento (que não tem) desta escultura ao longo dos séculos e (com os seus antecedentes carolíngios do século) introduzindo-se em boa parte do e gradualmente dá origem ao gótico, sem se separar dele por uma linha divisória perfeita. Como ponte entre um e outro, nos últimos anos do século e na primeira metade do estilo que se pode chamar de transicional, que tenta imitar um pouco a realidade da Natureza e dá às suas obras maior vida e movimento sem que o artista se desvie completamente das convenções e maneirismos anteriores. E tal é a variedade resultante desta transição, aumentada pela habilidade ou inexperiência dos escultores, pelas influências de diferentes escolas, que não é raro combinar na mesma localidade e da mesma data relevos ou estátuas muito dignas de apreciação e elogio com outras de gosto reprovável e sem qualquer valor artístico.
Especificando ainda o carácter da escultura românica que se constitui na imitação de modelos bizantinos ou romanos de estilo decadente mas feita com mão latina e frequentemente sob a influência do gosto persa ou árabe. Caracteriza-se também por uma certa rigidez das formas, falta de expressão adequada (por vezes exagerada) nas figuras, esquecimento do cânone escultórico na forma humana, simetria forçada.
Dinâmica de imitação de modelos, série de leis ou regras gerais que se encontram frequentemente nas obras românicas. Entre elas destaca-se a Lei de adaptação ao enquadramento enunciada por Henri Focillon e que subordina o desenvolvimento escultórico ao espaço arquitetónico destinado para o efeito. O resultado serão cenas em que os personagens se adaptam a esse espaço, às vezes contraindo ou esticando, sem levar em conta outras considerações mais naturalistas. Outra regra geral é a isocefalia que encontramos em alguns grupos de figuras todas colocadas com as cabeças na mesma altura.
Na escultura românica e mesmo na escultura gótica, sejam obras em pedra, marfim ou madeira, a policromia era muito comum, sempre sóbria na vivacidade das cores, ainda que a pintura tenha desaparecido com a ação do tempo em quase todos os exemplares ou tenha sido substituída por decorações mais modernas.
As principais obras da escultura românica são hoje admiradas nos relevos de capitéis muito variados e nos magníficos portais e elegantes cornijas de muitos edifícios da época, em cujas fachadas estão representadas cenas bíblicas e figuras alegóricas (entre elas, os chamados bestiários e as personificações dos signos do zodíaco, etc.) juntamente com imagens de Santos em grande relevo. Além disso, a escultura românica era praticada na talha de curiosos dípticos de marfim, crucifixos funerários (de marfim e bronze) e estátuas da Virgem Maria (em pedra e madeira, só elas já banhadas em bronze) que se conservam nos seus santuários ou em Museus e, por fim, a referida escultura era engenhosa na decoração de urnas ou caixões para guardar relíquias e jóias, de ricas capas para livros litúrgicos, de fontais ou antipêndios para altares "Altar (religião)"), fontes e túmulos de pedra com relevos, etc. Desde a invasão dos bárbaros, o cultivo de glípticos em pedras finas foi quase completamente esquecido no Ocidente, mas as gemas anteriormente esculpidas pelos gregos e romanos foram utilizadas, aplicando-as sem estudo em objetos preciosos e decorativos, especialmente anéis. Havia, no entanto, algumas talhas com inscrições ou alguma figura tosca, como a esmeralda do Tesouro de Guarrazar, e grande utilização de finas pedras em forma de cabochão para objetos de serralharia.
Aplicativo e tema
Contenido
La aplicación escultórica en la arquitectura se ejecutó en la parte delantera de las fachadas, especialmente en las portaladas de los templos, donde el creyente recibía el mayor impacto visual. Se utilizó el relieve como la mejor técnica para la narración de escenas impresionantes, donde el volumen ayudaba a crear una mayor sensación de realismo que las simples superficies pintadas. Con este fin, el tímpano "Tímpano (arquitectura)"), el semicírculo sobre la entrada, tuvo un papel muy importante, y fue donde se representaron escenas como la Visión del Apocalipsis o del Juicio Final. También se esculpieron escenas en las arquivoltas de los arcos "Arco (arquitectura)") que enmarcaban la puerta y la profundizaban, y en los canecillos o puntas de las vigas bajo el alero "Alero (arquitectura)"). Estas escenas, dentro del espíritu del concepto de Dios vengativo") presente en el Antiguo Testamento, también se llenaron no sólo de figuras bíblicas como los evangelistas, apóstoles y ángeles, sino con series de criaturas monstruosas, que ante su visión no se olvidaban: demonios y criaturas compuestas de cuerpos desproporcionados y horribles que daban temor a la tortura del Infierno").[11].
Según Henri Focillon, a finales del siglo en Europa hubo un regreso a una profunda religiosidad, causada parcialmente por el miedo a la profecía anunciada por san Juan en su libro del Apocalipsis, con un supuesto fin del mundo. Así, Focillon destacó la repercusión que tuvo esta circunstancia en la creación de una iconografía apocalíptica, donde las escenas escultóricas se adaptaban al espacio de la arquitectura, proponiendo su «ley de Adaptación al marco» de un esquema geométrico sencillo y dentro de unos espacios preconcebidos para ello.
Las «madres de Dios con el niño» fueron muy representadas por toda Cataluña y por el sur de Francia aunque, en cuanto al valor iconográfico, la imagen más importante del románico fue el Cristo Majestad "Majestad (crucifijo)"). Entre los numerosos ejemplos destacan el Cristo que hay en Santa Faz de Lucca, el de la catedral de Milán, el Cristo de Mig Aran y la Majestad de Batlló.[12] La imagen más frecuente era la de Cristo completamente frontal que se mostraba sentado en un trono (Maiestas Domini) para juzgar a los hombres, dentro de una aureola almendrada (mandorla) que significa la Gloria "Gloria (religión)"); los pies solían reposar sobre una semiesfera que representa la Tierra, su mano derecha levantada para bendecir, manifiesta su poder (Dextera Domini) mientras su mano izquierda sostiene el Libro de la Vida que da testimonio de su naturaleza. Normalmente se disponía rodeado por el Tetramorfo, es decir los símbolos de los Cuatro Evangelistas y en algunos casos de los veinticuatro ancianos del Apocalipsis. Se representaba también la psicostasis o pesaje de las almas para escoger a los elegidos que gozarán de Dios eternamente o los condenados al infierno.[Su. 2].
En lo que se refiere al modo de representación, el objetivo no era mostrar la realidad visible, pero sí lo invisible e intocable, aprovechando gran parte de la mímica de las figuras como un medio de comunicación. El principal objetivo no era el tratamiento volumétrico, sino el valor simbólico de las figuras y el contenido de su mensaje. La proporción entre las figuras fue otro factor secundario, se hacían las dimensiones dependiendo más de su importancia jerárquica o del espacio disponible para la realización del relieve, más que guardando la relación que las figuras poseían entre sí. Los cuerpos eran delgados, los gestos expresivos, y los diferentes elementos del relieve se adaptaban al espacio arquitectónico, e incluso casi se agolpaban para encajar en pequeños espacios.[13].
También en el interior de la iglesia se exponían algunos relieves de escultura en los arcos ciegos (arcos en relieve, adosados a la pared), sobre todo en los capiteles de las columnas, donde la libertad imaginativa y la profusión de figuras fantásticas llevará al máximo el tema burlesco. Los capiteles empezaron por representar una decoración de inspiración clásica con temas de vegetación o dibujos geométricos con multitud de animales fantásticos, para pasar después al figurativo, con escenas de la Antigüedad, de la Biblia y sobre temas profanos, que podían estar parados al largo de un ciclo en el deambulatorio y en el claustro. Uno de los puntos culminantes de la escultura románica interior de los templos, era la imagen de Cristo crucificado en majestad realizado en madera con una intensa policromía y colocado sobre el altar.[14].
La escultura pequeña existía también, pero en número reducido, realizada en marfil o madera, y podía estar recubierta de oro o de plata (crucifijos y pequeñas imágenes). La obra en bronce fue de especial importancia en las piezas litúrgicas, las puertas de las iglesias, pilas bautismales y lápidas de tumbas. Para la parte superior de las tumbas, una nueva tipología se fue extendiendo desde el norte de Francia a mediados del siglo : la aplicación de la figura del difunto sobre el ataúd en posición yacente. Una de las primeras tumbas con la efigie del difunto con carácter románico fue la del abad Isarn") (1048) de la abadía de San Víctor de Marsella.[HUA 1].
Técnica
A aprendizagem técnica das artes na época românica fazia-se através da prática e principalmente da comunicação oral entre mestres e aprendizes. No entanto, existem alguns manuscritos de tratados, como um preservado na Biblioteca Capitular de Lucca, de autor anônimo e conhecido com o título de Compositiones ad tingenda musiva et alia, certamente com base neste texto foi escrito o chamado Mappae Clavicula com mais expansões. Concedido a um certo Heráclio, é o tratado para conseguir cores para uma pintura sobre tela. Para a confecção de miniaturas"), o manuscrito era 'De coloribus et artibus Romanorum.[Su. 4] O monge Teófilo (c.1100) escreveu um tratado sobre as artes chamado Scheduladiversarum artium no qual indica e dá conselhos para a fabricação de todos os tipos de objetos em metalurgia.[15].
Fachadas
Lintéis
Como ponto de partida desta escultura monumental, toma-se geralmente uma das primeiras decorações das fachadas francesas, um lintel da abadia de Saint-Genís-des-Fontaines, datado de 1020 segundo a inscrição medieval em latim visível numa das faces.[16][n. 1] O entalhe é feito com bisel, basicamente em dois planos, inicia-se a técnica das dobras revisadas: cada dobra dos vestidos é ligeiramente levantada na seguinte. É emoldurado por uma borda de palmetas. Na parte central, no meio, há uma bênção Maiestas Domini dentro de uma mandorla que é carregada por anjos ajoelhados. Em ambos os lados há séries de três apóstolos emoldurados por arcos em ferradura.[17].
É semelhante ao lintel do mosteiro de Sant Andreu de Sureda, que apresenta ao centro o Cristo ressuscitado (com um nimbo contendo uma cruz), rodeado por uma mandorla com as letras Alfa e Ômega. Em ambos os lados de Cristo estão serafins segurando a mandorla e anjos com três pares de asas. Há também dois personagens (quatro no total) cuja identidade é desconhecida (talvez sejam os evangelistas ou apóstolos). O lintel é de mármore branco e os caracteres são circundados por uma orla com motivos orientais.[18].
Antes de realizar o grande tímpano do portal oeste da catedral de Autun (c.1130), Gislebertus esculpiu o lintel do portal lateral representando Eva deitada e com o tronco voltado para o observador, o que constitui uma das esculturas românicas mais sugestivas, uma vez que a atitude é completamente inusitada para a época, provocando a transformação da cena do pecado original num jogo sensual.
• - Imagens de vergas românicas.
• - Verga do portal do lado esquerdo de Pieve di San Giovanni (Campiglia Marittima)&action=edit&redlink=1 "Pieve di San Giovanni (Campiglia Marittima) (ainda não redigido)"), atribuído ao Mestre Mateo (responsável pela construção de todo o edifício), representando uma cena de caça ao javali (talvez Meleagro "Meleagro (mitologia)") caçando o javali calidônio "Calidon (mitologia)") que simboliza a vitória de Cristo e de seus fiéis sobre o diabo (antes de 1075).
• - Verga da abadia de Saint-Genís-des-Fontaines (1120).
• - Verga do Mosteiro de Sant Andreu de Sureda.
• - Verga de Eva de Gislebertus, na catedral de Autun (ca. 1130).
Tímpanos
Os primórdios do desenvolvimento dos grandes portais foram lentos e modestos, tendo que superar o bom entendimento entre as duas guildas participantes, os entalhadores e os mestres-de-obras. O principal centro nas últimas duas décadas do século localizava-se principalmente em Toulouse.[HUA 1] A oficina mais importante de Toulouse por volta de 1090, foi dirigida por Bernard Gilduin e entre suas obras estão alguns relevos de mármore no deambulatório da basílica de São Sernin, entre eles um Maiestas Domini.[n. 2] Sua evolução dentro da talha pode ser observada na porta conhecida como Porte de Miégeville (1100-1118), da mesma igreja, onde a Ascensão de Cristo está representada no tímpano com representações nas duas faces da lateral do portal em tamanho natural de São Pedro e Tiago Maior. Durante esta fase, os trabalhadores de Toulouse deverão ter-se deslocado para a catedral de Santiago de Compostela, pois há indícios de trabalhos semelhantes nos pórticos dos transeptos deste templo. Existem também esculturas com estilo semelhante aos pórticos da basílica de San Isidoro em León e da catedral de Jaca, e esta série de obras pode ser chamada de “escultura de peregrinação”.
Outra igreja de peregrinação do Languedoc com um tímpano colossal foi Santa Fé de Conques, com a representação do Juízo Final (c. 1135). As figuras têm a mesma forma estilizada das do tímpano do Apocalipse da abadia de Moissac, construída entre 1100 e 1125. Esta abadia foi uma das muitas que deram continuidade às orientações artísticas do mosteiro de Saint Pierre de Cluny na Borgonha, o seu tímpano é caracterizado por uma escultura muito expressiva, com Cristo dominando toda a representação em posição frontal, que embora a disposição geral respeite a simetria, os personagens Eles têm posições assimétricas. Os detalhes nos vestidos e decorações são tratados com muita maestria que produz efeitos naturalistas. Embora não existam vestígios do tímpano ocidental de Cluny, os pórticos de Autun feitos por Gislebertus e da abadia de Vézelay por um mestre anónimo, são exemplos evidentes das grandes obras românicas realizadas em França.[20].
• - tímpanos românicos em França.
• - Tímpano oeste da Abadia de Charlieu").
• - Tímpano da porta de Miègeville) da Basílica de Saint Sernin em Toulouse.
• - Tímpano da abadia de Saint-Pierre de Moissac.
• - O tímpano de Sainte-Foy de Conques.
• - Tímpano de Saint-Pierre de Carennac").
• - O tímpano da catedral de Autun.
• - Tímpano da Abadia de Beaulieu-sur-Dordogne").
O românico de Castela e Leão foi rico em capas artísticas, historiadas ou com ornamentação geométrica e vegetal, a começar pelas consideradas mais antigas: a Portada del Cordero e a Portada del Perdón, ambas na colegiada de San Isidoro de León. O tímpano do Cordeiro é o primeiro conhecido do reino de Leão, contendo diversas cenas escultóricas,[21] é datado por volta do ano 1100. O Sacrifício de Isaque é representado com o cordeiro místico segurado por dois anjos e em ambos os lados de outros dois anjos carregando os símbolos da Paixão de Jesus. À direita você vê Sara na porta e dois servos que Abraão levou, um andando a cavalo e o outro tirando os sapatos porque entrará em um lugar sagrado. Abraão, também descalço, ouve a voz que vem do céu, simbolizada na Dextera Domini. No lado esquerdo estão outras duas figuras do Gênesis: Ismael com arco e sua mãe Hagar: «E Deus estava com o menino; e ele cresceu, e viveu no deserto, e era atirador de arco e flecha" (Gênesis 21:20).[22] Essas representações dos personagens de Ismael com Hagar só ocorrem na Península Ibérica do século I.[23].
O outro tímpano do Perdão desta basílica mostra três relevos com as cenas da Ascensão onde Cristo é ajudado por dois apóstolos em sua ascensão ao céu, no centro dos quais a Descida é tratada com grande realismo e à direita está a Ressurreição com o túmulo vazio de Cristo, guardado por um anjo e com as três Marias. Estes temas da autoria do Maestro Esteban foram amplamente difundidos pelos escultores do Caminho de Santiago que, ao regressarem, os levaram para França.[24].
Em Santo Domingo de Soria existe um dos tímpanos mais originais, quatro arquivoltas de aduelas esculpidas coroam o frontão "Frontón (arquitetura)") em que se vê na sua parte central o pantocrator, com a sua mandorla oval e os quatro evangelistas (tetramorfos), além de José e Maria completando a cena. A singularidade deste pantocrator é que é um dos únicos cinco exemplares no mundo (todos na Península Ibérica) da iconografia românica denominada trinitat paternitas, ou seja, Deus Pai é representado com Cristo sentado sobre ele.[n. 3].
Os arcos descarregam sobre capitéis artísticos sustentados por colunas anexas que, por sua vez, repousam sobre um banco contínuo. Os capitéis retratam cenas do Antigo Testamento, desde a gênese da Terra e das estrelas que povoam o universo, até a criação de Adão a partir de uma figura de barro e a de Eva a partir de uma costela de barro. Na arquivolta interior estão representados os vinte e quatro anciãos do Apocalipse (dois por aduela), todos portando diversos instrumentos musicais em atitudes de serenidade beatífica. A segunda arquivolta retrata o massacre dos santos inocentes, cujo autor, Herodes, é avisado ao seu ouvido por um demônio alado. A terceira arquivolta apresenta uma sucessão de eventos evangélicos, como a Assunção, a Visitação, a Anunciação, o Nascimento de Jesus e a Adoração dos Magos, etc. Por fim, a última arquivolta contém episódios da Paixão e da Ressurreição. A fachada de Nossa Senhora de Poitiers possivelmente serviu de modelo para a de São Domingos e é possível que mestres poitiers tenham estado envolvidos na sua construção. A verdade é que este frontispício, cuja fachada se encontra magnificamente conservada devido ao facto de ter sido instalada recentemente uma cobertura, representa uma das maiores conquistas do românico espanhol.[Su. 5].
A escultura românica tardia encontra-se no alpendre e no tímpano da Glória da Sé Catedral de Santiago de Compostela onde o tratamento da figura humana é muito menos rígido e com um estilo de transição do românico para o gótico. Todo o pórtico está repleto de imagens de horror vacui (são duzentas esculturas). O trabalho foi realizado pelo Maestro Mateo e é presidido pelos Maiestas Domini acompanhados pelo tetramorfo e rodeados pelos anciãos do Apocalipse. No montante está a imagem do apóstolo Santiago e servindo de fuste das colunas estão os demais profetas e apóstolos. O autor assinou a obra: “No ano de 1188 da Encarnação do Senhor, Mestre Mateo dirigiu a obra desde o início”.
• - Tímpanos românicos em Espanha.
• - Porta do Cordero em San Isidoro de León.
• - Porta do Perdão em San Isidoro de León.
• - Tímpano de Santa María la Real, Sangüesa.
• - Tímpano de Santo Domingo de Soria.
Na Itália, desenvolveram-se diversas escolas nas quais a influência da Roma Antiga foi muito marcante. Uma obra do final do século foi a cadeira de mármore[n. 4] da igreja de San Nicolás de Bari (Bari&action=edit&redlink=1 "Bari (Apulia) (ainda não escrito)")), inspirado em modelos de obras romanas. Esta cadeira faz parte de uma série que pode ser encontrada em toda a Campânia, onde vários artistas se dedicaram à decoração dos pórticos ou elementos interiores das igrejas. Estas cadeiras ou assentos eram geralmente apoiados em figuras de atlantes "Atlante (coluna)"), humanos, elefantes ou leões e é normal encontrar estes mesmos suportes por baixo das colunas dos pórticos, estes pórticos evoluíram até adquirirem maiores dimensões até se tornarem grandes átrios "Atrium (arquitetura)") como na Catedral de Modena.[HUA 2].
Destacaram-se dois grandes escultores românicos italianos, Wiligelmo de Modena e Niccolò, o primeiro da chamada escola da Emília), foi um escultor muito expressivo e com grande influência da Antiguidade. Ele trabalhou na Catedral de Modena. encontrado em Ferrara e Verona.[HUA 2].
De todas as escolas italianas, a mais influente foi a da Lombardia, que se caracterizou pela exuberante decoração dos alpendres, cobrindo fachadas inteiras como a de San Miguel de Pavia), misturando ornamentos vegetais, animais, monstros e temas religiosos. Na Toscana, o mestre Gulielmo trabalhou em Pisa com um estilo relacionado à escola da Provença. Nas suas fachadas, os pórticos são ladeados por estátuas situadas em nichos de estilo romano e os lintéis transformam-se em frisos contínuos ao longo de toda a fachada. Esta escola fazia arquivoltas muito ornamentadas e esculpidas em formato radial.[HUA 3].
• - Cátedra Episcopal (ca.1098) em Sant Nicolau de Bari.
• - Presidente de San Sabino.
• - Leões estilóforos "Estiloforo (arquitetura)") de Wiligelmo de Modena na entrada da Catedral de Modena.
• - Detalhe do tímpano em Ferrara de Nicló.
Este método foi rapidamente adotado na Inglaterra, onde as aduelas radiais se tornaram a forma preferida de decorar arcos, sistema que continuou ao longo do século. As fontes da escultura românica inglesa vieram da Lombardia e do oeste da França, mas com tradições locais com estilos zoomórficos vikings; Em geral, sua escultura não era monumental, mas sim feita com pequenos detalhes.[HUA 4].
Fachadas de triunfo
Os chamados portais esculpidos são aqueles que aparecem como um arco triunfal com composições lineares cobrindo toda a entrada. Pouco depois de 1100, estimulados pela redescoberta da Antiguidade, da escultura românica do norte de Itália, Toulouse e noroeste de Espanha, os escultores conseguiram conquistar a fachada para transformá-la numa grande exposição de escultura monumental em diferentes formas. Um exemplo particularmente marcante, apesar dos numerosos restauros "Restauração (arte)") que teve desde a Idade Média, é a fachada da catedral de Angoulême, que reproduz uma visão escatológica distribuída por toda a fachada.[BDG 2].
A fachada da Abadia de Saint-Gilles pode ser considerada um verdadeiro “livro de pedra”, dirigido aos fiéis, muitas vezes analfabetos na época da sua construção. Feita pelos monges da abadia entre 1120 e 1160, a fachada continua a ser uma reconhecida obra-prima da arte românica na Provença. A decoração da fachada é composta por três portais, sendo o central maior que os laterais. O portal esquerdo apresenta uma Adoração dos Magos no tímpano e a Entrada em Jerusalém na verga; O portal central apresenta um Cristo em Majestade representado no tímpano e no friso inferior, que se estende pelas paredes laterais, entre as portas, encontram-se diversas cenas relacionadas com a Paixão; O portal direito apresenta uma Crucificação no tímpano, e abaixo, diversas cenas relativas a episódios posteriores à Ressurreição de Cristo (Noli me tangere, Mulheres santas no túmulo, Aparição aos apóstolos...). Entre as três portas encontram-se uma série de colunas recuperadas da época romana, e entre elas, várias figuras de grande porte: São Miguel, Os Doze Apóstolos e a Luta de Anjos e Demônios. Na parte inferior, próximo ao chão, estão personagens do Antigo Testamento, além de cenas não religiosas. Os elementos de decoração arquitetônica são inspirados na arte antiga: capitéis coríntios, base canelada, ovais e centauros.[26].
A observação da Antiguidade junta-se à visionária iconografia românica no portal ocidental da igreja de São Trófimo "Igreja de São Trófimo (Arles)") em Arles, que, voltada para a fachada da igreja, combina o tema da visão apocalíptica com o do Juízo Final, e a sua estrutura arquitetónica dá grande relevo às arquitraves e ao friso, bem como à colunata que serve de moldura às grandes estátuas. O portal de San Tróphimo em Arles atinge o seu desenvolvimento românico por volta de 1190 e acima dele é possível ver o percurso seguido pelos escultores em busca de uma representação monumental da fachada triunfal. Com a magnífica fachada da Abadia de Saint-Gilles, é uma das melhores coleções de arte românica esculpida da Provença. O alpendre apresenta diversos elementos decorativos: pilastras caneladas, capitéis com folhas de acanto, frisos gregos, faixas de folhas de palmeira, baixos-relevos decorados com volutas. A ordem do portal é inspirada na arte antiga e evoca um verdadeiro arco triunfal romano que se abre para a abadia. A influência da arte antiga, especialmente a dos primeiros sarcófagos cristãos, encontra-se no estilo das figuras e nos motivos florais da decoração. Os motivos decorativos determinam temas relacionados com o Antigo Testamento, bem como as feras e criaturas malignas que estão associadas aos dois padroeiros da catedral: Santo Estêvão e São Trófimo. A estrutura geral é semelhante à de Saint-Gilles, mas aqui foi reduzida a uma única porta.[27].
Capitais
Los capiteles son una de las muestras más importantes de la escultura románica y conducen a un mundo rico en simbología.[30] La piedra esculpida era, en muchas ocasiones, un eficaz vehículo de comunicación entre la iglesia y los fieles y con su impacto visual ayudaba a convertir los templos en «el reino de Dios en la tierra»[30] Así, los artesanos escultores tenían la misión de instruir con sencillez y emocionar con su arte.[30] Los capiteles, con profusión de temas y donde el artista tenía más libertad creativa, cumplían plenamente estas funciones.[30]
La escultura románica estaba integrada en la arquitectura formando un todo, siendo las portadas "Portada (arquitectura)") y los capiteles dos claros ejemplos.[30] El escultor, por tanto, debía albergar su obra en espacios reducidos aprovechando la piedra al máximo.[30] Esta «exigencia» provocaba que la escultura no se preocupara por representar imágenes fidedignas de la realidad y a menudo aparecen figuras desproporcionadas, aplastadas, contorsionadas u ocupando varias caras de los capiteles.[30].
La falta de espacio era una de las razones de ese «antinaturalismo» que caracteriza a la escultura —y también a la pintura— del románico.[30] Pero no la única: el objetivo principal del artista no era el tratamiento proporcionado y fidedigno de las figuras, sino su valor simbólico y el contenido del mensaje que querían transmitir al espectador.[30] Esta forma de entender el arte propio del románico deriva de un concepto clásico, el neoplatonismo,[30] una creencia que defendía que el mundo natural tan sólo era una apariencia que escondía la realidad verdadera y trascendente de Dios. Difundido por San Agustín, el neoplatonismo tuvo una influencia decisiva en la configuración del arte medieval.[30].
La creación del hombre, el pecado original, la natividad o el juicio final son algunos de los temas representados en lo que se conoce como capiteles historiados.[30] Pero sin duda, lo que más llama la atención es el rico, y a veces fantasmagórico, repertorio del bestiario medieval.[30] Procedente del mundo clásico, romano de Oriente y persa, el cristianismo lo hizo suyo atribuyendo virtudes o pecados a los diferentes animales reales o fantásticos que formaban parte.[30].
Así, entre los animales que representaban al bien se encontraban las aves, a menudo comparadas con el alma que se eleva hacia el cielo, el león o el grifo.[30] Al otro lado de la balanza, el mono —caricatura grotesca del hombre—, la serpiente —símbolo universal del pecado—, la liebre y el conejo —por su fertilidad— el jabalí y el chivo. Dragones, arpías, basiliscos, sirenas y centauros completaban el repertorio de bestias enemigas del hombre y de Dios.[30].
século 10
Na segunda metade do século, a decoração arquitetónica dos edifícios religiosos era geralmente muito simples. Algumas placas relevadas decoradas "Relevo (escultura)"), impostas com molduras e alguns capitéis reaproveitados de épocas anteriores. Em grandes edifícios, grandes pilares retangulares "Pilar (arquitetura)") eram colocados como elementos de separação entre a nave e os corredores laterais, por isso era muito difícil encontrar grandes capitéis, uma vez que só eram colocados em colunas menores de "Coluna (arquitetura)" para igrejas ou criptas menores. As primeiras experiências de talha de capitéis representaram um dos aspectos essenciais na transição para a escultura românica monumental durante a primeira metade do século.
No norte da Itália, os primeiros capitéis com pouca ornamentação encontram-se em criptas e deambulatórios como na Abadia de Sant'Antimo em Montalcino (Siena) e na Basílica de Santo Stefano em Verona. Durante a segunda metade do século (cerca de 1038 na catedral de Caorle) um conjunto de capitéis caracteriza-se pela imitação fiel e direta dos antigos modelos coríntios observados nas basílicas do Adriático, entre Veneza (Sant Nicolò no Lido) e Trieste (catedral de San Giusto). Esta tendência continua no ambulatório de Tournus e Issoudun, antes do final do século, bem como na Catedral de Clermont-Ferrand em Auvergne.[BDG 4].
século 11
Folhas de acanto foram esculpidas e representadas junto com volutas curvadas para trás nos cantos e nas faces dos capitéis. Quase ao mesmo tempo, no sul de França e na Catalunha, procuravam-se meios técnicos para resolver o problema de adaptação dos motivos utilizados nos relevos (entrelaçamento, palmetas e rosetas) às superfícies da capital. A partir do final do primeiro terço do século, nas abadias de San Filiberto de Tournus e San Pedro de Roda, surgiram nas imagens coríntias uma série de capitéis que mostravam o relevo superficial pré-românico dando lugar ao biselado e com sulco profundo. Um segundo grupo de capitéis com proporções mais próximas das formas cúbicas apresenta desenhos semelhantes a cestos com folhagens: San Pedro de Roda, Santa Fe de Conques e Aurillac. As ligações com trabalhos anteriores sobre relevos românicos aparecem mais claramente nos capitéis esculpidos da igreja de Sant Martí del Canigó em Conflent, datados do início do século.[BDG 5].
• - Capital com vegetação na abadia de San Filiberto de Tournus.
• - Folhas de acanto em Santa Fé de Conques.
• - Adão e Eva na Basílica de Nossa Senhora de Port Clermont-Ferrand.
• - Capital de Sant Martí del Canigó.
A transição da decoração vegetal para a figurativa foi investigada por Henri Focillon, que destacou o papel da figura que contribuiu para formar o estilo da arte românica, e comparou-os com os capitéis da arte otoniana na igreja de Vignory adornados com motivos geométricos, vegetais e animais, que mostram a técnica e uma preocupação da obra semelhante, aos observados no sul da França. Desde o início do século, a Borgonha teve monumentos de grande importância: Abadia de Cluny, Romainmôtier, Abadia de San Filiberto de Tournus, San Benigno de Dijon, esta igreja teve um papel muito importante durante as duas primeiras décadas do século, devido às obras encomendadas pelo abade de origem italiana Guglielmo da Volpiano), hoje ainda preserva a cripta com alguns capitéis com decoração de monstros, máscaras e figuras: o seu carácter inovador torna-os um dos o mais marcante neste estilo. Em Paris, os capitéis de Saint Germain des Prés (no Musée de Cluny), contrastam com estas séries anteriores pela monumentalidade de Cristo em majestade nelas representada.[BDG 6] A bacia do rio Loire era uma área geográfica com grande atividade artística. com folhas de acanto e palmeta e com inscrição do escultor: "Ubertus me fecit". Em outras séries, figuras humanas aparecem com representação de histórias da Bíblia, a Anunciação, a Visitação de Maria e a Fuga para o Egito.[BDG 7] A relação entre os capitéis do átrio de São Benoît e os da Abadia de Méobecq em comparação com os de Santo Hilário o Grande em Poitiers"), São Martinho de Tours e Maillezais levantam interessantes problemas metodológicos da cronologia da escultura românica na França.[BDG 7].
• - Homem de oração na capital de São Benigno de Dijon.
século 12
À medida que o tempo avança, os temas escultóricos representam temas reais e fantásticos, assim os temas cristãos se misturam com toda uma série de bestiários, monstros de leões com cabeça de águia ou pássaros com corpo de mulher, sereias aladas e centauros em representações monstruosas com o propósito de sua interpretação como bem e mal, sem esquecer os temas obscenos. Os capitéis de muitos claustros são modelos destas séries históricas, como se pode ver no mosteiro de Santo Domingo de Silos em Burgos, no mosteiro de Sant Cugat na Catalunha e no claustro de Elna em Roussillon. Toda essa imaginação transbordante chegou ao fim com o texto escrito por São Bernardo de Claraval no século contra as capitais historiadas.[Su. 7].
• - A dúvida de São Tomé no mosteiro de Santo Domingo de Silos.
• - Capital com os Três Magos na Catedral de Elna.
• - Lavando os pés de Cristo aos apóstolos no mosteiro de Sant Cugat.
• - Músicos e menestréis no mosteiro de Sant Cugat.
imagens de culto
En el período románico la madera fue uno de los materiales más empleados para la elaboración de las imágenes para el interior de los templos. Las esculturas representando a Cristo Majestad y la Virgen María con el Niño llamada Sedes sapientiae, eran las representaciones más numerosas que se hacían para venerar en cada iglesia. Casi todas se han datado a partir del siglo o principios del .[Su. 3]
Los artesanos especializados en trabajo de madera en el período románico y, a juzgar por el tratado del monje Teófilo: «no debían confundirse con los que trabajaban otros materiales». Étienne Boileau, en el siglo en su Livre des métiers, ilustra la creciente especialización que separaba a los carpinteros de los tallistas asociados a los santcristos. Los cristos de madera se realizaban a partir de dos o tres piezas, dos troncos se ensambaban para formar la cruz, una única pieza era utilizada para el cuerpo y otras dos para los brazos. De acuerdo con el Livre des métiers, el encaje era una de las principales cualidades de los artesanos de la madera. En cuanto la obra estaba tallada, se preparaba para recibir la policromía, lo que demuestra claramente las relaciones que existían entre los creadores de imágenes y los pintores, salvo que ambos trabajos fueran realizados por las mismas personas. Se sabe que en muchas de las abadías románicas había talleres de talla de madera junto a los de pintura. La mayoría de estas imágenes estaban destinadas a ser policromadas, pero también a muchas de ellas se las cubrió con una capa metálica, si los recursos económicos lo permitían. Muchas de estas imágenes estaban realizadas para su uso como un relicario. Así, el busto relicario de san Baudime en Saint-Nectaire (Puy-de-Dôme) está realizado sobre una base de madera cubierta con hojas doradas de cobre repujado, con la cabeza y las manos de fundición de cobre (finales del siglo ). El busto de san Cesario de Arlés conservado en la iglesia de Maurs (Cantal), recibió una capa de plata y cobre dorado en el cuerpo solamente, mientras que la cabeza y las manos fueron pintadas directamente sobre la madera.[BDG 9].
Cristo em Majestade
A imagem do Cristo crucificado, na Idade Média, era representada em vários tipos de iconografia: com o tronco nu e com o perizônio ou saia curta amarrada na cintura e morreu na cruz com os olhos fechados e o rosto com drama e certa tensão e o Cristo em Majestade que aparece na cruz com a longa túnica até os pés, justa na cintura e triunfante, com a particularidade de ter os olhos abertos e sem nenhum sinal de dor. Esta representação foi a mais abundante no Ocidente ao longo do século, seguindo o protótipo do Cristo romano oriental.
Representa a imortalidade, sem sofrimento humano, mas triunfa como Deus, nem aparece com a coroa de espinhos. Se algum deles for coroado, é com a coroa real. A anatomia segue a verticalidade da madeira que forma a cruz, as mãos estão abertas com os dedos esticados e os membros pregados cada um individualmente (quatro pregos).
Entre as imagens em madeira de Cristos em Majestade destacam-se a do Volto Santo de Lucca), a da Catedral de Braunschweig de 1173 (assinada pelo seu autor Imervard, no cinto da túnica), a da catedral de Milão, a preservada no Museu de Arte Sacra de San Gimignano. Na região de Mosa e Renânia, o Cristo de Notre Dame de Tongres e o de São Jorge de Colônia mostram uma tradição Ottoniana.[BDG 10].
Ocorreram em grande número nos vales dos Pirenéus, onde se destaca o Cristo de Mig Aran, preservado na igreja de Viella no Vale de Aran, e a Majestade Batlló, imagem de madeira policromada do século XIX, que representa Cristo crucificado, na atitude de Cristo Majestade ou triunfante, sem vestígios de sofrimento. É uma das amostras mais interessantes do imaginário medieval deste tipo iconográfico na Catalunha. Parece que a sua introdução na Catalunha se deveu aos pisanos, quando estes chegaram por volta do ano 1114 para ajudar o conde Ramón Berenguer III de Barcelona na sua luta pela conquista das Ilhas Baleares.[31].
Mãe de Deus com o Menino
Durante o Românico, a imagem mais característica da Mãe de Deus "Maria (mãe de Jesus)") é representada sentada num trono, vestida com túnica, manto e geralmente com uma coroa&action=edit&redlink=1 "Coroa (ornamento) (ainda não escrita)"), o Menino está de joelhos, olhando ambas as imagens de frente, em versões posteriores é vista com o Menino já sentado sobre o joelho esquerdo e com uma atitude menos hierática. Parece que não há comunicação entre os dois personagens, é até difícil encontrar alguma escultura em que eles apenas se toquem, as mãos da mãe estão em posição aberta como que para proteger o Filho mas sem realmente esfregá-lo. Esta representação de Maria como o Trono da Sabedoria coincide com o dogma da Encarnação. A partir de 1200, a rigidez começou a desaparecer em favor da expressão de sentimentos ternos entre mãe e filho. Estas estátuas eram objetos de grande veneração e adoração, e a piedade dos fiéis atribuía-lhes milagres. Quase sempre também eram usados como relicários e eram colocados no altar, mas também em procissões.[BDG 11].
Os escultores de Roussillon produziram uma grande série de imagens sentadas durante a segunda metade do século, entre as quais a Mãe de Deus de Cornellà de Conflent. Na igreja de Saint-Nectaire existe uma Vierge à l'Enfant, em madeira policromada. Esta virgem "Sedes Sapientiae" é conhecida pelo nome Notre-Dame du Mont Cornadore, ela encarna o trono da Sabedoria eterna. O grande número de mães de Deus catalãs em torno das oficinas Seo de Urgel e Gerona aparecem como extensões destas imagens. Destacam-se obras como a imagem da Virgem de Montserrat do mosteiro de Montserrat do século XIX, feita em madeira de choupo e faia, com 95 centímetros de altura e dourada policromada, e a imagem em pedra, a imagem da Mare de Déu do Claustro da Catedral de Solsona, do mestre Gilabert de Tolosa"), com grande virtuosismo e precisão de detalhes. A imagem mede 105 cm de altura. Outros tipos de Imagens podem ser encontradas no norte da Espanha, Borgonha, Itália, Suíça e Alemanha, especialmente as Virgens Otonianas de Colônia, Hildesheim, Paderborn e Frankfurt, e outras nos países escandinavos. Muitas dessas obras estão relacionadas à escultura monumental em pedra.[BDG 12].
Descendências
Os grupos de “descendentes” foram obrigados a ocupar as absides das igrejas, numa distribuição horizontal. Dependendo da região, Cristo apareceu em diferentes momentos da descida da cruz, em alguns ainda estava pregado, em outros tinha apenas a mão direita ou a cabeça e o corpo separado da cruz. Na Itália, dois grupos são preservados na sua totalidade, o da catedral de San Lorenzo in Volterra e o da catedral de Tivoli").[BDG 13].
Estas esculturas pertencem a um momento de grande florescimento imagético ocorrido na Catalunha durante o século e constituem um dos mais singulares e excelentes grupos escultóricos românicos. Mais de metade destas obras foram realizadas nas zonas dos Pirenéus distribuídas pelos condados comtats de Pallars, Ribagorça e Urgell e muitas delas devem-se ao patrocínio e supervisão do baronato de Erill nos tempos de São Ramón, bispo de Roda (1104-1126).[32].
A igreja de Santa Eulália "Igreja de Santa Eulália (Erill la Vall)") de Erill la Vall no vale do Boí, possuía originalmente um conjunto de talha românica policromada que representava o tema da Descida. Foram descobertas e divulgadas em 1907. As sete figuras representam Cristo, José de Arimateia, Nicodemos, os dois ladrões Dimas e Gestas e Maria com João Baptista. São feitos de madeira de choupo; Suas vestimentas correspondem ao que é tradicional para esses personagens. No interior do templo existe uma reprodução do conjunto escultórico enquanto as imagens originais se encontram no Museu Episcopal de Vic e no Museu Nacional de Arte da Catalunha. Quatro imagens são preservadas do descendente de Santa Maria de Taüll, Cristo, Maria, Nicodemos e um dos ladrões. Em Durro eles também preservam o Nicodemos de outro descendente.[33].
Embora o nome dos escultores não seja conhecido, através de algum documento foi possível conhecer o processo de algumas obras, como a Descida do mosteiro de San Juan de las Abadesses, para a qual uma pessoa chamada Dulcet adquiriu a madeira de nogueira e abeto e encomendou ao Cônego Ripoll Tarascó "a imagem do Salvador crucificado com os ladrões além de outras quatro figuras", certamente embora não tenha sido seu autor, o cônego foi quem criou a iconografia do grupo escultural.[Su. 8].
• - Catedral de Volterra.
• - Tivoli Cathedral&action=edit&redlink=1 "Tivoli (cidade) (ainda não redigida)").
• - Reprodução da Descida de Erill la Vall.
• - Mosteiro de San Juan de las Abadesses.
artes suntuárias
Las artes suntuarias en piezas de talla de marfil, bronce o de oro (pilas bautismales, recipientes para el ritual de lavado de manos, arcas e imágenes para las reliquias, objetos litúrgicos), estuvieron con frecuencia decoradas con motivos figurativos u ornamentales escultóricos y fueron encargos de reyes y obispos que representaban no sólo el gusto artístico de la época, sino por encima de todo el poder de los comitentes.[Su. 9].
En los países germánicos no se observa el mismo tipo de evolución de España o Francia en relación con la escultura. En esa región tuvo un mayor impacto la producción de piezas metálicas, especialmente con el taller de bronce de Hildesheim del siglo , de tradición otónica. El obispo Bernward, que controlaba su producción acuñó el nombre de un estilo de piezas relacionadas con las ceremonias litúrgicas. Para la iglesia de San Miguel de Hildesheim se realizaron, entre otros objetos, las puertas de bronce y la pila bautismal. Los talleres más famosos en las regiones del Mosa y del Rin fueron los de Renier de Huy, Godofred de Huy y Nicolás de Verdún.[Su. 10].
Otra de las pilas bautismales en bronce más célebres es la que se encuentra en San Bartolomé de Lieja encargada por el abad Hellinus (1107-1118) y realizada por Renier de Huy, trabajada en alto relieve con gestos y movimientos naturalistas y pliegues suaves en sus vestimentas, con un estilo muy cercano al clásico. Este proceso encaminado al naturalismo propio de la región del Mosa fue extendiéndose por las zonas del norte de Francia e Inglaterra. Otro artista de la misma región Nicolás de Verdún, realizó en Klosterneuburg, a orillas de Viena, un púlpito en 1181 con veintiuna escenas del Antiguo y Nuevo Testamento en esmalte (en el siglo se convirtió en un retablo de altar) y un arca relicario que se conserva en la catedral de Tournai.[HUA 5].
• - Pila bautismal de bronce circa 1230, iglesia de San Miguel de Hildesheim.
• - Pila bautismal para Renier de Huy en San Bartolomé de Lieja.
• - Arca relicario de Nicolas de Verdun, que se conserva en la catedral de Tournai.
• - Candelabro en bronce para la catedral de Gloucester (ca. 1104/1113) (Victoria and Albert Museum).
portas de bronze
As portas de bronze fizeram parte de uma das principais obras de arte românica da Idade Média. Foram obras cobiçadas por todos os grandes centros religiosos; são encontrados de Veneza à Sicília e nos países do norte da Europa. As portas romanas orientais de Veneza, Salerno e da Basílica de São Paulo Fora dos Muros em Roma são feitas com incrustações de prata. A obra de Barisano de Trani assinada nas catedrais de Trani") (portal central, c.1185), e Monreale (portal norte, c. 1190) e na atribuída a Ravello (1179), que se caracteriza pela presença de relevos obtidos por acabamento a frio e aplicados sobre a base de madeira, mostram as influências árabes e romanas do Oriente. No norte da Itália, as portas de San Zeno de Verona são constituídas por tetos de madeira e foram feitas por diferentes mestres em um claro estilo românico; apresentam uma iconografia focada principalmente no Antigo e no Novo Testamento, mas também incluem temas apocalípticos e a história de São Zenão.[BDG 14]
Entre o patrocínio do Bispo Bernward, estavam as portas de bronze da igreja de São Miguel em Hildesheim decoradas com dezesseis cenas do Antigo e do Novo Testamento com 4,5 metros de altura, foi uma das melhores obras fundidas da época, feita em 1015 e colocada pelo Bispo Godehard, após a morte de Bernward em 1022.[HUA 6].
A porta da Catedral de Trani caracteriza-se pela leveza do desenho, confirmada pela pequena dimensão das figuras e pela importância das molduras dos trinta e dois painéis; vinte são feitos com figuras de santos individuais, como se fossem ícones de "Ícones (religião)" romanos orientais; Dragões e leões aparecem combinados com a iconografia religiosa da Virgem e dos Apóstolos.
• - Portas românicas em bronze esculpido.
• - Catedral de Tróia, Apúlia (1119), porta com poucos trabalhos escultóricos.
• - A porta norte da Catedral de Monreale (c.1190), da autoria de Barisano de Trani, é composta por vinte e oito painéis representando quarenta e duas figuras, apresentando maior intenção escultórica do que nas portas anteriores.
• - Porta da catedral de San Pantaleón em Ravello (1179), encomendada por Sergio Muscettola; No painel central da terceira fila da folha esquerda da porta encontra-se uma inscrição com a data incluída. Aqui você pode ver figuras de arqueiros e malabaristas que também são encontrados em Trani. As molduras divisórias dos painéis são ricamente decoradas. Há cenas do Antigo e do Novo Testamento.
• - Catedral de Trani.
Ourivesaria escultural
O campo artístico da ourivesaria românica desempenhou um papel muito notável, não só no nascimento e desenvolvimento da escultura monumental, mas também na formação de artistas. A reputação dos ourives ultrapassou fronteiras e as suas obras foram muitas vezes utilizadas como modelos. Foi dito de Godefroid de Huy que: "...ele não tinha igual no campo da ourivesaria, que em várias regiões havia feito muitos relicários e objetos para reis."[BDG 15].
A gofragem era uma das técnicas mais utilizadas pelos ourives, pois era a técnica que melhor se utilizava sobre base de madeira para relicários e pequenos retábulos. A obra busto-relicário teve, sem dúvida, grande impacto no florescimento da escultura românica. No Llibre dels Miracles de Saint Foy, escrito por volta de 1014 por Bernardo, professor da escola episcopal de Angers, há um magnífico testemunho:.
Marfim
A arte específica de talhar marfim teve um grande desenvolvimento na época românica, especialmente nas zonas de influência carolíngia, e mostrou sobretudo o poder de quem encomendava as obras, principalmente em grandes mosteiros ou encomendadas por figuras poderosas.
No tratado De diversis artibus")[34] (c.1100) há uma descrição dos utensílios de oficina: "As limas também são feitas de aço puro: existem as grandes, as médias, as de quatro faces, as de três faces e as redondas", bem como o processo de entalhe do osso: "Para esculpir o osso, primeiro torne áspero um pedaço deste material do tamanho desejado e cubra-o com gesso; em seguida, desenhe as figuras com mini tal e conforme desejar obtê-las posteriormente, para que fiquem bem visíveis, depois, com cinzéis diferentes, reduza o fundo até a profundidade estimada..."[Su 11]
Quando um bispo ou abade de um mosteiro viajava normalmente levava consigo um altar portátil e dos objetos de um altar, um dos mais importantes era o Crucifixo que geralmente era feito de metal ou marfim. Alguns exemplares de alta qualidade são preservados, como o encontrado na abadia de Bury Saint Edmunds, na Inglaterra, e hoje guardado no Metropolitan Museum de Nova York.[HUA 7].
Na Península Ibérica existe desde o século uma grande oficina de talha e ourivesaria em marfim no mosteiro de San Isidoro de León, de que grande exemplo é o Crucifixo de D. Fernando e D. Sancha datado por volta do ano 1063.[Su. 12] Acredita-se que tenha sido a primeira da Idade Média hispânica com a representação da imagem de Cristo, pois era costume que as cruzes, fossem elas de materiais nobres, como ouro ou marfim ou simplesmente madeira, fossem feitas sem imagens. A imagem de Cristo está esculpida em marfim e é de volume pleno e está representada viva, com a cabeça ligeiramente inclinada para a direita com rosto oval, onde se destacam os grandes olhos abertos com as pupilas incrustadas de pedra azeviche.[n. 5] Ele tem barba e bigode com cabelos ondulados e pés perfurados por uma unha individual cada. Na parte posterior do corpo, como era comum, possui um orifício para servir de relicário.[35].
• - Equipe pastoral do Bispo em marfim de morsa (1120-1130) Inglaterra.
• - Placa relevada em marfim (séculos XII-XIII) de Veneza.
• - Tabernáculo (c.1180) em bronze, esmalte e marfim da região do Baixo Reno (Alemanha).
As oficinas artísticas
No norte da Itália houve uma expansão durante o chamado românico lombardo realizada pelos magistri comacini. Estes escultores moviam-se em grupos com muita facilidade e existem obras documentadas nos Alpes, Lácio, Alemanha, Dinamarca e Suécia. No início do século trabalhavam em todo o território catalão, principalmente sob o patrocínio do Abade Oliba. A maioria de suas esculturas são decoradas com figuras zoomórficas, animais, grifos e vegetais. As figuras humanas são estranhas e de aparência irreal. Fernando Galtier Martí, da Universidade de Saragoça, realizou um estudo (2008), onde explica o desenvolvimento da obra dos mestres Comacini, comparando a grande semelhança entre as torres sineiras das igrejas deste período no Lácio e as construídas na Catalunha. suas obras em Languedoc, Catalunha, Navarra e Itália.[37].
Uma das escolas escultóricas mais exuberantes localizava-se na região oeste da França, nas regiões de Poitou, Saintonge e Angoumois e também em algumas outras províncias vizinhas. A decoração com esculturas foi realizada em capitéis de colunas nos pórticos e frisos, e nas arquivoltas esculpidas nas aduelas radiais com elementos repetitivos como a igreja de Notre Dame la Grande em Poitiers. Este método foi seguido por professores da Espanha e da Inglaterra.[HUA 3].
Em geral, os artistas românicos permaneceram anónimos, mas alguns deles deixaram a sua assinatura ou são encontrados documentos (em casos mais isolados) com o seu nome, como em alguns versos de Módena, que dizem o nome do escultor Wiligelmo de Módena (c.1099), autor dos relevos da catedral:
Outras vezes o mesmo artista é representado em obra, como fez Arnau Cadell num capitel do claustro do mosteiro de Sant Cugat: "Hec Est Arnalli sculptoris forma catelli qui claustrum tale construxit perpetuale" (Esta é a imagem do escultor Arnau Cadell que mandou construir este claustro para a posteridade). Na porta da igreja de Santa María la Real, na localidade de Zangoza, uma estátua-coluna que representa a Mãe de Deus com um livro aberto nas mãos mostra esta inscrição: "Leodegarius me fecit" (Leodegarius me fez). Da mesma forma, em outra capital da colegiada de Saint-Pierre em Chauvigny (Vienne "Vienne (departamento)") aparece: «Godfridus me fecit», ou no portal da igreja de Revilla de Santullán em Palencia juntamente com a representação do escultor em trabalho lê-se: «Micaelis me fecit». Ramón de Bianya assinou dois túmulos do claustro de Elna em Roussillon com: «R. de Bia, me fecit", a obra deste escultor está estilisticamente relacionada com a do escultor italiano Benedetto Antelami, autor da Descida da Cruz da catedral de Parma onde fez a inscrição: "Em 1178, o escultor executou esta obra no segundo mês, este escultor Benedetto Antelami." [BDG 14] Há indícios de outro escultor românico que trabalhou na catedral de Santiago de Santiago. Compostela, em San Isidoro de León, e na catedral de Pamplona:.
Os professores geralmente recebiam uma remuneração em dinheiro, acrescentando a manutenção: “ao refeitório, como qualquer monge” e bens em espécie. Sabe-se que Mestre Esteban recebeu do Bispo de Pamplona uma casa, com terreno e uma vinha, a quem também foi entregue: “sessenta medidas de trigo, vinho e cevada para que os agricultores que trabalham essas terras durante a sua vida possam entregá-las em sua casa todos os anos”. [Su. 13].
Clientes
A glória da criação de obras durante o período românico não era apenas para o artifex practicus mas para o artifex theoricus (patrono), normalmente o abade de um mosteiro, bispo, reis ou senhores da nobreza eram as pessoas que encomendavam e pagavam pela criação de obras de arte desde grandes construções até oferendas de peças litúrgicas, são nomeados em inscrições, documentos e crónicas, por exemplo o abade Odilón que foi comparado ao imperador Augusto por “converter da madeira em mármore” o claustro da grande abadia de Cluny no séc.; Como disse Henri Focillon: "...os monges Cluniacs foram os propagadores deste movimento no Languedoc, na Borgonha, na Ilha de França e em Espanha."[40]
O Abade Oliba de Ripoll e Bispo de Vic, Dom Gelmírez, teve grande fama como construtor. “Foi um exemplo de promoção eclesiástica na zona ocidental da Galiza com a construção de cerca de sessenta igrejas e a quase conclusão das obras da catedral de Compostela.
A condessa Ermesenda de Carcassonne foi uma cliente que contribuiu para a construção da catedral de Gerona e de vários mosteiros. O rei Fernando I de Leão e a sua esposa Sancha I de Leão foram um exemplo de mecenas no início do século. Entre suas obras destaca-se o edifício com a escultura da Basílica de San Isidoro de León. Além da glória terrena que isso lhes trouxe, a intenção dos clientes era garantir o paraíso.[Su. 14] O visconde catalão Bermon foi ao Abade Oliba para reconstruir o patrimônio de San Vicente de Cardona") e para aumentar a comunidade de cânones, porque como o visconde confessa em seu testamento: "...é muito difícil ser isento de culpa quem foi sublimado pela riqueza ou pelo poder secular...". O bispo Bernward de Hildesheim também escreveu em seu testamento sobre a criação de templos românicos:[41].
Europa românica: escolas regionais
Hasta los últimos años del siglo no parece que hubiera escuelas propiamente dichas de escultura románica, las cuales sólo alcanzaron importancia y desarrollo en el decurso del siglo . Pero antes de dichos siglos se habían formado ya en Occidente notables centros de artes decorativas y suntuarias, sobre todo, de orfebrería con carácter propio o derivado del arte bizantino que muy bien pueden admitirse, al menos, como precursores de las escuelas de escultura románica. Consideradas en su conjunto, se distinguen las siguientes.
Escola irlandesa e anglo-saxônica
Esta escola existe desde o século e caracteriza-se pelos entrelaçamentos e ornamentos caligráficos que a partir da escrita dos códices passaram a servir como motivos ornamentais na escultura. Chegada a época românica, cultivou relevos com figuras alongadas semelhantes às da escultura francesa.
França
As escolas francesas foram formadas ao longo do século. Entre as mais notáveis, podem ser distinguidas pelo menos sete escolas:
• - A da Ilha de França, de escultura rudimentar até à segunda metade desse século e que se distingue nos capitéis pela utilização de cabeças com grandes bigodes mas bastante finas e elegantes com pequenas dobras nos painéis no início da era da arte gótica. Destacam-se as estátuas da Catedral de Chartres, de transição gótica.
• - A da Normandia, com suas figuras de pouco relevo e sua ornamentação de linhas em zigue-zague e dragões entrelaçados.
• - A de Poitou e Saintonge, com a sua esplêndida ornamentação de folhagens serpentinas e alegorias e personificações, sobretudo, nas fachadas das igrejas, em cujos portais aparecem séries de santos e anciãos do Apocalipse no tímpano ou nas arquivoltas. Vale destacar a rica fachada de Nossa Senhora da Grande de Poitiers e de Nossa Senhora de Saintes.
• - A de Auvergne, com os seus relevos muito proeminentes, a sua expressão viva através da incorrecção do desenho e das suas alegorias nos capitéis.
• - A de Toulouse e Languedoc, com suas figuras alongadas e de grande movimento, seus personagens em pé com as pernas cruzadas e com seus panos com dobras horizontais no peito e outras onduladas ou recortadas, mas muito movimentadas na extremidade inferior da roupa. Destacam-se nesta escola os relevos históricos do claustro da abadia de Moissac e os relevos da fachada da sua igreja com os seus semelhantes de Santo Estêvão e Santo Saturnino de Toulouse.
• - A da Provença, com as suas reminiscências clássicas na ornamentação e as suas imitações das escolas de Toulouse e do Norte apesar de ter sido considerada (sem fundamento) como a mais influente da época. Destacam-se as estátuas da fachada de São Giles e São Trófimo "Igreja de São Trófimo (Arles)") em Arles.
• - A da Borgonha, finalmente com a sua extraordinária expressão nas atitudes dramáticas das personagens e com os seus panos de dobras muito finas, terminando em redemoinhos que parecem inspirados nos desenhos de caligrafia tão comuns nos códices da época. Os relevos que adornam os portais da catedral de Autun e da abadia de Vézelay são famosos nesta escola.
Em todas as escolas acima mencionadas foram esculpidas efígies da Virgem, geralmente representando-a sentada no seu trono e com o Menino de joelhos. Muitos deles, especialmente em Auvergne, eram revestidos com uma placa de cobre ou prata, sendo a imagem feita de madeira.
Península Itálica
A escola italiana desenvolveu-se do final do século até meados do século. Foi chamado de ítalo-bizantino porque as produções de Constantinopla e as da escola carolíngia serviram de modelo. Antes dessa época, e especialmente desde o início do século, a escultura própria da Itália desapareceu, recebendo-a dos bizantinos. Os seus principais monumentos são as portas de bronze com relevos em diversas catedrais, bem como alguns relevos em cadeiras e púlpitos de mármore, embora este material fosse pouco utilizado para esculturas fora da Itália na época românica. Destacam-se também alguns marfins e preciosos frontais de altar. Especialmente rico é o frontal prateado da Cittá di Castello, bastante emancipado do bizantinismo, e também o díptico ou retábulo de marfim da catedral de Salerno, além de outros anteriores de inspiração bizantina.
Europa Central
A escultura alemã do século (em comparação com a francesa) prestou mais atenção ao mobiliário do interior da igreja. Para a arte românica em metal, identificam-se três focos regionais: a escultura em bronze e a ourivesaria da região do Meuse (Liège), que também teve força estilística na arte da cantaria e apontou para o período gótico; A Renânia (Colônia), no século II, forneceu os mais magníficos relicários em forma de pequenos edifícios decorados com figuras; Baixa Saxônia (Hildesheim, Magdeburg, Braunschweig) cuja conquista especial foi mais uma vez a fundição de bronze, sendo notáveis a coluna, a fonte e os portões de Hildesheim. Destacam-se também os relevos metálicos nas portas da igreja de Santa María del Capitol (Colônia) "Igreja de Santa Maria do Capitólio (Colônia)") e os da Catedral de Augsburgo, ambos do século XIX.
Em pedra, destacam-se a igreja de Santa Cecília (Colônia)&action=edit&redlink=1 "Igreja de Santa Cecília (Colônia) (ainda não escrita)") e a igreja de San Pantaleón (Colônia) "Igreja de San Pantaleón (Colônia)").
• - Esculturas românicas na Alemanha.
• - Portas de bronze da Catedral de Augsburg (995-1006), hoje no Museu Diocesano de Santa Afra em Augsburg.
• - Batismo de Cristo na pia batismal de Reiner von Huy"), Lüttich, 1107-1118.
• - Detalhe do túmulo cúbico e estritamente estilizado do Arcebispo Friedrich von Wettin") († 1152) de uma fundição em Magdeburg.
• - O Leão de Braunschweig"), 1166, a primeira figura vazada em bronze fundido desde a Antiguidade.
A escola alemã desenvolveu-se desde o século XIX, devido ao impulso que Carlos Magno deu às artes e chamou de carolíngia pelo mesmo motivo. Continuou com algum florescimento e sob o império dos otonianos no século em que pode ser considerado constituído por um caráter germânico próprio, dois séculos antes dos franceses. Distingue-se pelas suas obras em bronze (opus teutonicum) e pelo seu bizantinismo, não exagerado, mas preservando uma certa fisionomia clássica. Foram trabalhados antipêndios, com figuras esmaltadas planas ou ligeiramente salientes, mas com cabeças em alto relevo em vários exemplares, estética copiada dos bizantinos e também seguida em Espanha (Silos) e noutras nações durante a época românica. Muito célebres, entre outras peças, são o marfim carolíngio de Frankfurt que representa a celebração da Missa (século), as portas de bronze com relevos da Catedral de Hildesheim, que representam cenas do Gênesis, e o precioso antipêndio ou altar de ouro com imagens que pertenceu à Catedral de Basileia por munificência do Imperador Henrique II, o Santo, que, com as referidas portas, remonta ao início do século. A partir da segunda metade do século e no estilo românico de transição, foram esculpidos belos cofres para relíquias e outros objetos de serralheria, adornados com imagens em relevo, cinzelados, esmaltes e pedras, sendo o centro artístico de tais produções a cidade de Colônia "Colônia (Renânia do Norte-Vestfália)"). Daqui a célebre escola de Colônia ou Rhinian tomou seu nome e caráter e a e a dos restos mortais de Carlos Magno do início do século, feitas de prata e bronze dourado, foram suas obras. Na escultura monumental, do mesmo período, são famosas as da catedral de Bamberg e as de Münster, Magdeburg, etc., com muito movimento com dobras rodopiantes e a atitude dos personagens representados conversando entre si.
Referências
[1] ↑ Se cita que se realizó por orden del abad Guillermo en el año veinticuatro del reinado de Robert, rey. Haciendo referencia a su reinado entre 996 y 1031, por lo que se puede datar en el año 1020.
[2] ↑ Se cree que debió de inspirarse en algún trabajo en marfil como modelo.
[3] ↑ Los cinco sitios donde se encuentra esta iconografía románica son las iglesias de Santo Domingo de Soria, Santo Domingo de la Calzada, San Nicolás de Tudela, el monasterio de Santo Domingo de Silos y en la catedral de Santiago de Compostela.
[4] ↑ Asiento con espaldero, ocupado por el obispo en los templos.
[5] ↑ Los ojos de azabache son una característica del taller de marfil de León.
[6] ↑ Sureda, 1988, pp. 100.
[7] ↑ a b Sureda, 1988, pp. 148-149.
[8] ↑ a b Sureda, 1988, p. 132.
[9] ↑ Sureda, 1988, p. 109.
[10] ↑ Sureda, 1988, p. 190.
[11] ↑ Sureda, 1988, p. 174.
[12] ↑ Sureda, 1988, p. 166.
[13] ↑ Sureda, 1988, p. 133.
[14] ↑ Sureda, 1988, p. 136.
[15] ↑ Sureda, 1988, p. 210.
[16] ↑ Sureda, 1988, pp. 126-127.
[17] ↑ Sureda, 1988, p. 205.
[18] ↑ Sureda, 1988, p. 30.
[19] ↑ a b Sureda, 1988, p. 32.
[20] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 37.
[21] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 49.
[22] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 50.
[23] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 30.
[24] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 31.
[25] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 32-33.
[26] ↑ a b Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 34.
[27] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 36.
[28] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 86.
[29] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 91.
[30] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 87.
[31] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 88.
[32] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 90.
[33] ↑ a b Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 84.
[34] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 97.
[35] ↑ Barral, Duby, Guillot, 1996, p. 96.
[36] ↑ a b Sarpe, 1984, p. 647.
[37] ↑ a b Sarpe, 1984, p. 649.
[38] ↑ a b Sarpe, 1984, p. 650.
[39] ↑ Sarpe, 1984, p. 651.
[40] ↑ Sarpe, 1984, p. 655.
[41] ↑ Sarpe, 1984, p. 632.
[42] ↑ Sarpe, 1984, p. 653.
[43] ↑ De Vecci/Cerchiari, 1999.
[44] ↑ Sureda, Joan, 1988: pàg.20.
[45] ↑ Sureda, Joan, 1988: pàg.28.
[46] ↑ Georges Duby, Jean-Luc Daval, La Sculpture…, p. 276.
[47] ↑ Marcel Durliat, « La sculpture du XI×10{{{1}}} siècle en occident », en Bulletin Monumental, 1994-2, p. 129-213 (leer en línea).
[48] ↑ Georges Duby, Jean-Luc Daval, La Sculpture…, p. 266.
[74] ↑ Boix i Pociello, Jordi (1996). Castell d'Erill (o d'Erillcastell), a Catalunya romànica. XVI. La Ribagorça. Barcelona: Enciclopèdia Catalana. ISBN 84-412-2511-7.
[76] ↑ Theophilus (presbítero) (1847). Theophili, qui et Rugerus, presbyteri et monachi, libri III. de diversis artibus: seu, Diversarum artium schedula (en inglés). J. Murray. Consultado el 10 de diciembre de 2010. . Traducción al inglés de 1847 de la obra en latín de Teófilo Presbítero de 1125 donde se describen diversas técnicas artísticas.: http://books.google.cat/books?id=wo4EAAAAYAAJ
[84] ↑ Aunque hay quienes creen que el término es una popularización del latín cum machinis, es decir 'equipado con instrumentos mecánicos'). El término «maestri comacini» se refiere a menudo a equipos de constructores que realizaban grandes obras de construcción con ayuda de máquinas. Sin embargo, está documentada una constante migración de trabajadores procedentes de Como a lo largo de la Edad Media, desplazándose a muchas regiones de Europa para crear obras de importante importancia técnica.
[85] ↑ Emilia-Romagna, Touring Editore, pag. 40.
• - Pórtico com as três portas da igreja da Abadia de Saint-Gilles.
• - Cobertura central de Saint-Gilles.
• - Capa esquerda de Saint-Gilles.
• - Fachada da igreja de São Trófimo "Igreja de São Trófimo (Arles)") em Arles.
• - Capa de San Trófimo.
• - Tímpano do portal ocidental de San Trófimo.
As colunas-estátuas do portal de Santa María la Real em Saragoça constituem uma das obras mais interessantes e complexas da arte medieval aragonesa. Além das representações religiosas, existem múltiplos relevos de grande simbolismo. Eles foram considerados inspirados na escultura de Chartres, seja diretamente ou através da corrente da escola da Borgonha, devido às suas proporções alongadas e à verticalidade das dobras estreitas das vestimentas.[BDG 3]
O pórtico de Santa María de Ripoll é uma fachada em forma de arco triunfal romano e possui uma grande profusão decorativa com cenas do Antigo Testamento, trabalhadas por escultores anônimos, seguindo as histórias de uma Bíblia que se conserva no mesmo mosteiro. A fachada foi anexada à anterior do mosteiro de Santa María de Ripoll, em meados do século, para decorar a entrada principal da igreja, sendo um dos exemplos mais monumentais, em termos de decoração escultórica, na área românica catalã ligada à escola toulouse do Languedoc.[Su. 6].
Estabeleceu-se um ponto de relação entre a arte feita em Ripoll e a de Toulouse, pelo estudo dos relevos e das estátuas nas colunas, bem como das dobras das roupas, chegando a propor uma certa aproximação com a arte do mestre Gilabert") ou da sua oficina, parece também aproximar-se do estilo das esculturas do portal norte de Grossmünster em Zurique, talvez pela semelhança de ambas com origem italiana.[28] Demonstra-se que os construtores conheciam bem o arcos triunfais, devido à composição do frontão com coroamento final de friso contínuo e ao conjunto decorativo em dois níveis sobrepostos e enquadrados por um escalonamento de sete faixas horizontais ou registos e algumas colunas localizadas nas linhas laterais.[29].
• - Capital da fuga para o Egito da abadia de Saint-Benoît-sur-Loire.
• - Capital animal no museu Maillezais.
• - Capital Cluny.
A origem da escultura românica na segunda metade do século é evidente tanto no norte como no lado sul dos Pirenéus. O edifício mais antigo é a igreja de San Salvador de Leyre, em Navarra, consagrada em 1057, com os seus dois grupos de capitéis localizados na cripta e a decoração de flores e palmetas, que estava destinada a se tornar um dos temas preferidos da escultura românica no sudeste da França e no noroeste da Espanha; A ornamentação foi imposta progressivamente no último quartel do século em Santa María de Ujué, antes de 1089. A história da escultura românica depende diretamente da correta datação das obras de Toulouse, Moissac, Jaca, León e Compostela. A Catedral de Santiago de Compostela e a Basílica de São Sernin em Toulouse são dois edifícios de importância comparável. Seus planos são semelhantes e a construção de ambos começou quase ao mesmo tempo, pouco depois de 1070. Ambos contêm um programa escultórico semelhante. Cerca de 260 capitéis românicos estão preservados em San Sernín, localizados no início dos arcos semicirculares do interior do edifício. Apresentando grande continuidade estilística e uma progressão da abside para a nave "Nave (arquitetura)"), distinguem-se os seguintes grupos de capitéis densamente decorados na parte inferior do coro e do transepto no interior da abside e finalmente os do corredor da nave central são quase exclusivamente com decoração de folhas. A cronologia destas obras é avaliada com o período de reforma ocorrida em Sant Serni entre 1075 e 1083. Os capitéis mais antigos de Santiago de Compostela são constituídos por decorações de animais e motivos vegetalistas e com semelhança estão os capitéis do Panteão dos Reis de San Isidoro de León, onde também existem aqueles com temas bíblicos. Hoje, Toulouse, Leão e Compostela são considerados locais de trabalho contemporâneos desde 1070.[BDG 8].
• - Rei David com músicos, Catedral de Jaca.
• - A visita à abadia de Sant Pere de Moissac.
• - Capitel figurativo da basílica de San Sernín de Toulouse.
• - Várias capitais da série “O mundo terrestre” em Santiago de Compostela.
urna dos Três Reis Magos
• - Escultura em Espanha.
• - Escultura gótica.
• - Outros.
O conteúdo deste artigo incorpora material de Arqueologia e artes plásticas, de 1922, de Francisco Naval y Ayerbe, que é de domínio público.
• - Heilbronner, Tim: Ikonographie und zeitgenössische Funktion hölzerner Sitzmadonnen im romanischen Katalonien, Hamburgo 2013, ISBN 978-3-8300-6809-9.
• - Esta obra contém uma tradução completa derivada de «Escultura Romana» da Wikipédia em catalão, especificamente desta versão, publicada por seus editores sob a Licença de Documentação Livre GNU e a Licença Internacional Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0.
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• - Arte da Época Românica - Guia pedagógico da Universidade de Saragoça.
• - Pórtico com as três portas da igreja da Abadia de Saint-Gilles.
• - Cobertura central de Saint-Gilles.
• - Capa esquerda de Saint-Gilles.
• - Fachada da igreja de São Trófimo "Igreja de São Trófimo (Arles)") em Arles.
• - Capa de San Trófimo.
• - Tímpano do portal ocidental de San Trófimo.
As colunas-estátuas do portal de Santa María la Real em Saragoça constituem uma das obras mais interessantes e complexas da arte medieval aragonesa. Além das representações religiosas, existem múltiplos relevos de grande simbolismo. Eles foram considerados inspirados na escultura de Chartres, seja diretamente ou através da corrente da escola da Borgonha, devido às suas proporções alongadas e à verticalidade das dobras estreitas das vestimentas.[BDG 3]
O pórtico de Santa María de Ripoll é uma fachada em forma de arco triunfal romano e possui uma grande profusão decorativa com cenas do Antigo Testamento, trabalhadas por escultores anônimos, seguindo as histórias de uma Bíblia que se conserva no mesmo mosteiro. A fachada foi anexada à anterior do mosteiro de Santa María de Ripoll, em meados do século, para decorar a entrada principal da igreja, sendo um dos exemplos mais monumentais, em termos de decoração escultórica, na área românica catalã ligada à escola toulouse do Languedoc.[Su. 6].
Estabeleceu-se um ponto de relação entre a arte feita em Ripoll e a de Toulouse, pelo estudo dos relevos e das estátuas nas colunas, bem como das dobras das roupas, chegando a propor uma certa aproximação com a arte do mestre Gilabert") ou da sua oficina, parece também aproximar-se do estilo das esculturas do portal norte de Grossmünster em Zurique, talvez pela semelhança de ambas com origem italiana.[28] Demonstra-se que os construtores conheciam bem o arcos triunfais, devido à composição do frontão com coroamento final de friso contínuo e ao conjunto decorativo em dois níveis sobrepostos e enquadrados por um escalonamento de sete faixas horizontais ou registos e algumas colunas localizadas nas linhas laterais.[29].
• - Capital da fuga para o Egito da abadia de Saint-Benoît-sur-Loire.
• - Capital animal no museu Maillezais.
• - Capital Cluny.
A origem da escultura românica na segunda metade do século é evidente tanto no norte como no lado sul dos Pirenéus. O edifício mais antigo é a igreja de San Salvador de Leyre, em Navarra, consagrada em 1057, com os seus dois grupos de capitéis localizados na cripta e a decoração de flores e palmetas, que estava destinada a se tornar um dos temas preferidos da escultura românica no sudeste da França e no noroeste da Espanha; A ornamentação foi imposta progressivamente no último quartel do século em Santa María de Ujué, antes de 1089. A história da escultura românica depende diretamente da correta datação das obras de Toulouse, Moissac, Jaca, León e Compostela. A Catedral de Santiago de Compostela e a Basílica de São Sernin em Toulouse são dois edifícios de importância comparável. Seus planos são semelhantes e a construção de ambos começou quase ao mesmo tempo, pouco depois de 1070. Ambos contêm um programa escultórico semelhante. Cerca de 260 capitéis românicos estão preservados em San Sernín, localizados no início dos arcos semicirculares do interior do edifício. Apresentando grande continuidade estilística e uma progressão da abside para a nave "Nave (arquitetura)"), distinguem-se os seguintes grupos de capitéis densamente decorados na parte inferior do coro e do transepto no interior da abside e finalmente os do corredor da nave central são quase exclusivamente com decoração de folhas. A cronologia destas obras é avaliada com o período de reforma ocorrida em Sant Serni entre 1075 e 1083. Os capitéis mais antigos de Santiago de Compostela são constituídos por decorações de animais e motivos vegetalistas e com semelhança estão os capitéis do Panteão dos Reis de San Isidoro de León, onde também existem aqueles com temas bíblicos. Hoje, Toulouse, Leão e Compostela são considerados locais de trabalho contemporâneos desde 1070.[BDG 8].
• - Rei David com músicos, Catedral de Jaca.
• - A visita à abadia de Sant Pere de Moissac.
• - Capitel figurativo da basílica de San Sernín de Toulouse.
• - Várias capitais da série “O mundo terrestre” em Santiago de Compostela.
urna dos Três Reis Magos
• - Escultura em Espanha.
• - Escultura gótica.
• - Outros.
O conteúdo deste artigo incorpora material de Arqueologia e artes plásticas, de 1922, de Francisco Naval y Ayerbe, que é de domínio público.
• - Heilbronner, Tim: Ikonographie und zeitgenössische Funktion hölzerner Sitzmadonnen im romanischen Katalonien, Hamburgo 2013, ISBN 978-3-8300-6809-9.
• - Esta obra contém uma tradução completa derivada de «Escultura Romana» da Wikipédia em catalão, especificamente desta versão, publicada por seus editores sob a Licença de Documentação Livre GNU e a Licença Internacional Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0.
• - O Wikimedia Commons hospeda uma categoria multimídia sobre Escultura Românica.
• - Arte da Época Românica - Guia pedagógico da Universidade de Saragoça.