Um dos avanços mais importantes da história da escultura foi a capacidade de trabalhar o metal – primeiro o bronze e depois o ferro – que serviu para fabricar ferramentas mais eficientes e, além disso, obter um novo material para fazer obras escultóricas. O processo de construir a obra primeiro em barro e depois fundi-la em bronze já era conhecido nas antigas civilizações gregas e pelos romanos, e é o sistema que atualmente, no século I, ainda é utilizado.[5]​ Do século AC. C., no último período da Idade do Ferro, os Celtas desenvolveram a cultura La Tène, espalhando-se por toda a Europa; Representou uma evolução da arte da cultura de Hallstatt. Na decoração de todos os seus objetos, espadas, escudos, broches e diademas, é possível ver motivos de animais, plantas e figuras humanas. Do século AC. C. as primeiras moedas foram cunhadas seguindo modelos helênicos, bem como obras figurativas como o Deus de Bouray, feito em folha de cobre gofrada.[6]​.

Muitas estátuas, geralmente femininas, e bustos de barro cozido são preservados da arte púnica e greco-púnica, juntamente com uma variedade de amuletos de marfim e metal que foram descobertos nas necrópoles de Ibiza e Formentera. Estima-se que as mais antigas sejam obras do século AC. C. e a sua fabricação continuou até muito avançado na dominação romana. No que diz respeito à escultura ibérica, as obras encontradas são em pedra e bronze e provêm de três grandes áreas do sul, centro e leste da Península Ibérica, destacando-se o excelente busto em pedra da Senhora de Elche, de inspiração grega.[7]​.

A estatuária arcaica era principalmente religiosa. Os templos eram decorados com imagens dos deuses, suas façanhas e batalhas, e as figuras eram irrealistas. Os korai e kouroi não são retratos de pessoas específicas, um sorriso fictício foi adicionado aos rostos, gesto facial conhecido no mundo da arte como “sorriso arcaico”. Desse período merece destaque a Cabeça de Dipylon, fragmento de uma colossal estátua de mármore do século AC. C. e o Rampin Horseman (c. 560 aC), obra posterior que apresenta um tratamento mais próximo do naturalismo.[8] A escultura grega atingiu um elevado grau de perfeição, qualidade que foi impulsionada pela procura de uma melhor expressão da beleza da figura humana; Eles vieram estabelecer um cânone com proporções consideradas “perfeitas”. Infelizmente, o Cocheiro de Delfos, o par de Bronze de Riace junto com o do Deus do Cabo Artemísio fazem parte das poucas esculturas de bronze gregas que foram preservadas completas.[9]​ Um dos artistas mais importantes do período clássico foi Praxíteles, autor do magnífico Hermes com Dionísio, o Menino. Durante o período helênico observa-se que na criação das esculturas há uma clara intenção de intensificar o movimento e acentuar as emoções como pode ser visto no grupo escultórico de Laocoön e seus filhos.[10]​.

A escultura etrusca (século I aC - século I aC) derivou da arte grega, mas também produziu obras com características próprias. A estatuária ligada a contextos funerários é a produção etrusca mais abundante e o material escolhido, regra geral, foi a terracota, como o famoso Sarcófago dos Esposos.[12] Mais tarde, a escultura romana foi influenciada pela escultura etrusca e grega, e os artistas romanos fizeram inúmeras cópias de obras gregas. Vale destacar as esculturas comemorativas, como as da Coluna de Trajano (114), onde diversas batalhas são narradas em uma espiral contínua que ocupa toda a superfície da coluna, ou a Estátua Equestre de Marco Aurélio.[13]​ Mas um dos tipos de escultura que mais se desenvolveu foram os retratos, obras realistas de marcado caráter psicológico que foram feitas em todo o Império Romano.[14]​.

As obras escultóricas mais destacadas do Império Bizantino são as obras ornamentais dos capitéis; Existem bons exemplos em San Vitale, em Ravenna. Eram comuns relevos de marfim aplicados em baús, dípticos ou na famosa Cadeira do Bispo Maximiliano, obra esculpida por volta do ano 550.[15] Característica da arte otoniana são as pequenas esculturas em marfim e bronze às quais foram acrescentadas incrustações de pedras preciosas. Também são feitas de bronze as portas da igreja de São Miguel em Hildesheim, obra relacionada à arte bizantina e à arte carolíngia. Vale destacar as imagens de madeira revestidas de ouro que serviam como relicário. Entre estes, destaca-se o Crucifixo Gero (séc.), em madeira policromada, que se encontra na Catedral de Colónia.[16]​.

A escultura românica (século - século) esteve ao serviço da arquitectura e muitos exemplares encontram-se em torno das grandes rotas de peregrinação, como o Caminho de Santiago.[17]​ Os escultores trataram diversas partes das igrejas - tímpano "Tímpano (arquitetura)", portais e capitéis com histórias sobre temas bíblicos - com grande realismo. O Maiestas Domini e o Juízo Final foram os temas iconográficos mais representados.[18]​ O material mais utilizado foi a madeira, que serviu para fazer imagens devocionais como as "Virgens com o Menino", amplamente representadas em toda a Catalunha e no sul da França. Mas, a imagem mais importante do românico foi o Cristo em Majestade, destacado pelo Volto Santo de Lucca, na Catedral de Milão, e também o Cristo de Mig Aran e o Majestade de Batlló no Museu Nacional de Arte da Catalunha.[19]​.

A porta da Catedral de Chartres (1145) é um dos primeiros exemplares da escultura gótica, e nela, entre outros personagens, estão representados animais fabulosos que dão forma às gárgulas "Gárgula (arquitetura)"). Na Alemanha, tanto no exterior como no interior da Catedral de Bamberg (século I) existem algumas esculturas muito significativas, um bom exemplo é a Estátua Equestre do Cavaleiro de Bamberg. Uma inovação são as esculturas de temática dramática, com cenas da Paixão de Cristo e da Pieta. No final do período gótico, foram realizados na Alemanha alguns magníficos retábulos, executados por artistas como Tilman Riemenschneider e Veit Stoss. No reino de Castela trabalharam os escultores Gil de Siloé e Alejo de Vahía.[20] Quanto ao reino de Aragão, Aloi de Montbrai realizou o Retábulo dos Alfaiates na Catedral de Tarragona e Pere Moragues esculpiu o túmulo de Fernández de Luna, peça que se encontra na Catedral de San Salvador em Saragoça. Também vale a pena destacar o relevo de São Jorge do Palácio da Generalitat da Catalunha executado por Pere Joan.[20] Claus Sluter, artista flamengo, fez a capa da cartuxa de Champmol (Dijon) e um pedestal do claustro conhecido como Poço de Moisés. Na Itália, em Pisa e Siena, os escultores Nicola Pisano e seu filho Giovanni Pisano deixaram obras de grande qualidade, onde já anunciam o passo para um novo tipo de escultura.[21]​[20]​.

Os historiadores da arte consideram que a escultura renascentista começou com o concurso para fazer as portas do batistério "Baptistério de São João (Florença)") (1401) na cidade de Florença, ao qual concorreram Filippo Brunelleschi e Lorenzo Ghiberti. A nova forma artística do Renascimento foi inspirada na escultura da antiguidade clássica, buscando uma exaltação total da beleza. A matemática tornou-se o seu principal auxílio, com a aplicação de certos princípios e leis em todas as artes, como a perspectiva. Surgiram grandes patronos, como os Médici de Florença, os papas de Roma, bem como cardeais, príncipes e também as guildas.[23] Nessa época, a escultura estava praticamente desvinculada da arquitetura e os personagens representados apresentavam expressões carregadas de dramatismo, o que pode ser visto em esculturas de Michelangelo como, por exemplo, David. Durante as diferentes etapas do quattrocento e do cinquecento na Itália, as melhores obras do Renascimento foram criadas graças à atividade de grandes escultores como Donatello, Jacopo della Quercia, Luca della Robbia, Andrea del Verrocchio e Michelangelo, o grande artista representativo. No resto da Europa, o novo estilo foi incorporado um pouco mais tarde e sob influência direta da Itália e dos seus escultores. Muitos deles viajaram para outros países: Andrea Sansovino o fez para Portugal e Pietro Torrigiano para Inglaterra, este artista foi posteriormente para Espanha, onde Domenico Fancelli e Jacopo Florentino também trabalharam em conjunto com os escultores de origem francesa, Felipe Bigarny e Juan de Juni. Vale destacar as obras de Bartolomé Ordóñez em Barcelona, ​​​​no coro traseiro da catedral da cidade, e de Alonso Berruguete em Castela. Na Holanda, Conrad Meit era retratista e Jacques du Broeuq produziu inúmeras obras e foi professor de Giambologna que desenvolveria seu trabalho na Itália. Na França, foram feitas esculturas com grande influência italiana, por isso Pierre Puget foi considerado o "Bernini francês". Um dos temas mais comuns eram os monumentos sepulcrais, onde a figura do deitado era tratada com grande realismo; por exemplo, o Memorial de René Chalon de Ligier Richier.[26]​.

Giambologna é quem apresenta em suas esculturas, como O Rapto das Mulheres Sabinas, o estilo do Maneirismo. No final do cinquecento, os escultores tratavam as figuras alongando suas proporções e exibindo poses artificiais e opostas - mulher e homem, velhice e juventude, beleza e feiura -, e com a sinuosidade das formas em (serpentinata), uma espécie de movimento rotacional das figuras e grupos escultóricos.[27]​ O Concílio de Trento (1545-1563) marcou uma nova orientação nas imagens religiosas; Gian Lorenzo Bernini —autor de David, Apolo e Dafne "Apolo e Dafne (escultura de Bernini)") e Êxtase de Santa Teresa— foi o escultor que mais influenciou a escultura barroca, onde se buscavam efeitos emocionais e dramáticos. Na França, destacam-se o trabalho de Simon Guillain e Jacques Sarazin fazendo retratos da nobreza, o túmulo do Cardeal Richelieu, feito por François Girardon, e as esculturas no jardim do Palácio de Versalhes de Pierre Puget.[29]​ Neste período, surpreende a produção de escultura religiosa na Espanha, com esculturas para interiores de igrejas, fachadas, devoções privadas e para procissões da Semana Santa; Surgiram duas grandes escolas: a castelhana e a andaluza. Entre os escultores destacam-se Gregorio Fernández, Juan Martínez Montañés, Francisco Salzillo, Pedro de Mena e Alonso Cano.[30]​.

Em meados do século, as orientações de Winckelmann "nutrir o bom gosto nas fontes diretas e tomar como exemplo as obras dos gregos", fizeram com que muitos artistas se dedicassem a copiar em vez de imitar; chegou o neoclassicismo. A obra de Jean-Antoine Houdon, originalmente barroca, adotou um caráter sereno e verístico sem detalhes anedóticos, num processo para alcançar a beleza ideal da antiguidade clássica; Ele retratou muitos personagens da época, como Napoleão, Jean de la Fontaine, Voltaire, George Washington. Mas o escultor mais conhecido e inovador foi o italiano Antonio Canova, um autor muito versátil, algures entre o barroco, o rococó e o neoclassicismo. Por seu lado, a produção de Bertel Thorvaldsen seguiu a linha mais ortodoxa do neoclassicismo, com uma expressão mais fria e estática.[31]​ Na Catalunha destacou-se Damià Campeny, que viajou para Itália e recebeu a influência de Canova, tal como o andaluz José Álvarez Cubero.[32]​.

A partir do século, a mídia desempenhou um papel cada vez mais importante na divulgação da arte em todo o mundo. Os estilos desenvolveram-se cada vez mais rapidamente, quer coexistindo, justapondo-se ou confrontando-se entre si. A palavra vanguarda artística começou a ser utilizada no final do século, identificando assim artistas que promoviam atividades consideradas revolucionárias da arte, com o intuito de transformá-la. Caracterizavam-se pela liberdade de expressão e as primeiras tendências de vanguarda foram o cubismo e o futurismo. A escultura poderia deixar de imitar a realidade e valorizar o vazio, os jogos de luz ou volume negativo, ou poderia acrescentar movimento com ações mecânicas ou agentes atmosféricos. Vale destacar também o uso de novos materiais como aço, ferro, concreto e plásticos.[33]​.

Durante o Romantismo, o artista aspirava representar todo o ambiente do homem na "obra de arte total" que o pintor alemão Philipp Otto Runge havia imaginado. Sofia Figueroa") declarou que "de todas as artes, a que menos se presta à expressão romântica é, sem dúvida, a escultura...". É na França que surgiram algumas obras românticas, como A Marcha dos Voluntários de 1792 (ou A Marselhesa) de Sebastián Niño"), situada no Arco do Triunfo em Paris, e o artista Antoine Louis Barye com obras em animais.[34] Do Impressionismo, vale destacar as esculturas de dançarinos de Degas, nas quais reflete o momento gestual, ou as obras de Auguste Renoir que reproduziu suas próprias pinturas em relevos (Relevo (escultura)). Mas quem realmente foi um inovador foi Auguste Rodin que, assim como os impressionistas, desprezava a aparência externa do acabamento.[35][36] Modernismo "Modernismo (arte)") surgiu entre século e século. O estilo adotou nomes diferentes dependendo do país: Art nouveau na França, Estilo Moderno na Inglaterra, Sezession "Sezession (movimento artístico)") na Áustria e Jugendstil na Alemanha. Na Catalunha, (o modernismo catalão) teve um grande boom, embora tenha sido na arquitectura onde mais se destacou, constituiu um movimento que abarcou todas as artes e as esculturas foram feitas tanto em monumentos públicos como funerários e aplicadas à arquitectura, destacando-se, entre outros, os artistas: Agapito, Venancio Vallmitjana, Mariano Benlliure, Miguel Blay, Josep Llimona, Eusebio Arnau e Josep Clarà. Medardo Rosso conseguiu extraordinários efeitos originais com suas figuras de gesso revestidas de cera. Aristide Maillol, incluído nos escultores do simbolismo, realizou obras de nus femininos inscritos em volumes geométricos com grande vitalidade, este tipo de escultura é denominado mediterrâneo. Manolo Hugué também entra nesta mesma linha mediterrânica, embora com origens mais ou menos cubistas.[38]​.

Picasso explorou a escultura cubista, dividindo o volume em planos geométricos. Em algumas obras utilizou elementos como corda, arame ou madeira bruta. Aleksandr Rodchenko – escultor, pintor, designer gráfico e fotógrafo russo –, Jacques Lipchitz e Constantin Brancusi, inovaram ao buscar o vazio, alcançando a simplificação para alcançar formas perfeitas através dos materiais utilizados.[39]​ Umberto Boccioni soube transferir temas do futurismo para a escultura, como o dinamismo e a introdução de todos os tipos de materiais; submetido à arte figurativa, Formas únicas de continuidade no espaço (1913) foi uma das obras-chave deste movimento.[40]​ Marcel Duchamp, um dos primeiros escultores do dadaísmo, por volta de 1913 fez esculturas a partir de objetos vulgares, o que foi chamado de arte encontrada ou ready-made, a primeira obra foi uma roda de bicicleta em um banquinho.[41]​ Construtivismo "Construtivismo (arte)") foi um movimento que apareceu na Rússia depois de Outubro. Revolução de 1917; Artistas como Vladimir Tatlin, os irmãos Naum Gabo e Antoine Pevsner influenciaram consideravelmente a arte contemporânea.[42]​ O neoplasticismo (De Stijl), na mesma época (1917), buscava a renovação estética e a configuração de uma nova ordem harmoniosa de valor universal, com uma estrutura baseada na harmonia de linhas e massas retangulares de diversas proporções, com destaque para a obra de Georges Vantongerloo.[43]​ Alguns pintores surrealistas, realizaram esculturas relacionadas aos seus. ideias pictóricas; Vale citar Max Ernst (Moon Asparagus, 1935) e Joan Miró, que usaram corda e pedaços de metal combinados.[44]​.

Entre as duas guerras mundiais, ocorreu na Itália um movimento escultórico fiel à tradição da figuração italiana, liderado por Arturo Martini. Neste período também se destacam Julio González e Pablo Gargallo, com suas primeiras obras de cunho modernista "Modernismo (arte)"), mas a partir de 1927 realizaram testes com ferragens; Julio González inovou com a soldagem autógena, um estilo mais experimental no abstrato.[45]​ Nessa época Henry Moore contribuiu para o desenvolvimento da arte de vanguarda, embora sua obra não pertença a nenhum movimento específico; Ele criou imagens figurativas e estudou o volume no espaço.[46] Tal como Moore, o suíço Alberto Giacometti esteve relacionado com o surrealismo, mas a partir de 1947 optou pela corrente figurativa, com estruturas onde dominam figuras muito alongadas. Outros escultores abstratos podem ser citados, como Barbara Hepworth, Alexander Calder, Alberto Sánchez Pérez, Pablo Serrano Aguilar, Jorge Oteiza e Eduardo Chillida.[47] A partir da década de 1970, surgem novos movimentos artísticos, como a arte minimalista, conceitual, a chamada land art, a arte povera, o hiperrealismo, a performance ou o pós-modernismo, com artistas como David Smith "David Smith (escultor)"), Roy Lichtenstein, Donald Judd, Carl Andre, Dan Flavin, Sol LeWitt, Richard Serra, Dennis Oppenheim, Christo e Jeanne-Claude, Antonio López García e Yayoi Kusama entre outros.[48]​.

Um dos avanços mais importantes da história da escultura foi a capacidade de trabalhar o metal – primeiro o bronze e depois o ferro – que serviu para fabricar ferramentas mais eficientes e, além disso, obter um novo material para fazer obras escultóricas. O processo de construir a obra primeiro em barro e depois fundi-la em bronze já era conhecido nas antigas civilizações gregas e pelos romanos, e é o sistema que atualmente, no século I, ainda é utilizado.[5]​ Do século AC. C., no último período da Idade do Ferro, os Celtas desenvolveram a cultura La Tène, espalhando-se por toda a Europa; Representou uma evolução da arte da cultura de Hallstatt. Na decoração de todos os seus objetos, espadas, escudos, broches e diademas, é possível ver motivos de animais, plantas e figuras humanas. Do século AC. C. as primeiras moedas foram cunhadas seguindo modelos helênicos, bem como obras figurativas como o Deus de Bouray, feito em folha de cobre gofrada.[6]​.

Muitas estátuas, geralmente femininas, e bustos de barro cozido são preservados da arte púnica e greco-púnica, juntamente com uma variedade de amuletos de marfim e metal que foram descobertos nas necrópoles de Ibiza e Formentera. Estima-se que as mais antigas sejam obras do século AC. C. e a sua fabricação continuou até muito avançado na dominação romana. No que diz respeito à escultura ibérica, as obras encontradas são em pedra e bronze e provêm de três grandes áreas do sul, centro e leste da Península Ibérica, destacando-se o excelente busto em pedra da Senhora de Elche, de inspiração grega.[7]​.

A estatuária arcaica era principalmente religiosa. Os templos eram decorados com imagens dos deuses, suas façanhas e batalhas, e as figuras eram irrealistas. Os korai e kouroi não são retratos de pessoas específicas, um sorriso fictício foi adicionado aos rostos, gesto facial conhecido no mundo da arte como “sorriso arcaico”. Desse período merece destaque a Cabeça de Dipylon, fragmento de uma colossal estátua de mármore do século AC. C. e o Rampin Horseman (c. 560 aC), obra posterior que apresenta um tratamento mais próximo do naturalismo.[8] A escultura grega atingiu um elevado grau de perfeição, qualidade que foi impulsionada pela procura de uma melhor expressão da beleza da figura humana; Eles vieram estabelecer um cânone com proporções consideradas “perfeitas”. Infelizmente, o Cocheiro de Delfos, o par de Bronze de Riace junto com o do Deus do Cabo Artemísio fazem parte das poucas esculturas de bronze gregas que foram preservadas completas.[9]​ Um dos artistas mais importantes do período clássico foi Praxíteles, autor do magnífico Hermes com Dionísio, o Menino. Durante o período helênico observa-se que na criação das esculturas há uma clara intenção de intensificar o movimento e acentuar as emoções como pode ser visto no grupo escultórico de Laocoön e seus filhos.[10]​.

A escultura etrusca (século I aC - século I aC) derivou da arte grega, mas também produziu obras com características próprias. A estatuária ligada a contextos funerários é a produção etrusca mais abundante e o material escolhido, regra geral, foi a terracota, como o famoso Sarcófago dos Esposos.[12] Mais tarde, a escultura romana foi influenciada pela escultura etrusca e grega, e os artistas romanos fizeram inúmeras cópias de obras gregas. Vale destacar as esculturas comemorativas, como as da Coluna de Trajano (114), onde diversas batalhas são narradas em uma espiral contínua que ocupa toda a superfície da coluna, ou a Estátua Equestre de Marco Aurélio.[13]​ Mas um dos tipos de escultura que mais se desenvolveu foram os retratos, obras realistas de marcado caráter psicológico que foram feitas em todo o Império Romano.[14]​.

As obras escultóricas mais destacadas do Império Bizantino são as obras ornamentais dos capitéis; Existem bons exemplos em San Vitale, em Ravenna. Eram comuns relevos de marfim aplicados em baús, dípticos ou na famosa Cadeira do Bispo Maximiliano, obra esculpida por volta do ano 550.[15] Característica da arte otoniana são as pequenas esculturas em marfim e bronze às quais foram acrescentadas incrustações de pedras preciosas. Também são feitas de bronze as portas da igreja de São Miguel em Hildesheim, obra relacionada à arte bizantina e à arte carolíngia. Vale destacar as imagens de madeira revestidas de ouro que serviam como relicário. Entre estes, destaca-se o Crucifixo Gero (séc.), em madeira policromada, que se encontra na Catedral de Colónia.[16]​.

A escultura românica (século - século) esteve ao serviço da arquitectura e muitos exemplares encontram-se em torno das grandes rotas de peregrinação, como o Caminho de Santiago.[17]​ Os escultores trataram diversas partes das igrejas - tímpano "Tímpano (arquitetura)", portais e capitéis com histórias sobre temas bíblicos - com grande realismo. O Maiestas Domini e o Juízo Final foram os temas iconográficos mais representados.[18]​ O material mais utilizado foi a madeira, que serviu para fazer imagens devocionais como as "Virgens com o Menino", amplamente representadas em toda a Catalunha e no sul da França. Mas, a imagem mais importante do românico foi o Cristo em Majestade, destacado pelo Volto Santo de Lucca, na Catedral de Milão, e também o Cristo de Mig Aran e o Majestade de Batlló no Museu Nacional de Arte da Catalunha.[19]​.

A porta da Catedral de Chartres (1145) é um dos primeiros exemplares da escultura gótica, e nela, entre outros personagens, estão representados animais fabulosos que dão forma às gárgulas "Gárgula (arquitetura)"). Na Alemanha, tanto no exterior como no interior da Catedral de Bamberg (século I) existem algumas esculturas muito significativas, um bom exemplo é a Estátua Equestre do Cavaleiro de Bamberg. Uma inovação são as esculturas de temática dramática, com cenas da Paixão de Cristo e da Pieta. No final do período gótico, foram realizados na Alemanha alguns magníficos retábulos, executados por artistas como Tilman Riemenschneider e Veit Stoss. No reino de Castela trabalharam os escultores Gil de Siloé e Alejo de Vahía.[20] Quanto ao reino de Aragão, Aloi de Montbrai realizou o Retábulo dos Alfaiates na Catedral de Tarragona e Pere Moragues esculpiu o túmulo de Fernández de Luna, peça que se encontra na Catedral de San Salvador em Saragoça. Também vale a pena destacar o relevo de São Jorge do Palácio da Generalitat da Catalunha executado por Pere Joan.[20] Claus Sluter, artista flamengo, fez a capa da cartuxa de Champmol (Dijon) e um pedestal do claustro conhecido como Poço de Moisés. Na Itália, em Pisa e Siena, os escultores Nicola Pisano e seu filho Giovanni Pisano deixaram obras de grande qualidade, onde já anunciam o passo para um novo tipo de escultura.[21]​[20]​.

Os historiadores da arte consideram que a escultura renascentista começou com o concurso para fazer as portas do batistério "Baptistério de São João (Florença)") (1401) na cidade de Florença, ao qual concorreram Filippo Brunelleschi e Lorenzo Ghiberti. A nova forma artística do Renascimento foi inspirada na escultura da antiguidade clássica, buscando uma exaltação total da beleza. A matemática tornou-se o seu principal auxílio, com a aplicação de certos princípios e leis em todas as artes, como a perspectiva. Surgiram grandes patronos, como os Médici de Florença, os papas de Roma, bem como cardeais, príncipes e também as guildas.[23] Nessa época, a escultura estava praticamente desvinculada da arquitetura e os personagens representados apresentavam expressões carregadas de dramatismo, o que pode ser visto em esculturas de Michelangelo como, por exemplo, David. Durante as diferentes etapas do quattrocento e do cinquecento na Itália, as melhores obras do Renascimento foram criadas graças à atividade de grandes escultores como Donatello, Jacopo della Quercia, Luca della Robbia, Andrea del Verrocchio e Michelangelo, o grande artista representativo. No resto da Europa, o novo estilo foi incorporado um pouco mais tarde e sob influência direta da Itália e dos seus escultores. Muitos deles viajaram para outros países: Andrea Sansovino o fez para Portugal e Pietro Torrigiano para Inglaterra, este artista foi posteriormente para Espanha, onde Domenico Fancelli e Jacopo Florentino também trabalharam em conjunto com os escultores de origem francesa, Felipe Bigarny e Juan de Juni. Vale destacar as obras de Bartolomé Ordóñez em Barcelona, ​​​​no coro traseiro da catedral da cidade, e de Alonso Berruguete em Castela. Na Holanda, Conrad Meit era retratista e Jacques du Broeuq produziu inúmeras obras e foi professor de Giambologna que desenvolveria seu trabalho na Itália. Na França, foram feitas esculturas com grande influência italiana, por isso Pierre Puget foi considerado o "Bernini francês". Um dos temas mais comuns eram os monumentos sepulcrais, onde a figura do deitado era tratada com grande realismo; por exemplo, o Memorial de René Chalon de Ligier Richier.[26]​.

Giambologna é quem apresenta em suas esculturas, como O Rapto das Mulheres Sabinas, o estilo do Maneirismo. No final do cinquecento, os escultores tratavam as figuras alongando suas proporções e exibindo poses artificiais e opostas - mulher e homem, velhice e juventude, beleza e feiura -, e com a sinuosidade das formas em (serpentinata), uma espécie de movimento rotacional das figuras e grupos escultóricos.[27]​ O Concílio de Trento (1545-1563) marcou uma nova orientação nas imagens religiosas; Gian Lorenzo Bernini —autor de David, Apolo e Dafne "Apolo e Dafne (escultura de Bernini)") e Êxtase de Santa Teresa— foi o escultor que mais influenciou a escultura barroca, onde se buscavam efeitos emocionais e dramáticos. Na França, destacam-se o trabalho de Simon Guillain e Jacques Sarazin fazendo retratos da nobreza, o túmulo do Cardeal Richelieu, feito por François Girardon, e as esculturas no jardim do Palácio de Versalhes de Pierre Puget.[29]​ Neste período, surpreende a produção de escultura religiosa na Espanha, com esculturas para interiores de igrejas, fachadas, devoções privadas e para procissões da Semana Santa; Surgiram duas grandes escolas: a castelhana e a andaluza. Entre os escultores destacam-se Gregorio Fernández, Juan Martínez Montañés, Francisco Salzillo, Pedro de Mena e Alonso Cano.[30]​.

Em meados do século, as orientações de Winckelmann "nutrir o bom gosto nas fontes diretas e tomar como exemplo as obras dos gregos", fizeram com que muitos artistas se dedicassem a copiar em vez de imitar; chegou o neoclassicismo. A obra de Jean-Antoine Houdon, originalmente barroca, adotou um caráter sereno e verístico sem detalhes anedóticos, num processo para alcançar a beleza ideal da antiguidade clássica; Ele retratou muitos personagens da época, como Napoleão, Jean de la Fontaine, Voltaire, George Washington. Mas o escultor mais conhecido e inovador foi o italiano Antonio Canova, um autor muito versátil, algures entre o barroco, o rococó e o neoclassicismo. Por seu lado, a produção de Bertel Thorvaldsen seguiu a linha mais ortodoxa do neoclassicismo, com uma expressão mais fria e estática.[31]​ Na Catalunha destacou-se Damià Campeny, que viajou para Itália e recebeu a influência de Canova, tal como o andaluz José Álvarez Cubero.[32]​.

A partir do século, a mídia desempenhou um papel cada vez mais importante na divulgação da arte em todo o mundo. Os estilos desenvolveram-se cada vez mais rapidamente, quer coexistindo, justapondo-se ou confrontando-se entre si. A palavra vanguarda artística começou a ser utilizada no final do século, identificando assim artistas que promoviam atividades consideradas revolucionárias da arte, com o intuito de transformá-la. Caracterizavam-se pela liberdade de expressão e as primeiras tendências de vanguarda foram o cubismo e o futurismo. A escultura poderia deixar de imitar a realidade e valorizar o vazio, os jogos de luz ou volume negativo, ou poderia acrescentar movimento com ações mecânicas ou agentes atmosféricos. Vale destacar também o uso de novos materiais como aço, ferro, concreto e plásticos.[33]​.

Durante o Romantismo, o artista aspirava representar todo o ambiente do homem na "obra de arte total" que o pintor alemão Philipp Otto Runge havia imaginado. Sofia Figueroa") declarou que "de todas as artes, a que menos se presta à expressão romântica é, sem dúvida, a escultura...". É na França que surgiram algumas obras românticas, como A Marcha dos Voluntários de 1792 (ou A Marselhesa) de Sebastián Niño"), situada no Arco do Triunfo em Paris, e o artista Antoine Louis Barye com obras em animais.[34] Do Impressionismo, vale destacar as esculturas de dançarinos de Degas, nas quais reflete o momento gestual, ou as obras de Auguste Renoir que reproduziu suas próprias pinturas em relevos (Relevo (escultura)). Mas quem realmente foi um inovador foi Auguste Rodin que, assim como os impressionistas, desprezava a aparência externa do acabamento.[35][36] Modernismo "Modernismo (arte)") surgiu entre século e século. O estilo adotou nomes diferentes dependendo do país: Art nouveau na França, Estilo Moderno na Inglaterra, Sezession "Sezession (movimento artístico)") na Áustria e Jugendstil na Alemanha. Na Catalunha, (o modernismo catalão) teve um grande boom, embora tenha sido na arquitectura onde mais se destacou, constituiu um movimento que abarcou todas as artes e as esculturas foram feitas tanto em monumentos públicos como funerários e aplicadas à arquitectura, destacando-se, entre outros, os artistas: Agapito, Venancio Vallmitjana, Mariano Benlliure, Miguel Blay, Josep Llimona, Eusebio Arnau e Josep Clarà. Medardo Rosso conseguiu extraordinários efeitos originais com suas figuras de gesso revestidas de cera. Aristide Maillol, incluído nos escultores do simbolismo, realizou obras de nus femininos inscritos em volumes geométricos com grande vitalidade, este tipo de escultura é denominado mediterrâneo. Manolo Hugué também entra nesta mesma linha mediterrânica, embora com origens mais ou menos cubistas.[38]​.

Picasso explorou a escultura cubista, dividindo o volume em planos geométricos. Em algumas obras utilizou elementos como corda, arame ou madeira bruta. Aleksandr Rodchenko – escultor, pintor, designer gráfico e fotógrafo russo –, Jacques Lipchitz e Constantin Brancusi, inovaram ao buscar o vazio, alcançando a simplificação para alcançar formas perfeitas através dos materiais utilizados.[39]​ Umberto Boccioni soube transferir temas do futurismo para a escultura, como o dinamismo e a introdução de todos os tipos de materiais; submetido à arte figurativa, Formas únicas de continuidade no espaço (1913) foi uma das obras-chave deste movimento.[40]​ Marcel Duchamp, um dos primeiros escultores do dadaísmo, por volta de 1913 fez esculturas a partir de objetos vulgares, o que foi chamado de arte encontrada ou ready-made, a primeira obra foi uma roda de bicicleta em um banquinho.[41]​ Construtivismo "Construtivismo (arte)") foi um movimento que apareceu na Rússia depois de Outubro. Revolução de 1917; Artistas como Vladimir Tatlin, os irmãos Naum Gabo e Antoine Pevsner influenciaram consideravelmente a arte contemporânea.[42]​ O neoplasticismo (De Stijl), na mesma época (1917), buscava a renovação estética e a configuração de uma nova ordem harmoniosa de valor universal, com uma estrutura baseada na harmonia de linhas e massas retangulares de diversas proporções, com destaque para a obra de Georges Vantongerloo.[43]​ Alguns pintores surrealistas, realizaram esculturas relacionadas aos seus. ideias pictóricas; Vale citar Max Ernst (Moon Asparagus, 1935) e Joan Miró, que usaram corda e pedaços de metal combinados.[44]​.

Entre as duas guerras mundiais, ocorreu na Itália um movimento escultórico fiel à tradição da figuração italiana, liderado por Arturo Martini. Neste período também se destacam Julio González e Pablo Gargallo, com suas primeiras obras de cunho modernista "Modernismo (arte)"), mas a partir de 1927 realizaram testes com ferragens; Julio González inovou com a soldagem autógena, um estilo mais experimental no abstrato.[45]​ Nessa época Henry Moore contribuiu para o desenvolvimento da arte de vanguarda, embora sua obra não pertença a nenhum movimento específico; Ele criou imagens figurativas e estudou o volume no espaço.[46] Tal como Moore, o suíço Alberto Giacometti esteve relacionado com o surrealismo, mas a partir de 1947 optou pela corrente figurativa, com estruturas onde dominam figuras muito alongadas. Outros escultores abstratos podem ser citados, como Barbara Hepworth, Alexander Calder, Alberto Sánchez Pérez, Pablo Serrano Aguilar, Jorge Oteiza e Eduardo Chillida.[47] A partir da década de 1970, surgem novos movimentos artísticos, como a arte minimalista, conceitual, a chamada land art, a arte povera, o hiperrealismo, a performance ou o pós-modernismo, com artistas como David Smith "David Smith (escultor)"), Roy Lichtenstein, Donald Judd, Carl Andre, Dan Flavin, Sol LeWitt, Richard Serra, Dennis Oppenheim, Christo e Jeanne-Claude, Antonio López García e Yayoi Kusama entre outros.[48]​.