Escultura (do latim sculptūra) é chamada de arte de moldar argila, esculpir em pedra, madeira e outros materiais. A obra criada por um escultor também é chamada de escultura.[1].
É uma das Artes Plásticas em que o escultor se expressa criando volumes e moldando espaços. A escultura inclui todas as artes de talha e cinzel, juntamente com fundição e moldagem. Na escultura, a utilização de diferentes combinações de materiais e suportes deu origem a um novo repertório artístico, que inclui processos como o construtivismo (Construtivismo (arte)) e a montagem. Num sentido genérico, entende-se por escultura o trabalho artístico plástico realizado pelo escultor.
O prólogo de Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori, de Giorgio Vasari (1511-1574), fala sobre arquitetura, escultura e pintura, disciplinas agrupadas sob o nome de “artes do design”. A obra é um tratado informativo e valioso sobre as técnicas artísticas utilizadas na época. Em referência à escultura começa assim:
Desde a antiguidade, o homem teve a necessidade de esculpir. No início ele fez isso com os materiais mais simples e mais acessíveis: pedra, barro e madeira. Posteriormente utilizou ferro, bronze, ouro, chumbo, cera, gesso, plasticina, resina de poliéster e plásticos com reforço de fibra de vidro, concreto, cinética e reflexão de luz "Reflexão (física)"), entre outros. A escultura tinha originalmente uma única função, o uso prático; Mais tarde foi acrescentada uma função ritual, mágica, funerária e religiosa. Esta funcionalidade mudou com a evolução histórica, adquirindo um caráter principalmente estético ou simplesmente ornamental e tornou-se um elemento duradouro ou efêmero.[2].
História da escultura
escultura da europa
As primeiras manifestações escultóricas remontam ao Paleolítico Inferior, quando o homem cortava a pederneira ao bater noutra pedra. Mais tarde utilizou gravura, relevo em pedra e ossos de animais. Entre 27.000 e 32.000 anos atrás, exuberantes figuras humanas femininas em pedra eram representadas, numa exaltação artística da fertilidade;[3] são as "Vênus Paleolíticas", como a e a .[3] Durante o período Magdaleniano, foram utilizados bastões e hélices "Propulsor (arma)") com motivos ornamentais. No Paleolítico Superior, os exemplos mais abundantes são esculturas ou objetos gravados que evoluíram desde uma fase mais primitiva, com decorações mais esquemáticas, até chegar à representação de figuras animalescas que se adaptaram à estrutura do osso.[2] A argila também era um material comum. As primeiras peças de escultura conhecidas vêm do Egito, China, Índia e Oriente Próximo, locais onde cerca de 4.000 aC. C. já existiam fornos para fazer objetos de cerâmica.[4].
arquitetura escultural
Introdução
Em geral
Escultura (do latim sculptūra) é chamada de arte de moldar argila, esculpir em pedra, madeira e outros materiais. A obra criada por um escultor também é chamada de escultura.[1].
É uma das Artes Plásticas em que o escultor se expressa criando volumes e moldando espaços. A escultura inclui todas as artes de talha e cinzel, juntamente com fundição e moldagem. Na escultura, a utilização de diferentes combinações de materiais e suportes deu origem a um novo repertório artístico, que inclui processos como o construtivismo (Construtivismo (arte)) e a montagem. Num sentido genérico, entende-se por escultura o trabalho artístico plástico realizado pelo escultor.
O prólogo de Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori, de Giorgio Vasari (1511-1574), fala sobre arquitetura, escultura e pintura, disciplinas agrupadas sob o nome de “artes do design”. A obra é um tratado informativo e valioso sobre as técnicas artísticas utilizadas na época. Em referência à escultura começa assim:
Desde a antiguidade, o homem teve a necessidade de esculpir. No início ele fez isso com os materiais mais simples e mais acessíveis: pedra, barro e madeira. Posteriormente utilizou ferro, bronze, ouro, chumbo, cera, gesso, plasticina, resina de poliéster e plásticos com reforço de fibra de vidro, concreto, cinética e reflexão de luz "Reflexão (física)"), entre outros. A escultura tinha originalmente uma única função, o uso prático; Mais tarde foi acrescentada uma função ritual, mágica, funerária e religiosa. Esta funcionalidade mudou com a evolução histórica, adquirindo um caráter principalmente estético ou simplesmente ornamental e tornou-se um elemento duradouro ou efêmero.[2].
História da escultura
escultura da europa
As primeiras manifestações escultóricas remontam ao Paleolítico Inferior, quando o homem cortava a pederneira ao bater noutra pedra. Mais tarde utilizou gravura, relevo em pedra e ossos de animais. Entre 27.000 e 32.000 anos atrás, exuberantes figuras humanas femininas em pedra eram representadas, numa exaltação artística da fertilidade;[3] são as "Vênus Paleolíticas", como a e a .[3] Durante o período Magdaleniano, foram utilizados bastões e hélices "Propulsor (arma)") com motivos ornamentais. No Paleolítico Superior, os exemplos mais abundantes são esculturas ou objetos gravados que evoluíram desde uma fase mais primitiva, com decorações mais esquemáticas, até chegar à representação de figuras animalescas que se adaptaram à estrutura do osso.[2] A argila também era um material comum. As primeiras peças de escultura conhecidas vêm do Egito, China, Índia e Oriente Próximo, locais onde cerca de 4.000 aC. C. já existiam fornos para fazer objetos de cerâmica.[4].
Vênus de Willendorf
Vênus de Lespugue
Um dos avanços mais importantes da história da escultura foi a capacidade de trabalhar o metal – primeiro o bronze e depois o ferro – que serviu para fabricar ferramentas mais eficientes e, além disso, obter um novo material para fazer obras escultóricas. O processo de construir a obra primeiro em barro e depois fundi-la em bronze já era conhecido nas antigas civilizações gregas e pelos romanos, e é o sistema que atualmente, no século I, ainda é utilizado.[5] Do século AC. C., no último período da Idade do Ferro, os Celtas desenvolveram a cultura La Tène, espalhando-se por toda a Europa; Representou uma evolução da arte da cultura de Hallstatt. Na decoração de todos os seus objetos, espadas, escudos, broches e diademas, é possível ver motivos de animais, plantas e figuras humanas. Do século AC. C. as primeiras moedas foram cunhadas seguindo modelos helênicos, bem como obras figurativas como o Deus de Bouray, feito em folha de cobre gofrada.[6].
Muitas estátuas, geralmente femininas, e bustos de barro cozido são preservados da arte púnica e greco-púnica, juntamente com uma variedade de amuletos de marfim e metal que foram descobertos nas necrópoles de Ibiza e Formentera. Estima-se que as mais antigas sejam obras do século AC. C. e a sua fabricação continuou até muito avançado na dominação romana. No que diz respeito à escultura ibérica, as obras encontradas são em pedra e bronze e provêm de três grandes áreas do sul, centro e leste da Península Ibérica, destacando-se o excelente busto em pedra da Senhora de Elche, de inspiração grega.[7].
A estatuária arcaica era principalmente religiosa. Os templos eram decorados com imagens dos deuses, suas façanhas e batalhas, e as figuras eram irrealistas. Os korai e kouroi não são retratos de pessoas específicas, um sorriso fictício foi adicionado aos rostos, gesto facial conhecido no mundo da arte como “sorriso arcaico”. Desse período merece destaque a Cabeça de Dipylon, fragmento de uma colossal estátua de mármore do século AC. C. e o Rampin Horseman (c. 560 aC), obra posterior que apresenta um tratamento mais próximo do naturalismo.[8] A escultura grega atingiu um elevado grau de perfeição, qualidade que foi impulsionada pela procura de uma melhor expressão da beleza da figura humana; Eles vieram estabelecer um cânone com proporções consideradas “perfeitas”. Infelizmente, o Cocheiro de Delfos, o par de Bronze de Riace junto com o do Deus do Cabo Artemísio fazem parte das poucas esculturas de bronze gregas que foram preservadas completas.[9] Um dos artistas mais importantes do período clássico foi Praxíteles, autor do magnífico Hermes com Dionísio, o Menino. Durante o período helênico observa-se que na criação das esculturas há uma clara intenção de intensificar o movimento e acentuar as emoções como pode ser visto no grupo escultórico de Laocoön e seus filhos.[10].
A escultura etrusca (século I aC - século I aC) derivou da arte grega, mas também produziu obras com características próprias. A estatuária ligada a contextos funerários é a produção etrusca mais abundante e o material escolhido, regra geral, foi a terracota, como o famoso Sarcófago dos Esposos.[12] Mais tarde, a escultura romana foi influenciada pela escultura etrusca e grega, e os artistas romanos fizeram inúmeras cópias de obras gregas. Vale destacar as esculturas comemorativas, como as da Coluna de Trajano (114), onde diversas batalhas são narradas em uma espiral contínua que ocupa toda a superfície da coluna, ou a Estátua Equestre de Marco Aurélio.[13] Mas um dos tipos de escultura que mais se desenvolveu foram os retratos, obras realistas de marcado caráter psicológico que foram feitas em todo o Império Romano.[14].
As obras escultóricas mais destacadas do Império Bizantino são as obras ornamentais dos capitéis; Existem bons exemplos em San Vitale, em Ravenna. Eram comuns relevos de marfim aplicados em baús, dípticos ou na famosa Cadeira do Bispo Maximiliano, obra esculpida por volta do ano 550.[15] Característica da arte otoniana são as pequenas esculturas em marfim e bronze às quais foram acrescentadas incrustações de pedras preciosas. Também são feitas de bronze as portas da igreja de São Miguel em Hildesheim, obra relacionada à arte bizantina e à arte carolíngia. Vale destacar as imagens de madeira revestidas de ouro que serviam como relicário. Entre estes, destaca-se o Crucifixo Gero (séc.), em madeira policromada, que se encontra na Catedral de Colónia.[16].
A escultura românica (século - século) esteve ao serviço da arquitectura e muitos exemplares encontram-se em torno das grandes rotas de peregrinação, como o Caminho de Santiago.[17] Os escultores trataram diversas partes das igrejas - tímpano "Tímpano (arquitetura)", portais e capitéis com histórias sobre temas bíblicos - com grande realismo. O Maiestas Domini e o Juízo Final foram os temas iconográficos mais representados.[18] O material mais utilizado foi a madeira, que serviu para fazer imagens devocionais como as "Virgens com o Menino", amplamente representadas em toda a Catalunha e no sul da França. Mas, a imagem mais importante do românico foi o Cristo em Majestade, destacado pelo Volto Santo de Lucca, na Catedral de Milão, e também o Cristo de Mig Aran e o Majestade de Batlló no Museu Nacional de Arte da Catalunha.[19].
A porta da Catedral de Chartres (1145) é um dos primeiros exemplares da escultura gótica, e nela, entre outros personagens, estão representados animais fabulosos que dão forma às gárgulas "Gárgula (arquitetura)"). Na Alemanha, tanto no exterior como no interior da Catedral de Bamberg (século I) existem algumas esculturas muito significativas, um bom exemplo é a Estátua Equestre do Cavaleiro de Bamberg. Uma inovação são as esculturas de temática dramática, com cenas da Paixão de Cristo e da Pieta. No final do período gótico, foram realizados na Alemanha alguns magníficos retábulos, executados por artistas como Tilman Riemenschneider e Veit Stoss. No reino de Castela trabalharam os escultores Gil de Siloé e Alejo de Vahía.[20] Quanto ao reino de Aragão, Aloi de Montbrai realizou o Retábulo dos Alfaiates na Catedral de Tarragona e Pere Moragues esculpiu o túmulo de Fernández de Luna, peça que se encontra na Catedral de San Salvador em Saragoça. Também vale a pena destacar o relevo de São Jorge do Palácio da Generalitat da Catalunha executado por Pere Joan.[20] Claus Sluter, artista flamengo, fez a capa da cartuxa de Champmol (Dijon) e um pedestal do claustro conhecido como Poço de Moisés. Na Itália, em Pisa e Siena, os escultores Nicola Pisano e seu filho Giovanni Pisano deixaram obras de grande qualidade, onde já anunciam o passo para um novo tipo de escultura.[21][20].
Os historiadores da arte consideram que a escultura renascentista começou com o concurso para fazer as portas do batistério "Baptistério de São João (Florença)") (1401) na cidade de Florença, ao qual concorreram Filippo Brunelleschi e Lorenzo Ghiberti. A nova forma artística do Renascimento foi inspirada na escultura da antiguidade clássica, buscando uma exaltação total da beleza. A matemática tornou-se o seu principal auxílio, com a aplicação de certos princípios e leis em todas as artes, como a perspectiva. Surgiram grandes patronos, como os Médici de Florença, os papas de Roma, bem como cardeais, príncipes e também as guildas.[23] Nessa época, a escultura estava praticamente desvinculada da arquitetura e os personagens representados apresentavam expressões carregadas de dramatismo, o que pode ser visto em esculturas de Michelangelo como, por exemplo, David. Durante as diferentes etapas do quattrocento e do cinquecento na Itália, as melhores obras do Renascimento foram criadas graças à atividade de grandes escultores como Donatello, Jacopo della Quercia, Luca della Robbia, Andrea del Verrocchio e Michelangelo, o grande artista representativo. No resto da Europa, o novo estilo foi incorporado um pouco mais tarde e sob influência direta da Itália e dos seus escultores. Muitos deles viajaram para outros países: Andrea Sansovino o fez para Portugal e Pietro Torrigiano para Inglaterra, este artista foi posteriormente para Espanha, onde Domenico Fancelli e Jacopo Florentino também trabalharam em conjunto com os escultores de origem francesa, Felipe Bigarny e Juan de Juni. Vale destacar as obras de Bartolomé Ordóñez em Barcelona, no coro traseiro da catedral da cidade, e de Alonso Berruguete em Castela. Na Holanda, Conrad Meit era retratista e Jacques du Broeuq produziu inúmeras obras e foi professor de Giambologna que desenvolveria seu trabalho na Itália. Na França, foram feitas esculturas com grande influência italiana, por isso Pierre Puget foi considerado o "Bernini francês". Um dos temas mais comuns eram os monumentos sepulcrais, onde a figura do deitado era tratada com grande realismo; por exemplo, o Memorial de René Chalon de Ligier Richier.[26].
Giambologna é quem apresenta em suas esculturas, como O Rapto das Mulheres Sabinas, o estilo do Maneirismo. No final do cinquecento, os escultores tratavam as figuras alongando suas proporções e exibindo poses artificiais e opostas - mulher e homem, velhice e juventude, beleza e feiura -, e com a sinuosidade das formas em (serpentinata), uma espécie de movimento rotacional das figuras e grupos escultóricos.[27] O Concílio de Trento (1545-1563) marcou uma nova orientação nas imagens religiosas; Gian Lorenzo Bernini —autor de David, Apolo e Dafne "Apolo e Dafne (escultura de Bernini)") e Êxtase de Santa Teresa— foi o escultor que mais influenciou a escultura barroca, onde se buscavam efeitos emocionais e dramáticos. Na França, destacam-se o trabalho de Simon Guillain e Jacques Sarazin fazendo retratos da nobreza, o túmulo do Cardeal Richelieu, feito por François Girardon, e as esculturas no jardim do Palácio de Versalhes de Pierre Puget.[29] Neste período, surpreende a produção de escultura religiosa na Espanha, com esculturas para interiores de igrejas, fachadas, devoções privadas e para procissões da Semana Santa; Surgiram duas grandes escolas: a castelhana e a andaluza. Entre os escultores destacam-se Gregorio Fernández, Juan Martínez Montañés, Francisco Salzillo, Pedro de Mena e Alonso Cano.[30].
Em meados do século, as orientações de Winckelmann "nutrir o bom gosto nas fontes diretas e tomar como exemplo as obras dos gregos", fizeram com que muitos artistas se dedicassem a copiar em vez de imitar; chegou o neoclassicismo. A obra de Jean-Antoine Houdon, originalmente barroca, adotou um caráter sereno e verístico sem detalhes anedóticos, num processo para alcançar a beleza ideal da antiguidade clássica; Ele retratou muitos personagens da época, como Napoleão, Jean de la Fontaine, Voltaire, George Washington. Mas o escultor mais conhecido e inovador foi o italiano Antonio Canova, um autor muito versátil, algures entre o barroco, o rococó e o neoclassicismo. Por seu lado, a produção de Bertel Thorvaldsen seguiu a linha mais ortodoxa do neoclassicismo, com uma expressão mais fria e estática.[31] Na Catalunha destacou-se Damià Campeny, que viajou para Itália e recebeu a influência de Canova, tal como o andaluz José Álvarez Cubero.[32].
A partir do século, a mídia desempenhou um papel cada vez mais importante na divulgação da arte em todo o mundo. Os estilos desenvolveram-se cada vez mais rapidamente, quer coexistindo, justapondo-se ou confrontando-se entre si. A palavra vanguarda artística começou a ser utilizada no final do século, identificando assim artistas que promoviam atividades consideradas revolucionárias da arte, com o intuito de transformá-la. Caracterizavam-se pela liberdade de expressão e as primeiras tendências de vanguarda foram o cubismo e o futurismo. A escultura poderia deixar de imitar a realidade e valorizar o vazio, os jogos de luz ou volume negativo, ou poderia acrescentar movimento com ações mecânicas ou agentes atmosféricos. Vale destacar também o uso de novos materiais como aço, ferro, concreto e plásticos.[33].
Durante o Romantismo, o artista aspirava representar todo o ambiente do homem na "obra de arte total" que o pintor alemão Philipp Otto Runge havia imaginado. Sofia Figueroa") declarou que "de todas as artes, a que menos se presta à expressão romântica é, sem dúvida, a escultura...". É na França que surgiram algumas obras românticas, como A Marcha dos Voluntários de 1792 (ou A Marselhesa) de Sebastián Niño"), situada no Arco do Triunfo em Paris, e o artista Antoine Louis Barye com obras em animais.[34] Do Impressionismo, vale destacar as esculturas de dançarinos de Degas, nas quais reflete o momento gestual, ou as obras de Auguste Renoir que reproduziu suas próprias pinturas em relevos (Relevo (escultura)). Mas quem realmente foi um inovador foi Auguste Rodin que, assim como os impressionistas, desprezava a aparência externa do acabamento.[35][36] Modernismo "Modernismo (arte)") surgiu entre século e século. O estilo adotou nomes diferentes dependendo do país: Art nouveau na França, Estilo Moderno na Inglaterra, Sezession "Sezession (movimento artístico)") na Áustria e Jugendstil na Alemanha. Na Catalunha, (o modernismo catalão) teve um grande boom, embora tenha sido na arquitectura onde mais se destacou, constituiu um movimento que abarcou todas as artes e as esculturas foram feitas tanto em monumentos públicos como funerários e aplicadas à arquitectura, destacando-se, entre outros, os artistas: Agapito, Venancio Vallmitjana, Mariano Benlliure, Miguel Blay, Josep Llimona, Eusebio Arnau e Josep Clarà. Medardo Rosso conseguiu extraordinários efeitos originais com suas figuras de gesso revestidas de cera. Aristide Maillol, incluído nos escultores do simbolismo, realizou obras de nus femininos inscritos em volumes geométricos com grande vitalidade, este tipo de escultura é denominado mediterrâneo. Manolo Hugué também entra nesta mesma linha mediterrânica, embora com origens mais ou menos cubistas.[38].
Picasso explorou a escultura cubista, dividindo o volume em planos geométricos. Em algumas obras utilizou elementos como corda, arame ou madeira bruta. Aleksandr Rodchenko – escultor, pintor, designer gráfico e fotógrafo russo –, Jacques Lipchitz e Constantin Brancusi, inovaram ao buscar o vazio, alcançando a simplificação para alcançar formas perfeitas através dos materiais utilizados.[39] Umberto Boccioni soube transferir temas do futurismo para a escultura, como o dinamismo e a introdução de todos os tipos de materiais; submetido à arte figurativa, Formas únicas de continuidade no espaço (1913) foi uma das obras-chave deste movimento.[40] Marcel Duchamp, um dos primeiros escultores do dadaísmo, por volta de 1913 fez esculturas a partir de objetos vulgares, o que foi chamado de arte encontrada ou ready-made, a primeira obra foi uma roda de bicicleta em um banquinho.[41] Construtivismo "Construtivismo (arte)") foi um movimento que apareceu na Rússia depois de Outubro. Revolução de 1917; Artistas como Vladimir Tatlin, os irmãos Naum Gabo e Antoine Pevsner influenciaram consideravelmente a arte contemporânea.[42] O neoplasticismo (De Stijl), na mesma época (1917), buscava a renovação estética e a configuração de uma nova ordem harmoniosa de valor universal, com uma estrutura baseada na harmonia de linhas e massas retangulares de diversas proporções, com destaque para a obra de Georges Vantongerloo.[43] Alguns pintores surrealistas, realizaram esculturas relacionadas aos seus. ideias pictóricas; Vale citar Max Ernst (Moon Asparagus, 1935) e Joan Miró, que usaram corda e pedaços de metal combinados.[44].
Entre as duas guerras mundiais, ocorreu na Itália um movimento escultórico fiel à tradição da figuração italiana, liderado por Arturo Martini. Neste período também se destacam Julio González e Pablo Gargallo, com suas primeiras obras de cunho modernista "Modernismo (arte)"), mas a partir de 1927 realizaram testes com ferragens; Julio González inovou com a soldagem autógena, um estilo mais experimental no abstrato.[45] Nessa época Henry Moore contribuiu para o desenvolvimento da arte de vanguarda, embora sua obra não pertença a nenhum movimento específico; Ele criou imagens figurativas e estudou o volume no espaço.[46] Tal como Moore, o suíço Alberto Giacometti esteve relacionado com o surrealismo, mas a partir de 1947 optou pela corrente figurativa, com estruturas onde dominam figuras muito alongadas. Outros escultores abstratos podem ser citados, como Barbara Hepworth, Alexander Calder, Alberto Sánchez Pérez, Pablo Serrano Aguilar, Jorge Oteiza e Eduardo Chillida.[47] A partir da década de 1970, surgem novos movimentos artísticos, como a arte minimalista, conceitual, a chamada land art, a arte povera, o hiperrealismo, a performance ou o pós-modernismo, com artistas como David Smith "David Smith (escultor)"), Roy Lichtenstein, Donald Judd, Carl Andre, Dan Flavin, Sol LeWitt, Richard Serra, Dennis Oppenheim, Christo e Jeanne-Claude, Antonio López García e Yayoi Kusama entre outros.[48].
Escultura africana
Materiais mais duráveis, como a pedra, eram usados no Antigo Egito. Chegaram a fazer esculturas altamente aperfeiçoadas, que permaneceram inalteradas durante muitos séculos.[49] Representavam divindades, faraós e outras figuras importantes, embora também fizessem pequenas peças de figuras nas quais se refletia o trabalho doméstico. Muitas dessas obras foram encontradas nas câmaras sepulcrais.
A escultura africana tem sido essencialmente de natureza religiosa, do tipo animismo e por isso a sua veneração tem sido na crença dos espíritos da natureza e na veneração dos seus mortos, a morte não representa o seu fim, mas vive no reino dos espíritos. Essa crença na presença de espíritos faz com que sejam realizados rituais, onde as obras de arte atuam como médium. Estas obras são geralmente máscaras, esculturas antropomórficas independentes ou outros objetos de culto. Os objetos de madeira eram confeccionados a partir de um tronco ou galho de árvore com a técnica de entalhe direto, ou seja, a partir de uma peça cilíndrica que era baixada e esculpida com ferramentas primitivas. A argila também foi usada na Nigéria pela cultura Nok, por volta de 500 AC. C., pedra ou marfim. As máscaras são fabricadas em quase todo o continente; os “Baga” que ocupam parte da Guiné usam uma máscara com cabeça de crocodilo e longos chifres listrados. São máscaras cobertas por uma crosta formada por sangue seco, terra e suco de sementes trituradas, máscaras com nariz grande que se alonga formando um bico; Existem decorações de conchas e cristais. Em Ifé e Benin, os iorubás trabalharam terracota e bronze para seus reis desde o século XVII, em placas em relevo ou cabeças em tamanho natural. Na Costa do Marfim, os Baulé, além de esculturas e máscaras autônomas, esculpiam os lintéis das portas de suas casas com motivos geométricos.[50].
Escultura da América
A escultura e os relevos independentes constituíram uma importante manifestação artística do povo americano. Entre outras civilizações destacaram-se os olmecas, maias e toltecas no México e os incas no Peru. Dentro da sua diversidade, existem alguns traços comuns na escultura deste povo, a sua associação à arquitectura em que esculturas e relevos adornam paredes e pilastras, e no seu carácter religioso com cenas de deuses, demónios, ritos sagrados ou guerreiros. Na escultura olmeca destaca-se a tentativa de reproduzir o rosto humano com grande realismo. Nas enormes cabeças de La Venta podem ser vistos traços particulares como o nariz largo, os olhos oblíquos e a boca com lábios grandes. Essas cabeças são todas feitas de blocos monolíticos e atingem mais de três metros de altura. Em Tollan-Xicocotitlan há guerreiros gigantescos com cerca de cinco metros de altura sobre uma base retangular, com roupas de guerra e capacetes na cabeça. Os maias fizeram figuras em jade e a escultura foi maioritariamente fixada nos templos de Palenque "Palenque (zona arqueológica)"), Tikal e Chichén Itzá, de onde vem uma das esculturas mais famosas, Chac Mool. Este tipo de escultura foi encontrada em vários templos de influência tolteca.[51] A primeira civilização do Peru, segundo dados arqueológicos revisados por radiocarbono, remonta a cerca de 1250 aC. C. e chama-se Chavin de Huántar, onde foi encontrado o que deveria ser o maior templo desta civilização. O exterior do edifício é adornado com esculturas, a maioria delas em baixo-relevo, e também foram encontradas estelas com gravuras de cobras e crocodilos. Outra cultura nasceu no período entre 900 e 1430, o povo Inca no sul do Peru, que por volta de 1200, foi adquirindo grande poder até a chegada dos espanhóis em 1532. Há pouca escultura monumental, mas eram grandes trabalhadores com domínio da metalurgia, principalmente do ouro, onde incrustavam pedras preciosas.
Escultura asiática
Na Mesopotâmia, devido à escassez de pedreiras, a escultura era feita principalmente de barro; nas escavações de Ur (4.000 a.C.) foram encontradas numerosas pequenas estátuas deste material. Os sumérios desenvolveram e difundiram para outras civilizações o uso do tijolo, no qual um relevo era esculpido e depois esmaltado. Alguns exemplos muito representativos são os que adornam os palácios, também as superfícies sepulcrais persas do palácio de Persépolis e o Friso dos arqueiros, obra em tijolo esmaltado encontrada no Palácio Real de Susa (404-359 a.C.).[53].
A história da escultura indiana começou por volta de 2.500 AC. C. em uma área ao longo de 1.500 quilômetros ao longo das bacias dos rios Ravi e Sutlej, onde se estabeleceu a cultura do Vale do Indo. Suas principais cidades eram Harappa e Mohenjo-Daro, onde em escavações arqueológicas do século I foram encontradas uma grande variedade de esculturas em terracota representando figuras humanas com símbolos relacionados à fertilidade, bem como uma pequena Bailarina em bronze e um Busto de um rei-sacerdote em pedra-sabão. Por volta de 1500 AC. C. a cultura do Indo extinguiu-se e por muito tempo entrou-se num período sem manifestações artísticas conhecidas, até o século AC. C., quando se formou o império Maurya e durante o qual foram colocadas grandes colunas, algumas ainda in situ, de forma escultórica terminando num capitel que sustentava uma escultura de temática animal, sendo a mais famosa a Capital dos Leões em Sarnath. Desse mesmo período existem esculturas com representações de divindades masculinas e femininas, entre as quais se destaca o Iaksí do museu de Patna, que apresenta grande exuberância dos seios, quadris largos e cintura estreita, características que se repetem na demonstração do ideal de beleza feminina na cultura indiana.[55].
Durante o Império Kushan houve grande desenvolvimento cultural e as tradições do Budismo e do Hinduísmo foram acrescentadas na região de Gandhara, cuja arte é chamada de "Greco-Budista" devido à influência da Grécia clássica nas imagens de Buda feitas neste período.
No Império Gupta tornou-se uma “arte clássica” onde se alcançavam linhas puras e formas de equilíbrio harmonioso, eram representadas as divindades Brahmá, Vishnu e Shiva. Na escultura do Sul da Índia, em Mahabalipuram, há templos escavados na rocha decorados com magníficos relevos, incluindo a Descida do Ganges da época da dinastia Pallava. Desde o século, o erotismo tem sido o tema principal das cenas em muitos templos, onde estão representadas ilustrações do Kama Sutra. Apesar da conquista muçulmana, no sul do país continuou a tradição da sua escultura, que gradualmente se transformou numa clara fase do barroquismo vigente até ao século XIX.[57].
Durante a dinastia Tang (618-907) os chineses fabricaram uma grande quantidade de terracota feita sob pressão através de moldes. E também na China foram encontrados os sete mil guerreiros em tamanho real da dinastia Qin, que, embora os rostos sejam todos diferentes, e portanto modelados à mão, parece que foi usado um molde para os corpos; Eles datam de aproximadamente 200 AC. C.[58] Quando o Budismo foi introduzido na China, houve a necessidade de fazer representações escultóricas. O mais antigo conhecido é um de bronze dourado datado do ano 338 e acredita-se que tenha sido uma réplica de um de Gandhara. Santuários com estátuas colossais de Buda foram construídos nas Grutas de Yungang, na cidade de Datong. Na última fase da dinastia Tang, os trabalhos de estatuetas de cerâmica com temas diversos deram-nos uma nova visão da escultura, diferente e distante da escultura budista. A partir daqui a escultura entra em claro declínio, embora na dinastia Ming se instalassem grandes imagens nas suas obras arquitectónicas como “guardiãs” das portas dos grandes palácios ou complexos funerários, é ainda nas pequenas esculturas em jade ou em cerâmica onde se encontram as melhores representações. No século e devido às transformações ideológicas dos seus dirigentes, a escultura monumental voltou a ser realizada com um marcado estilo realista para exaltar os feitos da Revolução.[59].
Do período Jōmon, por volta do século AC. C., junto com a cerâmica, foram encontradas pequenas estátuas religiosas ou funerárias com decoração geométrica e, posteriormente, no final do século, em alguns túmulos do período Yayoi, ídolos de terracota em forma de animais chamados haniwa. Foi no período Asuka e com a chegada do Budismo que a escultura alcançou grande importância, foi quando o escultor Kuratsukuri Tori"), de ascendência chinesa, entrou ao serviço do imperador. Outros escultores contribuíram com influências coreanas e todos trabalharam com bronze, madeira e terracota em imagens de Buda, que no Japão adquiriu nomes como Maitreya. No período Nara a escultura pouco mudou, a madeira foi tratada com laca e gesso policromado. No séc. Período Kamakura, o escultor Jochi alcançou grande renome e teve numerosos discípulos, que formaram oficinas onde criaram divindades de aparência terrível, para afugentar as forças do mal. A escultura teve uma aplicação decrescente devido ao boom que a pintura adquiriu naquela época, foram feitas algumas esculturas de monges Zen e máscaras para atores do Teatro nº.
Escultura da Oceania
A arte dos nativos australianos restringe-se às suas tradições e aos materiais de que dispõem, como madeira, cascas de árvores e pontas de sílex. Decoram os escudos com linhas geométricas, fazem "churingas" constituídas por pedras planas de carácter totémico onde gravam motivos em relação aos seus antepassados.
A criação de obras dos melanésios apresenta uma grande variedade de estilos e formas. A Nova Guiné destaca-se pelos desenhos dos seus objectos, existem alguns de carácter sagrado que só podem ser vistos pelos "iniciados", existem algumas casas de uso exclusivo dos homens onde estão esculpidos todos os troncos que formam os pilares "Pilar (arquitectura)") que sustentam o telhado representando seres totémicos, nestas casas são mantidas as talhas que representam os seus antepassados, máscaras e assentos totalmente gravados com decorações de figuras humanas ou animais.
Nas Novas Hébridas, a escultura está relacionada com cerimónias religiosas, as estátuas representam figuras dos seus mortos e as máscaras são utilizadas para cerimónias funerárias. Na Nova Irlanda existe uma grande abundância de objetos, também de madeira esculpida onde estão inseridas conchas, cascas de outras árvores e pedras, que estão relacionadas com atos rituais. Nas Ilhas Salomão, embora façam máscaras, as mais notáveis são as figuras humanas ou de animais. Nas Ilhas Marquesas conseguiu-se grande virtuosismo na construção de canoas onde a proa e a popa eram decoradas com uma profusão de talha. Nestas ilhas, antigamente as imagens eram esculpidas em pedra vulcânica. Nas Ilhas Cook, as imagens veneradas mostravam rostos com olhos e bocas grandes e o resto do corpo em proporção muito pequena.[62].
Os Maori da Nova Zelândia construíram casas com grande frontão "Fronton (arquitetura)") totalmente decoradas com figuras antropomórficas de expressão ameaçadora, além de pingentes esculpidos em nefrita (hei tiki). Na Ilha de Páscoa existem os moai, enormes figuras antropomórficas de 4 a 5 metros de altura, feitas de tufo vulcânico do vulcão Rano Raraku, onde se encontram algumas figuras em diferentes fases de construção, pelo que se acredita que foram trabalhadas in situ, a partir daí e presume-se que arrastadas com recurso a cordas, foram distribuídas pelos vários pontos da ilha.[63].
Função de escultura
Os povos da pré-história fizeram as primeiras esculturas de barro representando figuras humanas ou animais, secaram-nas ao sol e provavelmente foram utilizadas para fins religiosos ou mágicos.[4] Às vezes eram simples amuletos ou figuras votivas, que foram encontradas em algumas civilizações e culturas, em sepulturas ou em templos como oferendas votivas.[64] Entre os meios de culto a pessoas que já haviam deixado este mundo, vale destacar os crânios humanos encontrados em Jericó (7.000 a.C.), convertidos em suporte. para a reprodução, em gesso, do falecido como máscara, acrescentando conchas que representavam os olhos.[65].
Os egípcios acreditavam que para o faraó viver após sua morte, ele precisava de uma imagem com sua representação para favorecer a sobrevivência da alma.[66] Da mesma forma, foram utilizados símbolos com um forte significado na estrutura e clareza da mensagem que se pretendia transmitir: a harmonia e a ordem tinham que ser mantidas, pois qualquer desvio tinha impacto na vida após a morte, a hierarquia social era representada, entre outras formas, com tamanhos diferentes para personagens diferentes, assim o faraó costumava ser a figura maior, por exemplo. por exemplo, Ramsés II no Grande Templo de Abu Simbel.
As representações romanas do imperador Augusto, mais do que retratos pessoais, tinham a função de apresentá-lo ao povo com o símbolo de uma imagem de poder supremo, como a conhecida escultura de Augusto da Prima Porta, onde exerce a função de máximo poder militar e em outro retrato do mesmo imperador, em Augusto da via Labicana, ele está vestido com uma toga que lhe cobre a cabeça, segundo o Pontifex Maximus.[67].
Mais tarde, durante a Idade Média, na época da arte românica, a escultura românica teve uma estreita relação com a arquitectura e cumpriu, para além da sua função estética, uma função didáctica ou pedagógica, de explicar certas passagens ou conceitos ao povo. Assim, era comum referir-se aos relevos do tímpano "Tímpano (arquitetura)") dos pórticos como "catecismos de pedra" ou "bíblias de pedra", executados para ilustrar e explicar histórias à população analfabeta. Um exemplo é o Pórtico de Santa María de Ripoll.[68] Nesta função religiosa a criação de imagens transcendeu a aparência que deve ser dada à escultura com a crença de confundir a imagem com a do deus representado, isso aconteceu da imagem de Buda à de Cristo.[67].
A função ornamental pode estar ligada a algumas das outras funções, embora por vezes possa ser o objetivo principal, como é o caso da decoração vegetal ou geométrica. Nos estilos anicônicos, como o islâmico ou o hebraico"), desempenha um papel fundamental. A função prática é quando sua utilidade é para algum uso especial, isso é visto em altares portáteis e desde tempos muito antigos, nos dípticos de relevos de marfim, que eram levemente esvaziados por dentro, para poder colocar uma camada de cera onde as mensagens eram gravadas e uma folha era fechada sobre a outra, para enviá-la ao seu destinatário. Como a cera era fácil de apagar e reescrever, o mesmo díptico foi usado para a resposta.[69].
Outra função da escultura é o colecionismo, que ganhou importância após o Renascimento, quando nobres adquiriam obras de escultura para decorar seus palácios ou jardins. Mais tarde, a partir do século XIX, monarcas, empresários, burgueses e colecionadores utilizaram-no como meio de investimento económico "Investimento (economia)"), auto-satisfação e forma de prestígio.[70].
Tipos de escultura
A escultura divide-se em dois grandes ramos, estatuária e escultura ornamental, dependendo se representa a forma humana e expressa as concepções supra-sensíveis do homem ou se preocupa em reproduzir artisticamente outros seres da natureza, animais ou plantas. A primeira é apropriadamente chamada de escultura e tem um ideal próprio, a segunda desempenha um papel secundário ao servir de auxiliar da primeira e da arquitetura.
Cânon de proporções
O cânone "Cânon (arte)") é o conjunto de proporções ideais da figura humana e suas regras de composição, amplamente utilizado pelos antigos artistas egípcios e gregos. Representa na escultura e na pintura o que o módulo faz na arquitetura.
Os egípcios tinham um padrão para a representação do corpo humano em relevos, denominado cânone de perfil. O modelo foi a figura da direita e os módulos estão relacionados à mão e ao braço, ao punho fechado, à largura da mão e ao cotovelo (comprimento do cotovelo no final do pulso). O corpo em pé media 18 punhos, ou 4 côvados ou 24 larguras de mão. Da testa "Testa (anatomia)") ao pescoço, duas algemas; do pescoço aos joelhos 10; dos joelhos até a sola dos pés 6, igual à largura dos ombros. No Período Tardio do Egito, a figura media cerca de 21 punhos de altura.[74].
Os artistas gregos da Idade de Ouro (século a.C.) já tinham seu cânone atribuído principalmente ao escultor Policleto e, embora desde então venha experimentando variações nas mãos de artistas antigos e modernos, como Albrecht Dürer, que nos últimos anos de sua vida se dedicou a compilar estudos teóricos que havia feito sobre o cânone humano no Tratado sobre as Proporções do Corpo, publicado postumamente em 1528,[75] e Leon Battista Alberti, que se interessou constantemente pela busca de regras, tanto teóricas quanto práticas, capazes de orientar o trabalho dos artistas; Em suas obras ele cita alguns cânones, por exemplo, em De statua, expõe as proporções do corpo humano.[76].
Foi finalmente consolidado pelo pintor Leonardo da Vinci, no final do século, e adotado pela maioria dos pintores e escultores. A medida fundamental do cânone florentino, tirada do homem bem constituído, está na cabeça. Esta é considerada, em altura, como um oitavo de todo o corpo, sendo o rosto um décimo dele e uma altura igual ao comprimento da mão. Com o homem em pé e estendendo os braços, ele determina um quadrado perfeito com as linhas que descem a prumo e passam pelas pontas das mãos e as que se estendem horizontalmente sobre a cabeça e sob os pés. As diagonais deste quadrado são cortadas na última vértebra lombar e fixadas no centro de toda a figura. Traçando uma linha horizontal através do referido ponto central, o homem é dividido em duas partes iguais e cada uma destas em duas outras, por linhas paralelas que cruzam o meio do peito e os joelhos. A cabeça é dividida em quatro partes iguais, sendo uma delas a altura do nariz.[77].
Materiais
Contenido
Los materiales empleados en escultura determinan un resultado del aspecto y textura de la obra con el que adquiere también diversas características. Con el uso de una piedra blanda es más difícil un resultado minucioso, por su desmoronamiento, con un material más duro como el granito, se requiere un mayor esfuerzo físico. Los detalles de formas delicadas y con calados se consiguen mejor con el uso de la madera, como lo demuestra, por ejemplo, los retablos góticos. El trabajo en arcilla permite diversos acabados desde el más fino y pulido a dejarlo con las señales propias de los dedos del artista. Finalmente es el escultor y su propósito el que consigue sacar del material la forma y la textura deseada.
Argila
É um dos materiais mais antigos utilizados pelo homem, pois é fácil de modelar e não necessita de utensílios especiais, pois basta usar as mãos. Com a argila você pode fazer moldes e depois trabalhar com outros materiais ou fazer reproduções. Se for utilizado como material definitivo, deve ser queimado; Neste caso é chamado de terracota. Para a preparação da argila, os processos de industrialização modificaram e amenizaram o trabalho manual de prensagem e desintegração da argila. Blocos preparados para uso por escultores já estão no mercado.[64].
Os tipos mais comuns de argila são:[78].
Pedra
Este material é utilizado desde a antiguidade porque é encontrado em abundância na natureza. Para trabalhar pedra são necessárias ferramentas especiais. A pedra foi utilizada nas Vênus paleolíticas, em estátuas gregas e posteriormente em cópias romanas, obras de grandes escultores renascentistas como Michelangelo, Donatello ou Bernini e tem sido utilizada há muito tempo em monumentos públicos, praticamente em todos os países.[79].
As pedras mais comuns na escultura são:
Estuque
É uma pasta feita de cal, pó de mármore, areia e cola de caseína. Já era utilizado na antiguidade na Grécia e em Roma para fazer moldes. A arte islâmica utilizou-o esculpindo-o como ornamentos muqarnas que podem ser vistos na Alhambra de Granada. No Renascimento, sua aplicação ressurgiu para moldes de gesso da natureza, ou seja, em diversas partes do corpo humano e para confecção de máscaras para os falecidos, que seus familiares posteriormente guardaram como lembrança. Mas talvez tenha sido no Barroco que foi mais utilizado, como motivo decorativo nos tectos dos palácios. No último século, escultores como George Segal e Claes Oldenburg criaram obras figurativas em gesso.[90][91].
Metal
As placas de cobre, bronze, ouro e prata podem ser utilizadas na técnica de produção direta, que é trabalhada com martelo, buril ou punção. Com pequenas peças ou baixos-relevos, utiliza-se o relevo. Para fazer uma escultura autônoma e maior, utiliza-se um corpo duro, geralmente de madeira, que é revestido com betume para melhor aderência das folhas que são fixadas com pregos ou com costuras com fios de metal. É preciso bater no metal e para continuar o trabalho é preciso aquecer as chapas, conseguindo assim elasticidade ao metal. Após esta primeira parte, o trabalho é retocado com buris e punções. No passado, estas esculturas eram muitas vezes feitas para serem utilizadas como relicários, deixando o interior vazio para a guarda das relíquias.[92].
Madeira
É um material muito apreciado pelos escultores, pelas suas propriedades físicas e bons resultados. Existem muitos tipos de madeira e dependendo da sua qualidade a escultura pode ser deixada na sua cor natural ou, pelo contrário, tingida com anilinas à base de água ou álcool, policromada ou protegida com goma-laca. As madeiras ditas nobres costumam ser deixadas na cor natural, protegidas com uma cera neutra. São nogueira, carvalho, faia, cedro, mogno e outros.[96].
A madeira é cortada pelo menos cinco anos antes da execução da obra, no inverno, quando a seiva está nas raízes e desta forma garante-se que esteja muito seca e sem provocar decomposição do material. As árvores possuem troncos com diâmetros mais ou menos limitados e isso obriga a preparar diferentes peças de acordo com as necessidades da obra. A madeira costuma ser adquirida em tábuas, que antes da colagem devem ser cortadas de acordo com o tamanho da peça a ser confeccionada; Para obter um bloco largo da mesma tábua, as diferentes peças devem ser colocadas umas sobre as outras na mesma direção da tábua original. Freqüentemente, as esculturas de madeira são iluminadas fazendo um buraco dentro delas.[97].
A escultura em madeira policromada tem ocupado um lugar importante no imaginário religioso. Uma vez esculpida a peça, era recoberta com uma camada de gesso, ou com um pano fino sobre o qual se colocava gesso como preparação e se pintava com têmpera ou tintas a óleo, às vezes dourando-as com folhas de ouro.
Marfim
O marfim é obtido das presas de vários animais, principalmente de elefantes. O trabalho foi realizado em todos os países, principalmente em África, no Japão, na China, na Índia, na região do Mediterrâneo e na Europa continental. O uso ornamental da talha já ocorria no Antigo Egito e na Mesopotâmia. É fácil de cortar e se quiser obter superfícies planas, corte as presas longitudinalmente e mergulhe-as numa mistura de óleo de amêndoa e vinagre. Quando esse líquido é absorvido, eles amolecem e podem ser levemente modelados.[99].
Teve um grande desenvolvimento na época românica em zonas de influência carolíngia. Obras de marfim eram aplicadas em objetos litúrgicos, capas de livros ou placas para fachadas de altares. Olifantes eram instrumentos de sopro esculpidos com delicadas miniaturas e feitos de presas de elefante, que faziam parte dos utensílios de caça dos cavaleiros durante a Idade Média. Acredita-se que o crucifixo de Dom Fernando e Dona Sancha, datado por volta do ano 1063, foi o primeiro feito na Hispânia que contém a representação da imagem de Cristo.[100] São famosas as esculturas de marfim feitas em Mechelen, Rubens chegou a desenhar esculturas que foram esculpidas neste material por Lucas Faydherbe (Mechelen, 1617-1697), que trabalhou durante três anos na oficina do pintor.[101].
Concreto
O uso do concreto na escultura é relativamente novo e tornou-se mais importante à medida que aumentou seu uso nas fachadas arquitetônicas dos edifícios. Diferentes texturas podem ser obtidas no concreto com o uso de cinzéis ou limas. É um material econômico e permite sua exposição ao ar livre. Henry Moore usou-o em vários trabalhos.[102] É utilizado fazendo um molde maciço dentro de um molde de gesso embebido em água, para evitar que aspire a água que esta mistura carrega na colocação da mistura de concreto. É aconselhável que a massa de concreto seja o mais compacta possível para manter sua densidade homogênea e evitar bolhas de ar no final. Podem ser utilizados moldes confeccionados com caixas de madeira previamente untadas com gorduras ou óleos.[103].
Para fazer o molde, o molde de gesso deve ser isolado com camadas de goma-laca. O concreto deve ser colocado em camadas e com pedaços de fibra de vidro adaptando-o ao formato final da escultura, devendo ser dadas duas ou três camadas intercaladas.[104].
O concreto também pode ser modelado em um revestimento normalmente feito com hastes de aço macio e uma malha metálica. Esta armadura é recoberta por uma espessa mistura de concreto, reforçando-a com fibra de vidro. Quando esta camada está quase seca, modela-se sobre ela, com outra massa de concreto mais espessa, até a finalização da obra.[105].
Técnicas
Os escultores costumam preparar seu trabalho construindo um pequeno modelo da figura, feito de barro ou gesso.[79] Este modelo equivale ao esboço do pintor ou ao plano "Plano (arquitetura)" do arquiteto. O procedimento fundamental e mais clássico é a escultura, utilizando cinzel, buril ou cinzel dependendo da necessidade. Até mesmo os procedimentos de fundição e moldagem exigem retoques de cinzel nos detalhes. Além disso, outras ações são utilizadas como modelagem ou fundição, cinzelamento, estampagem, incrustação, gravação e estampagem ou corte e vinco. É interessante perceber quão pouco as técnicas de modelagem e escultura mudaram ao longo do tempo, em comparação com as mudanças que ocorreram em outras técnicas de artes plásticas. Somente no século é que novos métodos de trabalho começaram a ser introduzidos.[106].
[73] ↑ Groves, Jeff David (30 de septiembre de 2004). Video sculpture:spatio-temporal warping (en inglés estadounidense). Texas A&M University. Consultado el 3 de diciembre de 2020.: https://oaktrust.library.tamu.edu/handle/1969.1/508
[74] ↑ Sureda 1988 Vol. I: p.191.
[75] ↑ Sureda 1988 Vol. VI: p.356.
[76] ↑ Sureda 1988 Vol. V: p.56.
[77] ↑ Biaggi 1983: p.437-447.
[78] ↑ Midgley 1982: p.36-37.
[79] ↑ a b Fuga 2004: p.153.
[80] ↑ Sureda 1988 Vol. I: p.205.
[81] ↑ Maltese 2001: p.24.
[82] ↑ Midgley 1982: p.122.
[83] ↑ Midgley 1982: p.123.
[84] ↑ Serra Subirà 1982: p.54.
[85] ↑ Frederick Hartt (1 de mayo de 1989). Arte: historia de la pintura, escultura y arquitectura. Ediciones AKAL. pp. 145-. ISBN 9788476004111. Consultado el 21 de noviembre de 2010. Escultura de esteatita.: http://books.google.com/books?id=4-PE1IzhRiMC&pg=PA145
[87] ↑ Julian Doyle; Bruce Dickinson (30 de mayo de 2008). Chemical Wedding. Troubador Publishing Ltd. pp. 40-. ISBN 9781906510909. Consultado el 21 de noviembre de 2010. Crani maia tallat en quars(en inglés).: http://books.google.com/books?id=nOhWmImmc1MC&pg=PA40
[116] ↑ Lajo Pérez, Rosina (1990). Léxico de arte. Madrid - España: Akal. p. 72. ISBN 978-84-460-0924-5. |fechaacceso= requiere |url= (ayuda).
Vênus de Willendorf
Vênus de Lespugue
Um dos avanços mais importantes da história da escultura foi a capacidade de trabalhar o metal – primeiro o bronze e depois o ferro – que serviu para fabricar ferramentas mais eficientes e, além disso, obter um novo material para fazer obras escultóricas. O processo de construir a obra primeiro em barro e depois fundi-la em bronze já era conhecido nas antigas civilizações gregas e pelos romanos, e é o sistema que atualmente, no século I, ainda é utilizado.[5] Do século AC. C., no último período da Idade do Ferro, os Celtas desenvolveram a cultura La Tène, espalhando-se por toda a Europa; Representou uma evolução da arte da cultura de Hallstatt. Na decoração de todos os seus objetos, espadas, escudos, broches e diademas, é possível ver motivos de animais, plantas e figuras humanas. Do século AC. C. as primeiras moedas foram cunhadas seguindo modelos helênicos, bem como obras figurativas como o Deus de Bouray, feito em folha de cobre gofrada.[6].
Muitas estátuas, geralmente femininas, e bustos de barro cozido são preservados da arte púnica e greco-púnica, juntamente com uma variedade de amuletos de marfim e metal que foram descobertos nas necrópoles de Ibiza e Formentera. Estima-se que as mais antigas sejam obras do século AC. C. e a sua fabricação continuou até muito avançado na dominação romana. No que diz respeito à escultura ibérica, as obras encontradas são em pedra e bronze e provêm de três grandes áreas do sul, centro e leste da Península Ibérica, destacando-se o excelente busto em pedra da Senhora de Elche, de inspiração grega.[7].
A estatuária arcaica era principalmente religiosa. Os templos eram decorados com imagens dos deuses, suas façanhas e batalhas, e as figuras eram irrealistas. Os korai e kouroi não são retratos de pessoas específicas, um sorriso fictício foi adicionado aos rostos, gesto facial conhecido no mundo da arte como “sorriso arcaico”. Desse período merece destaque a Cabeça de Dipylon, fragmento de uma colossal estátua de mármore do século AC. C. e o Rampin Horseman (c. 560 aC), obra posterior que apresenta um tratamento mais próximo do naturalismo.[8] A escultura grega atingiu um elevado grau de perfeição, qualidade que foi impulsionada pela procura de uma melhor expressão da beleza da figura humana; Eles vieram estabelecer um cânone com proporções consideradas “perfeitas”. Infelizmente, o Cocheiro de Delfos, o par de Bronze de Riace junto com o do Deus do Cabo Artemísio fazem parte das poucas esculturas de bronze gregas que foram preservadas completas.[9] Um dos artistas mais importantes do período clássico foi Praxíteles, autor do magnífico Hermes com Dionísio, o Menino. Durante o período helênico observa-se que na criação das esculturas há uma clara intenção de intensificar o movimento e acentuar as emoções como pode ser visto no grupo escultórico de Laocoön e seus filhos.[10].
A escultura etrusca (século I aC - século I aC) derivou da arte grega, mas também produziu obras com características próprias. A estatuária ligada a contextos funerários é a produção etrusca mais abundante e o material escolhido, regra geral, foi a terracota, como o famoso Sarcófago dos Esposos.[12] Mais tarde, a escultura romana foi influenciada pela escultura etrusca e grega, e os artistas romanos fizeram inúmeras cópias de obras gregas. Vale destacar as esculturas comemorativas, como as da Coluna de Trajano (114), onde diversas batalhas são narradas em uma espiral contínua que ocupa toda a superfície da coluna, ou a Estátua Equestre de Marco Aurélio.[13] Mas um dos tipos de escultura que mais se desenvolveu foram os retratos, obras realistas de marcado caráter psicológico que foram feitas em todo o Império Romano.[14].
As obras escultóricas mais destacadas do Império Bizantino são as obras ornamentais dos capitéis; Existem bons exemplos em San Vitale, em Ravenna. Eram comuns relevos de marfim aplicados em baús, dípticos ou na famosa Cadeira do Bispo Maximiliano, obra esculpida por volta do ano 550.[15] Característica da arte otoniana são as pequenas esculturas em marfim e bronze às quais foram acrescentadas incrustações de pedras preciosas. Também são feitas de bronze as portas da igreja de São Miguel em Hildesheim, obra relacionada à arte bizantina e à arte carolíngia. Vale destacar as imagens de madeira revestidas de ouro que serviam como relicário. Entre estes, destaca-se o Crucifixo Gero (séc.), em madeira policromada, que se encontra na Catedral de Colónia.[16].
A escultura românica (século - século) esteve ao serviço da arquitectura e muitos exemplares encontram-se em torno das grandes rotas de peregrinação, como o Caminho de Santiago.[17] Os escultores trataram diversas partes das igrejas - tímpano "Tímpano (arquitetura)", portais e capitéis com histórias sobre temas bíblicos - com grande realismo. O Maiestas Domini e o Juízo Final foram os temas iconográficos mais representados.[18] O material mais utilizado foi a madeira, que serviu para fazer imagens devocionais como as "Virgens com o Menino", amplamente representadas em toda a Catalunha e no sul da França. Mas, a imagem mais importante do românico foi o Cristo em Majestade, destacado pelo Volto Santo de Lucca, na Catedral de Milão, e também o Cristo de Mig Aran e o Majestade de Batlló no Museu Nacional de Arte da Catalunha.[19].
A porta da Catedral de Chartres (1145) é um dos primeiros exemplares da escultura gótica, e nela, entre outros personagens, estão representados animais fabulosos que dão forma às gárgulas "Gárgula (arquitetura)"). Na Alemanha, tanto no exterior como no interior da Catedral de Bamberg (século I) existem algumas esculturas muito significativas, um bom exemplo é a Estátua Equestre do Cavaleiro de Bamberg. Uma inovação são as esculturas de temática dramática, com cenas da Paixão de Cristo e da Pieta. No final do período gótico, foram realizados na Alemanha alguns magníficos retábulos, executados por artistas como Tilman Riemenschneider e Veit Stoss. No reino de Castela trabalharam os escultores Gil de Siloé e Alejo de Vahía.[20] Quanto ao reino de Aragão, Aloi de Montbrai realizou o Retábulo dos Alfaiates na Catedral de Tarragona e Pere Moragues esculpiu o túmulo de Fernández de Luna, peça que se encontra na Catedral de San Salvador em Saragoça. Também vale a pena destacar o relevo de São Jorge do Palácio da Generalitat da Catalunha executado por Pere Joan.[20] Claus Sluter, artista flamengo, fez a capa da cartuxa de Champmol (Dijon) e um pedestal do claustro conhecido como Poço de Moisés. Na Itália, em Pisa e Siena, os escultores Nicola Pisano e seu filho Giovanni Pisano deixaram obras de grande qualidade, onde já anunciam o passo para um novo tipo de escultura.[21][20].
Os historiadores da arte consideram que a escultura renascentista começou com o concurso para fazer as portas do batistério "Baptistério de São João (Florença)") (1401) na cidade de Florença, ao qual concorreram Filippo Brunelleschi e Lorenzo Ghiberti. A nova forma artística do Renascimento foi inspirada na escultura da antiguidade clássica, buscando uma exaltação total da beleza. A matemática tornou-se o seu principal auxílio, com a aplicação de certos princípios e leis em todas as artes, como a perspectiva. Surgiram grandes patronos, como os Médici de Florença, os papas de Roma, bem como cardeais, príncipes e também as guildas.[23] Nessa época, a escultura estava praticamente desvinculada da arquitetura e os personagens representados apresentavam expressões carregadas de dramatismo, o que pode ser visto em esculturas de Michelangelo como, por exemplo, David. Durante as diferentes etapas do quattrocento e do cinquecento na Itália, as melhores obras do Renascimento foram criadas graças à atividade de grandes escultores como Donatello, Jacopo della Quercia, Luca della Robbia, Andrea del Verrocchio e Michelangelo, o grande artista representativo. No resto da Europa, o novo estilo foi incorporado um pouco mais tarde e sob influência direta da Itália e dos seus escultores. Muitos deles viajaram para outros países: Andrea Sansovino o fez para Portugal e Pietro Torrigiano para Inglaterra, este artista foi posteriormente para Espanha, onde Domenico Fancelli e Jacopo Florentino também trabalharam em conjunto com os escultores de origem francesa, Felipe Bigarny e Juan de Juni. Vale destacar as obras de Bartolomé Ordóñez em Barcelona, no coro traseiro da catedral da cidade, e de Alonso Berruguete em Castela. Na Holanda, Conrad Meit era retratista e Jacques du Broeuq produziu inúmeras obras e foi professor de Giambologna que desenvolveria seu trabalho na Itália. Na França, foram feitas esculturas com grande influência italiana, por isso Pierre Puget foi considerado o "Bernini francês". Um dos temas mais comuns eram os monumentos sepulcrais, onde a figura do deitado era tratada com grande realismo; por exemplo, o Memorial de René Chalon de Ligier Richier.[26].
Giambologna é quem apresenta em suas esculturas, como O Rapto das Mulheres Sabinas, o estilo do Maneirismo. No final do cinquecento, os escultores tratavam as figuras alongando suas proporções e exibindo poses artificiais e opostas - mulher e homem, velhice e juventude, beleza e feiura -, e com a sinuosidade das formas em (serpentinata), uma espécie de movimento rotacional das figuras e grupos escultóricos.[27] O Concílio de Trento (1545-1563) marcou uma nova orientação nas imagens religiosas; Gian Lorenzo Bernini —autor de David, Apolo e Dafne "Apolo e Dafne (escultura de Bernini)") e Êxtase de Santa Teresa— foi o escultor que mais influenciou a escultura barroca, onde se buscavam efeitos emocionais e dramáticos. Na França, destacam-se o trabalho de Simon Guillain e Jacques Sarazin fazendo retratos da nobreza, o túmulo do Cardeal Richelieu, feito por François Girardon, e as esculturas no jardim do Palácio de Versalhes de Pierre Puget.[29] Neste período, surpreende a produção de escultura religiosa na Espanha, com esculturas para interiores de igrejas, fachadas, devoções privadas e para procissões da Semana Santa; Surgiram duas grandes escolas: a castelhana e a andaluza. Entre os escultores destacam-se Gregorio Fernández, Juan Martínez Montañés, Francisco Salzillo, Pedro de Mena e Alonso Cano.[30].
Em meados do século, as orientações de Winckelmann "nutrir o bom gosto nas fontes diretas e tomar como exemplo as obras dos gregos", fizeram com que muitos artistas se dedicassem a copiar em vez de imitar; chegou o neoclassicismo. A obra de Jean-Antoine Houdon, originalmente barroca, adotou um caráter sereno e verístico sem detalhes anedóticos, num processo para alcançar a beleza ideal da antiguidade clássica; Ele retratou muitos personagens da época, como Napoleão, Jean de la Fontaine, Voltaire, George Washington. Mas o escultor mais conhecido e inovador foi o italiano Antonio Canova, um autor muito versátil, algures entre o barroco, o rococó e o neoclassicismo. Por seu lado, a produção de Bertel Thorvaldsen seguiu a linha mais ortodoxa do neoclassicismo, com uma expressão mais fria e estática.[31] Na Catalunha destacou-se Damià Campeny, que viajou para Itália e recebeu a influência de Canova, tal como o andaluz José Álvarez Cubero.[32].
A partir do século, a mídia desempenhou um papel cada vez mais importante na divulgação da arte em todo o mundo. Os estilos desenvolveram-se cada vez mais rapidamente, quer coexistindo, justapondo-se ou confrontando-se entre si. A palavra vanguarda artística começou a ser utilizada no final do século, identificando assim artistas que promoviam atividades consideradas revolucionárias da arte, com o intuito de transformá-la. Caracterizavam-se pela liberdade de expressão e as primeiras tendências de vanguarda foram o cubismo e o futurismo. A escultura poderia deixar de imitar a realidade e valorizar o vazio, os jogos de luz ou volume negativo, ou poderia acrescentar movimento com ações mecânicas ou agentes atmosféricos. Vale destacar também o uso de novos materiais como aço, ferro, concreto e plásticos.[33].
Durante o Romantismo, o artista aspirava representar todo o ambiente do homem na "obra de arte total" que o pintor alemão Philipp Otto Runge havia imaginado. Sofia Figueroa") declarou que "de todas as artes, a que menos se presta à expressão romântica é, sem dúvida, a escultura...". É na França que surgiram algumas obras românticas, como A Marcha dos Voluntários de 1792 (ou A Marselhesa) de Sebastián Niño"), situada no Arco do Triunfo em Paris, e o artista Antoine Louis Barye com obras em animais.[34] Do Impressionismo, vale destacar as esculturas de dançarinos de Degas, nas quais reflete o momento gestual, ou as obras de Auguste Renoir que reproduziu suas próprias pinturas em relevos (Relevo (escultura)). Mas quem realmente foi um inovador foi Auguste Rodin que, assim como os impressionistas, desprezava a aparência externa do acabamento.[35][36] Modernismo "Modernismo (arte)") surgiu entre século e século. O estilo adotou nomes diferentes dependendo do país: Art nouveau na França, Estilo Moderno na Inglaterra, Sezession "Sezession (movimento artístico)") na Áustria e Jugendstil na Alemanha. Na Catalunha, (o modernismo catalão) teve um grande boom, embora tenha sido na arquitectura onde mais se destacou, constituiu um movimento que abarcou todas as artes e as esculturas foram feitas tanto em monumentos públicos como funerários e aplicadas à arquitectura, destacando-se, entre outros, os artistas: Agapito, Venancio Vallmitjana, Mariano Benlliure, Miguel Blay, Josep Llimona, Eusebio Arnau e Josep Clarà. Medardo Rosso conseguiu extraordinários efeitos originais com suas figuras de gesso revestidas de cera. Aristide Maillol, incluído nos escultores do simbolismo, realizou obras de nus femininos inscritos em volumes geométricos com grande vitalidade, este tipo de escultura é denominado mediterrâneo. Manolo Hugué também entra nesta mesma linha mediterrânica, embora com origens mais ou menos cubistas.[38].
Picasso explorou a escultura cubista, dividindo o volume em planos geométricos. Em algumas obras utilizou elementos como corda, arame ou madeira bruta. Aleksandr Rodchenko – escultor, pintor, designer gráfico e fotógrafo russo –, Jacques Lipchitz e Constantin Brancusi, inovaram ao buscar o vazio, alcançando a simplificação para alcançar formas perfeitas através dos materiais utilizados.[39] Umberto Boccioni soube transferir temas do futurismo para a escultura, como o dinamismo e a introdução de todos os tipos de materiais; submetido à arte figurativa, Formas únicas de continuidade no espaço (1913) foi uma das obras-chave deste movimento.[40] Marcel Duchamp, um dos primeiros escultores do dadaísmo, por volta de 1913 fez esculturas a partir de objetos vulgares, o que foi chamado de arte encontrada ou ready-made, a primeira obra foi uma roda de bicicleta em um banquinho.[41] Construtivismo "Construtivismo (arte)") foi um movimento que apareceu na Rússia depois de Outubro. Revolução de 1917; Artistas como Vladimir Tatlin, os irmãos Naum Gabo e Antoine Pevsner influenciaram consideravelmente a arte contemporânea.[42] O neoplasticismo (De Stijl), na mesma época (1917), buscava a renovação estética e a configuração de uma nova ordem harmoniosa de valor universal, com uma estrutura baseada na harmonia de linhas e massas retangulares de diversas proporções, com destaque para a obra de Georges Vantongerloo.[43] Alguns pintores surrealistas, realizaram esculturas relacionadas aos seus. ideias pictóricas; Vale citar Max Ernst (Moon Asparagus, 1935) e Joan Miró, que usaram corda e pedaços de metal combinados.[44].
Entre as duas guerras mundiais, ocorreu na Itália um movimento escultórico fiel à tradição da figuração italiana, liderado por Arturo Martini. Neste período também se destacam Julio González e Pablo Gargallo, com suas primeiras obras de cunho modernista "Modernismo (arte)"), mas a partir de 1927 realizaram testes com ferragens; Julio González inovou com a soldagem autógena, um estilo mais experimental no abstrato.[45] Nessa época Henry Moore contribuiu para o desenvolvimento da arte de vanguarda, embora sua obra não pertença a nenhum movimento específico; Ele criou imagens figurativas e estudou o volume no espaço.[46] Tal como Moore, o suíço Alberto Giacometti esteve relacionado com o surrealismo, mas a partir de 1947 optou pela corrente figurativa, com estruturas onde dominam figuras muito alongadas. Outros escultores abstratos podem ser citados, como Barbara Hepworth, Alexander Calder, Alberto Sánchez Pérez, Pablo Serrano Aguilar, Jorge Oteiza e Eduardo Chillida.[47] A partir da década de 1970, surgem novos movimentos artísticos, como a arte minimalista, conceitual, a chamada land art, a arte povera, o hiperrealismo, a performance ou o pós-modernismo, com artistas como David Smith "David Smith (escultor)"), Roy Lichtenstein, Donald Judd, Carl Andre, Dan Flavin, Sol LeWitt, Richard Serra, Dennis Oppenheim, Christo e Jeanne-Claude, Antonio López García e Yayoi Kusama entre outros.[48].
Escultura africana
Materiais mais duráveis, como a pedra, eram usados no Antigo Egito. Chegaram a fazer esculturas altamente aperfeiçoadas, que permaneceram inalteradas durante muitos séculos.[49] Representavam divindades, faraós e outras figuras importantes, embora também fizessem pequenas peças de figuras nas quais se refletia o trabalho doméstico. Muitas dessas obras foram encontradas nas câmaras sepulcrais.
A escultura africana tem sido essencialmente de natureza religiosa, do tipo animismo e por isso a sua veneração tem sido na crença dos espíritos da natureza e na veneração dos seus mortos, a morte não representa o seu fim, mas vive no reino dos espíritos. Essa crença na presença de espíritos faz com que sejam realizados rituais, onde as obras de arte atuam como médium. Estas obras são geralmente máscaras, esculturas antropomórficas independentes ou outros objetos de culto. Os objetos de madeira eram confeccionados a partir de um tronco ou galho de árvore com a técnica de entalhe direto, ou seja, a partir de uma peça cilíndrica que era baixada e esculpida com ferramentas primitivas. A argila também foi usada na Nigéria pela cultura Nok, por volta de 500 AC. C., pedra ou marfim. As máscaras são fabricadas em quase todo o continente; os “Baga” que ocupam parte da Guiné usam uma máscara com cabeça de crocodilo e longos chifres listrados. São máscaras cobertas por uma crosta formada por sangue seco, terra e suco de sementes trituradas, máscaras com nariz grande que se alonga formando um bico; Existem decorações de conchas e cristais. Em Ifé e Benin, os iorubás trabalharam terracota e bronze para seus reis desde o século XVII, em placas em relevo ou cabeças em tamanho natural. Na Costa do Marfim, os Baulé, além de esculturas e máscaras autônomas, esculpiam os lintéis das portas de suas casas com motivos geométricos.[50].
Escultura da América
A escultura e os relevos independentes constituíram uma importante manifestação artística do povo americano. Entre outras civilizações destacaram-se os olmecas, maias e toltecas no México e os incas no Peru. Dentro da sua diversidade, existem alguns traços comuns na escultura deste povo, a sua associação à arquitectura em que esculturas e relevos adornam paredes e pilastras, e no seu carácter religioso com cenas de deuses, demónios, ritos sagrados ou guerreiros. Na escultura olmeca destaca-se a tentativa de reproduzir o rosto humano com grande realismo. Nas enormes cabeças de La Venta podem ser vistos traços particulares como o nariz largo, os olhos oblíquos e a boca com lábios grandes. Essas cabeças são todas feitas de blocos monolíticos e atingem mais de três metros de altura. Em Tollan-Xicocotitlan há guerreiros gigantescos com cerca de cinco metros de altura sobre uma base retangular, com roupas de guerra e capacetes na cabeça. Os maias fizeram figuras em jade e a escultura foi maioritariamente fixada nos templos de Palenque "Palenque (zona arqueológica)"), Tikal e Chichén Itzá, de onde vem uma das esculturas mais famosas, Chac Mool. Este tipo de escultura foi encontrada em vários templos de influência tolteca.[51] A primeira civilização do Peru, segundo dados arqueológicos revisados por radiocarbono, remonta a cerca de 1250 aC. C. e chama-se Chavin de Huántar, onde foi encontrado o que deveria ser o maior templo desta civilização. O exterior do edifício é adornado com esculturas, a maioria delas em baixo-relevo, e também foram encontradas estelas com gravuras de cobras e crocodilos. Outra cultura nasceu no período entre 900 e 1430, o povo Inca no sul do Peru, que por volta de 1200, foi adquirindo grande poder até a chegada dos espanhóis em 1532. Há pouca escultura monumental, mas eram grandes trabalhadores com domínio da metalurgia, principalmente do ouro, onde incrustavam pedras preciosas.
Escultura asiática
Na Mesopotâmia, devido à escassez de pedreiras, a escultura era feita principalmente de barro; nas escavações de Ur (4.000 a.C.) foram encontradas numerosas pequenas estátuas deste material. Os sumérios desenvolveram e difundiram para outras civilizações o uso do tijolo, no qual um relevo era esculpido e depois esmaltado. Alguns exemplos muito representativos são os que adornam os palácios, também as superfícies sepulcrais persas do palácio de Persépolis e o Friso dos arqueiros, obra em tijolo esmaltado encontrada no Palácio Real de Susa (404-359 a.C.).[53].
A história da escultura indiana começou por volta de 2.500 AC. C. em uma área ao longo de 1.500 quilômetros ao longo das bacias dos rios Ravi e Sutlej, onde se estabeleceu a cultura do Vale do Indo. Suas principais cidades eram Harappa e Mohenjo-Daro, onde em escavações arqueológicas do século I foram encontradas uma grande variedade de esculturas em terracota representando figuras humanas com símbolos relacionados à fertilidade, bem como uma pequena Bailarina em bronze e um Busto de um rei-sacerdote em pedra-sabão. Por volta de 1500 AC. C. a cultura do Indo extinguiu-se e por muito tempo entrou-se num período sem manifestações artísticas conhecidas, até o século AC. C., quando se formou o império Maurya e durante o qual foram colocadas grandes colunas, algumas ainda in situ, de forma escultórica terminando num capitel que sustentava uma escultura de temática animal, sendo a mais famosa a Capital dos Leões em Sarnath. Desse mesmo período existem esculturas com representações de divindades masculinas e femininas, entre as quais se destaca o Iaksí do museu de Patna, que apresenta grande exuberância dos seios, quadris largos e cintura estreita, características que se repetem na demonstração do ideal de beleza feminina na cultura indiana.[55].
Durante o Império Kushan houve grande desenvolvimento cultural e as tradições do Budismo e do Hinduísmo foram acrescentadas na região de Gandhara, cuja arte é chamada de "Greco-Budista" devido à influência da Grécia clássica nas imagens de Buda feitas neste período.
No Império Gupta tornou-se uma “arte clássica” onde se alcançavam linhas puras e formas de equilíbrio harmonioso, eram representadas as divindades Brahmá, Vishnu e Shiva. Na escultura do Sul da Índia, em Mahabalipuram, há templos escavados na rocha decorados com magníficos relevos, incluindo a Descida do Ganges da época da dinastia Pallava. Desde o século, o erotismo tem sido o tema principal das cenas em muitos templos, onde estão representadas ilustrações do Kama Sutra. Apesar da conquista muçulmana, no sul do país continuou a tradição da sua escultura, que gradualmente se transformou numa clara fase do barroquismo vigente até ao século XIX.[57].
Durante a dinastia Tang (618-907) os chineses fabricaram uma grande quantidade de terracota feita sob pressão através de moldes. E também na China foram encontrados os sete mil guerreiros em tamanho real da dinastia Qin, que, embora os rostos sejam todos diferentes, e portanto modelados à mão, parece que foi usado um molde para os corpos; Eles datam de aproximadamente 200 AC. C.[58] Quando o Budismo foi introduzido na China, houve a necessidade de fazer representações escultóricas. O mais antigo conhecido é um de bronze dourado datado do ano 338 e acredita-se que tenha sido uma réplica de um de Gandhara. Santuários com estátuas colossais de Buda foram construídos nas Grutas de Yungang, na cidade de Datong. Na última fase da dinastia Tang, os trabalhos de estatuetas de cerâmica com temas diversos deram-nos uma nova visão da escultura, diferente e distante da escultura budista. A partir daqui a escultura entra em claro declínio, embora na dinastia Ming se instalassem grandes imagens nas suas obras arquitectónicas como “guardiãs” das portas dos grandes palácios ou complexos funerários, é ainda nas pequenas esculturas em jade ou em cerâmica onde se encontram as melhores representações. No século e devido às transformações ideológicas dos seus dirigentes, a escultura monumental voltou a ser realizada com um marcado estilo realista para exaltar os feitos da Revolução.[59].
Do período Jōmon, por volta do século AC. C., junto com a cerâmica, foram encontradas pequenas estátuas religiosas ou funerárias com decoração geométrica e, posteriormente, no final do século, em alguns túmulos do período Yayoi, ídolos de terracota em forma de animais chamados haniwa. Foi no período Asuka e com a chegada do Budismo que a escultura alcançou grande importância, foi quando o escultor Kuratsukuri Tori"), de ascendência chinesa, entrou ao serviço do imperador. Outros escultores contribuíram com influências coreanas e todos trabalharam com bronze, madeira e terracota em imagens de Buda, que no Japão adquiriu nomes como Maitreya. No período Nara a escultura pouco mudou, a madeira foi tratada com laca e gesso policromado. No séc. Período Kamakura, o escultor Jochi alcançou grande renome e teve numerosos discípulos, que formaram oficinas onde criaram divindades de aparência terrível, para afugentar as forças do mal. A escultura teve uma aplicação decrescente devido ao boom que a pintura adquiriu naquela época, foram feitas algumas esculturas de monges Zen e máscaras para atores do Teatro nº.
Escultura da Oceania
A arte dos nativos australianos restringe-se às suas tradições e aos materiais de que dispõem, como madeira, cascas de árvores e pontas de sílex. Decoram os escudos com linhas geométricas, fazem "churingas" constituídas por pedras planas de carácter totémico onde gravam motivos em relação aos seus antepassados.
A criação de obras dos melanésios apresenta uma grande variedade de estilos e formas. A Nova Guiné destaca-se pelos desenhos dos seus objectos, existem alguns de carácter sagrado que só podem ser vistos pelos "iniciados", existem algumas casas de uso exclusivo dos homens onde estão esculpidos todos os troncos que formam os pilares "Pilar (arquitectura)") que sustentam o telhado representando seres totémicos, nestas casas são mantidas as talhas que representam os seus antepassados, máscaras e assentos totalmente gravados com decorações de figuras humanas ou animais.
Nas Novas Hébridas, a escultura está relacionada com cerimónias religiosas, as estátuas representam figuras dos seus mortos e as máscaras são utilizadas para cerimónias funerárias. Na Nova Irlanda existe uma grande abundância de objetos, também de madeira esculpida onde estão inseridas conchas, cascas de outras árvores e pedras, que estão relacionadas com atos rituais. Nas Ilhas Salomão, embora façam máscaras, as mais notáveis são as figuras humanas ou de animais. Nas Ilhas Marquesas conseguiu-se grande virtuosismo na construção de canoas onde a proa e a popa eram decoradas com uma profusão de talha. Nestas ilhas, antigamente as imagens eram esculpidas em pedra vulcânica. Nas Ilhas Cook, as imagens veneradas mostravam rostos com olhos e bocas grandes e o resto do corpo em proporção muito pequena.[62].
Os Maori da Nova Zelândia construíram casas com grande frontão "Fronton (arquitetura)") totalmente decoradas com figuras antropomórficas de expressão ameaçadora, além de pingentes esculpidos em nefrita (hei tiki). Na Ilha de Páscoa existem os moai, enormes figuras antropomórficas de 4 a 5 metros de altura, feitas de tufo vulcânico do vulcão Rano Raraku, onde se encontram algumas figuras em diferentes fases de construção, pelo que se acredita que foram trabalhadas in situ, a partir daí e presume-se que arrastadas com recurso a cordas, foram distribuídas pelos vários pontos da ilha.[63].
Função de escultura
Os povos da pré-história fizeram as primeiras esculturas de barro representando figuras humanas ou animais, secaram-nas ao sol e provavelmente foram utilizadas para fins religiosos ou mágicos.[4] Às vezes eram simples amuletos ou figuras votivas, que foram encontradas em algumas civilizações e culturas, em sepulturas ou em templos como oferendas votivas.[64] Entre os meios de culto a pessoas que já haviam deixado este mundo, vale destacar os crânios humanos encontrados em Jericó (7.000 a.C.), convertidos em suporte. para a reprodução, em gesso, do falecido como máscara, acrescentando conchas que representavam os olhos.[65].
Os egípcios acreditavam que para o faraó viver após sua morte, ele precisava de uma imagem com sua representação para favorecer a sobrevivência da alma.[66] Da mesma forma, foram utilizados símbolos com um forte significado na estrutura e clareza da mensagem que se pretendia transmitir: a harmonia e a ordem tinham que ser mantidas, pois qualquer desvio tinha impacto na vida após a morte, a hierarquia social era representada, entre outras formas, com tamanhos diferentes para personagens diferentes, assim o faraó costumava ser a figura maior, por exemplo. por exemplo, Ramsés II no Grande Templo de Abu Simbel.
As representações romanas do imperador Augusto, mais do que retratos pessoais, tinham a função de apresentá-lo ao povo com o símbolo de uma imagem de poder supremo, como a conhecida escultura de Augusto da Prima Porta, onde exerce a função de máximo poder militar e em outro retrato do mesmo imperador, em Augusto da via Labicana, ele está vestido com uma toga que lhe cobre a cabeça, segundo o Pontifex Maximus.[67].
Mais tarde, durante a Idade Média, na época da arte românica, a escultura românica teve uma estreita relação com a arquitectura e cumpriu, para além da sua função estética, uma função didáctica ou pedagógica, de explicar certas passagens ou conceitos ao povo. Assim, era comum referir-se aos relevos do tímpano "Tímpano (arquitetura)") dos pórticos como "catecismos de pedra" ou "bíblias de pedra", executados para ilustrar e explicar histórias à população analfabeta. Um exemplo é o Pórtico de Santa María de Ripoll.[68] Nesta função religiosa a criação de imagens transcendeu a aparência que deve ser dada à escultura com a crença de confundir a imagem com a do deus representado, isso aconteceu da imagem de Buda à de Cristo.[67].
A função ornamental pode estar ligada a algumas das outras funções, embora por vezes possa ser o objetivo principal, como é o caso da decoração vegetal ou geométrica. Nos estilos anicônicos, como o islâmico ou o hebraico"), desempenha um papel fundamental. A função prática é quando sua utilidade é para algum uso especial, isso é visto em altares portáteis e desde tempos muito antigos, nos dípticos de relevos de marfim, que eram levemente esvaziados por dentro, para poder colocar uma camada de cera onde as mensagens eram gravadas e uma folha era fechada sobre a outra, para enviá-la ao seu destinatário. Como a cera era fácil de apagar e reescrever, o mesmo díptico foi usado para a resposta.[69].
Outra função da escultura é o colecionismo, que ganhou importância após o Renascimento, quando nobres adquiriam obras de escultura para decorar seus palácios ou jardins. Mais tarde, a partir do século XIX, monarcas, empresários, burgueses e colecionadores utilizaram-no como meio de investimento económico "Investimento (economia)"), auto-satisfação e forma de prestígio.[70].
Tipos de escultura
A escultura divide-se em dois grandes ramos, estatuária e escultura ornamental, dependendo se representa a forma humana e expressa as concepções supra-sensíveis do homem ou se preocupa em reproduzir artisticamente outros seres da natureza, animais ou plantas. A primeira é apropriadamente chamada de escultura e tem um ideal próprio, a segunda desempenha um papel secundário ao servir de auxiliar da primeira e da arquitetura.
Cânon de proporções
O cânone "Cânon (arte)") é o conjunto de proporções ideais da figura humana e suas regras de composição, amplamente utilizado pelos antigos artistas egípcios e gregos. Representa na escultura e na pintura o que o módulo faz na arquitetura.
Os egípcios tinham um padrão para a representação do corpo humano em relevos, denominado cânone de perfil. O modelo foi a figura da direita e os módulos estão relacionados à mão e ao braço, ao punho fechado, à largura da mão e ao cotovelo (comprimento do cotovelo no final do pulso). O corpo em pé media 18 punhos, ou 4 côvados ou 24 larguras de mão. Da testa "Testa (anatomia)") ao pescoço, duas algemas; do pescoço aos joelhos 10; dos joelhos até a sola dos pés 6, igual à largura dos ombros. No Período Tardio do Egito, a figura media cerca de 21 punhos de altura.[74].
Os artistas gregos da Idade de Ouro (século a.C.) já tinham seu cânone atribuído principalmente ao escultor Policleto e, embora desde então venha experimentando variações nas mãos de artistas antigos e modernos, como Albrecht Dürer, que nos últimos anos de sua vida se dedicou a compilar estudos teóricos que havia feito sobre o cânone humano no Tratado sobre as Proporções do Corpo, publicado postumamente em 1528,[75] e Leon Battista Alberti, que se interessou constantemente pela busca de regras, tanto teóricas quanto práticas, capazes de orientar o trabalho dos artistas; Em suas obras ele cita alguns cânones, por exemplo, em De statua, expõe as proporções do corpo humano.[76].
Foi finalmente consolidado pelo pintor Leonardo da Vinci, no final do século, e adotado pela maioria dos pintores e escultores. A medida fundamental do cânone florentino, tirada do homem bem constituído, está na cabeça. Esta é considerada, em altura, como um oitavo de todo o corpo, sendo o rosto um décimo dele e uma altura igual ao comprimento da mão. Com o homem em pé e estendendo os braços, ele determina um quadrado perfeito com as linhas que descem a prumo e passam pelas pontas das mãos e as que se estendem horizontalmente sobre a cabeça e sob os pés. As diagonais deste quadrado são cortadas na última vértebra lombar e fixadas no centro de toda a figura. Traçando uma linha horizontal através do referido ponto central, o homem é dividido em duas partes iguais e cada uma destas em duas outras, por linhas paralelas que cruzam o meio do peito e os joelhos. A cabeça é dividida em quatro partes iguais, sendo uma delas a altura do nariz.[77].
Materiais
Contenido
Los materiales empleados en escultura determinan un resultado del aspecto y textura de la obra con el que adquiere también diversas características. Con el uso de una piedra blanda es más difícil un resultado minucioso, por su desmoronamiento, con un material más duro como el granito, se requiere un mayor esfuerzo físico. Los detalles de formas delicadas y con calados se consiguen mejor con el uso de la madera, como lo demuestra, por ejemplo, los retablos góticos. El trabajo en arcilla permite diversos acabados desde el más fino y pulido a dejarlo con las señales propias de los dedos del artista. Finalmente es el escultor y su propósito el que consigue sacar del material la forma y la textura deseada.
Argila
É um dos materiais mais antigos utilizados pelo homem, pois é fácil de modelar e não necessita de utensílios especiais, pois basta usar as mãos. Com a argila você pode fazer moldes e depois trabalhar com outros materiais ou fazer reproduções. Se for utilizado como material definitivo, deve ser queimado; Neste caso é chamado de terracota. Para a preparação da argila, os processos de industrialização modificaram e amenizaram o trabalho manual de prensagem e desintegração da argila. Blocos preparados para uso por escultores já estão no mercado.[64].
Os tipos mais comuns de argila são:[78].
Pedra
Este material é utilizado desde a antiguidade porque é encontrado em abundância na natureza. Para trabalhar pedra são necessárias ferramentas especiais. A pedra foi utilizada nas Vênus paleolíticas, em estátuas gregas e posteriormente em cópias romanas, obras de grandes escultores renascentistas como Michelangelo, Donatello ou Bernini e tem sido utilizada há muito tempo em monumentos públicos, praticamente em todos os países.[79].
As pedras mais comuns na escultura são:
Estuque
É uma pasta feita de cal, pó de mármore, areia e cola de caseína. Já era utilizado na antiguidade na Grécia e em Roma para fazer moldes. A arte islâmica utilizou-o esculpindo-o como ornamentos muqarnas que podem ser vistos na Alhambra de Granada. No Renascimento, sua aplicação ressurgiu para moldes de gesso da natureza, ou seja, em diversas partes do corpo humano e para confecção de máscaras para os falecidos, que seus familiares posteriormente guardaram como lembrança. Mas talvez tenha sido no Barroco que foi mais utilizado, como motivo decorativo nos tectos dos palácios. No último século, escultores como George Segal e Claes Oldenburg criaram obras figurativas em gesso.[90][91].
Metal
As placas de cobre, bronze, ouro e prata podem ser utilizadas na técnica de produção direta, que é trabalhada com martelo, buril ou punção. Com pequenas peças ou baixos-relevos, utiliza-se o relevo. Para fazer uma escultura autônoma e maior, utiliza-se um corpo duro, geralmente de madeira, que é revestido com betume para melhor aderência das folhas que são fixadas com pregos ou com costuras com fios de metal. É preciso bater no metal e para continuar o trabalho é preciso aquecer as chapas, conseguindo assim elasticidade ao metal. Após esta primeira parte, o trabalho é retocado com buris e punções. No passado, estas esculturas eram muitas vezes feitas para serem utilizadas como relicários, deixando o interior vazio para a guarda das relíquias.[92].
Madeira
É um material muito apreciado pelos escultores, pelas suas propriedades físicas e bons resultados. Existem muitos tipos de madeira e dependendo da sua qualidade a escultura pode ser deixada na sua cor natural ou, pelo contrário, tingida com anilinas à base de água ou álcool, policromada ou protegida com goma-laca. As madeiras ditas nobres costumam ser deixadas na cor natural, protegidas com uma cera neutra. São nogueira, carvalho, faia, cedro, mogno e outros.[96].
A madeira é cortada pelo menos cinco anos antes da execução da obra, no inverno, quando a seiva está nas raízes e desta forma garante-se que esteja muito seca e sem provocar decomposição do material. As árvores possuem troncos com diâmetros mais ou menos limitados e isso obriga a preparar diferentes peças de acordo com as necessidades da obra. A madeira costuma ser adquirida em tábuas, que antes da colagem devem ser cortadas de acordo com o tamanho da peça a ser confeccionada; Para obter um bloco largo da mesma tábua, as diferentes peças devem ser colocadas umas sobre as outras na mesma direção da tábua original. Freqüentemente, as esculturas de madeira são iluminadas fazendo um buraco dentro delas.[97].
A escultura em madeira policromada tem ocupado um lugar importante no imaginário religioso. Uma vez esculpida a peça, era recoberta com uma camada de gesso, ou com um pano fino sobre o qual se colocava gesso como preparação e se pintava com têmpera ou tintas a óleo, às vezes dourando-as com folhas de ouro.
Marfim
O marfim é obtido das presas de vários animais, principalmente de elefantes. O trabalho foi realizado em todos os países, principalmente em África, no Japão, na China, na Índia, na região do Mediterrâneo e na Europa continental. O uso ornamental da talha já ocorria no Antigo Egito e na Mesopotâmia. É fácil de cortar e se quiser obter superfícies planas, corte as presas longitudinalmente e mergulhe-as numa mistura de óleo de amêndoa e vinagre. Quando esse líquido é absorvido, eles amolecem e podem ser levemente modelados.[99].
Teve um grande desenvolvimento na época românica em zonas de influência carolíngia. Obras de marfim eram aplicadas em objetos litúrgicos, capas de livros ou placas para fachadas de altares. Olifantes eram instrumentos de sopro esculpidos com delicadas miniaturas e feitos de presas de elefante, que faziam parte dos utensílios de caça dos cavaleiros durante a Idade Média. Acredita-se que o crucifixo de Dom Fernando e Dona Sancha, datado por volta do ano 1063, foi o primeiro feito na Hispânia que contém a representação da imagem de Cristo.[100] São famosas as esculturas de marfim feitas em Mechelen, Rubens chegou a desenhar esculturas que foram esculpidas neste material por Lucas Faydherbe (Mechelen, 1617-1697), que trabalhou durante três anos na oficina do pintor.[101].
Concreto
O uso do concreto na escultura é relativamente novo e tornou-se mais importante à medida que aumentou seu uso nas fachadas arquitetônicas dos edifícios. Diferentes texturas podem ser obtidas no concreto com o uso de cinzéis ou limas. É um material econômico e permite sua exposição ao ar livre. Henry Moore usou-o em vários trabalhos.[102] É utilizado fazendo um molde maciço dentro de um molde de gesso embebido em água, para evitar que aspire a água que esta mistura carrega na colocação da mistura de concreto. É aconselhável que a massa de concreto seja o mais compacta possível para manter sua densidade homogênea e evitar bolhas de ar no final. Podem ser utilizados moldes confeccionados com caixas de madeira previamente untadas com gorduras ou óleos.[103].
Para fazer o molde, o molde de gesso deve ser isolado com camadas de goma-laca. O concreto deve ser colocado em camadas e com pedaços de fibra de vidro adaptando-o ao formato final da escultura, devendo ser dadas duas ou três camadas intercaladas.[104].
O concreto também pode ser modelado em um revestimento normalmente feito com hastes de aço macio e uma malha metálica. Esta armadura é recoberta por uma espessa mistura de concreto, reforçando-a com fibra de vidro. Quando esta camada está quase seca, modela-se sobre ela, com outra massa de concreto mais espessa, até a finalização da obra.[105].
Técnicas
Os escultores costumam preparar seu trabalho construindo um pequeno modelo da figura, feito de barro ou gesso.[79] Este modelo equivale ao esboço do pintor ou ao plano "Plano (arquitetura)" do arquiteto. O procedimento fundamental e mais clássico é a escultura, utilizando cinzel, buril ou cinzel dependendo da necessidade. Até mesmo os procedimentos de fundição e moldagem exigem retoques de cinzel nos detalhes. Além disso, outras ações são utilizadas como modelagem ou fundição, cinzelamento, estampagem, incrustação, gravação e estampagem ou corte e vinco. É interessante perceber quão pouco as técnicas de modelagem e escultura mudaram ao longo do tempo, em comparação com as mudanças que ocorreram em outras técnicas de artes plásticas. Somente no século é que novos métodos de trabalho começaram a ser introduzidos.[106].
[73] ↑ Groves, Jeff David (30 de septiembre de 2004). Video sculpture:spatio-temporal warping (en inglés estadounidense). Texas A&M University. Consultado el 3 de diciembre de 2020.: https://oaktrust.library.tamu.edu/handle/1969.1/508
[74] ↑ Sureda 1988 Vol. I: p.191.
[75] ↑ Sureda 1988 Vol. VI: p.356.
[76] ↑ Sureda 1988 Vol. V: p.56.
[77] ↑ Biaggi 1983: p.437-447.
[78] ↑ Midgley 1982: p.36-37.
[79] ↑ a b Fuga 2004: p.153.
[80] ↑ Sureda 1988 Vol. I: p.205.
[81] ↑ Maltese 2001: p.24.
[82] ↑ Midgley 1982: p.122.
[83] ↑ Midgley 1982: p.123.
[84] ↑ Serra Subirà 1982: p.54.
[85] ↑ Frederick Hartt (1 de mayo de 1989). Arte: historia de la pintura, escultura y arquitectura. Ediciones AKAL. pp. 145-. ISBN 9788476004111. Consultado el 21 de noviembre de 2010. Escultura de esteatita.: http://books.google.com/books?id=4-PE1IzhRiMC&pg=PA145
[87] ↑ Julian Doyle; Bruce Dickinson (30 de mayo de 2008). Chemical Wedding. Troubador Publishing Ltd. pp. 40-. ISBN 9781906510909. Consultado el 21 de noviembre de 2010. Crani maia tallat en quars(en inglés).: http://books.google.com/books?id=nOhWmImmc1MC&pg=PA40