Desde o início do debate Poussiniste-Rubeniste, muitos artistas trabalharam entre os dois estilos. No século XX, com a reativação do debate, a atenção e os objetivos do mundo da arte passaram a sintetizar a linha do Neoclassicismo com a cor do Romantismo. Os críticos reivindicaram a síntese de um artista após o outro, incluindo Théodore Chassériau, Ary Scheffer, Francesco Hayez, Alexandre-Gabriel Decamps e Thomas Couture. William-Adolphe Bouguereau, mais tarde um artista acadêmico, comentou que o truque para ser um bom pintor é ver "cor e linha como a mesma coisa".

Thomas Couture promoveu a mesma ideia num livro de sua autoria sobre método artístico, argumentando que sempre que se dizia que uma pintura tinha melhor cor ou melhor linha era um absurdo, porque sempre que a cor parecia brilhante dependia da linha para transmiti-la, e vice-versa; e essa cor era na verdade uma forma de falar sobre o “valor” da forma.

Outra evolução desse período foi a adoção de estilos históricos para mostrar a época da história que a pintura representava, que foi chamada de historicismo&action=edit&redlink=1 "Historicismo (arte) (ainda não escrita)"). O melhor exemplo disso é o trabalho do Barão Jan August Hendrik Leys"), que mais tarde influenciou James Tissot. Também é visto no desenvolvimento do estilo Neo-Grec"). O historicismo também é entendido como a crença e a prática associada à arte acadêmica de que as inovações das diversas tradições artísticas do passado devem ser incorporadas e reconciliadas.

No mundo da arte, cada vez mais atenção também foi dada à alegoria na arte. Teorias sobre a importância da linha e da cor afirmavam que através desses elementos o artista exerce controle sobre o meio para criar efeitos psicológicos, nos quais temas, emoções e ideias podem ser representados. À medida que os artistas tentavam sintetizar essas teorias na prática, aumentava a atenção sobre a obra de arte como veículo alegórico ou figurativo. Sustentava-se que as representações na pintura e na escultura deveriam evocar formas ou ideais platônicos, onde por trás das representações comuns algo abstrato, alguma verdade eterna, pudesse ser vislumbrado. Daí a famosa reflexão de Keats “Beleza é verdade, verdade é beleza”. Desejava-se que as pinturas fossem uma “idée”, uma ideia plena e completa. Sabe-se que Bouguereau disse que não pintaria “uma guerra”, mas que pintaria “a guerra”. Muitas pinturas de artistas acadêmicos são simples alegorias da natureza com títulos como Sunrise, Sunset, See e Taste, em que essas ideias são personificadas por uma única figura nua, composta de forma a revelar a essência da ideia.

A tendência artística também se orienta para um maior idealismo&action=edit&redlink=1 "Idealismo (artes) (ainda não escrito)"), ao contrário do realismo&action=edit&redlink=1 "Realismo (artes) (ainda não escrito)"), no sentido de que as figuras representadas tornam-se mais simples e abstratas - idealizadas - de forma a representarem os ideais que representam. Tratava-se de generalizar as formas da natureza e subordiná-las à unidade e ao tema da obra.

Como a história e a mitologia eram consideradas jogos ou dialética de ideias, terreno fértil para alegorias importantes, a utilização de temas desses assuntos era considerada a forma mais séria de pintura. Valorizava-se uma hierarquia de gêneros", originalmente criada no século XIX, em que a pintura histórica - temas clássicos, religiosos, mitológicos, literários e alegóricos - estava no topo, seguida pela pintura de gênero), depois o retrato, a natureza morta e a paisagem. A pintura histórica também era conhecida como o "gênero grande". elaborado)") na decoração para dominar o estilo da cultura vienense do século XIX. Paul Delaroche é um exemplo típico da pintura histórica francesa.

Todas essas tendências foram influenciadas pelas teorias do filósofo Hegel, que sustentava que a história era uma dialética de ideias opostas, que finalmente foram resolvidas em síntese.

No final do século, a arte académica tinha saturado a sociedade europeia. As exposições eram realizadas com frequência, sendo as mais populares o Salão de Paris e, a partir de 1903, o Salon d'Automne. Esses salões&action=edit&redlink=1 "Salão (reunião) (ainda não elaborado)") eram eventos de grande escala que atraíam multidões de visitantes, tanto nativos quanto estrangeiros. Foi tanto um evento social quanto artístico: 50 mil pessoas puderam visitar em um único domingo e até 500 mil puderam ver a exposição durante seus dois meses de duração. Milhares de pinturas foram expostas, penduradas abaixo do nível dos olhos até o teto, de uma maneira hoje conhecida como “estilo de salão”. O sucesso de uma exposição no Salão foi um selo de aprovação para um artista, permitindo que sua obra fosse vendida a um número cada vez maior de colecionadores particulares. Bouguereau, Alexandre Cabanel e Jean-Léon Gérôme foram figuras proeminentes neste mundo da arte.

Durante o reinado da arte acadêmica, as pinturas rococó, anteriormente impopulares, tornaram-se populares novamente, e temas frequentemente usados ​​​​na arte rococó, como Eros&action=edit&redlink=1 "Eros (deus) (ainda não redigido)") e Psyche&action=edit&redlink=1 "Psyche (mortal) (ainda não redigido)") tornaram-se populares novamente. O mundo da arte acadêmica também admirava Rafael, pelo "Idealismo (arte)") de sua obra, preferindo-o na verdade a Michelangelo.

A arte acadêmica na Polônia floresceu sob Jan Matejko, que fundou a Academia de Belas Artes de Cracóvia. Muitas dessas obras podem ser vistas na Century Polish Art Gallery em Sukiennice, Cracóvia.

A arte acadêmica não só teve influência na Europa Ocidental e nos Estados Unidos, mas também a espalhou para outros países. O ambiente artístico da Grécia, por exemplo, foi dominado pelas técnicas das academias ocidentais a partir do século: isso primeiro se tornou evidente nas atividades da Escola Jônica&action=edit&redlink=1 "Escola Jônica (pintura) (ainda não escrita)"), e mais tarde tornou-se especialmente acentuado com o surgimento da Escola de Munique). um artista acadêmico latino-americano é Ángel Zárraga, do México.

Os jovens artistas passaram quatro anos em rigoroso treinamento. Na França, apenas os alunos que passaram em um exame e receberam uma carta de recomendação de um famoso professor de artes foram aceitos na academia, a École des Beaux-Arts. Desenhos e pinturas de nus, chamados de "académias", eram os elementos básicos da arte acadêmica e o procedimento para aprender a fazê-los estava claramente definido. Primeiramente, os alunos copiaram gravuras de esculturas clássicas, familiarizando-se com os princípios de contorno, luz e sombra. A cópia foi considerada crucial para a formação acadêmica; Ao copiar obras de artistas do passado, foram assimilados seus métodos de criação artística. Para avançar para a próxima etapa e para cada etapa subsequente, os alunos enviaram desenhos para avaliação.

Se aprovassem, desenhavam modelos de gesso de esculturas clássicas famosas. Somente após adquirirem essas habilidades é que os artistas puderam ingressar em aulas nas quais posava uma modelo viva. A pintura só foi ensinada na École des Beaux-Arts depois de 1863. Para aprender a pintar com pincel, o aluno precisava primeiro demonstrar domínio do desenho, que era considerado a base da pintura acadêmica. Só então ele poderia ingressar em um ateliê acadêmico e aprender a pintar. Ao longo de todo o processo, concursos com tema pré-determinado e período específico mediram o progresso de cada aluno.

O concurso de arte estudantil mais famoso foi o Prix de Rome. O vencedor do Prix de Rome recebeu uma bolsa para estudar na escola Villa Medici, em Roma, por um período máximo de cinco anos. Para concorrer, o artista deveria ser de nacionalidade francesa, do sexo masculino, com menos de 30 anos e solteiro. Teve que atender aos requisitos de ingresso na École e contar com o apoio de um renomado professor de artes. A competição foi cansativa, com várias etapas antes da final, nas quais 10 competidores ficaram isolados em estúdios por 72 dias para pintar suas pinturas históricas definitivas. O vencedor teve a garantia de uma carreira profissional de sucesso.

Como já foi dito, expor com sucesso no Salão era um selo de aprovação para um artista. Os artistas solicitaram à comissão encarregada de pendurar as pinturas um posicionamento ideal "na linha", ou seja, na altura dos olhos. Assim que a exposição foi inaugurada, os artistas reclamaram que suas obras eram muito altas. A conquista final do artista profissional foi ser eleito membro da Académie française e ter o direito de ser conhecido como acadêmico.

Desde o início do debate Poussiniste-Rubeniste, muitos artistas trabalharam entre os dois estilos. No século XX, com a reativação do debate, a atenção e os objetivos do mundo da arte passaram a sintetizar a linha do Neoclassicismo com a cor do Romantismo. Os críticos reivindicaram a síntese de um artista após o outro, incluindo Théodore Chassériau, Ary Scheffer, Francesco Hayez, Alexandre-Gabriel Decamps e Thomas Couture. William-Adolphe Bouguereau, mais tarde um artista acadêmico, comentou que o truque para ser um bom pintor é ver "cor e linha como a mesma coisa".

Thomas Couture promoveu a mesma ideia num livro de sua autoria sobre método artístico, argumentando que sempre que se dizia que uma pintura tinha melhor cor ou melhor linha era um absurdo, porque sempre que a cor parecia brilhante dependia da linha para transmiti-la, e vice-versa; e essa cor era na verdade uma forma de falar sobre o “valor” da forma.

Outra evolução desse período foi a adoção de estilos históricos para mostrar a época da história que a pintura representava, que foi chamada de historicismo&action=edit&redlink=1 "Historicismo (arte) (ainda não escrita)"). O melhor exemplo disso é o trabalho do Barão Jan August Hendrik Leys"), que mais tarde influenciou James Tissot. Também é visto no desenvolvimento do estilo Neo-Grec"). O historicismo também é entendido como a crença e a prática associada à arte acadêmica de que as inovações das diversas tradições artísticas do passado devem ser incorporadas e reconciliadas.

No mundo da arte, cada vez mais atenção também foi dada à alegoria na arte. Teorias sobre a importância da linha e da cor afirmavam que através desses elementos o artista exerce controle sobre o meio para criar efeitos psicológicos, nos quais temas, emoções e ideias podem ser representados. À medida que os artistas tentavam sintetizar essas teorias na prática, aumentava a atenção sobre a obra de arte como veículo alegórico ou figurativo. Sustentava-se que as representações na pintura e na escultura deveriam evocar formas ou ideais platônicos, onde por trás das representações comuns algo abstrato, alguma verdade eterna, pudesse ser vislumbrado. Daí a famosa reflexão de Keats “Beleza é verdade, verdade é beleza”. Desejava-se que as pinturas fossem uma “idée”, uma ideia plena e completa. Sabe-se que Bouguereau disse que não pintaria “uma guerra”, mas que pintaria “a guerra”. Muitas pinturas de artistas acadêmicos são simples alegorias da natureza com títulos como Sunrise, Sunset, See e Taste, em que essas ideias são personificadas por uma única figura nua, composta de forma a revelar a essência da ideia.

A tendência artística também se orienta para um maior idealismo&action=edit&redlink=1 "Idealismo (artes) (ainda não escrito)"), ao contrário do realismo&action=edit&redlink=1 "Realismo (artes) (ainda não escrito)"), no sentido de que as figuras representadas tornam-se mais simples e abstratas - idealizadas - de forma a representarem os ideais que representam. Tratava-se de generalizar as formas da natureza e subordiná-las à unidade e ao tema da obra.

Como a história e a mitologia eram consideradas jogos ou dialética de ideias, terreno fértil para alegorias importantes, a utilização de temas desses assuntos era considerada a forma mais séria de pintura. Valorizava-se uma hierarquia de gêneros", originalmente criada no século XIX, em que a pintura histórica - temas clássicos, religiosos, mitológicos, literários e alegóricos - estava no topo, seguida pela pintura de gênero), depois o retrato, a natureza morta e a paisagem. A pintura histórica também era conhecida como o "gênero grande". elaborado)") na decoração para dominar o estilo da cultura vienense do século XIX. Paul Delaroche é um exemplo típico da pintura histórica francesa.

Todas essas tendências foram influenciadas pelas teorias do filósofo Hegel, que sustentava que a história era uma dialética de ideias opostas, que finalmente foram resolvidas em síntese.

No final do século, a arte académica tinha saturado a sociedade europeia. As exposições eram realizadas com frequência, sendo as mais populares o Salão de Paris e, a partir de 1903, o Salon d'Automne. Esses salões&action=edit&redlink=1 "Salão (reunião) (ainda não elaborado)") eram eventos de grande escala que atraíam multidões de visitantes, tanto nativos quanto estrangeiros. Foi tanto um evento social quanto artístico: 50 mil pessoas puderam visitar em um único domingo e até 500 mil puderam ver a exposição durante seus dois meses de duração. Milhares de pinturas foram expostas, penduradas abaixo do nível dos olhos até o teto, de uma maneira hoje conhecida como “estilo de salão”. O sucesso de uma exposição no Salão foi um selo de aprovação para um artista, permitindo que sua obra fosse vendida a um número cada vez maior de colecionadores particulares. Bouguereau, Alexandre Cabanel e Jean-Léon Gérôme foram figuras proeminentes neste mundo da arte.

Durante o reinado da arte acadêmica, as pinturas rococó, anteriormente impopulares, tornaram-se populares novamente, e temas frequentemente usados ​​​​na arte rococó, como Eros&action=edit&redlink=1 "Eros (deus) (ainda não redigido)") e Psyche&action=edit&redlink=1 "Psyche (mortal) (ainda não redigido)") tornaram-se populares novamente. O mundo da arte acadêmica também admirava Rafael, pelo "Idealismo (arte)") de sua obra, preferindo-o na verdade a Michelangelo.

A arte acadêmica na Polônia floresceu sob Jan Matejko, que fundou a Academia de Belas Artes de Cracóvia. Muitas dessas obras podem ser vistas na Century Polish Art Gallery em Sukiennice, Cracóvia.

A arte acadêmica não só teve influência na Europa Ocidental e nos Estados Unidos, mas também a espalhou para outros países. O ambiente artístico da Grécia, por exemplo, foi dominado pelas técnicas das academias ocidentais a partir do século: isso primeiro se tornou evidente nas atividades da Escola Jônica&action=edit&redlink=1 "Escola Jônica (pintura) (ainda não escrita)"), e mais tarde tornou-se especialmente acentuado com o surgimento da Escola de Munique). um artista acadêmico latino-americano é Ángel Zárraga, do México.

Os jovens artistas passaram quatro anos em rigoroso treinamento. Na França, apenas os alunos que passaram em um exame e receberam uma carta de recomendação de um famoso professor de artes foram aceitos na academia, a École des Beaux-Arts. Desenhos e pinturas de nus, chamados de "académias", eram os elementos básicos da arte acadêmica e o procedimento para aprender a fazê-los estava claramente definido. Primeiramente, os alunos copiaram gravuras de esculturas clássicas, familiarizando-se com os princípios de contorno, luz e sombra. A cópia foi considerada crucial para a formação acadêmica; Ao copiar obras de artistas do passado, foram assimilados seus métodos de criação artística. Para avançar para a próxima etapa e para cada etapa subsequente, os alunos enviaram desenhos para avaliação.

Se aprovassem, desenhavam modelos de gesso de esculturas clássicas famosas. Somente após adquirirem essas habilidades é que os artistas puderam ingressar em aulas nas quais posava uma modelo viva. A pintura só foi ensinada na École des Beaux-Arts depois de 1863. Para aprender a pintar com pincel, o aluno precisava primeiro demonstrar domínio do desenho, que era considerado a base da pintura acadêmica. Só então ele poderia ingressar em um ateliê acadêmico e aprender a pintar. Ao longo de todo o processo, concursos com tema pré-determinado e período específico mediram o progresso de cada aluno.

O concurso de arte estudantil mais famoso foi o Prix de Rome. O vencedor do Prix de Rome recebeu uma bolsa para estudar na escola Villa Medici, em Roma, por um período máximo de cinco anos. Para concorrer, o artista deveria ser de nacionalidade francesa, do sexo masculino, com menos de 30 anos e solteiro. Teve que atender aos requisitos de ingresso na École e contar com o apoio de um renomado professor de artes. A competição foi cansativa, com várias etapas antes da final, nas quais 10 competidores ficaram isolados em estúdios por 72 dias para pintar suas pinturas históricas definitivas. O vencedor teve a garantia de uma carreira profissional de sucesso.

Como já foi dito, expor com sucesso no Salão era um selo de aprovação para um artista. Os artistas solicitaram à comissão encarregada de pendurar as pinturas um posicionamento ideal "na linha", ou seja, na altura dos olhos. Assim que a exposição foi inaugurada, os artistas reclamaram que suas obras eram muito altas. A conquista final do artista profissional foi ser eleito membro da Académie française e ter o direito de ser conhecido como acadêmico.